El Instituto Distrital de las Artes (Idartes) presentó la convocatoria de sus Talleres de Profundización y Exploración 2026, una apuesta gratuita para fortalecer la creación en mayores de 18 años. Esta iniciativa busca acompañar a autores capitalinos en la consolidación de sus voces narrativas y el desarrollo técnico de sus manuscritos.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Alejandra Soriano, gerente de Literatura de Idartes, destacó la trayectoria de este proyecto. “Es un programa que tiene 14 años en la ciudad y que, desde el sector público, ofrece la oferta más completa de formación en escrituras creativas de manera gratuita”.

La edición actual cuenta con siete espacios especializados que trascienden los géneros tradicionales. Además de narrativa de ficción y poesía, la oferta incluye escrituras híbridas y narrativa gráfica. Según Soriano, esta diversidad responde a las tendencias contemporáneas. “Ya no hablamos solo de narrativa o de poesía en un sentido estricto. También exploramos registros poéticos más amplios y otras formas de contar historias”.

Uno de los puntos más innovadores es el taller dedicado a los objetos editoriales. Al respecto, la gerente enfatizó que el interés ciudadano ha mutado. “Las personas se acercan a crear y a poner sus historias en otros formatos distintos al libro. Nos encontramos con juegos de mesa, libros de fotografía y otras formas de contar”.

Los procesos formativos estarán liderados por referentes nacionales e internacionales como Sara Uribe (México), Bernardo Fernández ‘Bef’ (México), Andrea Salcedo, Laura Ortiz, John F. Galindo y Camila Charry Noriega.

Cada taller contará con 45 horas de trabajo distribuidas entre abril y julio, bajo modalidades presenciales y virtuales. Los 25 seleccionados por grupo recibirán acompañamiento especializado para sus proyectos.

Los interesados pueden postularse hasta el 11 de marzo a través de la plataforma de Invitaciones Culturales de la Secretaría de Cultura de Bogotá. Con este ciclo, la capital reafirma su compromiso de brindar espacios donde los relatos locales encuentren nuevas formas de ser narrados.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

La figura de la musa suele asociarse a un tercero, pero para Valeria Tous, la verdadera inspiración reside en el autodescubrimiento. Durante su paso por los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la joven escritora presentó ‘Your Muse’, un poemario que surge de una ruptura a los 16 años, manifestando que: “El arte no debe nacer de la queja, sino de la reconstrucción personal. Yo soy mi propia inspiración”, afirmó al explicar el sentido de un título que invita a dejar de buscar validación externa.

Ese primer desamor la llevó a cuestionarse. “Si no te amas a ti mismo, ¿cómo puedes amar a otra persona?”. La reflexión dio vida a versos que priorizan el proceso emocional de quien se queda, restándole importancia a la figura del otro como centro del relato.

Para la invitada, la escritura se consolidó como una herramienta de sanación donde lo vital no es el ser que se fue, sino la persona que logra seguir adelante. Durante la entrevista, compartió fragmentos de su poema ‘Dejarte ir’, donde sentencia con firmeza. “No puedo luchar por alguien que no me elige. Yo perdería mi dignidad”.

Tras este debut editorial, Valeria busca que sus letras sirvan de refugio para otros jóvenes que atraviesan transiciones similares. “Mi propósito es llegar a personas que encuentren en mí cierta compañía”, explicó sobre su deseo de convertir una vivencia íntima en una conversación colectiva. Más que un cierre, ‘Your Muse’ representa el inicio de un camino literario donde la palabra se utiliza para asumir la pérdida sin renunciar jamás al autorrespeto.

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Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

La pérdida gestacional suele vivirse como un secreto heredado entre generaciones, un silencio que Maite Doria decidió romper tras la partida de su hija Emma a las 22 semanas. En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la autora explicó que su obra , nació de una premisa fundamental. “De la vulnerabilidad nacen las fuerzas más profundas del alma”.

Para Doria, este proceso de escritura no solo fue un ejercicio personal, sino una necesidad social de dar voz a quienes, según sus palabras, “merecen un lugar en nuestro árbol genealógico”.

