Una comedia musical para toda la familia dirigida por David Serrano. La trama relata a un grupo de amigos con las canciones de Hombres G como hilo conductor. 

Esta vez no se trata de ver a la banda en la gran pantalla. Eso ya lo hizo el director Manolo Summers en 1987 y 1988 con 'Sufre mamón' y 'Suéltate el pelo' respectivamente. El padre de David Summers, cantante y líder de la banda, dejó dos películas casi de culto, reverenciadas por los fans de la banda. Ahora su música volverá a marcar el ritmo a otra historia.

El grupo madrileño lleva cerca de 40 años en los escenarios. Clásicos como ‘Marta tiene un marcapasos’, ‘Sufre mamón’ o ‘Venezia’,  han marcado a muchas personas y se han convertido en la banda sonora de sus vidas. Ahora tendremos la oportunidad de volver a disfrutar de sus canciones.

‘Voy a pasármelo bien’, nos narra la historia de David y Layla, dos amigos que se reencuentran 30 años después y reviven viejos momentos todo ello inspirado en la música de Hombres G. 

La historia de amor y amistad se prolonga a lo largo de los años, de hecho está narrada en dos líneas temporales que discurren en paralelo en la trama del largometraje. Por un lado se verá esa España de finales de los 80. Por otro, la época actual.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con el director y la productora general Paola Castaño, sobre los pormenores de esta producción que promete una historia estremecedora con toques oníricos y míticos que generan reflexión. 

“Wunyaasüü, está relacionado con el sentimiento de, tener sed, por temperaturas extremas”, menciona Jaime sobre el significado de la palabra.

La historia surgió hace 15 años, cuando Jaime, realizaba sus estudios de pregrado y se interesó por el tema de la minería moderna o comúnmente llamada megaminería. Durante su proceso de investigación encontró información que podría resultar peligrosa para su integridad y no sabía como contarla. Así las cosas, emprendió un viaje por invitación del gobierno mayor indígena para recorrer algunas zonas del país que le permitieran ampliar su mirada sobre el impacto de la actividad extractiva. 

Según lo relata Jaime, en un encuentro de minería, en Villa de Leyva, unas mujeres Wayuu contaron la experiencia que tenían sus comunidades con la mina de carbón a cielo abierto más grande del mundo, el Cerrejón, y salió la palabra “Wunyaasüü”. 

“Yo dije, esta es la metáfora perfecta para mi investigación de megaminería para el documental. También pensé que podría vestirla o medio disfrazarla de ficción y es posible que sea menos peligroso para mí”, afirma Jaime sobre el tema que se encuentra implícito en el corto. 

Jaime compartió su investigación con Paola Castaño y ella se enamoró de la historia por esa conexión especial que tiene con las comunidades indígenas. “Cuando conozco la historia, lo primero fue la conexión que tengo con las culturas ancestrales, inmediatamente me llamó la atención. El impacto ambiental en este territorio también es importante y el tema de los sueños es algo que atraviesa mi vida”, dice la productora sobre esos elementos que la cautivaron. 

El cortometraje se prevé de 15 minutos de duración y se encuentra en etapa de pre-producción. Contará con la actuación de la comunidad del pueblo Wayuu, quienes han enriquecido la historia con sus saberes y vivencias. 

Sinopsis

Tequiara y Jasai encuentran a los niños de la comunidad muertos por tomar agua impura del manantial. Ellas, destrozadas, dejan de soñar, un suceso que para la comunidad es agobiante, pues es no tener un norte en la vida colectiva. Tequiara envía al delegado de la comunidad, El Palabrero, a pedir a los dueños de la mina de carbón que paren la contaminación, pero no hay una respuesta positiva, lo cual va a afectar profundamente la vida en el pueblo. 

Vea el Teaser del cortometraje ‘Wunyaasüü’. 

Para obtener más información de esta producción se puede contactar a las redes sociales de las casas productoras, Ojo Agua Cine y Mito Estudio Creativo. 

El director canadiense contempló a Hollywood a sus pies, buenos ejemplos son: ‘La mosca’ (1986) y ‘Crash’ (1996). Sin embargo, nunca fue un sumiso del sistema, por esa razón podemos entender que sigue haciendo grandes cintas con los mejores actores, pero con una distribución muy limitada y sin buscar los premios de academia. 

Es simple, si te gusta Cronenberg, tienes que ir a buscarlo, porque no siempre será fácil poderlo ver, buenos ejemplos son ‘Un método peligroso’ (2011) y ‘Cosmopolis’ (2012) que, a pesar de su reparto y la fuerza de la historia, no hizo parte de la gran distribución. 

