El Teatro Lambe Lambe tiene sus raíces en Brasil de la mano de Ismine Lima y Dennise Do Santos creadoras del género en 1989. Las artistas desarrollaron un formato de teatro en miniatura dentro de una caja de fotografía antigua. El nombre hace referencia a los fotógrafos antiguos “lambe lambe”, que para entregar la fotografía lamían el papel para terminar el proceso del revelado y así entregarla al cliente. 

La magia que ocurría en la caja fotográfica se quedó y hoy en día este formato despierta sensaciones únicas. El espectador disfruta de una historia que se desarrolla en un espacio reducido, donde encuentra, personajes, escenografía, luces, música y muchos más elementos, lo que lo hace una experiencia íntima y personal.  La maestra Gabriela Céspedes, quien tiene su teatro de títeres, ‘Clavo y Canela’, en Mendoza Argentina, visita el país para dictar un taller que les permita a los participantes acercarse a este modelo teatral que viene cautivando al público. 

En ‘Amantes del Círculo Polar’, la artista comentó que no hay un objetivo específico en este arte, sin embargo, para ella “es un género teatral que nos transportar a otros universos, llevar a los espectadores a mundos internos, íntimos a los secretos, eso para el público, pero para nosotras como artistas, nos permite también contar otras historias que nos pueden atravesar o simplemente que tenemos escondidas y son muy divertidas porque conllevan un secreto”.

Teniendo en cuenta que la presentación dura entre minuto y medio y diez minutos, las dramaturgias deben ser concretas y fascinantes.  El taller tendrá 15 participantes y una duración de 10 horas. Dentro de los objetivos de este espacio se encuentran: Introducción a los principios de la técnica y sus particularidades. Sus orígenes, la iluminación, la música, la confección, la dramaturgia y animación, títeres y objetos. Desarrollo de una dramaturgia de síntesis. Desarrollo de una idea y llevarla al proceso de construcción de una caja - maqueta de cartón de un espectáculo en formato teatro lambe - lambe, para un solo espectador. Hacer un seguimiento y puesta en común de materiales de espectáculos que ya tengan los participantes del taller.

Más información de este taller, ingrese al siguiente link. 

‘Sonata de espectros', una de las obras finales de August Strindberg dirigida por Sandro Romero Rey, llega a su última temporada después del exitoso montaje de 'El Pato Salvaje' de Henrik Ibsen. En el programa 'Amantes de Círculo Polar', hablamos con el actor Carlos Gutiérrez “Caliche”, quien cuenta con una amplia experiencia profesional en la creación de personajes para teatro, televisión y cine a lo largo de una carrera de 22 años. Aquí interpreta a Johanson, uno de los mayordomos, para la creación del personaje se inspiró en Anthony Hopkins (Mr. Stvens) en 'Lo que queda del día' (1993) y en Anthony Perkins (Norman Bates) en 'Psicosis' (1960).

Un estudiante héroe, un viejo inválido, una momia vengativa, una joven de destructiva belleza, dos criados sin tiempo, una dama de negro y una cocinera incesante, conforman una galería de personajes enigmáticos. A medida que se desarrolla la obra en un escenario en constante transformación, estos personajes irán revelando sus secretos mientras los sonidos del fin del mundo los rodean, estableciendo sus propios acertijos.

La pieza es un salto al vacío, una obra que bebe del simbolismo, el romanticismo y la poesía, en la que un joven estudiante es recompensado por un enigmático anciano después de ser el héroe de un incendio. Lo que parece una simple retribución se convierte en un viaje al más allá, donde los muertos pagan sus deudas en la eternidad.

El montaje es un homenaje al gran director de cine Ingmar Bergman, quien además de ser un maestro en el cine, fue responsable de ciento veinticinco puestas en escena que lo consolidaron como uno de los más grandes directores suecos de todos los tiempos. Entre esa galería fascinante de producciones, dirigió en cuatro ocasiones 'Sonata de Espectros' de Strindberg, convirtiéndola en una de las obras esenciales de su repertorio.

