‘Canto’ se presenta como la entrada a un universo conceptual en el que cada pieza se articula como una etapa dentro de un proceso de transformación personal. Con una sonoridad que cruza el jazz, el soul y el R&B, el sencillo retoma referentes de las décadas del 40 y 50 desde una sensibilidad contemporánea, construyendo una atmósfera íntima en la que la voz ocupa un lugar central.

El proyecto se organiza a partir de una lógica espacial. En ‘Hotel Amor’, cada tema corresponde a una habitación emocional, lo que permite recorrer distintos estados vinculados a la memoria, la identidad y la sanación. Lejos de una estructura lineal, el álbum se despliega como un tránsito fragmentado en el que cada lanzamiento abre una nueva puerta. 

Desde una dimensión introspectiva, ‘Canto’ introduce ese recorrido. La pieza aborda la vulnerabilidad, el cierre de ciclo y la posibilidad de reconstrucción, situando la voz como un punto de refugio. En ese sentido, la artista lo definió como “un grito de victoria personal”, en el que se despide de una versión pasada para entrar en un estado más consciente y en calma, durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, ‘Hotel Amor’ se construye a partir de influencias del jazz, el blues, el soul y el R&B, retomadas desde un lenguaje actual. Las composiciones, escritas por la artista, se caracterizan por interpretaciones vocales que priorizan la intensidad emocional y el vínculo directo con la experiencia personal.

El proyecto amplía su alcance más allá de la música. ‘Hotel Amor’ se desarrolla como un universo narrativo que integra elementos visuales, literarios y escénicos, incluyendo ilustraciones y relatos creados por la propia artista. Esta dimensión expandida articula una propuesta en la que las distintas disciplinas dialogan para construir una experiencia más amplia.

En su desarrollo temático, el proyecto recorre diferentes capas de la vivencias emocionales: Desde la confrontación con el pasado y el desapego, hasta la construcción de nuevas formas de relación y la búsqueda de equilibrio. Estas exploraciones se integran como parte de un proceso de transformación que atraviesa el conjunto del trabajo.

La producción está liderada por la artista junto a Mateo Camargo, quien también estuvo a cargo de la mezcla y el máster, consolidando una identidad musical que conecta sus raíces musicales con una exploración contemporánea.

Vagales esta integrada por Paul Becerra, Steven Sáenz, Christian Casallas y Walter Zúñiga. Su propuesta sonora combina guitarras melódicas con bases rítmicas contundentes, mientras sus letras abordan conflictos internos, tensiones sociales, desamor y aspectos de la vida cotidiana.

El desarrollo del proyecto ha estado marcado por su origen en una ciudad donde predominan otros géneros musicales, lo que ha implicado un proceso sostenido de gestión y circulación en la escena independiente. Bajo esa mirada, la banda ha construido una trayectoria que incluye presentaciones en distintos escenarios nacionales y participación en festivales, así como una proyección internacional en países como México y Ecuador.

A lo largo de su recorrido, la agrupación ha consolidado una discografía que inició en 2018, continuó con un segundo trabajo en 2022 y avanza hacia un tercer álbum, del cual se desprende el sencillo ‘Desmedido’, publicado en 2025. Este lanzamiento se inserta en una línea sonora que mantiene las bases del punk rock, incorporando elementos melódicos y una narrativa centrada en experiencias personales y colectivas.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, sus integrantes Paul Becerra y Steven Sáenz señalaron que el proceso de la banda ha estado atravesado por una evolución tanto musical como estructural, en la que han pasado de un proyecto inicial a una propuesta más consolidada en los circuitos independientes. En ese sentido, Becerra afirmó que el trabajo ha implicado “entender cómo moverse en la industria y sostener un plan alternativo en Colombia”.

El enfoque de Vagales se sitúa dentro de un género que, aunque mantiene un público específico, continúa desarrollándose en distintos contextos del país. Su propuesta recoge influencias del punk rock de finales de los noventa y principios de los dos mil, adaptándolas a una lectura contemporánea que dialoga con su entorno inmediato.

