Esta transición marca un hito para el teatro de títeres en Colombia, al transformar medio siglo de legado artístico en un ambicioso proyecto de infraestructura.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Anabel Álvarez, productora ejecutiva de la organización, explicó que este aniversario coincide con un cambio estructural definitivo tras la demolición de su tradicional sede. “Tenemos una mezcla entre entusiasmo, tristeza y nostalgia; cuando pasamos frente al lote sentimos algo en el corazón”, señaló Álvarez. Sin embargo, este cierre da paso a un complejo de cinco niveles dedicado íntegramente a las artes escénicas.

Mientras se cimentan las bases de este nuevo centro cultural, la agrupación mantiene su vigencia desde la Alianza Francesa de Bogotá, que funciona como escenario temporal. Allí, la compañía sostiene una temporada de repertorio con piezas fundamentales como ‘La rebelión de los títeres’ y ‘Los héroes que vencieron todo menos el miedo’. Sobre esta obra, Álvarez destacó que: “Tras miles de funciones, aún sigue cautivando al público porque la esencia del títere conecta con lo más profundo del ser humano”.

La programación actual también incluye ‘Ácidas ficciones’, una propuesta para jóvenes y adultos que reflexiona sobre la muerte desde el humor, funcionando como un homenaje al maestro César Álvarez. A esta oferta se suma ‘Que duermas bien, Alfonso’, montaje enfocado en la primera infancia que explora la relación entre padres e hijos y el valor del tiempo compartido.

Bajo la premisa de que cada función es una experiencia irrepetible, la productora afirmó. “El público siempre se lleva un pedacito de memoria en cada presentación”.

Así, La Libélula Dorada utiliza este quincuagésimo aniversario para consolidar un puente entre su memoria y su porvenir, siendo una antesala al escenario que definirá sus próximos años de creación.

Danzas, cantos y máscaras que se usaban para adorar dioses, festivales en honor a ‘Diosinio’ en la Grecia del siglo VI a.c. y el nacimiento de la ‘tragedia’ y la ‘comedia’. Así comenzó la historia del cuarto arte: El Teatro.

Desde 1961, el mundo decidió darle un lugar de honor a las tablas cada 27 de marzo, coincidiendo con la inauguración del Teatro de las Naciones en París, un evento clave que reunió compañías de todo el mundo.

Es por esta razón que Colombia se vuelve a vestir de arte y las salas, plazas, parques, bibliotecas, salones comunales y veredas se unen a la celebración. 

“A través de una invitación pública, seleccionamos agrupaciones y artistas que nos permiten construir una agenda diversa con presentaciones en territorios como Barrancominas (Guainía), La Argentina (Huila) y Urumita (La Guajira). El teatro colombiano se posiciona ante el mundo al mostrar su diversidad, su pluralidad y su diálogo constante con los territorios”, afirmó Fabio Pedraza, coordinador del Grupo de Teatro del Mincultura.

¡Funciones gratuitas y abiertas al público!

La agenda incluye cerca de 150 funciones por todo el territorio con diversas temáticas que llegarán a departamentos como Antioquia, Nariño, Atlántico, Boyacá, Meta, Norte de Santander, Caldas, Valle del Cauca y Amazonas, incluyendo municipios y territorios donde el acceso a este tipo de experiencias es limitado.

Una de las novedades de esta edición es un mapa interactivo que permite a los usuarios descubrir la obra más cercana y su temática. El recurso está disponible en el siguiente enlace.

Además, se reactivarán rutas de artes escénicas y vivas en la última semana de marzo y el mes de abril como la descentralización del Festival Internacional de las Artes Vivas- FIAV que se expandirá hacia otras regiones del país.

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Un viaje al estilo vibrante de los años 80 y 90, un mundo implacable y personajes que parecen juguetes recién salidos de sus cajas. Así es el universo de ‘Rosa’, una idea que nació en la mente de Cristian Gutiérrez y que hoy se materializa en las tablas capitalinas.

