“Hacer lo que le da la gana” podría ser uno de los lemas de vida de Karmen Cercós. Mientras algunos artistas cambian de género para adaptarse a la audiencia, ella irrumpe en nuevos territorios con su esencia. 

Su historia con la música comenzó en la infancia, entre los boleros que escuchaba junto a su abuelo. Años después, durante la adolescencia, su hermana le presentó el punk, el ska y otros sonidos jamaicanos, géneros en los que encontró una conexión directa con sus ideas políticas y sociales. A los 19 años fundó Skaparapid, proyecto que continúa activo y se convirtió en uno de los pilares de su recorrido artístico que completa más de tres décadas.

“Una de las corrientes con las que más me he identificado por mi reivindicación como feminista y antifascista es el punk, este me permitió desde un inicio expresar lo que me pedían el cuerpo, la mente y el corazón. En aquella época prácticamente no había mujeres en ese estilo. Vengo de una familia muy unida y religiosa, de los ‘Kikos’, dentro de la Iglesia católica, y yo soy la rebelde, la que está fuera de todo eso”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su personalidad se caracteriza por no seguir moldes, dentro de su propia familia se autoreconoce como la “oveja negra”, una mujer criada en un entorno estricto que decidió construir su propio camino. Libertad que también se refleja en su apariencia, como peluquera de profesión, ha experimentado con el cabello rapado, las rastas y las trenzas, hasta reencontrarse con su textura natural.

Un cambio que va más allá de las puntas y las capas; pues esta vez la acompaña en una nueva etapa artística junto a ‘Pecando de Cariñosa’, su primer trabajo en solitario, en el que retoma las canciones que marcaron su infancia y las entrelaza con sus propias vivencias.

“Este disco tiene letras y temas reivindicativas, feministas y contra el amor tóxico. A mí nunca me ha gustado hacer las cosas de manera políticamente correcta; siempre me ha gustado tocar un poco los cojones, o los ovarios. Entonces, en el bolero hago lo mismo: No voy a hacer jamás uno supermega tradicional”, agregó la cantautora.

El álbum fusiona música andina, chacarera, chachachá y otros ritmos latinos, con colaboraciones de artistas como Dr. Shenka, de Panteón Rococó; Martín ‘Moska’ Lorenzo, de Los Auténticos Decadentes; Deals Olan, de Out of Control Army; Germán ‘Pecho’ Anzonátegui, de Las Manos de Filippi; además de Evelyn Cornejo y La Malinche. En 2026, el proyecto recibió el ‘Premio Talento Latino al Mejor Álbum de Neobolero’.

“Me he sentido fuerte, segura, empoderada, me he sentido mujer. He pasado de ser una niña y adolescente a sentirme, como digo a veces, una señora. Una señora que hace lo que le da la gana”, puntualizó Cercós.

Los miedos, las inseguridades y los prejuicios personales hacen parte de las experiencias que pueden marcar el desarrollo de un proyecto artístico. Estas ideas atraviesan la relación de Hera de Cuba con ‘Fantasmas’, una canción que la intérprete cubana aborda desde sus propias vivencias.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre su interpretación de esta obra, su identidad musical y los desafíos que ha enfrentado para consolidar su carrera.

“Los temas que Hera escribe son canciones que siempre tienen algo de autobiográfico. Y si no son creaciones propias, también hay algo que siento que es mío. Cuando canto es porque me enamoro de esa pieza musical, trato de sentirla y de buscar un punto de encuentro para conectarla con el público”, explicó la cantante.

Esta relación entre la interpretación y la experiencia personal permite comprender el lugar que ocupa ‘Fantasmas’ dentro de su repertorio. Es un punto de encuentro entre la historia de su compositora y la sensibilidad de una artista que reconoce en los temores internos uno de los desafíos que ha tenido que superar durante su recorrido musical.

“En mi plano personal, yo creo que los fantasmas son propios, son de uno mismo. Uno tiene que luchar con los fantasmas internos que uno tiene. Yo quizás me demoré en hacer mi propia música, en tener mi propio grupo, por miedo. Fue por tener prejuicios. Entonces, primero hay que quitarse uno esos fantasmas que tiene internamente y después enfrentarse a lo que pueda estar presente”, señaló la artista.

La propuesta artística de Hera de Cuba combina elementos de la música cubana con influencias del jazz, el R&B, la bossa nova y el latin jazz. La cantante se presenta como intérprete de la canción y encuentra en estos géneros herramientas para explorar melodías, transformar repertorios y ampliar sus posibilidades expresivas.

