Enormes paredes de roca, senderos escarpados y paisajes moldeados durante millones de años rodean al imponente Cañón del Chicamocha. Entre sus montañas, sobrevive una antigua leyenda que da vida a la historia de una hija al borde de la muerte y de un exmilitar dispuesto a desafiar cualquier límite para salvarla.

Ese es el punto de partida de ‘La Sangre de Dios’, la nueva producción colombiana dirigida por Lucho Velasco, que mezcla acción, suspenso, naturaleza y cosmovisiones ancestrales en una historia donde la búsqueda de una cura termina convirtiéndose en un viaje hacia los límites de la fe, la supervivencia y la condición humana.

“Nosotros quisimos tomar ese mito y preguntarnos qué pasaría si esa historia ocurriera en la actualidad. El suspenso es el vehículo, pero en el fondo este es un relato de amor, familia y sacrificio”, contó el guionista y actor, Cristian Solano, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La idea surgió en la mente de Solano y comenzó a tomar forma hace siete años, inspirándose en una antigua comunidad indígena que habitó el territorio santandereano. El guion construye un thriller donde convergen personajes de distintos orígenes, creencias y formas de entender el mundo.

Fue rodada entre cuevas, cascadas, ríos y selva, sin recurrir a escenarios digitales. El equipo enfrentó largas jornadas en terrenos de difícil acceso, con el propósito de retratar el paisaje desde su propia esencia.

“La producción está construida sobre tres visiones del mundo: Protección, esperanza y providencia. La sangre de Dios es la sangre de todos. Más allá de nuestras diferencias, compartimos una misma esencia”, puntualizó el escritor.

El filme es cuenta con la producción ejecutiva de Andrea Serrano y las actuaciones de Hernán Otero, Juan Carlos Vargas, Nathalie Rangel, Christophe De Geest, Angie Yáñez, Liz Mendieta, Juliana Posso, Catalina Cano, Johan Ochoa, Hernán Cabiativa y Juan Carlos Solarte.

Desde el próximo 28 de agosto se podrá disfrutar en todas las salas de cine del país.

La cinta marca el regreso de Christopher Nolan tras el éxito de ‘Oppenheimer’ (2023), producción que le otorgó los premios Oscar a Mejor Director y Mejor Película. El cineasta, reconocido por obras como ‘Interestelar’, ‘Dunkerque’, ‘Origen’ y la trilogía de ‘Batman: El caballero de la noche’, vuelve a apostar por la innovación tecnológica al rodar esta producción con una nueva generación de cámaras IMAX desarrolladas especialmente para el proyecto.

Uno de los mayores atractivos de ‘La Odisea’ es su reparto de lujo. La cinta está protagonizada por Matt Damon y reúne a figuras de Hollywood como Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Charlize Theron, John Leguizamo y Benny Safdie, conformando uno de los elencos más ambiciosos del año.

Inspirada en el clásico de Homero, la historia sigue el largo viaje de Ulises (Odiseo) tras la Guerra de Troya. En su regreso a Ítaca deberá enfrentarse a criaturas mitológicas como Polifemo, las sirenas y la hechicera Circe, mientras pone a prueba su inteligencia, resistencia y deseo de volver junto a su familia. La obra original, escrita hace casi tres mil años, es considerada uno de los pilares de la literatura universal y ha inspirado innumerables adaptaciones en el cine, el teatro y la televisión.

La producción fue filmada en diferentes locaciones alrededor del mundo y está concebida para ofrecer una experiencia inmersiva en las salas de cine, especialmente en formato IMAX. Según la distribuidora, esta será la primera adaptación de la epopeya de Homero diseñada desde su concepción para aprovechar al máximo las capacidades de este formato de gran escala.

Con una historia legendaria, un reparto de primer nivel y la visión de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, ‘La Odisea’ se perfila como uno de los grandes estrenos cinematográficos de 2026. Los espectadores colombianos ya pueden adquirir sus entradas para una de las producciones más esperadas del año.

Este es un espacio que abrió oficialmente su convocatoria para realizadores audiovisuales de Colombia y el mundo interesados en presentar propuestas que desafíen las formas tradicionales de hacer cine.