La puesta en escena del Teatro Nacional es un tributo a los diálogos establecidos entre el cine y el teatro, con una creación que combina de manera detallada el trabajo de dirección de arte, luces, música y actuaciones concebidas especialmente con recursos contemporáneos. De esta manera, los espectadores del nuevo milenio tienen la oportunidad de acercarse a los grandes momentos del repertorio universal, pero con las posibilidades y las nuevas preguntas de nuestro tiempo.

En ‘Amantes del Círculo Polar’, hablamos con Edgar Laiseca Rodríguez, director y fundador de ‘Mueve tus sentidos’, sobre este encuentro que cumple 11 años siendo la plataforma de circulación, distribución y difusión de artistas emergentes y profesionales.

“El Festival ha crecido muchísimo, esa era la idea desde el principio. Tenemos un antecedente y era el encuentro de jóvenes creadores, que nació en el 2006, estamos hablando de una época donde los espacios para la danza eran mínimos. El evento se creó de una necesidad y no queríamos dejar que se acabara y lo continuamos en el 2013 con otro nombre, ‘Mueve tus sentidos, festival de danza en Bogotá’”, comenta Edgar acerca de la evolución de este espacio para la danza. 

Este año se presentarán 32 propuestas artísticas de 29 agrupaciones de Bogotá, Funza, Tabio y México; 312 artistas de todas las edades; 15 géneros de la danza y 17 estrenos. 

Además de la programación artística se realiza un componente académico que inicia el 29 de julio con la segunda residencia de creación intensiva por parte del joven Coreógrafo Jahel Mora; un laboratorio de creación audiovisual con celular dirigido por Loi León; dos clases magistrales de coreografía y “continuum training system” a cargo de Andrés Ahumada; una conferencia sobre ‘Danza y homofobia en México’ dirigida por el Doctor Alonso Alarcón; un conversatorio ‘Creo produzco y luego qué’, liderado por Paralelo Cultural. También habrá espacio para la parte literaria con la segunda edición impresa y digital de la Revista EscéniKa; se realizará, igualmente, la tercera muestra Audiovisual ‘Perri Pille’ (video danza y documental) y se relanzará la plataforma digital ‘Kalamo Danza’ donde se activa un nuevo componente de comercialización y distribución de todos los agentes involucrados en ‘Mueve tus Sentidos’. 

Sobre el lema que acompaña esta edición, Edgar menciona; “lo llamamos tejiendo historias en el movimiento, porque tenemos una diversidad de temáticas, obras artísticas de investigación – creación, que abordan temas como enfermedades por la alimentación; el desplazamiento forzado, la muerte, el amor y la danza vista desde los niños. Hay muchas temáticas que se van tejiendo alrededor de la programación artística”.

Presentaciones artísticas en el Teatro Centro García Márquez “el original”, Calle 12B # 3-17 Candelaria. 7:00 p.m. 

Mayor información y programación en las redes sociales.

Diana Acosta Rippe y Nicolás Muñoz nos acompañaron en el programa 'Amantes del Círculo Polar', donde nos hablaron del montaje que presentarán en el Festival.

Sonidos de pasos y vaivén habitan esta casa, este escenario. ¿De dónde vienen? De la angustia, el recelo, la desolación, monotonía, costumbre, inercia. Samuel Beckett escribió dos obras cortas: Un diálogo donde los personajes coinciden en su soledad y hartazgo, y un monólogo que sucede en el pendular movimiento de una vieja mecedora. En ambos casos, un ir y venir, aquello en lo que el ser humano cae cuando las palabras están por abandonarlo.

“Tándem Beckett, es la conversación de una mujer consigo misma, enfrentando la soledad y el no saber cuánto se ha vivido o cuánto se ha muerto. 'Pasos', al igual que 'Mecedora', son un vaivén. En 'Pasos', el personaje va y viene, cuenta el número de pasos mientras dialoga con la madre de ella, y ‘Mecedora’, un perpetuo diálogo, un soliloquio, una mujer hablando mientras se mueve en el vaivén de una mecedora. Tándem Beckett es eso, un vaivén, un ir y venir en esa habitación que también es ese escenario”, explicó la actriz y directora.