Ingeniera en Ciencias Informáticas de formación, comenzó a vincularse con la música durante su etapa universitaria, cuando participó en un movimiento de artistas aficionados en Cuba. Después de graduarse, mantuvo su actividad artística y posteriormente ingresó al catálogo de una empresa musical de la isla. 

El nacimiento de su hija, Vida, y el periodo de aislamiento provocado por la pandemia marcaron una etapa de mayor dedicación a la creación. Durante ese tiempo surgieron ‘Santa’ e ‘Iconos’, que dieron paso al EP ‘Santa’.

Sus influencias también provienen de la tradición musical cubana. Entre las figuras que marcaron sus primeros acercamientos a la música se encuentran Omara Portuondo, Benny Moré y La Lupe, intérpretes que escuchaba durante su infancia a través de la radio que acompañaba a su abuela.

Además, Hera de Cuba es fundadora y directora de ‘Música es Mujer’, una red colaborativa creada en marzo de 2023 para visibilizar el trabajo de las mujeres en la industria musical cubana. La iniciativa reúne a artistas y profesionales de diferentes áreas y busca generar oportunidades de circulación, intercambio y desarrollo artístico. 

El proyecto surgió como una alternativa frente a las dificultades para conseguir escenarios y recursos para propuestas independientes. A partir de una labor conjunta, las participantes encontraron una manera de presentar sus proyectos, compartir experiencias y establecer conexiones con otros actores del sector cultural.

La red amplía la actividad de Hera de Cuba más allá de la interpretación y la sitúa en el ámbito de la gestión cultural. Su iniciativa se relaciona con la creación de oportunidades para otras mujeres y con la construcción de espacios que permiten fortalecer su presencia en la industria.

La propuesta sonora integra funk, rock y percusiones latinas. La producción marca una nueva etapa de su proceso creativo, que apuesta por un formato de banda para ampliar las posibilidades musicales de un repertorio construido a partir de sus experiencias personales.

Ospina estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' para hablar sobre esta evolución, el desarrollo de su identidad artística y las búsquedas que atraviesan su más reciente trabajo discográfico.

Después de desarrollar sus primeras producciones desde un proceso de grabación más íntimo, con la guitarra como punto de partida, Ospina trasladó las nuevas composiciones al estudio con una banda integrada por batería, percusión, guitarras, bajo y teclados. El cambio le permitió explorar otras dinámicas instrumentales sin abandonar la sensibilidad que caracteriza sus canciones. “Este disco ha sido muy bacano porque tuve la oportunidad de grabar en vivo en un estudio. Antes, cuando empecé los otros álbumes, era más con mi guitarra en un cuarto, grabando toda la producción. (...) Es poder mezclar ese lado más emocional y sensible. (...) Era como un nuevo comienzo, un nuevo sonido que quisiera seguir experimentando, pero con una base y un formato que me gustaría mantener”, explicó el músico.

El proyecto conserva la escritura, aunque presenta una evolución en la manera de abordar sus temáticas. Mientras que los primeros trabajos se apoyaban en imágenes y metáforas que permitían múltiples interpretaciones, las nuevas canciones plantean sus ideas de una forma más directa, especialmente en los coros, sin abandonar el componente imaginativo de los versos.

Esta transformación se refleja en la relación entre las letras y los arreglos musicales. Las experiencias emocionales que alimentan las composiciones no necesariamente se traducen en sonidos melancólicos; por el contrario, encuentran en el ritmo una posibilidad de expresión que vincula la sensibilidad con el movimiento. De esta manera, el dolor y la vulnerabilidad conviven con una instrumentación dinámica que amplía las formas de aproximarse a estas experiencias.

La honestidad en la escritura constituye uno de los ejes de la propuesta. A través de sus letras, el artista aborda sentimientos y situaciones personales sin recurrir exclusivamente a fórmulas románticas convencionales. Su interés se dirige hacia la expresión de la sensibilidad masculina y la posibilidad de reconocer los sentimientos sin asociarlos con una imagen de debilidad. “Para mí, hacer las canciones es hablar de mis emociones, mis cosas, porque es como una terapia. Estoy con mi guitarra, me desahogo y eso se convierte después en la música que hago. (...) Me fascina que la gente cante, pero también me gusta tratar de hacer crear algo distinto, dejar pensando a la persona”, afirmó el músico durante la entrevista.