Con más de una década de actividad, la banda continúa ampliando su alcance, manteniendo una línea de trabajo independiente y una presencia constante en la escena alternativa nacional, al tiempo que proyecta su circulación hacia nuevos espacios internacionales.

El álbum se articula como una aproximación a distintas formas de violencia que atraviesan lo cotidiano. No solo desde lo físico, sino también desde lo emocional y lo estructural, las canciones se detienen en el desgaste, la ansiedad y las tensiones que configuran la experiencia contemporánea.

El trabajo se desarrolla sin seguir una línea narrativa definida. En lugar de eso, cada canción se aproxima desde un ángulo distinto a una misma tensión, cruzando experiencias individuales con lo colectivo y dejando ver una inestabilidad que atraviesa todo el recorrido.

‘PEPE+’ retoma la base del hardcore punk y la expande hacia otros lenguajes como el noise, el thrash metal y el grindcore. Esta combinación construye un espectro amplio que alterna entre momentos de mayor intensidad y otros más contenidos, sin desprenderse de una identidad marcada por la crudeza y la distorsión.

El proceso de creación estuvo atravesado por una lógica de autogestión. Grabado y producido por la banda en Bogotá, el proyecto se sostiene sobre una filosofía de “hazlo tú mismo”, que refuerza su carácter independiente. A esto se suma el trabajo de mezcla y máster, que aporta definición sin diluir la fuerza del conjunto.

La propuesta también se extiende hacia lo visual. A partir del contraste entre elementos opuestos, el álbum construye una estética que dialoga con referencias como el dadaísmo y la anarquía, entendidas como formas de ruptura y exploración dentro del lenguaje artístico.

Las canciones funcionan como distintos puntos de entrada a ese universo. Desde lo irónico hasta lo confrontativo, cada una desarrolla una perspectiva particular. En ese recorrido, en su tema ‘Tiempos violentos’ introduce una de las imágenes centrales del disco, trasladando su idea hacia una narrativa audiovisual que refuerza la sensación de un entorno hostil.

Durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Siachoque señaló que “el disco lleva más o menos unos tres o cuatro años gestándose, mientras la banda también se reconfiguraba internamente”, un proceso que terminó por consolidar una propuesta más amplia en lo sonoro y atravesada por las tensiones del contexto actual.

Con ‘PEPE+’, la banda retoma su recorrido desde un lugar que no busca repetirse, sino ampliar sus posibilidades. El resultado es un trabajo que articula música, contexto y experiencia en una misma dirección.

Más allá de una producción estrictamente musical, el álbum se plantea como un ejercicio que traslada a sus canciones escenas de la vida urbana atravesadas por lo fantástico. En ese universo, Bogotá aparece transformada: Hombres jaguar recorren la noche, moteros se convierten en murciélagos y los recicladores adquieren nuevas formas dentro de este viaje sonoro.

En ese contexto, el proyecto construye una mirada de la ciudad que parte de lo cotidiano, pero que se desplaza hacia lo imaginado. “Me gusta pensar que estoy contando historias de la ciudad y la cotidianidad bogotana desde algo surrealista”, señaló Juan Antonio Carulla, creador de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, el álbum retoma el mestizaje del rock latinoamericano de los años noventa y lo cruza con géneros como cumbia, reggae, merengue, ska, dub, bolero, vallenato y salsa. Una suma de influencias que se encuentran como una forma de situar la música dentro de la cotidianidad.

Bogotá es el eje transversal del disco. Sus ritmos, tensiones y contrastes aparecen en las canciones, que se mueven entre lo individual y lo colectivo. Temas como ‘Yo también vi los cerros quemarse’, abren una reflexión sobre la forma en que se asumen ciertas crisis, mientras que ‘Estás pintao’ introduce una mirada crítica acerca del entorno cultural.