Durante la entrevista, enfatizó que el dolor no debe medirse por el tiempo de gestación, pues la maternidad y la paternidad comienzan desde el anhelo. “Perder un hijo es quebrantar un ideal porque el vínculo emocional no depende de la presencia física”.

Al indagar en su historia familiar, descubrió que estas pérdidas eran comunes en generaciones pasadas, pero se mantenían como “secretos del alma” que nunca dejaban de doler. Por ello, insiste en presentarse siempre como madre de Emma y Mariana, dándole a su segunda hija el lugar que le corresponde. “Yo soy María Teresa Doria, mamá de Emma y Mariana”, afirmó para explicar que, el nacimiento de un nuevo hijo no borró la ausencia, pero sí permitió resignificarla.

Para la autora, la llegada de un “hijo arcoíris” es una invitación a que la memoria y la vida cotidiana convivan sin excluirse. Además, esta vivencia trasciende a la pareja. “El hombre muchas veces silencia más sus emociones”, comentó, señalando la dificultad que enfrentan los padres para expresar su sentir. En este contexto, hablar se convierte en una herramienta de reconstrucción: “Entre más uno habla de lo vulnerable que se siente, va encontrando los caminos”, puntualizó.

‘Hablemos de nuestros hijos no nacidos: Ser madres y padres entre el cielo y la tierra’, es un libro que recoge esta vivencia y plantea una reflexión profunda sobre la espiritualidad y el lugar simbólico de quienes no alcanzaron a nacer.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

En la frontera donde los sueños se unen con la realidad, habita la obra con la que Alejandro Ladrón de Guevara transformó la energía en narrativa. Este ingeniero mecatrónico e inventor con patentes en más de quince países, emergió como una figura literaria colombiana. Un creador que no abandonó la técnica, por el contrario, abrazó las letras.

Durante su paso por los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, el escritor reveló que su tránsito hacia la literatura no fue un proceso calculado, sino una revelación. “Ha sido un milagro”, confesó al rememorar el sueño que detonó la historia.

Este hallazgo visual impulsó a una escritura vertiginosa de diez días consecutivos. “Lo escribí a la velocidad del rayo; veía las imágenes en mi cabeza y sentía la urgencia de compartirlas”, agregó el invitado.

Para el egresado de la Universidad San Buenaventura, con siete patentes concedidas para la industria petrolera, la ciencia y la ficción emergen de la conciencia. Según explicó, existe una dimensión de información universal a la cual el ser humano puede acceder para descargar conocimiento, ya sea una fórmula hidráulica o un arco narrativo.

Esta conexión se traduce en una trama estructurada en múltiples planos. La historia se da con Niki Martínez, una estrella de la NBA que, tras la pérdida de su esposa, halla en el mundo de los sueños un territorio donde la razón y el afecto dialogan. Lo que inició como un proceso de duelo, derivó en un viaje de física cuántica y memoria emocional. “El libro propone tres giros argumentales que obligan a una relectura para descubrir su naturaleza cíclica”, afirmó el autor.

La obra se inscribe en el “realismo mágico espiritual”, una corriente que sustituye el mito tradicional por conceptos de conciencia expandida y universos paralelos. El título, lejos de ser ornamental, responde a la propia vivencia de Ladrón de Guevara, quien manifestó que, “al finalizar el manuscrito, terminé llorando; no podía creer lo que había plasmado”.

Así, ‘Catarsis’ no se ofrece como una lectura emocional, sino como un proceso transformador que invita a revisar la propia relación con la pérdida y la trascendencia.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

Concebida como una obra que se interpreta al compás de una banda sonora y permanece en la memoria. En esta entrega, la escritora Juliana DiMaría regresa con una mirada íntima, que transforma la experiencia sentimental en una reflexión honesta sobre la identidad femenina que se construye y a veces se desdibuja.

La autora aclaró en LAUD 90.4 FM ESTÉREO, que, pese a lo sugerente del título, no se trata de una confesión estrictamente autobiográfica. Es, en cambio, un retrato generacional tejido con música, nostalgia y preguntas incómodas que desafían el statu quo del romance moderno.