En este contexto viven Leo y Rose, una pareja que representa el ideal de perfección, sonrientes, atléticos y aparentemente felices. Sin embargo, detrás de esa fachada de muñecos perfectos se esconde una historia que cuestiona qué tan real puede ser la perfección cuando todo parece diseñado para lucir impecable.

“‘Rosa’ nació mientras oía ‘Aqua Barbie’, en ese momento pensé: ¿Qué pasaría si llevamos esa estética al entretenimiento visual y la convertimos en una experiencia teatral? Cuando pensamos en muñecos como ‘Barbie’ imaginamos algo impecable, casi ideal, y la obra juega con ese imaginario: Es encanto, belleza y a la vez crítica, una propuesta que sorprende desde lo visual”, resaltó Cristian Gutiérrez, director y dramaturgo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El escenario se transforma y se convierte en una experiencia sensorial que busca sumergir al público en la misteriosa “vida secreta” de los juguetes cuando nadie los está viendo. Allí se combinan coreografías milimétricas, una atmósfera visual con estética VHS y un vestuario de alta costura, elementos que entretejen la historia al lado de un aire de comedia, nostalgia y drama.

“Van a descubrir muchos secretos; nada de lo que ven es exactamente lo que parece. Por eso deben estar listos para sorprenderse. Rosa esconde un misterio: Vivimos en un mundo que parece perfecto, pero tal vez no lo sea tanto. No se lo pueden perder”, agregó Diego Serrano, actor protagonista.

Al lado de Diego se encuentra un elenco integrado por Alan Ramírez, Luz Gutiérrez, Jhiver Mateus, Diego Serrano, Annabelle, Helen Martínez y Alexander Aristizábal.

El estreno tendrá una única fecha el próximo viernes 27 de marzo, con funciones programadas a las 8:00 p.m. y 10:00 p.m. en el Teatro Barajas.

Las funciones se llevarán a cabo del 12 al 21 de marzo mediante una propuesta escénica que integra actuación, expresión corporal y una estética visual definida, rasgos que consolidan el sello del colectivo dirigido por Juan Amadeo Pulido.

En cuanto al origen de la iniciativa, la actriz Lia Safra, integrante del elenco, relató en entrevista para LAUD 90.4 FM ESTÉREO que el proyecto surgió en un contexto desafiante para el sector cultural. “Madeo Teatro nace en 2021, en plena pandemia, cuando las salas cerraron y muchos autores empezaron a escribir. Amadeo optó por crear ‘De noche todos los gatos dicen te amo’ y así inició este camino”, señaló.

La primera de estas historias sitúa la acción en una boda donde cuatro personajes: Ava, Renato, Olivia y Marcelo, se ven sumergidos en una trama de deseo, inseguridad y tentación. Lo que comienza como un encuentro festivo termina por evidenciar las grietas en las relaciones y las ambigüedades del enamoramiento. Según Safra, la creación se sumerge en las dinámicas afectivas que surgen al establecer lazos de pareja. “La pieza reflexiona sobre cómo la pasión suele generar ceguera. Uno no escucha realmente lo que el otro dice y se proyecta demasiado hacia el futuro”.

Por otro lado, ‘El profundo mar azul’, inspirada en ‘The Deep Blue Sea’ del dramaturgo Terence Rattigan, narra la vivencia de Alejandro, un antiguo docente que, tras un fallido intento de suicidio, queda expuesto ante su comunidad y encara los rumbos que marcaron su trayectoria. A diferencia del primer relato, este montaje se enfoca en dilemas introspectivos. “En este punto el conflicto es mucho más íntimo. Se aborda la identidad y la complejidad de elegir para ser fiel a los propios anhelos”, puntualizó la actriz.

En escena intervienen seis intérpretes encargados de edificar un universo alegórico donde lo privado se vuelve colectivo. El diseño de espacio incluye materiales industriales, ventiladores y superficies metálicas que acentúan la sensación de confinamiento y soledad que atraviesa la trama. Pese a ser narrativas independientes, ambas visiones convergen en una misma búsqueda: Examinar los

sentimientos y confrontar al público con sus propios nexos y resoluciones. “Lo valioso de esta propuesta es que toca fibras con las que todos conectamos, como las rupturas, dudas existenciales o el sentimiento de no encajar”, finalizó Safra.