La convocatoria estará abierta para producciones realizadas entre enero de 2024 y marzo de 2026, sin importar su duración, formato, técnica o género. Podrán participar cortometrajes, largometrajes, documentales, obras de animación, videoclips y piezas híbridas que exploren nuevas formas de narrar y experimentar con el lenguaje audiovisual.

Más que un festival, ‘CineAutopsia’ se ha consolidado como una plataforma para creadores que buscan romper con las estructuras convencionales del cine. Su programación prioriza obras con una fuerte mirada de autor, procesos creativos interdisciplinarios y propuestas que dialogan con temas estéticos, políticos y sociales desde una perspectiva innovadora.

La edición número 12 se realizará del 21 al 29 de agosto de 2026 y tendrá como una de sus principales sedes la Cinemateca de Bogotá, donde el público podrá disfrutar de proyecciones, encuentros con realizadores, espacios de formación y conversaciones alrededor del cine experimental contemporáneo.

Durante más de una década, el evento ha reunido a artistas de distintos países que encuentran en el cine experimental un escenario para cuestionar los modelos tradicionales de producción audiovisual y explorar nuevas posibilidades narrativas. La organización destaca que este tipo de cine no responde únicamente a una categoría estética, sino que representa una forma de reflexión crítica y transformación cultural.

En los últimos años, la capital se ha fortalecido como uno de los principales escenarios para el cine independiente y de autor en América Latina gracias a la presencia de festivales especializados, muestras cinematográficas y espacios como la Cinemateca de Bogotá, que impulsan la circulación de nuevas propuestas audiovisuales y el trabajo de realizadores emergentes. En ese contexto, ‘CineAutopsia’ se posiciona como una de las vitrinas más importantes para quienes buscan experimentar con nuevas formas de creación cinematográfica.

Los interesados en participar deberán inscribir sus obras dentro de los plazos establecidos por el Festival. Las producciones seleccionadas harán parte de la programación oficial de agosto, que reunirá películas nacionales e internacionales en una celebración del cine que apuesta por la creatividad, la innovación y la libertad artística.

Para mayor información, consultar las bases, lineamientos, tiempos de convocatoria e inscripciones ingrese a la plataforma Filmfreeeway.

Una mujer que vive aferrada a la rutina. Un apartamento silencioso. Un niño que aparece de forma inesperada y la convivencia siendo capaz de derrumbar los muros que ella construyó durante años. Así comienza la nueva película del cineasta Fernando Eimbcke, una historia íntima que explora el miedo a crear vínculos y la necesidad de sentirse acompañado.

La cinta sigue a Olga, una mujer que lleva una vida solitaria en un enorme conjunto residencial. Sin embargo, las dificultades económicas la obligan a alquilar una habitación de su apartamento, lo que parecía una decisión práctica cambia por completo cuando descubre que su nuevo inquilino también vive con su hijo de nueve años, obligándola a enfrentarse a aquello que más ha evitado: La conexión emocional.

“Esta historia nació hace más de 22 años. La escribí para una serie de televisión que al final nunca se hizo y el guion quedó guardado en mi computador. Un día, mientras estaba limpiando archivos, me lo encontré, invité a Vanesa Garnica a retomarlo y así empezó el camino para convertirlo en ‘Moscas’”, resaltó el director en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En una época marcada por los efectos especiales, la tecnología y producciones cada vez más ambiciosas, Eimbcke decidió filmar completamente en blanco y negro, apostándole a una narrativa donde los silencios, las miradas y los pequeños gestos tienen tanto peso como los diálogos.

"Las moscas representan esa soledad. Cuando estás solo en casa, de repente notas su presencia; cuando estás rodeado de gente, casi ni existen. El blanco y negro tiene la capacidad de captar algo muy importante de la infancia: La inocencia. Resalta el brillo de la mirada y la sonrisa de los niños de una manera muy especial”, agregó el cineasta.

