En 1997, Lzzy y Arejay Hale, un par de hermanos adolescentes decidieron darle vida a su propio proyecto musical. Desde ese entonces el mundo conoció Halestorm, una poderosa banda de hard rock con influencias de post-grunge y heavy metal.

Originaria de Pensilvania, Estados Unidos, y marcada por riffs contundentes, la banda ha recorrido el mundo junto a íconos del género como Evanescence, Avenged Sevenfold y Shinedown. Su trayectoria también incluye un premio Grammy que le fue otorgado en 2013 por ‘Mejor interpretación de hard rock/metal’ con ‘Love Bites (So Do I)’.

Desde ese entonces, la banda ha logrado hasta 250 shows al año y esta vez llega a la capital colombiana con un espectáculo prometedor. “Será un recorrido por los momentos más representativos de su discografía, incluyendo canciones que se han convertido en himnos del rock contemporáneo, junto con material reciente que refleja la evolución artística del grupo”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

El concierto en Bogotá incluirá un recorrido por distintos momentos de su discografía que contempla álbumes de larga duración como ‘Halestorm’ (2009), ‘The Strange Case Of...’ (2012), ‘Into the Wild Life’ (2015), ‘Vicious’ (2018), ‘Back from the Dead’ (2022) y su más reciente lanzamiento ‘Everest’ (2025).

Este último, considerado un proyecto profundamente personal y oscuro, donde cada uno de los músicos desafió sus límites artísticos. Este estilo potente y melódico se suma al importante liderazgo de Lzzy Hale, firme defensora de los derechos de las mujeres y la primera embajadora femenina de Gibson.

“Halestorm promete una presentación diseñada para vivir el rock en su máxima expresión, consolidando la ciudad como una parada clave dentro del circuito internacional del género”, agregó el documento.

La cita será el próximo 12 de abril del 2026 en el Royal Center de Bogotá. Para conocer más detalles puede visitar el siguiente link.

En la sala principal de Fragmentos, una torre de emisión lleva al espacio las transmisiones radiofónicas, el fique se toma el escenario y se entreteje un diálogo político, sensible y vivo entre distintos tiempos, geografías y comunidades.

Así yace ‘Ecos del Cerro Kwel Tul’, una muestra que entrelaza las prácticas del territorio Nasa con la radio comunitaria, a través de una potente mezcla de sonidos, imágenes y relatos del Cauca. La exposición es liderada por Sandra Rengifo y Kostas Tsanakas con curaduría de Fernando Cuevas Ulitzsch.

“Esta iniciativa nace de un trabajo que iniciamos en 2021 en el territorio ancestral Nasa La Gaitana. La comunidad nos contó que tras la caída de un rayo, su emisora dejó de funcionar, y en un lugar sin internet ni señal celular, la radio es esencial para la comunicación y el fortalecimiento de sus saberes. Ahí, el corazón del proyecto fue aportar a la restitución de este espacio y acompañar ese proceso a partir del arte”, explicó la artista Rengifo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La exposición se articula en torno a dos ejes: Las ondas sonoras y el impacto económico del cultivo del fique, una labor históricamente mal remunerada. En primer lugar, busca envolver al público en una gigantografía que da cuenta del trabajo arduo de la producción y su contraste con el sistema inequitativo de los monocultivos, el dominio de las fibras artificiales y las lógicas de la moda rápida.

A la par, destaca una instalación sonora que mezcla distintos sonidos del mundo: El post-punk de Armenia y Londres hasta el kraut Rock de Atenas. También incluye una propuesta desde Berlín, donde el artista FM Einheit crea música industrial a partir de piedras. El gran objetivo es crear ecos que resuenen permanente en las consciencia de los visitantes.

“En lo alto de la montaña se cultiva el fique, la radio se vuelve una herramienta vital. Hubo un momento clave en el proyecto, donde dejó de ser importante que estuviéramos nosotros y pasó a ser esencial que fueran ellos quienes usarán las cámaras y contarán sus propias historias. Gran parte del material que hoy se ve viene de ellos mismos, con sus propios sonidos y producciones. Son muy pro, increíbles.”, agregó la artista.

‘Ecos del Cerro Kwel Tul’ puede disfrutarse totalmente gratis de martes a domingo de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. en Fragmentos, ubicado en la Cra. 7 #6b-30. Para conocer más información visite el siguiente link.