En el plano sonoro, Matar Fuma reúne influencias anglosajonas con elementos latinoamericanos para construir una identidad que no se limita a un contexto geográfico específico. El uso del español, las percusiones y las referencias cotidianas de las letras aportan cercanía al repertorio, mientras que las guitarras y los recursos de producción amplían su espectro musical. La intención es integrar estos sonidos de manera natural y mantener una propuesta que conecte con públicos de distintos lugares.

El tema muestra una faceta introspectiva de la agrupación que ha construido su trayectoria alrededor del rock y de una propuesta que explora distintas experiencias humanas. En esta composición, la banda aborda el desamor desde los recuerdos, las ausencias y las situaciones cotidianas que mantienen presente a una persona después de una ruptura. Steven Baquero, voz y guitarra, Javier Baquero, batería, y Julián Garzón guitarrista de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el proceso de composición, la realización del videoclip y los nuevos caminos sonoros que acompañan esta etapa de su carrera.

La canción parte de una experiencia común: Terminar una relación y encontrar en los lugares, las canciones y las actividades diarias, referencias constantes de quien ya no está. A través de esta idea, la banda propone una composición que conecta con las distintas maneras de experimentar una separación, desde la tristeza hasta el reconocimiento de los errores propios.

“Y si estás triste, pues es culpa tuya, vívelo, transítalo, pero también entiende que puedes ser tú equivocándote”, señaló Steven, al referirse a la manera en que el tema aborda el desamor y las equivocaciones personales.

El proceso creativo de ‘Todo me habla de ti’ representa una variación en la metodología de creación. En lugar de partir de una estructura instrumental terminada para adaptar posteriormente la melodía y la letra, los músicos comenzaron con una guitarra acústica y una base armónica sencilla.

A partir de ese punto, compartieron experiencias y reflexiones personales que dieron forma a la composición. El trabajo colectivo permitió desarrollar una canción que recoge distintas perspectivas sobre las rupturas sentimentales y las maneras de afrontar sus consecuencias.

En el plano musical, el sencillo combina elementos del rock con guitarras acústicas de carácter melódico, pasajes nostálgicos y un solo de guitarra que conserva la energía característica de la banda. Esta combinación amplía los matices de la propuesta sin abandonar el género que ha orientado su trayectoria.

El videoclip amplía el concepto de la canción mediante una historia en la que los integrantes experimentan situaciones de peligro sin manifestar dolor físico, pero se enfrentan a la vulnerabilidad que producen las decepciones amorosas.

La narrativa utiliza diferentes escenas para representar las consecuencias emocionales de una ruptura. Los mensajes, las cartas y el encuentro con una expareja que ha seguido adelante funcionan como detonantes de un dolor que no desaparece con facilidad.

Para materializar esta propuesta, se accedió a herramientas de inteligencia artificial. Baquero explicó que “el desarrollo del audiovisual implicó preparar insumos para orientar la generación de las escenas y realizar posteriormente labores de edición y corrección de color”. El proceso tomó varias semanas y contó con la experiencia audiovisual de sus integrantes. 

El lanzamiento llega después de un periodo sin estrenos musicales desde el 2025, cuando la agrupación presentó ‘Irónicamente romántico’, una canción que contó con la colaboración del guitarrista Marty Friedman.

‘Infinito Paralelo’ presenta una faceta íntima de Doctor Krápula, agrupación que ha construido su trayectoria entre el ska, los sonidos latinoamericanos, la crítica social y las canciones que invitan al movimiento colectivo. En esta composición, la banda aborda los encuentros que ocurren entre dos personas cuyos caminos parecen avanzar en direcciones diferentes, pero que coinciden por un instante.

Mario Muñoz, vocalista de la agrupación, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre la propuesta conceptual de la canción, la exploración musical junto al productor Juan Pablo Vega y la relación entre la creación artística y las transformaciones de la industria.

La composición plantea una reflexión sobre el tiempo, el destino y las posibilidades de reencontrarse con alguien más allá de las circunstancias que separan a dos personas. La idea de permanecer en paralelo funciona como una metáfora de esos vínculos que encuentran un punto de conexión, aunque no siempre puedan compartir una misma dirección. 

A lo largo de su trayectoria, Doctor Krápula ha alternado canciones festivas, composiciones de contenido social y propuestas que exploran otras maneras de abordar las relaciones humanas. La agrupación mantiene así una identidad abierta a la experimentación, sin abandonar los principios que han orientado su trabajo.