La exploración del dolor al lado de la comedia y la novedosa fusión estética y sonora de esta producción, han logrado que la bandera mexicana esté una vez más en los grandes escenarios mundiales. Este trabajo, por ejemplo, recibió el ‘Premio del Jurado Ecuménico’ en la ‘Competencia Oficial del 76° Festival Internacional de Cine de Berlín’. Además, hizo parte del ‘Festival Internacional de Cine de Guadalajara’ y del programa ‘Cannes Écrans Juniors’.

Desde el pasado 2 de julio, ‘Moscas’ hace parte de la cartelera colombiana. En Bogotá, se puede disfrutar en la Cinemateca de Bogotá, Procinal Salitre, Cine Colombia Avenida Chile, Cine Colombia Calle 100 y Cinemanía.

La ciudad vista en un charco, un mural, una canción o una fachada popular. Esa es la apuesta del director Alejandro Vargas Corredor, quien propone un recorrido que parte de los cerros del sur y el oriente hasta el centro, Chapinero y las periferias; en la búsqueda de acentos, colores, noches, sonidos y formas distintas de habitar.

La producción, realizada por Dieciséis 9 Films, reúne a músicos, cineastas, ilustradores, muralistas, paisajistas y artistas escénicos en un proyecto que revela las historias que suelen pasar desapercibidas.

“‘Artescopio’ logra acercar el arte a cualquier persona, incluso a quienes sienten que ese mundo puede resultar distante o difícil de entender. Es una invitación para que el espectador vuelva a encontrarse con Bogotá y entienda que también se cuenta desde las historias de quienes nacieron aquí y de quienes llegaron un día para convertirla en su hogar”, contó el director en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

A lo largo de diez capítulos documentales, ocho videocasts y tres especiales, la serie presenta a figuras como Cucharita de Palo, Manu Mojito, Pablo Watusi, 1280 Almas, John Gaitán, May Rojas, Natalia Santa, Diana Wiesner y La Gata Cirko.

El primer episodio, por ejemplo, está dedicado al artista visual Gaitán, conocido por sus “charcografías”, imágenes creadas a partir de charcos y residuos urbanos.

La música también ocupa un lugar central en la serie. El sonero Watusi aparece como una figura clave para comprender la riqueza ‘afrocachaca’ presente en Colombia. Su voz y su trayectoria buscan celebrar la mezcla de las raíces afro y la experiencia contemporánea.

“La gran fortaleza de esta producción está en su diversidad. No existe una sola manera de hacer arte ni una única forma de habitar el territorio. La serie reúne distintas voces, sensibilidades y maneras de imaginar el mundo, por eso cada capítulo funciona como una pieza distinta dentro de un gran caleidoscopio cultural”, agregó el cineasta.

‘Artescopio’ se estrenó el pasado jueves 4 de junio a las 7:00 p.m. y sus capítulos se emitirán semanalmente a través de la pantalla de Canal Capital y sus plataformas digitales.

Un niño que duerme entre cartones. Una mujer que pasa sus días en silencio desde una silla de ruedas y la tenue desaparición forzosa que lo cambiará todo. Así empieza ‘Volar’, la ópera prima de Jeiver Pinto Vargas, que entrelaza dos vidas separadas por décadas, pero unidas por el mismo vacío: La soledad.

La producción sigue los pasos de Alirio y Claudia, dos niños habitantes de calle que sobreviven entre el reciclaje y el abandono. Sin embargo, cuando ella desaparece, el joven se enfrenta al miedo de quedarse completamente solo. En medio de la desesperación, toma la decisión inesperada de secuestrar a Alicia, una mujer de 70 años que también carga con un peso irreversible.

“Como realizadores tenemos la responsabilidad de reflejar la sociedad. ‘Volar’ retrata historias que vemos todos los días y que terminamos ignorando. Detrás de ellas hay personas profundamente importantes, y esta película busca recordar que la necesidad de sentirse acompañado es algo que nos une a todos”, contó el director en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La cinta apuesta por un lenguaje visual íntimo y realista, utilizando locaciones reales, luz natural y una cámara cercana que acompaña a los personajes en sus recorridos citadinos. Desde el lente del director, Bogotá deja de ser un escenario para convertirse en un organismo vivo que observa, ignora y empuja constantemente a sus protagonistas.