La canción surge a partir de su llegada a la capital colombiana, en medio de un periodo de transición. El primer trayecto por la ciudad, que comenzó en el aeropuerto, detonó una experiencia que, con el tiempo, se convirtió en el eje del proyecto. ROD estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde profundizó en el origen del sencillo y su relación con la capital. Durante la conversación, explicó que la propuesta no parte de referentes físicos, sino de percepciones.

“Fue una sensación extraña, como si estuviera en casa sin estarlo. En medio del ruido y del movimiento entendí que algo en mí estaba cambiando (…) No quería contar lugares, sino lo que se siente: El tránsito, la gente, los sonidos, esa mezcla que no sabes explicar, pero que te atrapa”, contó el músico.

En esa línea, ‘Bogotá’ se configura como un retrato construido desde la experiencia de quien observa por primera vez. La ciudad aparece como un espacio donde confluyen múltiples realidades, una idea que el artista resume en su lectura del entorno. “Es una ciudad caóticamente maravillosa. En una sola esquina pasan muchas cosas al mismo tiempo y, aun así, todo tiene sentido”, indicó.

En el plano sonoro, el sencillo se sitúa entre el pop y el rock, con una producción que articula referencias de los años noventa y elementos actuales. La voz ocupa el centro de la composición, acompañada por una instrumentación que prioriza la intención narrativa. El proyecto contó con la producción y arreglos de Raúl Ramírez, el mastering de Carlos Silva, la batería de Marcelo Novati y los teclados de Adrián Schinoff.

El lanzamiento se complementa con un videoclip rodado en Bogotá, donde la ciudad adquiere un papel central. La pieza recorre distintos espacios urbanos y construye una mirada que integra ritmo cotidiano y contraste, reforzando la idea de una capital en constante transformación.

‘Bogotá’ hace parte de una serie de lanzamientos previstos por ROD, que incluirán nuevos sencillos, contenidos audiovisuales y presentaciones en vivo. Con este proyecto, el artista plantea una línea de trabajo centrada en la experiencia personal, la observación del entorno y la construcción de relatos musicales desde lo cotidiano.

Con ‘De nuevo al final’, Últimos Nietos sigue soltando pistas de lo que será su próximo EP, y lo hace con una canción que conecta fácil: Habla de aceptar lo absurdo del día a día y entender que, incluso en medio de la rutina infinita, siempre hay espacio para disfrutar la vida.

Detrás de la canción hay un gran trabajo: Fue producida por Damián Cáceres, guitarrista de la banda, grabada por Wabi Árias, mezclada por Xavier Martínez en Isla Bonita Studio y masterizada por Camilo Silva.

Sobre su creación, la banda afirma que “Nació en 2022 y fue una de esas canciones que salen solas, como un desahogo creativo que fluyó y se convirtió en música”.

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Originarios de Cali, Últimos Nietos se ha ido posicionando como una de las propuestas más frescas del circuito independiente. Su sonido mezcla letras melancólicas con arreglos cargados de energía, logrando ese contraste que pega justo con lo que muchos viven hoy.

Y es que su música le canta de frente a la vida adulta: Entre parches, trabajo, emociones intensas y momentos simples, logran convertir lo cotidiano en algo honesto y cercano. Nostalgia, caos y pequeñas celebraciones hacen parte de su sello.

Desde ‘Crisis de la mediana edad’ (2022), donde exploraron los retos de crecer sin manual, hasta’ Las últimas’ (2023), con el que lograron visibilidad internacional gracias a ‘Última fiesta’, la banda ha venido construyendo un camino sólido dentro del indie rock caleño.

Ahora, en 2026, Últimos Nietos se prepara para lanzar ‘De nuevo al final’, un EP de cinco canciones que llegará con videos musicales y un tour por México. Todo indica que esto apenas está empezando.

El 40°. Festival Nacional de la Música Colombiana, se realizará hasta el 23 de marzo y este año conmemora cuatro décadas de historia exaltando la tradición de la música andina colombiana.

El evento reunirá a artistas, compositores, estudiantes y amantes de la música en distintos escenarios de la Capital Musical de Colombia, consolidando a la ciudad como epicentro cultural del país.

