Miles de personas, confiadas en la promesa de asegurar su futuro, entregan sus ahorros a proyectos que parecen sólidos, brillantes e infalibles, pero detrás de esa fachada se esconde una trampa cuidadosamente diseñada.

Un universo de ilusiones, inversión y aparente estabilidad económica, que el escritor colombiano Ricardo Abuassi Espitia irrumpe con ‘Las 4 víboras (Preludio de una estafa inmobiliaria)’, una ópera prima basada en la historia de uno de sus seres cercanos, que expone las redes de estafa en Estados Unidos, a través de una narrativa cruda, envolvente y profundamente humana.

“Tuve la oportunidad de acompañar de cerca a un amigo en todo este proceso y de evidenciar la estrategia con la que estas “cuatro víboras” engañan a las personas. Durante tres años de investigación y recolección juiciosa de información, entendí lo injusto que es que personas honestas, trabajadoras y cumplidas lo pierdan todo. Esta historia busca no solo entretener, sino también informar y alertar. En los negocios no saber tiene un precio, este libro te enseña a no pagarlo”, contó el autor en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La historia sigue a ‘Gidis’ y su grupo de expertos, constructores y estrategas, que dan vida a un cerebro capaz de burlar las grietas del sistema legal estadounidense. Ellos son las primeras víboras: Depredadores silenciosos que convierten los sueños en ruinas.

Sin embargo, el entramado da un giro inesperado cuando estos actores se cruzan con una fuerza aún más peligrosa, desatando una cadena de traiciones, alianzas rotas y consecuencias irreversibles.

“Cada víbora juega un papel clave: Una te engancha y maneja tus ilusiones y sueños para llevarte al negocio; otra te convence con proyectos aparentemente sólidos y bien diseñados; la tercera, estructura el modelo financiero con números que parecen infalibles y accesibles para cualquiera; y la cuarta es la sorpresa, la que conduce la historia a un desenlace inesperado, donde la ficción permite imaginar una justicia que en la realidad no siempre llega”, agregó el escritor.

La obra, que marca su debut literario, alcanzó en su lanzamiento, el reconocimiento de Best Seller en Amazon, posicionándose número uno en ventas en países como Estados Unidos, España, Alemania, Francia, Reino Unido, Australia y varios territorios de Latinoamérica. Para conocer más información visite el siguiente link.

Las huellas que el agua dejó bajo el asfalto de Bogotá y Medellín son el punto de partida de esta muestra, la nueva exposición de Mauricio Carmona Rivera que habitará la Galería Santa Fe del 4 de junio al 16 de agosto.

Con este proyecto, el artista paisa propone una reflexión sobre los rastros que el desarrollo sepultó en la historia de ambas capitales. La obra, fruto de una profunda investigación, invita al público a sumergirse en los relatos que aún fluyen bajo el paisaje urbano.

La exhibición aterriza en Bogotá luego de que Carmona Rivera recibiera el prestigioso ‘Premio Luis Caballero’ en su XII edición, el máximo galardón de las artes contemporáneas en Colombia otorgado por Idartes.

A través de una experiencia inmersiva y audiovisual, ‘Katabasis’ conecta los antiguos cauces de los ríos San Francisco, en Bogotá, y Santa Elena, en Medellín. Con esto, se busca tejer un relato sensible sobre cómo la obsesión por la modernización en el siglo XIX terminó por canalizar, ocultar y romper la relación de los ciudadanos con sus afluentes. En palabras del propio artista, la propuesta representa “un descenso a las entrañas de la ciudad para revelar imágenes que pueden volver a la superficie”.

Más allá de la exhibición artística, el encuentro se convertirá en un punto de encuentro para el diálogo. La programación arranca el 6 de junio con el conversatorio ‘Trasegar y fluir: Entre el infierno y la higiene’, un espacio para entender los discursos higienistas que cambiaron el mapa de las ciudades.