“Las personas siempre intentan ver reflejada mi vida en lo que escribo, pero en este caso no es así, me inspiré de voces cercanas, confidencias entre amigas y relatos de historias en los que muchas mujeres logran reconocerse: Hay un poco de todas en este libro”.

Emma, la protagonista, transita por un mapa de afectos que incluye romances intensos, amistades mutantes y rupturas. Sin embargo, el eje del relato no es la búsqueda incansable de una pareja, sino el proceso de maduración y autodescubrimiento. “A través de las relaciones nos vamos construyendo porque el verdadero clímax de la historia no es el "felices por siempre" con otro, sino el reencuentro con el amor propio”.

Lo que distingue a esta narración es su estructura sonora, ya que cada capítulo cuenta con su propia melodía. Basándose en artistas icónicos como Shakira, Amaral y La Oreja de Van Gogh, referentes que han puesto banda sonora a dos décadas de amores adolescentes y duelos. La obra apela a esa memoria sensorial donde una canción tiene el poder de teletransportar al lector a un primer beso, a una despedida en un aeropuerto o a esa conversación que cambió el rumbo de la existencia.

En una era donde la validación digital parece dictar el valor personal, DiMaría propone un mensaje de solidez y autonomía. “Confiar en la propia esencia para evitar que los vaivenes externos desmoronen la estabilidad interna”.

‘A veces me enamoro, pero se me pasa rápido’, no busca idealizar el afecto ni prometer finales de película; prefiere aceptar que los amores pueden apagarse y las complicidades transformarse, sin que esa fugacidad reste valor a lo que alguna vez se sintió con fuerza. Es, en definitiva, una invitación a entender que algunas personas llegan para quedarse y otras, simplemente, para dejar una gran canción.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

En los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, el escritor Hernando Cardozo Luna presentó el libro ‘Que alguien me escriba un poema’ y compartió cómo el jazz y la cultura pop se entrelazan en su reciente obra. Tras tres décadas de silencio poético, Cardozo regresa con una propuesta que derriba el mito de la exclusividad académica, presentando el verso como un lenguaje accesible que habita en lo cotidiano y lo emocional.

A pesar de su sólido perfil como doctor en Ciencias Jurídicas y árbitro de la Cámara de Comercio de Bogotá, Cardozo se aleja del tecnicismo legal para adoptar una estética libre. Su proceso creativo ha evolucionado drásticamente desde sus inicios.

“El último libro que escribí fue hace 30 años. En pandemia volví a escribir para mis amigos; eran pequeños cuentos e historias que fueron creando un material importante. Al compararlo con mis primeras seis publicaciones, noté un cambio sustancial: Pasé de lo romántico y lúdico a una poesía más madura, existencialista y urbana”, afirmó el escritor.

Un aspecto relevante de esta creación es su gestación, ya que cada verso nació en la pantalla de un dispositivo móvil durante trayectos y pausas diarias. “Cuando escribí en el celular me di cuenta de que me gusta la poesía corta; no quiero cansar al lector. Por eso escribo ahí por maña; cuando lo intenté en el ordenador ya no pude, precisamente porque busco esa brevedad”, confesó el autor.

Para Cardozo, esta dinámica dialoga con las nuevas formas de consumo cultural, uniendo la rapidez tecnológica con la pausa que exige la lectura. Según explicó, la poesía crea canales íntimos que rompen el esquema de la inmediatez de redes como TikTok, pues la experiencia de un libro físico difiere totalmente de un audio.

Finalmente, la obra se presenta como un recorrido por ciudades, afectos y silencios donde cada poema es independiente.

“Es un libro de mesa de noche que se puede abrir en cualquier página. Muestra una reflexión sobre lo que ha sido mi vida. Incluso el título surgió antes que el poema mismo: Me pregunté quién querría que le escribieran un verso, exploré mi lado femenino y visualicé a una mujer ejecutiva deseando ese texto. Así comenzó la construcción de este libro”, concluyó.

Al final, su propuesta nos demuestra que el poema no es un enigma por resolver, sino una experiencia para ser vivida.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

La poesía y la ilustración se entrelazan en ‘Esta Verde Morada’, un proyecto donde García y Roncancio convirtieron el recuerdo doméstico en un territorio habitable. Esta propuesta surgió de una dinámica creativa espontánea, sugiriendo un regreso sensible a los vestigios de la niñez.