La reflexión también alcanza las formas contemporáneas de establecer vínculos afectivos. El uso de aplicaciones para conocer personas y la creciente mediación de la tecnología en las relaciones hacen parte del contexto desde el cual puede leerse la canción. Frente a estas dinámicas, el proyecto recupera la posibilidad del encuentro, la conversación y la conexión emocional.

“Vamos a hacer música, no a la velocidad que la industria la está pidiendo, vamos a hacer música, no al estilo o al algoritmo que nos está pidiendo”, dijo Muñoz. Esta postura se relaciona con el concepto de ‘Arte Resistencia’, desde la cual la agrupación cuestiona la producción acelerada de canciones, imágenes y contenidos para responder a las exigencias de las plataformas digitales. Para la banda, la creación artística también implica decidir sus propios tiempos, explorar otros lenguajes y mantener el trabajo manual como parte de sus procesos creativos.

Esa perspectiva se extiende a la propuesta visual de ‘Infinito Paralelo’. La portada fue realizada por la ilustradora colombiana María Camila Moreno mediante una composición en acuarela y collage elaborada a mano, con la representación de universos que coinciden en una intersección espacial. El videoclip, por su parte, estuvo a cargo de la productora caleña Little Goat Films, responsable también del audiovisual de ‘La Cumbia Antifa’.

La exploración de nuevos sonidos y conceptos acompaña una trayectoria de casi tres décadas, durante la cual Doctor Krápula ha mantenido una actividad constante en escenarios y estudios de grabación. La agrupación continúa desarrollando música nueva y proyectos que articulan su identidad sonora con una mirada crítica sobre las realidades sociales y culturales.

Oregón Black desarrolla una propuesta que combina elementos del indie rock contemporáneo con sonoridades nostálgicas de las décadas de los ochenta, noventa y dos mil. La agrupación mexicana estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde Arturo Chávez, vocalista y guitarrista, Pablo Brito, bajista, saxofonista y tecladista, y Alejandro Orozco, baterista, conversaron sobre el proceso creativo detrás de ‘Obsesionado’, un álbum de diez canciones que aborda el amor, el desamor y otras experiencias humanas.

La banda nació a finales de 2018, a partir de la amistad de tres músicos que habían compartido un proyecto anterior. Su universo conceptual tiene como punto de partida una novela escrita por sus integrantes, en la que se plantea la existencia de una sociedad utópica en una estrella cercana a la Tierra. Con esta historia, la agrupación construye una propuesta que, en lugar de centrarse en la exploración espacial, encuentra su eje en las emociones, las decisiones y las experiencias de las personas.

La pandemia representó un punto de inflexión para el proyecto. Durante ese periodo, sus integrantes fortalecieron sus procesos de composición y aprendieron a desarrollar diferentes tareas relacionadas con la producción musical, la edición audiovisual, la gestión de redes sociales y la distribución digital. Este trabajo permitió consolidar una dinámica independiente y ampliar sus posibilidades de circulación.

En 2022, el tema ‘Vibramos’ contribuyó al crecimiento de la agrupación, con mayor presencia en plataformas digitales, emisoras y escenarios. La canción también permitió establecer una conexión con nuevos oyentes, cuyas experiencias personales comenzaron a relacionarse con las historias planteadas en el repertorio de la banda.

‘Obsesionado’ reúne diez canciones construidas a partir de un proceso de composición colectiva. Para desarrollar el álbum, los músicos se trasladan a una casa alejada de la ciudad, a la que llaman ‘el ranchito’, donde instalan un estudio temporal y trabajan sin las distracciones de su entorno habitual. 

Chávez destacó la conexión que se construye entre las piezas musicales y las experiencias de quienes las escuchan: “Historias increíbles que teje la gente a través de las canciones que uno libera y que saca”. Como ejemplo, recordó el caso de una pareja que eligió un tema de la banda para su boda y el de un seguidor que compartió el vínculo entre su música y el recuerdo de su hermano fallecido.

La visita a Bogotá marcó la primera salida internacional de Oregón Black. La agrupación llegó a Colombia para participar en el festival Disco Paraíso, donde tuvo la oportunidad de conocer proyectos de la escena independiente nacional y establecer contactos para posibles colaboraciones musicales. Durante su estadía, los integrantes también comenzaron a trabajar en nuevas composiciones.