La agrupación de teatro presenta dos obras del Nobel de Literatura, respetando la partitura del escritor que dejó demarcado el movimiento de los personajes. La presentación será el próximo viernes 4 de agosto de 2023 en Caso Teatrova (calle 24 # 4ª -16) a las 7:30 p.m.

La nueva exhibición hace un recorrido por la historia de la economía y la producción de billetes y monedas en Colombia. Aquí la sociedad del país se verá representada a través de nuevos relatos y perspectivas que dan cuenta del uso social y cultural del dinero. El museo invita a reflexionar sobre el precio y el valor que se le ha asignado a los objetos y las ideas a lo largo de los años.

La muestra contó con la asesoría del economista José Antonio Ocampo y recoge los principales procesos económicos, sociales y culturales del país, desde el pasado prehispánico hasta el presente, narrados a través de la ‘Colección Numismática’.

Son ocho ejes que abordan temas como la riqueza, el dinero, la salvación, la naturaleza, la libertad, los procesos de cambio, la identidad y la igualdad.

El visitante encontrará novedades en el ‘Museo Casa de Moneda’, como componentes interactivos y tablas de equivalencias de precios que permiten calcular cuánto costaba determinado objeto en otra época, además de infografías y metáforas, construidas a partir de la labor museográfica, que fue realizada por profesionales de diversas disciplinas: Numismáticos, historiadores, artistas, economistas, educadores, museógrafos y diseñadores. 

Durante el proceso de renovación curatorial y museográfica se descubrió un vitral que representa a Santa Bárbara y a San Eloy, en perfecto estado de conservación, ubicado tras los dispositivos museográficos de la pasada exposición. Ahora estará a la vista del espectador.   

El ‘Museo Casa de Moneda’ fue una de las primeras edificaciones en Santafé, Nuevo Reino de Granada y en ella, en 1621, iniciaron las labores de acuñación de monedas de la región y se manufacturaron todas las monedas colombianas hasta 1987, cuando dicha actividad pasó a realizarse en la ‘Fábrica de Moneda’ de Ibagué. La casa fue declarada Monumento Nacional por el entonces Instituto Colombiano de Cultura, en 1975. 

A partir que se volvió museo, este espacio, solo había tenido un proceso de renovación entre 1985 y 1996. La segunda intervención, inició en septiembre de 2021 y finaliza abriendo sus puertas, para que el público disfrute de un museo que conserva la esencia histórica, pero a su vez, luce moderno e incluyente.

Consulte la programación en el siguiente link.

Una de las canciones más populares del rock argentino es del Flaco Spinetta: "Y si acaso no brillara el sol / Y quedara yo atrapado aquí / No vería la razón / De seguir viviendo sin tu amor / Y hoy que enloquecido vuelvo / Buscando tu querer / No queda más que viento, no / No queda más que viento". Reza la composición. El amor se evidencia, al igual que la obsesión, y si somos más agudos podríamos encontrar locura e incluso peligro, ya que no se debería estimular el fin cuando se termina un amor. Igualmente, en arte, música y literatura, son escenarios deseados, como en el caso de la primera novela de Gerardo Andrade, en la que el amor se impone, a pesar de que el tema que atraviesa la narración es un feminicidio.

En el programa 'Amantes del Círculo Polar', hablamos con el escritor, nacido en La Paz, Bolivia, que reside en Colombia desde 1975. Su oficio es la educación y su pasión la cultura, el cine y la literatura. En LAUD 90.4 FM ESTÉREO, nos habló de su libro.

"Siento que dejé el alma en cada palabra de esa novela, en sus personajes, en su narración", afirmó el autor. 'No queda más que viento' es la historia de Ricardo Salvatierra y de un amor maravilloso que desenlaza en tragedia, pero también es la historia de cómo la tragedia marca de manera inevitable un cauce imborrable para todos los involucrados.