“El plus, es que trabajamos con habitantes de calle reales porque queríamos que la película respirara autenticidad. Más que retratar una problemática social, buscábamos recordar que son personas que vemos todos los días y que, muchas veces, terminamos ignorando. El cine debe volver a poner esas vidas en el centro de la conversación”, añadió Pinto.

A lo largo de su trayectoria, Jeiver, ha participado como director, guionista y asistente de dirección en producciones como ‘Cien años de soledad’, ‘El olvido que seremos’, ‘Perfil falso’, ‘Distrito Salvaje’ y ‘Hasta que la plata nos separe’, entre otras.

Esta vez regresa a la gran pantalla colombiana con su propia apuesta independiente que está disponible desde este 4 de junio en las salas de cine de Bogotá, Salento y Medellín.

Desde las montañas nacionales llega Andariega, una producción que pone la mirada sobre una realidad pocas veces narrada en las pantallas locales: La cotidianidad de los recolectores itinerantes que recorren el territorio, sosteniendo desde el anonimato una de las industrias más representativas del país.

En entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO el director Raúl Soto Rodríguez y María Yesenia Herrera Benítez, conocida como ‘Chena’, hablaron sobre el proceso detrás de este largometraje que llegará a las salas de cine este 21 de mayo, tras un destacado circuito por festivales internacionales.

La historia sigue los pasos de ‘Chena’, una joven campesina de 26 años que, como miles de trabajadores, migra de un predio a otro siguiendo los ciclos de las cosechas. Entre extensas jornadas laborales y largos periodos lejos de su hijo, la protagonista enfrenta el desgaste físico y emocional que implica mantener un hogar a la distancia.

Al profundizar en esta realidad, el director descubrió un fenómeno demográfico impactante y explicó que: “Investigando me di cuenta de que era una diáspora de 600 mil personas cada año moviéndose por el centro del país de finca en finca recogiendo frutos maduros de café”, cuestionando así las representaciones tradicionales de la cultura cafetera.

Con esta propuesta, la intención del cineasta era alejarse de los estereotipos construidos históricamente alrededor de este gremio para mostrar la verdadera dimensión humana de cada cosecha: “Quise hacer un cine que dignifique la vida rural, que dignifique a los campesinos y que los ponga como en primera fila de una cadena de producción larga, pero de la que ellos son la base”.

Uno de los elementos más íntimos de la película es el diario personal que ‘Chena’ escribió durante los años de rodaje. Ese cuaderno, cargado de reflexiones sobre la maternidad, el cansancio, los sueños y las frustraciones, terminó convirtiéndose en el motor de la narrativa, ya que, según el realizador: “Ese diario se volvió la conciencia de la protagonista en el filme. Ahí estaban, sus enojos, sus miedos y también sus recuerdos”.

Así mismo María Yesenia recordó que el proceso de grabación estuvo marcado por la total transparencia con el equipo de rodaje, destacando que: “Siempre hablamos con la verdad y eso ayudó a que todo fluyera. Nos familiarizamos muy rápido y ellos terminaron siendo como parte de nosotros”.

Además de retratar la dureza del entorno rural, ‘Andariega’ evidencia la vulnerabilidad de las mujeres del campo, quienes deben equilibrar las exigencias físicas de la recolección con las responsabilidades familiares y afectivas que suelen permanecer invisibles para la sociedad.

La pieza tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) y posteriormente llegó a escenarios europeos como el International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA) y Cinélatino Rencontres de Toulouse.

Para Chena, más allá del reconocimiento cinematográfico, el proyecto representa una oportunidad definitiva para que los espectadores comprendan el valor de su labor, concluyendo con un mensaje claro: “Queremos que entiendan el esfuerzo y el sacrificio que hay detrás de cada tacita de café que nos tomamos todos los días”.

El documental estará en cartelera desde este 21 de mayo en la Cinemateca de Bogotá y en distintas salas del país.