Así de sencillo, son más de 50 años de trabajo de primer nivel en el séptimo arte, su reciente proyecto ‘Crimes of the Future’ se estrenó en el festival más importante del mundo, Cannes y aquí en el país, solo la podemos ver en la Cinemateca y en la plataforma de MUBI. 

Tras mi feroz crítica contra el sistema y el poco buen cine que nos llega y de agradecer a la Cinemateca y Mubi nuevamente. Ahora, sí podemos hablar de ‘Crimes Of The Future’.

“Con la ayuda de su compañera Caprice, Saul Tenser, célebre artista performativo, escenifica la metamorfosis de sus órganos en espectáculos de vanguardia. Timlin, una investigadora de la Oficina del Registro Nacional de Órganos, sigue de cerca sus prácticas.” Sinopsis de MUBI. 

No me deja de sorprender como una producción de ciencia ficción tan compleja se puede reducir en tres líneas, ya que, estamos en un futuro que con miedo podemos decir que es cercano y eso causa terror.  Porque estamos en una especie de evolución humana, los humanos mutantes, pero sin celulares, ni tabletas, los grandes avances son un ‘shark’ que paradójicamente en la cinta es un aparato viejo que usaban para operar, hacer autopsias y ahora lo usan para el arte. 

Eso del arte suena romántico y hermoso, pero no es otra cosa que lo ya mencionado, cirugías y autopsias. Eso es arte que transgrede, que corta la piel, tatúa los órganos, esa es la exposición.  En ese futuro, los humanos, no sienten dolor, no necesitan de anestesia, y el sexo, es algo del pasado, lo que excita es cortar, penetrar, romper, es una contante operación. 

Para rematar, los actores son una absoluta maravilla Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart. ‘Crimes of the Future’, es una de las cintas más arriesgadas de Cronenberg y no es un dato menor porque el próximo marzo 15 él cumplirá 80 años. 

Este año, el emblemático Festival celebra su aniversario número 70. Su primera edición arrancó en 1953, impulsada por el comercio local de la ciudad. Hoy en día es uno de los más prestigiosos de Europa y constituye uno de los eventos culturales de mayor envergadura de Donostia. El evento se realizará del 16 al 24 de septiembre.  

Entre los nominados en la selección oficial se encuentran nombres de grandes cineastas como Manuel Abramovich, Christophe Honoré, Sebastián Lelio, Diego Lerman, Marco Martins, Frelle Petersen, Hong Sang-soo, Ulrich Seidl, Petr Václav y la colombiana Laura Mora, que además de ser seleccionada por la película, se convierte en la primera directora en la historia del país, en ser seleccionada en la competencia oficial de largometrajes de un Festival Clase A.

‘Los reyes del mundo’, fue el último premio del Estímulo Integral del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico. La cinta es un cuento subversivo y fantástico protagonizado por cinco chicos de las calles de Medellín.

Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano son cinco reyes sin reino que, tras recibir una carta de la oficina de restitución de tierras, notificando la devolución de terrenos que fueron arrebatados a la abuela de Rá, deciden emprender juntos un viaje con la promesa de por fin cumplir un sueño, tener un lugar en el mundo para ellos mismos donde ser libres, estar a salvo y construir su propio reino. 

“Estrenar Los reyes del Mundo en la competencia oficial de un festival como San Sebastián es un honor enorme. Es la posibilidad de abrir el camino de la película en un espacio donde han estrenado obras de grandísimos directores. Además, significa que la película entre por fin en diálogo con el público, en un lugar con una curaduría exigente, que celebra y siente un profundo amor por el lenguaje cinematográfico”, expresa la directora sobre esta nominación. 

“El punto neurálgico del conflicto en Colombia, es precisamente ese: el de un pueblo que ha sido despojado de su tierra. La idea de cinco chicos, a los que la sociedad ha excluido desde siempre y cuyo deseo máximo es poder reclamar un lugar en el mundo donde ser libres y estar a salvo, me parecía una sublime manera de hablar de la historia de violencia relacionada a la tenencia de tierras, y honrar la energía de este grupo de despojados. Una forma poética en la que estos chicos se vengan del mundo que azarosamente les tocó. Reclamar lo suyo, la tierra, es su acto más político, más rebelde, más honesto”, agrega Laura Mora. 

Vea un detrás de cámaras de la película.