En esta novela de Gerardo Andrade, los personajes y acontecimientos evolucionan sujetados a una trama pegajosa donde todo encaja, aunque en el fondo, no sea más que una ilusión. Un texto simétrico, un caleidoscopio de voces y formas de vivir y narrar un evento nefasto.

Desde el principio hasta el final, el narrador parece susurrarle al lector que el destino se manifiesta de diferentes formas y que no hay ningún evento en este mundo, por pequeño o grande que sea, que no acarree consecuencias absolutamente inesperadas e impredecibles a través del tiempo y el espacio. Sin embargo, también parece haber una segunda voz, una armonía, que dice que tal vez no, que atravesar el umbral de lo posible no siempre significa estar condenado a hacer parte de un fractal eterno.

El libro de 154 páginas es publicado por Planeta. 

Este monólogo musical, escrito y dirigido por Johan Velandia, fundador y director de la compañía teatral ‘La Congregación’, cuenta la historia de María, la artista cubana, más conocida como Vida Santiago y explora el desarrollo de las mujeres en la industria del entretenimiento. Se inspiró en divas de la música como Nina Simone, Aretha Flanklin y Janis Joplin.

La presentación es el producto de un viaje del director Johan Velandia. El artista se enamoró de la cultura, la música, la gente. Aprendió mucho en cada conversación, que para él se asemejaban a “lecciones filosóficas” con profundidad.

“Vida no es solo el nombre de la protagonista, termina siendo una metáfora sobre la mujer de estos tiempos, que renuncia incluso a su vida para ser otra, para renacer, para aprender de las heridas del pasado y, por supuesto, para hacer de esa nueva vida un arte, una canción, un bolero o un baile”, comenta Johan Velandia.

La actriz Carolina Gaitán regresa a las tablas con esta puesta en escena, donde interpreta a distintos personajes y canciones y recorre diferentes lugares y épocas. Un reto actoral y vocal que incluye bailarines y música en vivo con mucho sabor cubano.

“Ser mujer y poder contar la historia de una mujer es realmente poder vivir cada fibra y cada momento de este texto”, explica la artista. Reviva el conversatorio 'Mujer e industria', que se realizó con el director Johan Velandia y la actriz Carolina Gaitán, moderado por la también actriz Patricia Tamayo, sobre este tema que está implícito en ‘Vida, porque solo hay una’.

Más información de este y otros eventos del ‘Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella’, https://eneldelia.gov.co/info-programacion/

María Fernanda González Fabre es una talentosa actriz egresada de la Academia de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, con una sólida formación en la técnica de clown e improvisación, donde ha cultivado una carrera artística enriquecedora y diversa.

Como complemento a su carrera, María Fernanda viajó a Paris en el 2016, donde aprovechó la oportunidad de estudiar en el reconocido París Meisner Studio, sumergiéndose en la técnica Meisner y perfeccionando aún más sus habilidades. En ese período, desarrolló su propio ‘One man show’ titulado ‘María, Une colombienne a Paris’, la cual presentó en distintos escenarios, ofreciendo actuaciones en inglés y francés.

Con una pasión por la interpretación, María Fernanda ha participado en diversos montajes teatrales a nivel profesional. Estas experiencias le han permitido explorar una amplia gama de registros actorales, desde lo cómico hasta lo trágico, consolidando así una versatilidad envidiable para sus futuras puestas en escena. Actualmente, la artista se desempeña como actriz y docente en la Congregación Teatro, compañía teatral dirigida por Johan Velandia, en el que están desarrollando un taller con varias modalidades como: danza, canto, clown, actuación y dramaturgia con el que pretenden ampliar el conocimiento actoral de sus estudiantes. 

“La creación del taller busca proporcionar un espacio amoroso y respetuoso para que los alumnos exploren su talento sin miedo ni limitaciones. Este ofrece un enfoque inclusivo, permitiendo que actores de diversos niveles puedan participar, sin importar su experiencia previa en áreas como canto, clown o actuación”, mencionó Mafe.