El 20 de junio el turno será para la calle con el recorrido ‘Las formas de revelar un río’, una caminata histórica tras la pista del río San Francisco. Además, la agenda incluye experiencias multisensoriales con Lengua de Señas Colombiana, talleres familiares y la franja Aula Expandida, pensada especialmente para colegios.

Sobre el artista:

Mauricio Carmona Rivera (Medellín, 1982) ha consolidado una carrera donde se cruzan la historia y el lenguaje audiovisual. Formado como artista plástico e historiador, su obsesión siempre ha sido el territorio y la memoria. Muestra de ello fue su documental Estancia, seleccionado en la edición 63 del FICCI, una obra que, al igual que ‘Katabasis’, busca rescatar las marcas invisibles de los lugares que se habitan.

La memoria y los dolores que dejó una época atravesada por las mafias en el Valle del Cauca son el punto de partida de ‘El mensaje perdido’, la primera entrega literaria del periodista y narrador Yeiro Muñoz. Esta pieza llegará este año a la Feria del Libro de Madrid con un relato construido desde recuerdos personales y vivencias que marcaron la adolescencia de su creador.

El autor estuvo en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, donde habló sobre el origen de las páginas y el impacto emocional que implicó estructurar una trama palpada por la culpa, el silencio y las secuelas de un tiempo complejo para Cali y el país. Allí reveló que todo comenzó con un suceso real que presenció cuando era un adolescente: “Lo primero que apareció fue una escena macabra, tenebrosa, y fue un asesinato que ocurrió en la vida real, que yo presencié cuando tenía 14 años y que me perturbó por mucho tiempo”, contó Muñoz durante la entrevista.

A partir de esa impactante imagen, comenzó a tejer una narración que se mueve entre el género negro y la exploración psicológica de personajes marcados por la pérdida. Sin embargo, más allá del crimen o el misterio, el libro busca retratar el impacto humano en los barrios populares caleños.

La historia sigue el recorrido de Santiago Lobo, un joven que crece rodeado por las tensiones de un entorno adolorido por el miedo, pero que intenta encontrar un camino distinto. Entre amistades rotas, ausencias y nostalgias persistentes, el personaje termina enfrentándose a un pasado que nunca se desvanece del todo.

Durante la conversación Muñoz explicó que uno de sus mayores intereses era reflejar no solo la crudeza de aquellos años, sino la cotidianidad de quienes crecieron en medio de ese tejido social: “Me interesó muchísimo explorar los sentimientos y las emociones del barrio y esas familias de clase media que están en los barrios populares, donde la violencia es más cruda aún”, afirmó el invitado.

La música, la hermandad y el arraigo también atraviesan las páginas. La salsa aparece constantemente como parte esencial de la identidad de la región y como un bálsamo emocional dentro de una realidad donde los protagonistas buscan sanar. Para el novelista, Cali no funciona únicamente como escenario, sino como un personaje vivo: “Traté de describir esa ciudad, no la ciudad de piedras, sino la

ciudad que tenía en mi memoria”, explicó Muñoz, quien recordó sus años viviendo en la capital vallecaucana, donde estudió, jugó fútbol y construyó buena parte de las experiencias que inspiraron el texto.

El proceso de escritura tampoco estuvo lejos del duelo. Confesó que tardó más de tres años dándole forma al manuscrito y que muchas escenas lo confrontaron nuevamente con vivencias familiares difíciles de procesar: “A veces en algunas lloré, porque recordé cosas. También describí el dolor de mi madre, pendiente de sus cuatro hijos en una época donde había muchas desapariciones”, recordó.

Ahora, este relato dará un nuevo paso internacional. ‘El mensaje perdido’ tendrá presencia en el evento madrileño entre el 29 de mayo y el 14 de junio, donde además se realizará su lanzamiento oficial en Europa el próximo 9 de junio en la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías, ubicada en la capital española.