El 11 de agosto, la película documental, llega a las salas de cine en Colombia, para presentar un viaje por dos continentes, por los objetos, los recuerdos, las raíces, y ante todo por las relaciones familiares.

Sandro Bozzolo, director de la película, habló, desde Italia, en ‘Amantes del Círculo Polar’, acerca del trabajo que inició hace algunos años enfocado en primera instancia en la controvertida y brillante figura de Antanas Mockus Šivickas. 

Este es el primer largometraje del director italiano coescrito con María Cecilia Reyes, que tiene la cooperación de tres países, por Colombia está Adriana Bernal y su productora La Olimpo; Dagne Vildziunaitė, es la participación del país báltico; y Max Chicco junto a Sandro Bozzolo son la cuota italiana.

Hacer esta película no fue una tarea simple. Es conocido que Nijolé, la artista lituana, es muy reservada y aunque es un personaje muy importante para el político, filósofo y matemático colombiano, su vida es desconocida, incluso su trabajo como artista siempre estuvo alejado de las galerías porque consideraba que tenía una relación “complicada” con el mundo del arte. 

Sobre esa conexión que se construyó con la artista, Sandro menciona “fue un regalo bastante valioso que nos hizo Nijolé a lo largo de distintos años, yo tuve la oportunidad de conocerla en el 2014 y de ahí se dio un camino que siguió a través de su taller en Bogotá que después se continuó en un viaje hermoso que hicimos en Lituania”. Según menciona el director italiano, Nijolé era muy conocida en los círculos de artistas en los años 50, 60 y 70, sin embargo, con la aparición de su hijo en la vida pública, ella decidió esconderse. A pesar de su desconfianza por el mundo mediático, accedió a hacer parte de la película, gracias a que “ella reconoció que ese era nuestro trabajo y de los artistas”, agrega Sandro. 

La cinta revela, entre imágenes distantes, huecos negros y saltos temporales, la vida de Nijolé, pero también la unión con su más grande obra, Antanas Mockus. Es un viaje de experiencias, de sensaciones en medio de una atmosfera enigmática que simplemente atrae. 

La música es un aspecto fundamental de la película y estuvo a cargo de Lina Lapelytė, ganadora del León de Oro en la edición 58 de la Bienal de Venecia en 2019, por su ópera ‘Sun & Sea’ (Marina). 

El 11 de agosto será el estreno nacional en salas de cine del país gracias a la distribuidora Distrito Pacífico. 

Vea el tráiler de la película

El director británico (Marshall) hizo el remake de ‘Hellboy’ con la cual no le fue muy bien, pero sí fue muy exitoso por dirigir unos episodios de ‘Juego de tronos’. Su nueva propuesta, que en realidad no lo es tanto porque ‘The Reckoning’ es del 2020, cuenta un pésimo nombre en español como ‘Pacto con el diablo’.

La historia fue escrita por el director, Charlotte Kirk (la protagonista de la historia) y Edward Evers-Swindell. 

El relato es ambientado en 1655. Grace Haverstock (Charlotte Kirk) es una mujer dedicada a su hogar, tiene una hermosa bebé y su esposo (Joseph) es un trabajador que debe seguir con sus labores a pesar de la pandemia que sufre Inglaterra.

Después de un trato comercial como es de costumbre, Joseph va al bar a tomar una cerveza, sin embargo, comete un grave error al beber de la copa de un desconocido que estaba muy enfermo, al regresar a casa es consciente del riesgo en el que pone a su familia y prefiere suicidarse. 

Grace, días después recibe la visita del dueño de las tierras (Pendleton), quien se aprovecha de la difícil situación emocional y económica, así que le pide pagar su estadía con sexo, lo que ella rechaza, él la golpea, intenta violarla, pero ella logra defenderse y lo saca de su hogar apuntándole con un arma. 

El poderoso Pendleton, acusa a Grace de bruja como represalia, así que hace venir a Moorcroft, un terrible inquisidor que tortura a las mujeres hasta que acepten que son brujas. La historia se repite, ya que, Grace de niña vio como ese mismo señor quemó viva a su madre, tras confesar que era bruja, confesión que solo hizo para defenderla a ella.

Nunca una película podrá ser buena sin un buen guion, una buena historia es el 50 % por lo menos del éxito del filme, aquí sin duda tenemos historia, pero el resultado es lamentable, una producción que abusa de las escenas en cámara lenta, con mala música, más una descarada forma de comercializar el feminismo.  