La temporada estará disponible del 12 al 21 de marzo, con presentaciones de jueves a sábado a las 7:30 p. m. en la Factoría Tino Fernández, Cra. 25 #50-34.

La famosa frase de la jerga popular “río para no llorar”, se adapta muy bien a lo que se conoce en el mundo artístico como ‘El Clown’, una técnica teatral basada en el juego, la vulnerabilidad y el humor.

En un país donde la memoria aún duele y el silencio pesa sobre miles de familias, este tipo de arte se abre paso como un territorio de resistencia. Es por esta razón que por medio del humor sutil del payaso llega ’Yo No Soy NN’, obra que una mirada distint de los llamados falsos positivos, crímenes que dejaron profundas heridas en la sociedad colombiana.

“Para mí el clown es una técnica milenaria donde el cuerpo y la existencia se ponen al servicio de la risa y del juego. Es un lugar en el que puedo reírme del fracaso, de lo que no salió bien, incluso de la propia estupidez. Al final, el clown termina siendo un gran salvavidas”, resaltó Edlanes Valeria, directora de la obra, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La puesta en escena reflexiona acerca de la importancia de devolverle nombre y rostro a una cifra dolorosa: 6.402 jóvenes que perdieron la vida en medio de la guerra y de un conflicto armado interno que sigue vigente.

La historia presenta a una madre desplazada que intenta salir adelante con su bebé en una casa sin techo, sin piso y sin puertas. En medio de esa precariedad nace Alex Daniel, una pequeña luz de esperanza. En escena, se busca que el público primero sienta empatía y la necesidad de ayudar a la protagonista, en medio de silencios cargados y una invitación a romper la indiferencia.

“Esta idea nació después de una gira por Estados Unidos. Recordé cuando un congresista arrojó a la basura las botas durante una intervención de las madres de Soacha y pensé que justamente eso es lo que no debemos permitir: Olvidar. Por eso decidí contarlo desde el arte, cuando ya no queda ni una lágrima más es momento del humor blanco, como una forma de abrazar el dolor y convertirlo en homenaje y memoria”, señaló Juan Carlos Yela, ‘Yelita’, protagonista de la obra.

El montaje propone una experiencia íntima y conmovedora, en donde no se busca señalar culpables desde la estridencia, sino recordar que detrás de cada nombre borrado hubo un sueño, una historia, una madre que espera y un hogar incompleto.

La cita será en Bogotá, los próximos 20 y 21 de marzo a las 8:00 p.m., en el Teatro Hoja al Viento, ubicado en la localidad de Teusaquillo.

Veinticinco años de creación colectiva, viajes y diversidad definen la historia de La Petisa Babilonia, una propuesta multiétnica que ha convertido los escenarios de América Latina y el mundo en su propio hogar. En diálogo con sus integrantes, rememoraron los hitos de un camino que inició en el año 2000 y que hoy florece con nuevos montajes, procesos de formación y una sólida proyección internacional.

Durante el encuentro, Haley Daniela Guerrero, actriz y productora, junto a Fernando Prieto Valencia, fundador y dramaturgo, celebraron la vigencia de una compañía que no deja de expandirse. “Seguimos festejando con una agenda vibrante. Iniciamos este ciclo con una gira por el Caribe colombiano recorriendo Palomino, Santa Marta y Cartagena, una experiencia que ha sido profundamente enriquecedora”, explicó Guerrero.

Más allá de las tablas, el grupo ha consolidado un enfoque pedagógico y social. Su reciente paso por el programa ‘Más Cultura Local’ en Ciudad Bolívar es prueba de ello; allí no solo compartieron la obra ‘La aventura amorosa de Panchita Naranjas’, sino que tejieron redes con la población.

“Fue una vivencia inolvidable, especialmente por el trabajo con personas mayores. Más que una función, propiciamos círculos de memoria donde compartieron sus saberes y tradiciones, permitiéndonos rescatar elementos vitales de nuestra cultura”, añadió la artista.