LAUD 90.4 FM ESTÉREO estuvo presente durante el lanzamiento, y esto dijo Johana Ximena Aranda, alcaldesa de Ibagué, ‘tenemos previsto un espectáculo musical y gastronómico. Así que los esperamos con extraordinarios artistas, un homenaje a los grandes de la música colombiana, vamos a tener un abreboca de lo que serán cuarenta años de historia, de legado y de mostrar por qué somos la capital musical de Colombia”.

Más de 20 eventos para celebrar la música

La programación oficial incluye más de 20 actividades culturales, académicas y musicales que se desarrollarán en diferentes escenarios emblemáticos. El Festival es organizado por la Fundación Musical de Colombia, con el apoyo de entidades públicas, privadas y académicas que hacen posible esta gran celebración cultural.

Música en toda la ciudad

La programación se extenderá a diferentes puntos de Ibagué con conciertos gratuitos y actividades culturales. Entre ellos, presentaciones en parques, centros comerciales y espacios públicos, así como talleres especializados en instrumentos tradicionales como el tiple.

El 21 de marzo, en el marco del Día Nacional de la Música Colombiana, se llevará a cabo un acto simbólico en el Cementerio Central San Bonifacio en homenaje a los maestros Garzón y Collazos.

Gran cierre con artistas nacionales

El Festival culminará el 22 de marzo con el Concierto de Premiación y Clausura, que contará con la participación de artistas de reconocimiento nacional como Yuri Buenaventura, Puerto Candelaria y la Majestuosa Banda de Baranoa.

Homenaje a las mujeres de la música colombiana

Esta versión tendrá como eje central el reconocimiento a las mujeres de la música colombiana, destacando su talento, trayectoria y aporte a la preservación de las tradiciones sonoras del país.

La presidenta de la Fundación Musical de Colombia, Doris Morera de Castro, destacó la importancia de este homenaje: “Este año rendimos homenaje a la mujer de la música colombiana. Escogimos 15 mujeres poderosas que han luchado por nuestra música. Ellas serán las grandes protagonistas de este Festival”.

De esta manera Ibagué se convierte en un escenario vivo donde la música, la cultura y la tradición se encuentran para celebrar 40 años de historia. El Festival Nacional de la Música Colombiana reafirma así su papel como uno de los principales espacios de difusión y preservación del patrimonio musical colombiano.

Su proceso musical comenzó en Medellín, donde inició su formación en la Escuela de Música de Antioquia, y posteriormente continuó sus estudios en el reconocido ´Berklee College of Music´, institución que ha formado a algunos de los músicos más influyentes del jazz y la música contemporánea.

Ese recorrido académico y artístico le permitió desarrollar una propuesta en la que el jazz dialoga con los sonidos de Colombia y de América Latina. La mezcla entre estas influencias se convierte en una forma de construir una identidad musical propia dentro de un mundo multicultural.

Asimismo, el artista habló sobre otra faceta que ha ido tomando fuerza en su vida musical, la enseñanza. Compartir conocimientos con estudiantes y jóvenes músicos se ha convertido en una experiencia que amplía su mirada ante la música y el papel que puede cumplir dentro de ella.

Aun así, el escenario sigue siendo su principal motor, el paisa continúa enfocado en conciertos, colaboraciones y giras que le permitan seguir viviendo de la música y fortalecer su proyecto artístico dentro del circuito internacional del jazz.

La entrevista completa con Federico Aristizábal Acevedo ya está disponible en nuestro canal de YouTube donde se conversó más de fondo de su experiencia en Estados Unidos y su visión del jazz con identidad colombiana.

Una niña pequeña, sentada y fascinada al escuchar a su abuela cantar. Esta es la primera imagen que guarda Raquel Lúa de su encuentro con la música. Un viaje que la ha llevado a explorar los sonidos del Mediterráneo y mezclarlos con lo mejor del Folk.

Su proyecto se caracteriza por el fado, el flamenco y la canción de autor con letras cargadas de poesía y profundidad. Le canta a la vida y a la muerte, al paso del tiempo y a lo que permanece.