Para Muñoz, llegar a lectores europeos con su ópera prima representa una mezcla de emoción y vértigo. Reconoció que nunca imaginó que una trama tan íntima pudiera cruzar fronteras y conectar con públicos fuera de Colombia.

Con este proyecto, Yeiro Muñoz construye una crónica sobre las decisiones que terminan marcando una vida entera, mientras lleva una mirada muy colombiana de esa realidad hacia nuevos horizontes en el viejo continente.

Las personas interesadas podrán postular sus fotografías entre el 22 de mayo y el 4 de junio de 2026 hasta las 11:59 p.m., diligenciando el formulario de inscripción aquí.

La estrategia se desarrolla en el marco de la temporada ‘Conexión Mundial’ y del recorrido temático ‘Entre goles y ciencia’ de Maloka, una experiencia que explora los fenómenos físicos, químicos y sociales asociados al fútbol, en conexión con la Copa Mundial de la FIFA 2026.

La convocatoria busca reconocer el valor social y cultural del fútbol barrial en Bogotá y en diferentes territorios del país, entendiendo este deporte como una práctica que fortalece vínculos comunitarios, genera identidad y convierte el espacio público en un escenario de convivencia y participación ciudadana.

A través de esta invitación, Maloka quiere reunir historias visuales sobre partidos de barrio, celebraciones, abrazos, torneos comunitarios, iniciativas para recuperar canchas o encuentros deportivos que hayan dejado huella en las comunidades.

Un jurado conformado por especialistas en fotografía, cultura y fútbol seleccionará 12 trabajos finalistas, teniendo en cuenta criterios como pertinencia temática, historia colectiva, creatividad, composición y calidad técnica.

Las fotografías seleccionadas harán parte de una exposición temporal en Maloka, que será inaugurada durante la Noche de Museos de Bogotá y permanecerá abierta al público entre el 20 de junio y el 30 de agosto de 2026, como parte del recorrido ‘Entre goles y ciencia’.

Además de exhibir sus obras en el museo, los autores y autoras seleccionados recibirán un certificado de participación y contarán con invitaciones especiales para recorrer las exposiciones, laboratorios y salas de cine de Maloka junto a sus acompañantes.

Requisitos principales de participación

· Ser colombiano mayor de 18 años.

· Residir en Colombia.

· Presentar una sola fotografía original e inédita.

· La imagen debe retratar contextos de fútbol barrial o aficionado.

· No se aceptan imágenes creadas con inteligencia artificial ni fotomontajes.

· Los archivos deberán enviarse en formato JPG o PNG, con peso entre 3 MB y 10 MB.

· La fotografía debe incluir título, lugar, fecha aproximada de captura y una breve descripción.

Cronograma

· Apertura de convocatoria: 22 de mayo de 2026.

· Cierre de postulaciones: 4 de junio de 2026 – 11:59 p.m.

· Publicación de seleccionados: 9 de junio de 2026.

· Exposición en Maloka: del 20 de junio al 30 de agosto de 2026.

Inscripciones en el siguiente enlace.

Las paredes de la ciudad han contado historias durante décadas. Algunas hablan de resistencia, otras de dolor, de juventud, de barrios enteros y de generaciones que encontraron en el color y la palabra una manera de ocupar el territorio. Ahora, muchas de esas voces llegan al Museo de Bogotá con ‘Los muros no olvidan’, una propuesta que pone las expresiones callejeras en el centro de la conversación cultural.

Alojada en la Casa de los Siete Balcones, la muestra propone un recorrido por las manifestaciones visuales que han marcado la historia reciente de la capital. Más allá de contemplar trazos o intervenciones visuales, la experiencia busca acercar a los asistentes a las formas en que el entorno público se ha convertido en escenario de memoria y construcción ciudadana.