Durante su paso por los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, los creadores compartieron cómo dicha libertad cobró estructura. Ambos artistas comenzaron a producir sin la presión de una publicación formal, permitiendo que sus lenguajes se fusionaran de manera orgánica.

“Nos dimos cuenta de que estábamos construyendo un hogar. Yo soy escritor, Catalina es ilustradora; pasábamos las noches jugando, diciéndonos: “Tú haces este dibujo y yo escribo, a ver qué sale”. En ese ejercicio fue pasando el tiempo y entendimos que teníamos un libro entre manos”, explicó García.

En aquel diálogo casi infantil, donde el resultado importaba menos que el proceso, la ilustradora recuerda que lo iniciado como improvisación se transformó en una labor consciente. “Fue como jugar, salió improvisado y de un momento a otro comprendimos lo que teníamos. Nos pusimos serios y dijimos: Esto está bien hecho”.

Para Sebastián, la lírica no responde a una utilidad práctica; precisamente allí reside su potencia. Al despojarse de lo utilitario, el poema privilegia el sentimiento y la construcción de lo propio. Bajo esta premisa, la pieza no intenta dar respuestas, sino abrir puertas: Es una casa simbólica que se descubre despacio para dejar entrar la nostalgia.

Esta obra no es solo un ejemplar de poesía ilustrada; es una invitación afectiva a entrar, sin prisa, a los cuartos internos donde la memoria todavía respira.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

A sus 11 años, Cristián Garzón, recorría parte de las colinas centro orientales de Bogotá para poder llegar a su lugar favorito: La Biblioteca Pública La Peña, un espacio que acababa de abrir sus puertas en la localidad de San Cristóbal.

Su primer acercamiento no fue a través de los estantes ni de la literatura, sino de algunos talleres escolares de robótica que buscaban los niños a este nuevo lugar. Sin saberlo, estaba entrando a un espacio que marcaría para siempre su vida.

“Cuando entré a grado décimo me pegó la gripa de la lectura. Empecé a volver por cuenta propia y me quedaba durante horas recorriendo las colecciones de cuento, poesía, novela y ensayo. Allí descubrí autores y autoras que no aparecían en el colegio y convertí la biblioteca en mi lugar de estudio”, aseguró Cristián Garzón en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Un sueño llamado ‘Totuma Libros’

Este camino lo llevó a estudiar Licenciatura en Filosofía en la Universidad Pedagógica Nacional y para sostener sus estudios empezó a editar, encuadernar y vender libros. Su día a día consistía en corregir textos, diagramar, imprimir y coser páginas a mano.

Así fue como una labor de supervivencia se convirtió en su vocación y poco a poco dio paso a ‘Totuma Libros’, una editorial independiente y autogestionada que ha publicado cerca de 22 títulos, resaltando en la mayoría de sus obras la poesía.

“La poesía es una posibilidad de criticar el lenguaje, de liberarlo de los mecanismos de poder y de lo comercial. No nace desde el mercado ni el capitalismo, sino desde algo visceral y entrañable, como una forma de devolverle a la palabra su sentido más humano”, agregó el editor.

Entre el rap, la lírica y los versos

Junto a amistades del mundo editorial, Garzón formó un grupo de rap donde la poesía ocupa el centro. En 2024 lanzaron el EP ‘Hablando solos’ y actualmente trabajan en su primer álbum, ‘Galguerías’, una producción que dialoga directamente con el universo literario que han construido entre lecturas, versos y encuentros culturales.

A través de historias que dialogan con la realidad colombiana, el libro propone una lectura incómoda pero necesaria sobre la violencia de género y sus huellas. En un contexto donde las agresiones siguen marcando la actualidad de Colombia, la literatura se convierte en un refugio. 'Génesis: Olores y recuerdos de la piel', invita a explorar un conjunto de relatos que desnudan las heridas del cuerpo femenino, narrando el dolor y la resistencia en un país en el que la intimidación aún deja huella.