Los personajes que habitan el álbum permiten recorrer distintos oficios y realidades de la ciudad. A través de ellos, el proyecto propone una lectura que pone en diálogo espacios y experiencias que suelen mantenerse distantes, sugiriendo otras formas de entender lo urbano.

El concepto que da nombre al disco parte de una imagen concreta. “Hay tiburones que mastican los cables que conectan el internet debajo del mar. Entonces ¿qué pasa si un día se comen todos los cables y nos desconectan a todos?, ¿cómo volveríamos a relacionarnos?”, contó Carulla. Desde ahí, el álbum plantea una pregunta sobre la desconexión y las formas de relación en un escenario sin red, donde lo social tendría que reconstruirse a partir de otros lugares.

La producción estuvo a cargo de Antonio Urdaneta, con mezcla y máster de Santiago Navas. Con este lanzamiento, Casi continúa una trayectoria iniciada en 2021, marcada por la exploración de distintos sonidos y formatos.

El disco reúne doce canciones construidas a partir de distintos momentos creativos. Parte del material proviene de composiciones desarrolladas años atrás, incluido un demo de 2003, que fueron retomadas y producidas en una nueva etapa del proyecto, junto a piezas más recientes. Esta convergencia da forma a un álbum que no responde a una sola línea temporal, sino a una acumulación de procesos que se integran en un mismo discurso.

Conceptualmente, ‘¡Qué dolor!’, aborda emociones como la frustración, la rabia, el desconsuelo y la nostalgia. Las canciones transitan entre relatos personales y aproximaciones a problemáticas colectivas, explorando tensiones relacionadas con el entorno social, político y cotidiano. 

En el plano sonoro, la propuesta se construye a partir de una base de punk y hardcore, incorporando elementos del ska-core a través de secciones de vientos y variaciones rítmicas. El resultado es un sonido directo y acelerado, con estructuras breves y repetitivas, que retoma rasgos característicos del género mientras dialoga con influencias tanto locales como internacionales.

‘¡Qué dolor!’ desarrolla un recorrido temático que se despliega en canciones como ‘Himnos y banderas’, inspirada en el estallido social de 2021 en Colombia, o ‘La cartera’, que introduce una lectura sobre relaciones atravesadas por lo material. Otras piezas amplían el espectro hacia relatos íntimos, conflictos sociales y reflexiones acerca de la experiencia cotidiana.

El proyecto se articula bajo el nombre ‘Antifaz’, una referencia a la dualidad entre lo visible y lo oculto en la identidad. Esta idea se traslada tanto al contenido lírico como a la propuesta estética, donde se plantea una tensión entre lo que se proyecta y aquello que permanece en segundo plano.

La construcción incluye la participación de músicos invitados provenientes de distintas bandas de la escena nacional, lo que amplía el espectro sonoro sin modificar el carácter directo de la propuesta. La formación integra batería, bajo, guitarra, voz y una sección de vientos que refuerza su identidad dentro del género.

En su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Guillermo García, “Guillo” señaló que el punk continúa funcionando como un canal de expresión donde es posible abordar temas que no suelen aparecer en otros lenguajes musicales, especialmente aquellos relacionados con la inconformidad social y las tensiones del entorno contemporáneo.

La propuesta se desarrolla además desde una lógica independiente, que incluye la producción de ediciones físicas y la proyección de presentaciones en distintos escenarios, consolidando una circulación que combina autogestión y presencia en circuitos alternativos.

Hace veinte años un par de adolescentes se conocieron en las aulas, más allá de lo académico los unía una vocación: La música. La amistad se fue consolidando y lo que inició como un proyecto de euforia se transformó en un propósito de vida.

Así nació ‘D’ius Solís’, un nombre de raíz latina que evoca la fuerza del Dios del Sol. Con esta identidad, buscan reconectar con su público a través de un sonido más maduro, honesto y contundente.