En lugar de presentar el grafiti únicamente desde lo estético, la exhibición plantea preguntas profundas acerca de las transformaciones de la ciudad. ¿Qué cuentan los muros sobre quienes la habitan? ¿Cómo terminó la pintura convirtiéndose en una herramienta para narrar realidades, denunciar violencias o tejer identidad colectiva? A partir de estas reflexiones, se abre un espacio donde las calles y el pasado dialogan dentro de una sala convencional.

Uno de los momentos más significativos del trayecto es el homenaje a Diego Felipe Becerra Lizarazo, un artista cuya historia marcó un antes y un después en las discusiones con respecto a la libertad de expresión y el reconocimiento de esta práctica en Bogotá. Su presencia atraviesa buena parte de la selección mediante archivos visuales, piezas interactivas y elementos que permiten acercarse a su legado artístico y humano.

La iniciativa también incluye un museo virtual dedicado a Becerra, pensado como una experiencia interactiva para que los visitantes exploren técnicas, recorridos y relatos locales. Este entorno digital permite comprender cómo estas intervenciones pasaron de ser vistas como una irrupción callejera a consolidarse como una manifestación cultural que hoy hace parte de los debates sobre patrimonio.

El proyecto cuenta con el acompañamiento de la Fundación Trípido, organización que durante años ha trabajado junto a creadores, colectivos y comunidades en procesos ligados a la inclusión y la construcción de memoria social. Su participación fortalece la mirada comunitaria de la propuesta, la cual resalta el papel del color en diferentes localidades de Bogotá.

A través de fotografías, instalaciones y experiencias inmersivas, se evidencia cómo distintos sectores han utilizado el aerosol para visibilizar problemáticas sociales, resignificar entornos y estrechar vínculos colectivos. Las paredes aparecen entonces como superficies vivas que conservan relatos, emociones y fragmentos de ciudad.

Además, la presencia de la artista bogotana Diana Avella complementa esta apuesta por conectar distintas expresiones de la cultura urbana, ampliando la conversación alrededor de la juventud y el espacio público.

Con este esfuerzo, el Museo de Bogotá busca reconocer el valor cultural de prácticas que nacieron en el asfalto y que hoy forman parte de la identidad contemporánea de la ciudad. El montaje no solo habla de trazos: Habla de territorio, de resistencia y de las marcas que una sociedad deja sobre sus propios muros.

El miedo, la manipulación y las contradicciones humanas atraviesan siglos enteros sin perder vigencia, es por eso que el Teatro Libre arrancó su temporada ‘Clásico y contemporáneo en escena’, una apuesta que reúne dos obras fundamentales de la dramaturgia francesa: ‘Tartufo’, de Molière, y ‘Muertos sin sepultura’, de Jean-Paul Sartre.

En los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Diego Barragán, director artístico del recinto habló sobre este ciclo que busca acercar los textos históricos al público actual y demostrar que las tensiones retratadas en tiempos antiguos siguen vigentes en la cotidianidad.

La temporada, que se desarrolla en la sede Centro de la compañía, propone un diálogo entre dos épocas distintas: Por un lado, la sátira mordaz sobre la falsa moral y el fanatismo religioso; y por el otro, la intensidad existencialista en medio de la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Al explicar la razón de cruzar ambas piezas en un mismo espacio, el director señaló que después de tanto analizarlo, llegaron a una conclusión: “¿Por qué no ponemos a dialogar esto tan clásico y tan contemporáneo en una sola temporada? Queríamos hacer pensar, reír, llorar… de todo un poco en una misma semana”.

Para el realizador, la permanencia de autores como Molière se debe a su capacidad de seguir cuestionando a las sociedades actuales. En el caso de ‘Tartufo’, el centro del argumento gira alrededor de personajes que utilizan discursos morales o religiosos para manipular y obtener beneficios. En ese sentido, Barragán aseguró que la figura principal terminó convirtiéndose en un reflejo permanente de ciertas conductas colectivas, advirtiendo que: “En la política hay tartufos, en el trabajo hay tartufos, incluso en las familias hay tartufos. Esa es la fuerza de los clásicos que no hablan solo de su época, hablan también de la nuestra”.