Aunque nacieron en Colombia, el horizonte de la compañía se transformó con el paso de los kilómetros y el intercambio con creadores de diversas latitudes. Para Fernando Prieto, estos encuentros redefinieron la identidad del colectivo, consolidando una visión que trasciende lo local.

“Llevamos 25 años inmersos en Sudamérica, México y Cuba. Ha sido un ir y venir constante, construyendo procesos y haciendo teatro, pero siempre con una preocupación latente por la formación y el impacto social”, señaló el director.

Bajo esa premisa itinerante, el nombre La Petisa Babilonia surgió en Chile durante 2007, en un momento en que la agrupación integró a creadores de múltiples nacionalidades. “Había gente de Alemania, Austria, Argentina, Chile y Colombia; esa mixtura generó una riqueza sonora que aproveché tanto para la dramaturgia como para la atmósfera de las obras”, explicó Prieto.

Como parte de esta conmemoración, el colectivo prepara una agenda que incluye temporadas nacionales y proyección internacional. Entre sus apuestas más robustas para el mes marzo, destaca el estreno de dos monólogos femeninos: ‘Lilith, espíritu libre’ y ‘Arret Sorté’, este último centrado en la cruda realidad de la migración forzada.

“Son dos piezas increíbles. ‘Arret Sorté’, es un montaje que ya llevamos a Francia y que ahora también presentaremos en México”, detalló el director.

Para Haley Guerrero, abordar estas temáticas exige una entrega emocional absoluta: “Usamos la danza y la actuación para que esos sentimientos fluyan. Investigamos y escuchamos historias en los ensayos para que esa catarsis llegue con verdad al público”.

Como parte de sus próximos pasos, el colectivo contempla el regreso de la radionovela ‘Laika, la perra del espacio’, un proyecto sonoro de 2017 que vuelve con nuevos episodios. Asimismo, buscan consolidar una estación artística permanente en Buenos Aires, un punto de encuentro para conectar a creadores globales bajo su eterna filosofía de viaje.

Tras dos décadas y media de trayectoria, La Petisa Babilonia mantiene su esencia intacta: Ser un puente entre realidades, un laboratorio de lenguajes y, ante todo, un teatro que nunca deja de caminar.

La entrevista completa a continuación: 

Al ser marzo un mes cargado de simbolismos para las mujeres, la Compañía de Teatro Actrices Sin Tiempo presenta ‘Soledades con M de marzo’. El montaje se construye a partir de relatos que dialogan entre el humor, la ironía y la sensibilidad.

La estructura es sugerente: Cada historia es un “shot” (Gin tonic dubitativo, Mojito del adiós, Cosmopolitan fugaz o Manhattan nocturno) que acompaña a las protagonistas mientras atraviesan el desamor, la herencia emocional y los retos de la maternidad contemporánea.

En los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la actriz Rosa Inés Otálora explicó que la pregunta origen de la puesta en escena ¿de qué habla una mujer cuando nadie la escucha? fue profundamente personal. El interrogante surgió durante el trabajo interno del grupo y llevó a cada integrante a cuestionarse a sí misma. El resultado permite ver un cuarteto que conversa con su propio aislamiento sobre temas universales.

Estas piezas parten de vivencias reales que cobran vida a través de la dramaturgia. Según Otálora, cada integrante del elenco ha depositado emociones personales en estos "shots" escénicos, como el hecho de que una mujer que recibe un ramo de rosas anónimo cuestiona sus vínculos; otra revisa la historia afectiva entre abuela, madre e hija; una más enfrenta sus deudas pendientes en el "más allá"; y otra transita un posparto que se aleja de la imagen idealizada de la maternidad.

Acerca de este último tema, la actriz señaló que la pieza retrata a una madre que ama profundamente a sus hijos, pero que se cuestiona el silencio social ante las dificultades de esta etapa. “Hay cosas que una quisiera saber para tener más herramientas al enfrentarlas”.