“Nacimos en el colegio, siendo los del fondo que preferían tocar antes que poner atención. Con el paso del tiempo, empezamos a invertir en equipos y a asumir el proyecto con mayor seriedad. Llevamos cerca de 16 años en este camino; la base se mantiene, se sumaron nuevos integrantes, pero más que una banda siempre hemos sido amigos, entregándole mucho amor a lo que hacemos”, contó Johan Gómez, integrante de la banda en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Donde puedo Respirar’: Un himno de catarsis y liberación

Sergio, Juan, Edwin y Johan, abren una nueva etapa en la escena musical. En este 2026, la banda apuesta por una fusión de rock, metal y hard rock, atravesada por procesos de búsqueda personal, sanación y libertad emocional.

Para lograrlo presentan al mundo su sencillo ‘Donde Puedo Respirar’, una letra que busca explorar la asfixia interna que generan las relaciones desgastantes y los ciclos personales que deben romperse para poder empezar de nuevo. Esta atmósfera intensa y progresiva se entreteje con un magistral solo de guitarra interpretado por Steven Baquero, líder de la reconocida agrupación Apolo 7.

“Con Apolo nos conocimos en Rock al Parque 2018 y desde ahí quedó una amistad muy genuina. Son músicos increíbles y personas muy sencillas. Tiempo después, entre viajes, regresos y nuevas canciones, nos reencontramos y todo fluyó. Les compartimos el tema y se sumaron con un solo que le dio su propio carácter. Fue un proceso natural, entre amigos y con mucho respeto musical”, agregó Sergio.

D’ius solis prepara un gran concierto para el próximo 8 de mayo en la ciudad de Bogotá. Allí compartirán tarima con Una Noche en Bogotá, Allen y Los Revéz. La cita será a las 7:30 p.m. en el Relevent Music Hall.

Bogotá vivirá un 2026 lleno de música y cultura por cuenta de la programación que se aproxima de los tradicionales Festivales al Parque. Una iniciativa que completa 30 años en la capital y con el que los amantes de la música, en sus distintas expresiones, este año podrán disfrutar de grandes exponentes nacionales e internacionales, a la par de los talentos distritales, en géneros como el rock, la salsa, el hip hop y muchos más con sello colombiano.

Precisamente durante las últimas horas el Instituto Distrital de las Artes - Idartes presentó la agenda con la que los bogotanos podrán irse preparando para las diferentes fechas. Nuevamente con entrada gratuita, con grandes figuras en cada uno de sus géneros y con el acompañamiento de LAUD 90.4 FM ESTÉREO que como cada año adelantará un cubrimiento especial en los eventos más emblemáticos de la programación.

La fiesta musical arrancará con el sabor del llano colombiano en la quinta versión de ‘Joropo al Parque’, festival que se llevará a cabo en la Plaza de Bolívar el 9 y 10 de mayo. En esta oportunidad se exaltará el valor de la oralidad bajo el lema ‘La fuerza de la palabra: Tradición oral que late en contrapunteo’, una característica vital de este ritmo icónico del oriente del país que empieza a tejer raíces en el distrito capital.

Luego de ello, los días 24 y 25 de mayo, serán las mujeres y su relación con la música las que se tomarán Bogotá, con el Festival ‘Colombia al Parque’ que tendrá como eje el concepto ‘Cantoras: Arrullo, fiesta y siembra’.

🎶 ¡Llegó el momento!

Conozca las fechas de los 9 Festivales al Parque 2026.

🎧 Uno de los principales amplificadores de la creación musical local.

📅 Agéndese y disfrute la música en espacios de encuentro, arte y cultura. #FestivalesAlParque2026 #AquíSíPasa pic.twitter.com/QGTgkPEmzG

— Idartes (@idartes) March 26, 2026

Posteriormente todos los amantes de la música regional colombiana, con importantes influencias de México, se darán cita en el Parque Metropolitano Simón Bolívar los días 6 y 7 de junio en ‘Popular al Parque’. Allí se exaltará la relación de la ciudad con las regiones, la migración y la adopción del género por parte de las nuevas generaciones.