Uno de los mayores retos del montaje fue adaptar los textos al contexto colombiano sin traicionar su esencia original. El trabajo dramatúrgico buscó depurar el lenguaje barroco para acercarlo a un tono más ágil y comprensible, rompiendo con la idea de que estas propuestas son distantes o inaccesibles: “Estamos diciéndole a la gente: ¡Venga a ver una obra actual, aunque haya sido escrita hace cuatro siglos! Queremos demostrar que el clásico no está lejos de nosotros”.

Por otra parte, ‘Muertos sin sepultura’ traslada al espectador a un desván donde cinco miembros de la resistencia francesa son retenidos por colaboracionistas nazis. Allí, Sartre explora la culpa, la resiliencia y la supervivencia. Además de esta profunda reflexión, la temporada también apuesta por reivindicar las tablas como una experiencia viva frente al consumo inmediato de entretenimiento digital.

Las funciones de ‘Tartufo’ se presentan los jueves y viernes a las 8:00 p.m., mientras que ‘Muertos sin sepultura’ se toma la escena los sábados a las 5:00 p.m. y 8:00 p.m. en la sede Centro del Teatro Libre, ubicada en el sector histórico de La Candelaria.

Desde las montañas nacionales llega Andariega, una producción que pone la mirada sobre una realidad pocas veces narrada en las pantallas locales: La cotidianidad de los recolectores itinerantes que recorren el territorio, sosteniendo desde el anonimato una de las industrias más representativas del país.

En entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO el director Raúl Soto Rodríguez y María Yesenia Herrera Benítez, conocida como ‘Chena’, hablaron sobre el proceso detrás de este largometraje que llegará a las salas de cine este 21 de mayo, tras un destacado circuito por festivales internacionales.

La historia sigue los pasos de ‘Chena’, una joven campesina de 26 años que, como miles de trabajadores, migra de un predio a otro siguiendo los ciclos de las cosechas. Entre extensas jornadas laborales y largos periodos lejos de su hijo, la protagonista enfrenta el desgaste físico y emocional que implica mantener un hogar a la distancia.

Al profundizar en esta realidad, el director descubrió un fenómeno demográfico impactante y explicó que: “Investigando me di cuenta de que era una diáspora de 600 mil personas cada año moviéndose por el centro del país de finca en finca recogiendo frutos maduros de café”, cuestionando así las representaciones tradicionales de la cultura cafetera.

Con esta propuesta, la intención del cineasta era alejarse de los estereotipos construidos históricamente alrededor de este gremio para mostrar la verdadera dimensión humana de cada cosecha: “Quise hacer un cine que dignifique la vida rural, que dignifique a los campesinos y que los ponga como en primera fila de una cadena de producción larga, pero de la que ellos son la base”.

Uno de los elementos más íntimos de la película es el diario personal que ‘Chena’ escribió durante los años de rodaje. Ese cuaderno, cargado de reflexiones sobre la maternidad, el cansancio, los sueños y las frustraciones, terminó convirtiéndose en el motor de la narrativa, ya que, según el realizador: “Ese diario se volvió la conciencia de la protagonista en el filme. Ahí estaban, sus enojos, sus miedos y también sus recuerdos”.

Así mismo María Yesenia recordó que el proceso de grabación estuvo marcado por la total transparencia con el equipo de rodaje, destacando que: “Siempre hablamos con la verdad y eso ayudó a que todo fluyera. Nos familiarizamos muy rápido y ellos terminaron siendo como parte de nosotros”.

Además de retratar la dureza del entorno rural, ‘Andariega’ evidencia la vulnerabilidad de las mujeres del campo, quienes deben equilibrar las exigencias físicas de la recolección con las responsabilidades familiares y afectivas que suelen permanecer invisibles para la sociedad.

La pieza tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) y posteriormente llegó a escenarios europeos como el International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA) y Cinélatino Rencontres de Toulouse.