La soledad como espejo más que presentar un único modelo femenino, apuesta por la identificación, donde la intención no es retratar a un tipo de mujer en específico, sino mostrar la complejidad humana para que cualquier espectador, sin importar su género, pueda sentirse reflejado en las historias.

En escena, la soledad aparece en doble vía como un peso, pero también como un espacio de encuentro necesario. “Puede llegar a cargar, sin embargo, permite conocerse y descubrir aspectos que en medio del ruido son imposibles de encontrar”, explicó Otálora.

‘Soledades con M de marzo’ tendrá funciones el 5, 6 y 7 de marzo a las 7:30 p. m. en el Teatro Centro García Márquez El Original. Esta es una invitación a escuchar —y reconocerse— en esas conversaciones que solo ocurren cuando alguien decide detenerse y prestar atención al silencio.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

Cinco espacios emblemáticos de La Candelaria se articulan en un circuito que integra funciones de sala, artistas de calle e intervenciones históricas. Esta iniciativa, enmarcada en ‘Ruta Teatro 2026’, busca reafirmar la zona colonial como un territorio cultural a través de 20 presentaciones que convierten al barrio en un archivo vivo.

La alianza congrega instituciones de larga data como el Teatro Libre del Centro, el Teatro Estudio Calarcá (TECAL), el Teatro Estudio La Quinta Porra, el García Márquez ‘El Original’ y la agrupación Gota de Mercurio. Juntos, proponen una cartelera que transita entre montajes clásicos y creaciones contemporáneas, abordando temas urgentes como la migración, la identidad y el conflicto.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Caliche Gutiérrez, director y juglar de La Quinta Porra, enfatizó que este recorrido busca fortalecer el trabajo en red. “La idea es integrarnos. Entre todos nos apoyamos para promover lo que ocurre en el sector; ya no es un esfuerzo aislado, sino una labor gremial”, explicó.

Bajo esta misma premisa, la actriz Jessica Sedano resaltó un dato que suele pasar desapercibido. “Existen 38 teatros en este sector y muchos ciudadanos, incluso residentes, lo desconocen. Vincular la escena de calle es, esencialmente, integrar a la comunidad con su propio entorno”.

Cabe resaltar que previo a cada función, la Red Nacional de Gestión Artística realizará intervenciones para contextualizar el legado de los recintos participantes. Gutiérrez recordó que la vocación artística de La Candelaria es ancestral. “Desde un chorro que nace en Egipto, hasta la iglesia del barrio, la gente se reunía cuando iban a recoger agua, había comparsas y expresiones artísticas. La escena ha estado ahí desde hace siglos”, señaló.

Frente al panorama actual, el director sostiene que el movimiento escénico se renueva gracias al impulso de las facultades de artes y el interés de las nuevas generaciones. “El arte nos permite habitar nuestras emociones y validarnos; finalmente, es lo que cura”, afirmó.

‘Ruta Viva’, que es gestada a través de la Beca LEP de la Alcaldía Mayor, marca la clausura de Ruta Teatro 2026. Más que una agenda de espectáculos, el circuito es una invitación a caminar el centro histórico y reconocer que, en la capital, la memoria no solo se recuerda también se representa.

La agenda de ‘Ruta Teatro’ incluye 80 funciones que se llevarán a cabo en salas y calle. Consulte toda la programación aquí.

Esta segunda edición del Festival de Artes Vivas surge como un manifiesto estético, convirtiendo la Semana Santa en una maratón de creatividad que abraza 24 salas y más de once puntos de la capital. No se trata simplemente de un evento masivo, sino de un diálogo con el público donde 100 obras de 18 naciones se entrelazan.

En los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Sandra Meluk, directora del proyecto, resaltó la pertinencia de este regreso. “Colombia es una nación de festivales y recuperar este encuentro es fundamental. Bogotá marca la diferencia al no limitarse al teatro; apostamos por las artes vivas, integrando el circo, la danza y lo contemporáneo en un espacio donde las fronteras creativas se diluyen. El público se dejará sorprender por una programación diseñada para todos los gustos y para la familia”.