Cuando una acusación transforma por completo la vida de una persona y las instituciones señalan antes de esclarecer los hechos, surge una pregunta incómoda: ¿Qué ocurre si un inocente es convertido en culpable? Ese es el punto de partida de ‘El perfecto culpable’, el nuevo largometraje del director colombiano Henry Rincón, una producción inspirada en hechos reales que pone bajo la lupa las fracturas del aparato judicial y el drama silencioso de quienes enfrentan condenas injustas.

La trama sigue a Alexander Obregón, un profesor cuya vida da un giro abrupto tras ser víctima de un entramado de falsas acusaciones que terminan llevándolo a prisión. Atrapado en una realidad marcada por la incertidumbre y el señalamiento, el protagonista encuentra en la poesía una forma de resistencia emocional, mientras intenta sostenerse en medio de un proceso que lo aparta drásticamente de su cotidianidad.

Sin embargo, la película no busca quedarse únicamente en el retrato del dolor. Construida desde el lenguaje del thriller, la obra sumerge al espectador en la tensión, el suspenso y las emociones de un hombre que intenta recuperar su dignidad frente al peso de una sociedad que ya lo juzgó: “No es un documental investigativo ni de denuncia; es un largometraje de seguimiento de un personaje y de visibilización de una problemática”, resaltó Rincón durante el lanzamiento en LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Para el director, uno de los elementos más poderosos del relato es precisamente la sensibilidad que emerge desde la escritura. La poesía, lejos de ser un recurso estético, se transforma en la vía para comprender el mundo interior del personaje y las huellas profundas que deja el encierro: “La poesía es el instante donde se ve más humano el personaje, donde se ve más sensible y más frágil. Para una trama tan cruda, era la manera de entender que detrás hay un ser humano con emociones”.

La producción, rodada en Medellín, utiliza a la ciudad no solo como escenario, sino como un contraste narrativo: Un territorio vibrante que, al mismo tiempo, expone la soledad de un hombre que intenta reintegrarse a un entorno que lo mira con sospecha, incluso después de recuperar la libertad.

Además de reconstruir el caso de Alexander, el film abre el debate sobre una problemática poco visibilizada en el país: Los llamados falsos positivos judiciales. Para Rincón, se trata de una conversación urgente en una nación donde los errores institucionales pueden alterar el destino de cualquier ciudadano: “Es una película que va a incomodar, pero genera un diálogo alrededor de un tema que no es tan común, aunque sí muy frecuente. Sentí que también podía ser el perfecto culpable; cualquiera puede quedar atrapado en un error judicial”.

La investigación detrás del proyecto incluyó la revisión de expedientes jurídicos, el acompañamiento de abogados y la recopilación de testimonios reales, con el propósito de construir un relato sólido y fiel a una realidad que suele permanecer en la sombra.

Más allá de narrar una condena injusta, ‘El perfecto culpable’ propone una reflexión sobre la fragilidad de la justicia, el estigma social y la posibilidad de reconstruirse después del daño. Una propuesta incómoda, dolorosa y profundamente humana que busca dejar una pregunta abierta en el espectador: ¿Qué tan lejos estamos de convertirnos, también, en el perfecto culpable?

El estreno en las salas de cine del país será el próximo 28 de mayo.

Una de las adaptaciones más esperadas y exitosas de la obra del escritor colombiano Gabriel García Márquez ha sido la serie de ‘Cien años de soledad’, producida por Netflix y cuya primera parte se estrenó en 2024. Una historia que durante sus primeros ocho capítulos llevó a los espectadores a conocer los misterios de Macondo, los excesos de la familia Buendía y una radiografía de la realidad nacional que hizo merecedor a ‘Gabo’ del Premio Nobel de Literatura en 1985.

Ahora, dos años después, la plataforma dio a conocer la fecha de estreno de la segunda y última parte de la historia, en donde el público podrá descubrir el trágico destino de las últimas generaciones de los Buendía, así como la destrucción del pueblo imaginario que se convirtió en todo un icono del Caribe Latinoamericano.