Intenta de una pésima manera hacer un símil con ‘La Pasión de Cristo’ de Mel Gibson, pero con una protagonista distinta, los personajes son simples, llenos de lugares comunes, predecible y como es una cinta de terror, fuerza a lo onírico para meter desnudos e imágenes de pánico. Así que, con el objetivo de seguir con el cliché, ‘Pacto con el diablo’, nos recuerda que de buenas intenciones está hecho el camino hacia el infierno.   

Basada en la novela de Mark Greaney, ‘The Gray Man’, esta es la producción más costosa de la plataforma de Netflix, una cinta de acción con escenas espectaculares en las que se enfrentan los malos con los más malos.

Seis (Ryan Gosling) es un preso que es reclutado por la CIA en un controvertido programa en el que será un sicario para su país, una de sus misiones es asesinar a Cuatro, es decir, otro agente como él que posee datos muy importantes que afectarán a la agencia, antes de morir le da la información y ahora Seis, es quien está en peligro. 

Debido a que es un fantasma (Seis) el encargado de asesinarlo es Lloyd Hansen (Chris Evans) un sanguinario agente sin principios, sus métodos son la tortura y nunca tiene límites.  Una producción que se disfruta gracias al 4K, con muy buenos efectos, sorprendentes, unas secuencias muy bien logradas, más peleas con coreografías asombrosas. Es imposible no emocionarse con los dos actores principales. 

Sin embargo, más allá de todo lo espectacular que da la fortuna que costó el largometraje, no aguanta una mirada más profunda. Claro que explica muy bien por qué Seis decidió aceptar su destino y como a su manera es un hombre con principios. 

Pero, cuando no hay una escena de acción, la emoción cae al piso, la clásica tensión emocional que es habitual en estas producciones fue reemplazada por el amor lleno de deseo al del protector de familia, que es el tono emotivo. 

‘El hombre gris’, es solo una entretenida cinta de acción y poco más. 

El músico y productor, amigo íntimo de Sabina, hace un recorrido sobre la composición y producción musical de Sabina en los últimos años, desde su álbum ‘Vinagre y Rosas’, hasta su último disco ‘Lo Niego Todo’ -como productor-, así como de sus más recientes publicaciones.

‘Sintiéndolo Mucho’, es una producción de Reposado, BTF Media y Sony Music Spain que permite conocer la auténtica personalidad de uno de los cantantes, compositores y poetas españoles más importantes de las últimas décadas y supone el primer trabajo de estas características sobre Joaquín Sabina. Un reto que ha sido posible gracias a la estrecha relación, basada en la admiración y la confianza entre el músico y el cineasta.

“Esta película es un extraño privilegio que, como cineasta, quisiera compartir con el público: el de pasar un rato a solas con Joaquín cuando no es Sabina, señala León de Aranoa.

Así mismo, el cineasta madrileño dijo que la película promete descubrir "la versión más auténtica y cercana de uno de los cantantes, compositores y poetas españoles más importantes de las últimas décadas".

Por su parte, Leiva, amigo íntimo de Sabina, ha sido el último en sumarse al proyecto, y será el encargado de componer la música original del documental. Leiva ya produjo el último disco hasta la fecha de Joaquín, y además han colaborado en otros proyectos como la canción que conjuntamente le compusieron al Atlético de Madrid, del que los dos son seguidores, o la mejor actuación de la última entrega de los Goya.

La premier del filme tendrá lugar en el Velódromo, en el Festival de San Sebastián, el 16 y el 24 de septiembre, en una de las secciones más populares del certamen donde, ante 3.000 espectadores y en una pantalla de 400 metros, se proyectan grandes estrenos.

Esta será la cuarta participación de Fernando León de Aranoa tras ‘Barrio’, ‘Los lunes al sol’ y ‘El buen patrón’.

Baz Lurhmann es uno de los directores más conocidos del cine, es fácil recordar sus cintas como ‘Romeo y Julieta’ de Leonardo DiCaprio, ‘Moulin Rouge’, ‘Australia’, ‘El Gran Gatsby’, entre otras, pero sin duda desde ahora será conocido como el director de ‘Elvis’ un ejemplo magistral de cine, no dudé ni por un segundo en ir a la pantalla gigante a verla como debe ser. 