El encuentro con el público colombiano representó una oportunidad para ampliar la circulación de su música en un mercado donde el indie rock comparte espacio con otras tendencias sonoras. La respuesta recibida durante el evento fortaleció el interés de la banda por regresar al país y continuar construyendo una audiencia en la región.

La lírica vuelve a tomarse la capital colombiana hasta el próximo 4 de noviembre con una agenda que incluye conciertos, recitales y espectáculos en distintos espacios de la ciudad, todos con entrada libre hasta completar aforo. En total, se reunirán más de 200 artistas, promoviendo la conexión del talento colombiano con tradiciones escénicas de otras partes del mundo.

Uno de los principales atractivos será la participación de la Shanghai Jingju Theatre Company, que presentará ‘Lu Ming (El llamado de los ciervos)’, una obra de ópera de Pekín que tendrá dos funciones gratuitas: El 29 de octubre, a las 8:00 p.m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, y el 30 de octubre, a las 7:00 p.m., en el Teatro El Ensueño.

“El Jingju, conocido internacionalmente como ópera de Pekín, integra canto, actuación, música, movimiento y elementos visuales en un lenguaje escénico que combina tradición y virtuosismo. La participación de esta compañía permitirá al público bogotano acercarse a una expresión artística de gran relevancia en la cultura china”, destaca el comunicado oficial de lanzamiento.

La celebración también conmemora los 50 años de la Ópera de Colombia, con una gala el 17 de octubre, a las 6:00 p. m., en el Parque de la 93. Allí se presentarán la soprano María Paula Pataquiva y el barítono Santiago Alberto Barrios Grau, ganadores del ‘Premio Filarmónico de Canto’, junto al pianista Daniel Aguirre.

“Con 29 ediciones, continuamos abriendo espacios para el encuentro de la ciudadanía con la lírica y para la circulación de artistas y propuestas. En 2026, Bogotá es Ópera y la ciudad cruza fronteras a través de las voces, los repertorios y las historias que llegan a sus escenarios”, señala el documento.

El evento también promueve el talento local a través de las iniciativas de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, con la participación de ganadores del Premio de Canto Ciudad Lírica, el Premio Filarmónico de Canto, la Beca Ópera, Zarzuela y Opereta, y la Beca Filarmónica de Conciertos Didácticos.

Los recitales tendrán lugar en el Museo Casa Lleras y el Museo Nacional, mientras que otras presentaciones llegarán al Gimnasio Moderno y al Teatro El Ensueño. Todas las actividades son gratuitas, sujetas al aforo de cada espacio. Consulta la programación completa y los detalles de cada las presentaciones en el siguiente link.

Las puertas se cerraban, los pogos abundaban y miles de asistentes coreaban canciones como ‘Mi Buen Amor’ o ‘Reina Leona’. El segundo día de ‘Rock al Parque’ marcó un antes y un después en su historia con la asistencia récord de cerca de 275 mil personas, el equivalente a llenar ocho veces el Estadio El Campín.

Los géneros alternativos y la variedad de artistas fue uno de los puntos más destacados de la programación que por primera vez presentó cuatro escenarios: Plaza, Eco, Bio y como novedad el BBC.

“Esta edición demuestra que el rock sigue vivo en Bogotá y que tiene presencia en todas las localidades de la ciudad. Los festivales locales son fundamentales para garantizar la continuidad de este movimiento. Además, el comportamiento del público fue ejemplar y no tuvimos ningún inconveniente de gravedad”, explicó María Claudia Parias, directora del Instituto Distrital de las Artes- IDARTES, en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Las 13 hectáreas del Parque Metropolitano Simón Bolívar recibieron 83 agrupaciones y 584 músicos, con un repertorio que cruzó el metal, el punk, el hardcore, el ska, el reggae, el rock alternativo, el indie, el industrial y el funk.

Artistas de Europa, Asia y América integraron un cartel internacional de más de 26 agrupaciones, entre ellas Mon Laferte, Editors, Apocalyptica, Rata Blanca, Ratones Paranoicos, Los Bunkers, Bandalos Chinos, Gondwana, Porter, Stratovarius y Tokyo Ska Paradise Orchestra. Además, propuestas como Ministry, Hellbutcher, Iseo & Dodosound y Niña Lobo pisaron por primera vez suelo colombiano.

¿Cuánto dinero movió Rock al Parque?

‘Rock al Parque 2026’ también dejó cifras importantes para la economía de Bogotá. Según los resultados preliminares de una encuesta del Observatorio y Gestión del Conocimiento Cultural, el gasto de los asistentes durante los dos primeros días del festival rondó los $190.948 millones.