Según se conoció, la segunda mitad de la historia estará disponible a partir del 5 de agosto y contará con siete episodios que recorrerán apartados como la firma del ‘Tratado de Neerlandia’ por parte de Aureliano Buendía, la llegada a la familia de Fernanda del Carpio, la Masacre de las Bananeras y la lluvia interminable que empezó a marcar los últimos años de Macondo. Lista de episodios:

Episodio 1: ‘El armisticio’ Episodio 2: ‘La Reina de Madagascar’

Episodio 3: ‘Fernanda del Carpio’ Episodio 4: ‘Había llegado el inocente tren’

Episodio 5: ‘Fue un once de octubre’

Episodio 6: ‘Eran más de tres mil’

Episodio 7: ‘Llovió cuatro años’

Sin embargo, tanto la lectura de los pergaminos proféticos de Melquiades como el triste final del último de los Buendía, a manos de las hormigas, tendrán un capítulo especial que marcará el cierre de la serie y se estrenará el 26 de agosto bajo el título ‘Cien años de soledad’.

Cabe señalar que la dirección de los nuevos capítulos estuvo en manos de Laura Mora y Carlos Moreno, quienes asumieron el reto de estudiar el universo literario de Gabriel García Márquez y adaptarlo al lenguaje audiovisual. Un trabajo que en su primera parte fue bastante aplaudido y dejó muy conforme a los fanáticos del escritor.

En vida, cabe recordar, ‘Gabo’ fue uno de los principales opositores de una adaptación cinematográfica de ‘Cien años de soledad’. Esto, porque a su parecer la historia era muy larga para una película y en segundo lugar, porque el cine le podría quitar a los lectores el placer de imaginar a su manera tanto los personajes como las diversas situaciones de la novela. Unos desafíos que décadas después han sido sorteados por las ventajas del formato serie y el gran talento de actores como Claudia Cataño, Susana Morales, Viña Machado y Diego Vásquez.

El idilio de amor, arte y contradicciones entre Frida Kahlo y Diego Rivera volverá a escena con una producción lírica que llegará a las pantallas nacionales. Se trata de ‘El Último Sueño de Frida y Diego’, una propuesta de la Metropolitan Opera de Nueva York que forma parte de su reconocida temporada Live in HD.

La obra podrá verse en salas seleccionadas de todo el territorio el próximo 30 de mayo a través de una emisión en directo, buscando acercar al público local a un montaje que fusiona música, memoria latinoamericana y elementos visuales inspirados en el legado de ambos creadores.

En cuanto a la trama, la puesta en escena imagina el reencuentro de la pareja durante el ‘Día de Muertos’. A partir de allí, el argumento desarrolla un recorrido emocional y simbólico que toma como referencia el mito de Orfeo y Eurídice para explorar la pasión, la despedida y la permanencia de la creación más allá de la muerte.

Uno de los aspectos más destacados de este montaje es que será interpretado completamente en español, un hecho poco habitual dentro de la programación del Met Opera. Además, incorpora referencias al folclor mexicano, al surrealismo y a la estética característica de las pinturas de los protagonistas.

Por otra parte, la composición musical estuvo a cargo de Gabriela Lena Frank, reconocida por integrar sonidos y narrativas tradicionales en sus piezas, mientras que el libreto fue escrito por el dramaturgo cubano-estadounidense Nilo Cruz, ganador del Premio Pulitzer.

El elenco está encabezado por la mezzosoprano Isabel Leonard en el papel de la pintora y el barítono Carlos Álvarez como el muralista. La dirección musical estará a cargo de Yannick Nézet-Séguin, director titular de la compañía neoyorquina.

A esto se suma la propuesta escénica de la coreógrafa brasileña Deborah Colker, quien incorpora recursos visuales y dancísticos contemporáneos para construir una experiencia inmersiva alrededor de la biografía de la célebre pareja.

Con esto, los teatros nacionales continúan consolidándose como espacios alternativos para conectar las grandes citas culturales del mundo con nuevos públicos. Así, la llegada de esta ópera a Colombia permitirá a los espectadores vivir en tiempo real una de las apuestas más audaces del circuito internacional.