“Para mí, las raíces siempre han sido una fuente de inspiración. Vengo de dos mundos: Mi abuela de Andalucía y otra de Marruecos, y en ese cruce habitan el flamenco, la música árabe y la copla. Son sonidos que han estado muy cerca de mí y que, con el tiempo, han ido tomando forma en mi manera de cantar y de entender la música. En España convivimos con distintas lenguas y culturas, y en mi caso, el catalán también hace parte de esa identidad”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Una voz que cruza océanos y conquista Latinoamérica!

Tras un exitoso recorrido por España su país, la cantautora barcelonesa cruza el océano para encontrarse con el público latinoamericano. Con su llegada, busca la expansión de un universo sonoro íntimo, poético y profundamente arraigado en la tradición mediterránea.

La gira coincide con el lanzamiento de ‘Directo en Casa Astor’, un EP que recoge versiones en vivo de su más reciente trabajo, ‘Peinar Raíces’. Álbum que conserva su esencia musical y explora las distintas etapas de la vida desde una mirada honesta y despojada.

“‘Casa Astor’ es un refugio para el folk, un lugar donde las músicas del mundo se encuentran y dialogan. Pero ‘Peinar Raíces’ nace desde otro lugar, la necesidad de volver a lo esencial, a lo que siento como hogar. Es un regreso a mi centro, un homenaje a mi familia y, especialmente a mi abuela, a quien imagino siempre mimando plantas mientras nos cuidaba a nosotros. Este disco es un acto de memoria, de volver a la raíz”, agregó Raquel.

Durante la última semana de marzo, la artista española recorrerá tres regiones de Colombia: Valle del Cauca, Medellín y Bogotá. En la capital, se presentará el próximo 24 de marzo a las 8:00 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

La banda bogotana Brain Voltage presenta ‘2030’, un trabajo que marca un nuevo momento en su trayectoria y plantea una exploración sonora y conceptual en torno al control, la información y las tensiones del mundo contemporáneo.

Mike Ayala y Christian Cifuentes, integrantes de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde abordaron el origen del proyecto y el proceso creativo detrás de su primer álbum.

El trabajo discográfico surgió en medio del contexto de la pandemia y se consolidó en 2022 como una propuesta que articula experiencias personales con una lectura crítica del entorno. Desde ese punto, la banda construyó una narrativa en la que la música funciona como una descarga que traduce procesos internos —como la salud mental y el aislamiento— en reflexiones colectivas.

‘2030’ se desarrolla a partir de una visión inspirada en la obra ‘1984’ de 1984, estableciendo vínculos con dinámicas actuales como la manipulación mediática, la sobreexposición digital y las formas contemporáneas de control social. En ese sentido, propone una lectura crítica de los discursos de progreso asociados a agendas globales y plantea interrogantes sobre sus efectos en la vida cotidiana. “Nace realmente encerrados en pandemia… (…) desde ahí empezamos a trabajar firmemente”, explicó Cifuentes.

El universo conceptual del álbum se extiende en el videoclip dirigido por Rodrigo Torrijos, que fue reconocido como Mejor Video Punk en el Punkfilmfest Berlin en 2025.

La pieza construye un relato centrado en la confrontación con estructuras de poder, incorporando símbolos asociados al manejo de la información. A lo largo del video, una colectividad de jóvenes desafía esas dinámicas hasta provocar su ruptura, en una puesta que articula elementos de ficción con una lectura política.

En términos de producción, la banda opera bajo un formato reducido en el que sus integrantes asumen múltiples roles creativos. Dentro de esta configuración, se destaca la presencia de un baterista que también cumple la función de vocalista principal, una decisión que forma parte de su exploración dentro de la escena independiente.

El trabajo de Brain Voltage ha circulado en medios y plataformas en distintos países, consolidando una propuesta que integra música, contenido audiovisual y discurso crítico. Con ‘2030’, la agrupación desarrolla una lectura del presente desde una perspectiva que combina elementos de ficción, experiencia personal y reflexión social.

Este trabajo marca un nuevo momento en su trayectoria musical. La canción retoma una reflexión acerca de los ciclos de cambio y el vínculo entre las sociedades y la naturaleza, una idea que atraviesa tanto la letra como el concepto general del proyecto.

El tema fue escrito en 2012, en medio del paro agrario en Colombia, y parte de una inquietud con respecto al manejo de las semillas y el lugar que ocupa la tierra dentro de las dinámicas sociales contemporáneas. A partir de esa idea ‘Volver a nacer’ plantea una pregunta sobre la necesidad de replantear la relación entre el ser humano y su entorno.