Para Chena, más allá del reconocimiento cinematográfico, el proyecto representa una oportunidad definitiva para que los espectadores comprendan el valor de su labor, concluyendo con un mensaje claro: “Queremos que entiendan el esfuerzo y el sacrificio que hay detrás de cada tacita de café que nos tomamos todos los días”.

El documental estará en cartelera desde este 21 de mayo en la Cinemateca de Bogotá y en distintas salas del país.

Cuando una acusación transforma por completo la vida de una persona y las instituciones señalan antes de esclarecer los hechos, surge una pregunta incómoda: ¿Qué ocurre si un inocente es convertido en culpable? Ese es el punto de partida de ‘El perfecto culpable’, el nuevo largometraje del director colombiano Henry Rincón, una producción inspirada en hechos reales que pone bajo la lupa las fracturas del aparato judicial y el drama silencioso de quienes enfrentan condenas injustas.

La trama sigue a Alexander Obregón, un profesor cuya vida da un giro abrupto tras ser víctima de un entramado de falsas acusaciones que terminan llevándolo a prisión. Atrapado en una realidad marcada por la incertidumbre y el señalamiento, el protagonista encuentra en la poesía una forma de resistencia emocional, mientras intenta sostenerse en medio de un proceso que lo aparta drásticamente de su cotidianidad.

Sin embargo, la película no busca quedarse únicamente en el retrato del dolor. Construida desde el lenguaje del thriller, la obra sumerge al espectador en la tensión, el suspenso y las emociones de un hombre que intenta recuperar su dignidad frente al peso de una sociedad que ya lo juzgó: “No es un documental investigativo ni de denuncia; es un largometraje de seguimiento de un personaje y de visibilización de una problemática”, resaltó Rincón durante el lanzamiento en LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Para el director, uno de los elementos más poderosos del relato es precisamente la sensibilidad que emerge desde la escritura. La poesía, lejos de ser un recurso estético, se transforma en la vía para comprender el mundo interior del personaje y las huellas profundas que deja el encierro: “La poesía es el instante donde se ve más humano el personaje, donde se ve más sensible y más frágil. Para una trama tan cruda, era la manera de entender que detrás hay un ser humano con emociones”.

La producción, rodada en Medellín, utiliza a la ciudad no solo como escenario, sino como un contraste narrativo: Un territorio vibrante que, al mismo tiempo, expone la soledad de un hombre que intenta reintegrarse a un entorno que lo mira con sospecha, incluso después de recuperar la libertad.

Además de reconstruir el caso de Alexander, el film abre el debate sobre una problemática poco visibilizada en el país: Los llamados falsos positivos judiciales. Para Rincón, se trata de una conversación urgente en una nación donde los errores institucionales pueden alterar el destino de cualquier ciudadano: “Es una película que va a incomodar, pero genera un diálogo alrededor de un tema que no es tan común, aunque sí muy frecuente. Sentí que también podía ser el perfecto culpable; cualquiera puede quedar atrapado en un error judicial”.

La investigación detrás del proyecto incluyó la revisión de expedientes jurídicos, el acompañamiento de abogados y la recopilación de testimonios reales, con el propósito de construir un relato sólido y fiel a una realidad que suele permanecer en la sombra.

Más allá de narrar una condena injusta, ‘El perfecto culpable’ propone una reflexión sobre la fragilidad de la justicia, el estigma social y la posibilidad de reconstruirse después del daño. Una propuesta incómoda, dolorosa y profundamente humana que busca dejar una pregunta abierta en el espectador: ¿Qué tan lejos estamos de convertirnos, también, en el perfecto culpable?

El estreno en las salas de cine del país será el próximo 28 de mayo.