La actriz también destaca la importancia de un enfoque actoral pensado por actores para actores, lo que crea un ambiente enriquecedor donde se comparten experiencias y recursos prácticos para el desarrollo de las habilidades actorales. 

La participación activa y constante de los integrantes de la compañía en distintos proyectos artísticos, como cine, teatro y televisión, hacen que sea de inspiración para aquellos que buscan explorar y perfeccionar su talento en el mundo de las artes escénicas. 

Compartimos los tres estrenos más importantes en las salas de cine comercial este fin de semana.

‘Oppenheimer’

Escrita y dirigida por Christopher Nolan, Oppenheimer es un thriller épico que sumerge al público en la trepidante paradoja del enigmático hombre que debe arriesgarse a destruir el mundo para poder salvarlo. El físico J Robert Oppenheimer trabaja con un equipo de científicos durante el Proyecto Manhattan, que condujo al desarrollo de la bomba atómica.

‘Barbie’

Vivir en Barbie Land es ser un ser perfecto en un lugar perfecto, a menos que tengas una crisis existencial total, o seas un Ken. 

Barbie es una comedia romántica británica-estadounidense basada en la línea de juguetes del mismo nombre de Mattel.

‘Mala suerte, Buena suerte’

Basada en hechos reales, cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería, pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.  

En ‘Amantes del Círculo Polar’, hablamos con Carolina Ramírez, coordinadora general y productora del Festival, sobre las novedades que ofrece.

“Llegaron un poco más de 500 propuestas y la selección fue super difícil, pero lo que decíamos, es que algo estamos haciendo bien y algo está pasando con el evento, porque este se reconoce en muchos lugares, entonces es maravilloso. Además, significa que hay una variedad en la programación y en este caso desde la parte académica y artística”, comenta Carolina. 

La ‘Programación Especial’, ha sido denominada así, por eso, particularidad que siempre tiene el Festival de generar un contenido diverso y pertinente para estos procesos de cambio y paz que experimenta el país. Los espacios que contempla la programación son:

‘Encuentros de Teatro’, que abordan temáticas relacionadas con este arte desde una mirada femenina.  El ‘Lanzamiento de libros y revistas’, tendrá la partición de Vivian Martínez de Cuba, con la última edición de la ‘Revista Conjunto’, la cual incluye algunos artículos sobre el teatro en Colombia; ‘Cuentos de mujeres’, de la ‘Fundación Mujeres Confiar’ y el lanzamiento del libro de poesía de la maestra Patricia Ariza que fue publicado, en inglés y español, por una editorial norteamericana. 

Se llevará a cabo en la biblioteca ‘Los Fundadores’ del Gimnasio Moderno, un ‘Recital de Poesía’, con la participación de mujeres poetas. 

Los ‘Talleres, Mujeres en Escena’, desarrollarán temas fundamentales del teatro desde miradas diversas que invita a los artistas y creadores de las artes vivas a conocer y adaptar otras visiones a sus proyectos. Las talleristas son mujeres relevantes en el universo teatral. 

Y por supuesto, no podía faltar, el espacio trascendental del Festival y donde la palabra cobra vida, el XIII Encuentro Polifónico Mujeres y Paz, que este año se orienta hacia ‘Los Saberes de la Paz’. Allí se darán cita las mujeres para tratar de responder las preguntas que se derivan de este tema que involucra un enfoque territorial.  

Asimismo, se realizará la II versión del ‘Premio María Eugenia Ramírez Brisneda’, dedicada a la defensa de los Derechos Humanos de las mujeres y las ‘Polifonías’ que ofrece un espacio para que las mujeres hablen, canten y cuenten.

Adicionalmente Carolina cuenta que este año van a extender la ‘Red de Úrsulas Polifónicas’ a nivel nacional, un proyecto que es integrado por las escuelas de mujeres de la ‘Corporación Colombiana de Teatro’. “Va a ser bien bonito, bien emotivo y sobre todo las reflexiones que esas discusiones nos van a traer para de verdad apostarle a la construcción de paz en Colombia desde y con las mujeres”. 

La programación completa puede consultarse en la página del Festival.