El tejido artístico del festival nació de una escucha activa con los creadores, consolidando una muestra que refleja el pulso actual de las tablas en Colombia. Este proceso riguroso fue explicado por el curador, Fabio Rubiano. “Todo parte de una conversación con el sector. Se decidió que fuera por convocatoria la curaduría nacional y distrital; se inscribieron los grupos del país y hubo un filtro”.

Sobre los criterios de selección, Rubiano enfatizó en la necesidad de conectar con la realidad actual. “Nos pusimos a pensar acerca de qué es lo que está pasando en el mundo, cuáles son las obras que hablan de lo que pasa en nuestra sociedad. Pero cuando uno dice eso, se remite inmediatamente al conflicto, a dolor y guerra, y no necesariamente debe ser así. Hay puestas en escena que hablan del sufrimiento, pero también del amor, que son para toda la familia, que traen historias dulces, que tratan del ecosistema, la naturaleza... Son piezas que hablan de nuestro aquí y nuestro ahora”.

La agenda no solo rinde homenaje a baluartes como el Teatro La Candelaria, sino que funciona como motor de desarrollo. “Es un apoyo fundamental del festival para que las obras colombianas puedan circular, es una oportunidad única. Hay muchos factores que confluyen como el económico, de apropiación social y artística; pero solo con los artistas dinamizamos el sector hotelero y de producción porque es un equipo grande que estamos a la cabeza y vamos a recorrer la ciudad”, explicó Meluk.

Finalmente, el encuentro reafirma su compromiso con la democratización del arte, ofreciendo un abanico de posibilidades que van desde el acceso asequible en salas hasta la gratuidad total en el espacio público. Esta apuesta garantiza que las expresiones creativas se vivan en escenarios abiertos, permitiendo que la cultura sea, ante todo, un territorio común y sin barreras para todos los ciudadanos.

Con la apertura de taquilla desde el 4 de febrero, la capital se prepara para una jornada donde la creación es una herramienta vital para entender el presente.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

Durante años, el cuerpo de Camilo estuvo oculto y para muchos fue un desaparecido. Por eso, desde el escenario, el elenco afirma que “es un acto de fe en la memoria, prestando sus propios cuerpos para traerlo de vuelta, para buscarlo y hacerlo presente ante el público”.

“No hemos querido hacer de la obra un acto histórico-biográfico, ya que ese no es precisamente el papel del arte y del teatro. El teatro está para suscitar sentimientos, emociones, evocaciones y mucho más. Hemos construido un ejercicio singular de abordar a Camilo, desde nosotros y nosotras. Y, desde ese lugar, viajar con él por la fe, la rebeldía y el amor eficaz. Camilo llegó a La Candelaria para pasar por el alma y los cuerpos de los actores y actrices, y de ahí llegar al público. En esta obra, todas y todos son, somos, Camilo. Porque, también en la vida, a cada una y a cada uno de nosotros y de nosotras, nos habitan múltiples personajes e innumerables opciones. Y, también este país que nos tocó en el mapa, se debate entre la Paz como la victoria final de todos y todas, o la guerra total como el entierro de las esperanzas”, afirmó su directora Patricia Ariza.

De esta manera, ‘Camilo 60 años cocreación Colectiva’ indaga en la vida de Camilo Torres Restrepo, el sacerdote que quiso predicar el evangelio de los pobres y fue duramente perseguido. Sintió que la única salida era vincularse a la insurgencia, donde murió en el primer combate sin haber disparado un solo tiro.

En escena, se muestra a un hombre dividido entre el misticismo religioso y la rebeldía. Un elemento particular de esta pieza es que todos los actores y actrices interpretan a Camilo, lo que permite explorar sus múltiples facetas: Su fe inquebrantable y su rebeldía como respuesta a la persecución tanto de las autoridades civiles como eclesiásticas. La obra fue estrenada hace nueve años y sigue en el repertorio de La Candelaria debido a la constante demanda del público, especialmente de los jóvenes.

La puesta en escena se presentará los días 25,26,27,28 febrero 4,5,6,7 marzo, a las 7:30 p.m. en la Calle 12 # 2-59 Teatro La Candelaria -Sala Santiago García.