Para la autora, Laura Velandia, quien nos acompañó en LAUD 90.4 FM ESTÉREO, el horror no es un género, sino una forma de narrar aquello que se vive y se acumula en la corporalidad. “El horror es algo que me ha llamado la atención, hablo de las experiencias de ser mujer, de haber crecido como mujer, de lo que habita un cuerpo feminizado. Es una historia de terror que recae en la piel, en la violencia estética, en la presión de encajar socialmente con estándares de belleza, y puede que muchas veces la memoria las olvide, pero el cuerpo deja marcas por siempre”.

Y agregó. “Estos relatos tan crudos que hablan de estética, feminicidio, y migración, nos pegan en el cuerpo y es imposible narrar estas historias sin hablar desde la piel”.

Laura, reconoce que escribir sobre estas realidades implicó volver a atravesar el trauma. “A veces es cuestión de explorar el dolor y fundirse un poco en él para poder entenderlo desde lo más íntimo y profundo y suavizarlo lo hace violento, ya que es minimizar un poco la violencia, sin embargo, no fue fácil, porque trato temáticas que son muy delicadas y no solo para mí, sino para las personas con las que hablé, porque son algunas allegadas a mi familia, a amigas, a mí misma; fue como repasar esa herida una y otra vez”.

El libro también plantea una lectura crítica de los discursos religiosos que han moldeado el pensamiento de lo femenino. En lugar de reproducir la culpa asociada al origen bíblico, la obra propone una resignificación del deseo y de la conciencia como actos de afirmación. Desde allí, 'Génesis: Olores y recuerdos de la piel' cuestiona las narrativas que han justificado el sometimiento del cuerpo femenino bajo la idea de obediencia o sacrificio.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

‘De su vientre, el mar’ es un libro de cuentos que se sitúa en regiones como Urabá, el Chocó y la periferia de Medellín, donde la historia personal y la colectiva se cruzan constantemente. Hugo Oquendo explicó que estos relatos nacen de personajes que no suelen aparecer en las historias oficiales del país. “Para mí el cuento es una forma de pensar, de filosofar”, afirmó, al señalar que escribir es una manera de interrogar la realidad.

El camino literario del autor comenzó desde un lugar poco común: La teología. Oquendo contó en ‘Amantes del Círculo Polar’ que su acercamiento a la literatura estuvo mediado por textos religiosos y poéticos como los salmos y el Cantar de los Cantares. “Ahí descubrí que dentro del pensamiento religioso hay poesía”, explicó, señalando cómo ese cruce influyó en su forma de narrar y de construir imágenes.

Los cuentos del texto están atravesados por personajes que cargan historias de violencia, exclusión y resistencia. Según Oquendo, muchos de ellos son figuras anónimas: Recicladores, amas de casa, abuelas del barrio, personas trans o comunidades afro e indígenas. “Son personajes que, en un momento de sus vidas, significaron una revelación”, dijo, al referirse a cómo esas experiencias reales se transforman en ficción.

Uno de los ejes del libro es la memoria como acto necesario. Oquendo fue claro al afirmar que “la memoria es sagrada”, y que estos relatos buscan recordar lo que ha ocurrido sin convertirlo en un dato frío. En ese sentido, el conflicto armado aparece como un trasfondo constante, no desde la crónica directa, sino desde escenas cotidianas que dejan ver sus efectos en los cuerpos y en la vida diaria.

El título condensa buena parte de su propuesta simbólica. El autor explicó que el mar aparece como un lugar donde confluyen el dolor y la posibilidad de renacer. “El mar es un gran vientre, una matriz”, señaló, retomando mitos indígenas y antiguos en los que el agua representa el origen de la vida. Así, el mar funciona como metáfora del sufrimiento acumulado, pero también de la transformación.

Más que ofrecer respuestas, ‘De su vientre, el mar’ propone una lectura inquieta. Oquendo lo define como un libro que no busca comodidad, sino atención. “El dolor no puede terminar siendo nuestro futuro como sociedad”, afirmó, al explicar que escribir estos cuentos es además una forma de pensar el país y de abrir preguntas sobre lo que somos y lo que aún está por sanar.