El 24,2 % del público encuestado llegó de otras ciudades o del extranjero, y el 91,9 % de estos visitantes viajó a la capital especialmente para disfrutar del evento. Se estima que este grupo gastó más de $160.070 millones, de los cuales $69.900 millones se destinaron al alojamiento. A esto se suman los más de $30.800 millones que proyectaron gastar los residentes de la ciudad.

Los riffs de las guitarras y los sonidos estridentes también marcaron una apuesta cultural que incluyó más de 59 emprendimientos, una zona dedicada a ‘Arte a la KY’, que contó con dibujantes y estatuas humanas y diferentes espacios de esparcimiento como ‘Libro al Viento’. Además de una polémica escultura, ‘La Rockera’, que causó revuelo en la opinión pública.

¡El legado del rock capitalino está más vivo que nunca!

Bogotá se sigue consolidando como una de las capitales del rock en Latinoamérica, y esta vez, la cuota local, estuvo integrada por 26 bandas seleccionadas mediante la ‘Beca LEP 30 años’ y la ‘Beca Festival Rock al Parque 2026’. Proyectos de larga trayectoria, como Perpetual Warfare y Skampida, compartieron circuito con agrupaciones de recorridos diversos, entre ellas La Monky Band, El Punto Ska, Lika Nova, V for Volume, Laura Pérez, Boca de Serpiente y Lucio Feuillet.  A esta participación se sumaron artistas nacionales provenientes de ciudades como Barranquilla, Ibagué, Pasto y Medellín.

En total, durante los tres días se contó con cerca de medio millón de asistentes y el evento que inició con un pequeño grupo de “rebeldes” dejó claro que hoy en día es una insignia de la cultura capitalina.

Con ‘La Simbiosis’, su tercer álbum de estudio, Yimark comienza a revelar el primer capítulo de una historia más amplia. ‘Ausencia’, es la canción que introduce el universo conceptual de este nuevo trabajo y propone una mirada distinta sobre la identidad y la relación con otros seres, partiendo de emociones como el miedo y la soledad para plantear que el cuerpo no solo se habita, sino que es un espacio que cambia y se transforma constantemente.

Esta idea también se refleja en la portada del sencillo, donde aparece una figura central enmascarada junto a dos seres, en medio de un escenario oscuro con una atmósfera cercana a lo postapocalíptico.

La imagen deja algunas preguntas abiertas: ¿quiénes son esas figuras?, ¿qué relación existe entre ellas?, ¿qué está a punto de cambiar? Las respuestas se irán descubriendo a través de una propuesta creativa que acompaña el disco y anticipa sus próximos lanzamientos.

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‘Ausencia’ cuenta con la participación de Patricio Stiglich Campos en la mezcla, los arreglos y las guitarras, mientras que Luis Fernando Calderón estuvo a cargo de la propuesta visual. La canción fue escrita por Yimark.

La historia apenas comienza y ‘Ausencia’ es la primera pista para descubrir el mundo musical de Yimark.

Hay miradas que dicen más que mil palabras y encuentros en los que la química aparece sin previo aviso. De esa sensación nace ‘Baila Conmigo’, la nueva canción de CASET, proyecto musical bogotano que combina el pop con elementos de funk, disco, rock e indie.

La invitación es sencilla: Apagar las luces, subir el volumen y dejarse llevar por el ritmo. Su sonido mezcla sintetizadores, guitarras y una base marcada por el groove para crear una atmósfera cálida, bailable y con un aire retro.

De esta manera, ‘Baila Conmigo’ se mueve alrededor de estos sentimientos que más que contar una historia de amor tradicional, se concentra en ese instante previo, cuando existe curiosidad y esas ganas de acercarse a otra persona. El resultado es una faceta más sensual de la agrupación, sin abandonar la identidad pop que ha acompañado sus últimos lanzamientos. El disco y el funk aportan el movimiento, mientras las guitarras y los sintetizadores construyen un universo sonoro que invita a bailar.

‘Baila Conmigo’ no llega como un tema aislado. El sencillo hace parte del camino que CASET está construyendo hacia su primer álbum de estudio, previsto para 2027. El disco reunirá algunas de las canciones que la agrupación ha presentado durante esta etapa y nuevas piezas musicales con los que continuará ampliando su propuesta. De esta manera, cada lanzamiento funciona como una pieza de un proyecto más grande, en el que la banda explora diferentes sonidos y universos narrativos.