Una de las adaptaciones más esperadas y exitosas de la obra del escritor colombiano Gabriel García Márquez ha sido la serie de ‘Cien años de soledad’, producida por Netflix y cuya primera parte se estrenó en 2024. Una historia que durante sus primeros ocho capítulos llevó a los espectadores a conocer los misterios de Macondo, los excesos de la familia Buendía y una radiografía de la realidad nacional que hizo merecedor a ‘Gabo’ del Premio Nobel de Literatura en 1985.

Ahora, dos años después, la plataforma dio a conocer la fecha de estreno de la segunda y última parte de la historia, en donde el público podrá descubrir el trágico destino de las últimas generaciones de los Buendía, así como la destrucción del pueblo imaginario que se convirtió en todo un icono del Caribe Latinoamericano.

Según se conoció, la segunda mitad de la historia estará disponible a partir del 5 de agosto y contará con siete episodios que recorrerán apartados como la firma del ‘Tratado de Neerlandia’ por parte de Aureliano Buendía, la llegada a la familia de Fernanda del Carpio, la Masacre de las Bananeras y la lluvia interminable que empezó a marcar los últimos años de Macondo. Lista de episodios:

Episodio 1: ‘El armisticio’ Episodio 2: ‘La Reina de Madagascar’

Episodio 3: ‘Fernanda del Carpio’ Episodio 4: ‘Había llegado el inocente tren’

Episodio 5: ‘Fue un once de octubre’

Episodio 6: ‘Eran más de tres mil’

Episodio 7: ‘Llovió cuatro años’

Sin embargo, tanto la lectura de los pergaminos proféticos de Melquiades como el triste final del último de los Buendía, a manos de las hormigas, tendrán un capítulo especial que marcará el cierre de la serie y se estrenará el 26 de agosto bajo el título ‘Cien años de soledad’.

Cabe señalar que la dirección de los nuevos capítulos estuvo en manos de Laura Mora y Carlos Moreno, quienes asumieron el reto de estudiar el universo literario de Gabriel García Márquez y adaptarlo al lenguaje audiovisual. Un trabajo que en su primera parte fue bastante aplaudido y dejó muy conforme a los fanáticos del escritor.

En vida, cabe recordar, ‘Gabo’ fue uno de los principales opositores de una adaptación cinematográfica de ‘Cien años de soledad’. Esto, porque a su parecer la historia era muy larga para una película y en segundo lugar, porque el cine le podría quitar a los lectores el placer de imaginar a su manera tanto los personajes como las diversas situaciones de la novela. Unos desafíos que décadas después han sido sorteados por las ventajas del formato serie y el gran talento de actores como Claudia Cataño, Susana Morales, Viña Machado y Diego Vásquez.

A partir de las 3:00 p. m., del próximo 23 de mayo, el público podrá disfrutar de Drácula, una puesta en escena de la compañía Red Escena que transformará al famoso vampiro de Transilvania en un personaje divertido, entrañable y lleno de imaginación.

Creado en el siglo XIX por el escritor irlandés Bram Stoker, Drácula ha trascendido generaciones y culturas hasta convertirse en un símbolo del misterio y la fantasía. Inspirado en la figura histórica de Vlad Tepes, el personaje ha evolucionado con el tiempo y hoy ocupa un lugar especial en el universo infantil, donde los monstruos dejan de ser aterradores para convertirse en protagonistas de historias llenas de creatividad, humor y juego.

Con su característica capa, sus colmillos y su estilo inconfundible, Drácula invita a los niños a explorar emociones como el miedo de una manera segura y divertida. La jornada en el Teatro El Parque promete una experiencia escénica mágica, ideal para compartir en familia y dejarse sorprender por la imaginación.

Además de disfrutar de la obra, los asistentes podrán asistir con sus mejores disfraces inspirados en Drácula y en toda la mitología de los vampiros, haciendo de esta celebración un espacio aún más especial y participativo.

Detalles del evento

Lugar: Teatro El Parque (Carrera 5 # 36-05)

Fecha: 23 de mayo

Hora: 3:00 p. m.

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