Cristian Garzón, guitarrista y José Miguel, tecladista, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron del origen de la canción y el proceso creativo. Durante la conversación, Garzón explicó que la idea surgió como una reflexión frente a ese contexto. “Fue más como un pensamiento de en qué momento la humanidad va a querer volver a nacer, porque era el tema de la semilla y cómo se manejaba”, señaló.

La pieza también representa una etapa reciente dentro del recorrido de la agrupación. Tras más de quince años de trayectoria, el grupo retomó la canción y la integró a una nueva fase creativa en la que han replanteado su propuesta sonora e incorporado otros elementos musicales, entre ellos sintetizadores y exploraciones electrónicas.

El nombre de la banda está inspirado en el teosinte, una planta silvestre considerada el antecedente del maíz. Esta referencia funciona como una metáfora de los procesos de origen, transformación y cultivo, una idea que el grupo relaciona con la forma en que entienden la creación musical como una “siembra” que evoluciona con el tiempo.

Teosinte está integrado por músicos de la Sabana de Bogotá como Cristian Garzón, Óscar Garzón e Iván Guacaneme, quienes además desarrollan procesos pedagógicos y proyectos culturales en la región. A través de su trabajo como docentes y gestores culturales, la banda ha participado en iniciativas de formación musical dirigidas a niños y jóvenes.

El lanzamiento de ‘Volver a nacer’ está acompañado por un videoclip animado realizado por la artista Tatiana Vaca. La producción fue desarrollada mediante animación tradicional, con ilustraciones elaboradas cuadro por cuadro, una técnica que aporta una dimensión visual artesanal al proyecto.

La presentación parte de experiencias personales para reflexionar, desde el humor, sobre los estigmas que rodean al rock y a quienes se identifican con este género musical.

El narrador y comediante conocido como “Rockero Popular”, Fabián David, presenta ‘Los rockeros también lloran’, una comedia que explora los prejuicios sociales que históricamente han acompañado al rock. A través de un monólogo que combina narración, humor y referencias musicales, el espectáculo aborda la experiencia de quienes encuentran en este género un lugar de identidad y refugio.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de la presentación y las experiencias personales que dieron forma a esta propuesta escénica. Durante la conversación, explicó que la obra surge de situaciones cotidianas que suelen enfrentar quienes se identifican con la cultura rock.

La obra parte de preguntas y comentarios que han sido frecuentes para los aficionados al género: Dudas sobre las letras en otros idiomas, asociaciones con imaginarios satánicos o cuestionamientos familiares acerca del tipo de música que escuchan. Desde esas escenas, el show propone una mirada humorística de los estereotipos culturales que rodean al rock.

El performance también plantea el lugar que este género ha ocupado para muchos jóvenes que sienten que no encajan en su entorno. En ese contexto, la música aparece como una forma de expresión para construir identidad, compartir con amigos y enfrentar los miedos propios de distintas etapas de la vida.

En el espectáculo, el rock es presentado no solo como un estilo musical, sino también como una forma de aproximarse al conocimiento. Muchas de sus canciones contienen referencias históricas, literarias o mitológicas que invitan a investigar y a ampliar el horizonte cultural de quienes se acercan a este universo sonoro.

El proyecto también dialoga con la tradición de la narración oral desarrollada en zonas culturales universitarios, donde el humor y la palabra se han utilizado como herramientas para reflexionar sobre la vida cotidiana. Fabián David, egresado de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, inició allí su proceso en la cuentería y la narración oral, espacios desde los que comenzó a construir una propuesta escénica basada en la experiencia personal, el humor y la observación social. Con esa perspectiva, el monólogo transforma anécdotas personales y experiencias generacionales en historias que conectan con el público.

El montaje está dirigido a públicos mayores de 14 años y combina elementos de comedia, narración oral y cultura rock. A lo largo del espectáculo, el escenario se llena de historias acompañadas de café, licor, humor y referencias musicales que atraviesan distintas épocas del género.

La temporada será los jueves a las 8:00 p.m. del 26 de marzo al 30 de abril, en el Teatro Santa Fe, ubicado en la calle 57 #17-13.