Me sorprende mucho ver que la duración de ‘Elvis’ es de dos horas 40 minutos, porque la sensación que me dio fue de una cinta de tres minutos, su ritmo es endemoniado, la edición es una obra de arte, no sentí que tuve tiempo para parpadear, porque la historia del “Rey del Rock” no da ni para respirar.  Tom Hanks, uno de los actores más encantadores de Hollywood, es el narrador, el Coronel Parker que manejó la carrera del cantante, un maldito desgraciado que nos recuerda que los ganadores son los que nos dicen como es la historia.

Y la historia es la de ‘Elvis’, la de Estados Unidos, la del racismo, la de la imposición moral de los políticos, de la liberación sexual, la del dinero, de las adicciones, de los sueños hechos realidad, de la segregación, de la violencia y de la cultura. 

De pequeño Elvis no contó con una vida fácil, su padre fue a la cárcel y vivió en una zona pobre, rodeado de la cultura afro, tenía a la mano la fuerza del blues, del jazz y del r&b, pero a pocos pasos de esa música caliente y afro estaba el poder del góspel, que se te mete y te hace temblar como si fuera un exorcismo en el cuerpo, movimiento que se quedó en sus caderas y que hizo vibrar al público que no paraba de gritar ante la novedad.

La producción llena de aciertos, resalta el compromiso de la estrella con sus creencias, a pesar de no haber brillado en el cine, como era uno de sus sueños, el de ser un James Dean, con su ritmo si fue fiel a sus principios, es decir él si fue un rebelde con causa. 

Pero, vuelvo a los aciertos y es de mostrar su cercanía con la comunidad negra, es excitante cada fiesta, bar, iglesia en la que él se fundía con la música y atmósfera. Ver a Fats Domino y a B.B. King es simplemente hermoso. 

La historia del mito está llena de emoción, de dolor, de mucho amor. Su música como es de esperar, es perfecta, pero lo mejor es que el director no duda en mezclarla con sonidos modernos o más actuales, porque el rap también está presente. 

Lo único que lamento es que no todas, es más, la gran mayoría de las canciones no contaron con los subtítulos en español, una falla no menor.  Esperemos que algún día podamos comprender que es vital entender las letras que además cuentan una historia muy importante, como es el caso de ‘If I Can Dream’ que refleja esa frase que aprendió en la iglesia “Cuando decir algo sea muy peligroso… canta”. 

Para finalizar, así como muchas veces se eligen las películas para ir con los hijos, en este caso, es ideal que no olvide a sus padres, abuelos, tíos que seguramente vibrarán con esta absoluta maravilla audiovisual. 

“Dos cosas son infinitas: la estupidez humana y el universo; y no estoy seguro de lo segundo” Albert Einstein. A esa frase creo que se le podría agregar el universo Marvel, no paran los comics, las cintas y las series. No sé si están saturados, pero en lo personal pienso que las últimas entregas en las salas de cine no han sido las mejores y señalo a: ‘Doctor Strange’ y ‘Morbius’. 

Con Thor hay algo más. Bueno, mucho más, es entretenida, divertida y emotiva. De pronto podría pasar a la historia como una de las mejores entregas, lo que está claro es que sí hablaremos de su humor a pesar de todo. 

Vuelve y repite el director, Taika Waititi, un acierto total por la frescura que le imprime al superhéroe. La cinta está basada en uno de los comics más oscuros de Thor: ‘El carnicero de dioses’, el carnicero es Christian Bale, un malo que no debería serlo, pero lo es, su maldad lo supera y a ratos parece que no hace parte de la estética, tanto que tenemos un espacio, no tan extenso, en blanco y negro. 

Sí, el villano es una mega estrella, de los mejores actores de los últimos años, pero, la tensión y la atención se la lleva Natalie Portman, Judy Foster, digo: Jane Foster. Absolutamente brillante en cada aparición, lista, fuerte, una diosa que a su vez es frágil. Enorme. 

Chris Hemsworth raya con la perfección física, su cuerpo es tan maravilloso que tenía que mostrarlo completo, para que se desmayen de la fascinación al ver su escultural figura. Pero, lo mejor de él, de Thor es como fluye en el humor, sus discursos casi siempre desastrosos, su pena de amor, su egocentrismo, su relación con sus armas y esa mirada en la que no puede ocultar el dolor. 

‘Thor: Amor Y Trueno’, es un nombre lleno de belleza que solo podremos descubrir al verla. Es cierto que seguramente no terminará entre las mejores producciones del año, pero si es un gran divertimento que se burla de los héroes con una narrativa muy amorosa y además con un encanto muy infantil. 

Posdata: Rusell Crowe y Matt Damon gracias por hacernos reír.