En ese mismo escenario, el 31 de julio y 1 de agosto, la tradición vallenata deleitará con una apuesta por reconocer la adopción del acordeón, la caja y la guacharaca como un son con sello bogotano. De hecho, el pilar de este encuentro será: ‘De invitado a anfitrión’, con el que se demuestra que ‘Vallenato al Parque’ no solo ha sido vitrina, sino también cuna de exponentes capitalinos.

La cita después de ello será en el Parque El Country, los días 12 y 13 de septiembre con ‘Jazz al Parque’. Un evento que este 2026 quiere exaltar sus raíces latinas, su relevancia familiar y su importancia para la construcción de comunidad.

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Cabe resaltar que Bogotá hará historia al celebrar la edición N°30 de ‘Rock al Parque’, un festival que ha acompañado a hijos, padres y abuelos y que en esta oportunidad se llevará a cabo los días 10,11 y 12 octubre, bajo la promesa de reunir bandas icónicas fusionando pasado, presente y futuro dando cabida a las propuestas musicales emergentes.

Claramente la voz y el ritmo urbano también contará con una tarima propia este 2026 en ‘Hip Hop al Parque’, una cita que repite en el Simón Bolívar los días 24 y 25 de octubre, que busca reconocer las calles, los andenes y los barrios como protagonistas de historias y relatos con alta carga social y política.

Así como el año pasado, con exponentes como Estrellas de Buena Vista, Yuri Buenaventura y Mickey Taveras, el broche de oro este año será ‘Salsa al Parque’ que, con su edición N°27 tendrá como lema ‘La revolución que nunca deja de sonar’ y que pondrá a vibrar al público el 28 y 29 de noviembre, como regalo previo a la alegría que suele anteceder la época decembrina.

Más allá de una propuesta estrictamente musical, el trabajo se plantea como un ejercicio conceptual que traslada a las canciones experiencias asociadas a la transición hacia la adultez. En ese marco, el proyecto aborda la vulnerabilidad, la presión social y la incertidumbre desde una perspectiva directa.

Sobre esta línea, la banda define su enfoque como una postura frente a la emocionalidad contemporánea. “Es como una revolución del sentimiento (…) permitirnos ser melancólicos, sentir y expresar lo que pasa”, señaló Andrea DeGlorian, vocalista de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, espacio en el que también participaron Jordan Villamil, tecladista y Jurgen Alonso, baterista.

En términos musicales, el álbum se construye a partir de referencias del rock alternativo, el post-punk y el new wave, configurando una sonoridad que acompaña su carácter introspectivo. Bajo esta lógica, la dimensión emocional no opera como un recurso estético, sino como el eje que estructura el discurso.

La ciudad de Bogotá funciona como un elemento transversal dentro del proyecto. El ritmo cotidiano, el ruido y las dinámicas de la capital se integran a la narrativa, configurando un entorno que incide directamente en las experiencias que atraviesan las canciones.

‘Todo se derrumba’, propone una lectura de los procesos de transformación desde la inestabilidad. “Es un poco la vivencia de los 20 (…) los cambios que vienen en la vida. No es que sea bueno o malo, es parte de asumirlo”, explicó Jurgen, al referirse al origen del álbum, construido a partir de transformaciones personales y colectivas.

Formada en 2020, la agrupación está integrada por Andrea DeGlorian en la voz, Jordan Villamil en los teclados, Jurgen Alonso en la batería, Martín Sepúlveda en el bajo y Pedro Cely en la guitarra, quienes desarrollan de manera conjunta la propuesta sonora y conceptual del proyecto.

El universo del disco se extiende hacia lo audiovisual, un componente que refuerza su planteamiento conceptual. El proceso creativo se desarrolló en sesiones nocturnas y espacios íntimos, donde las experiencias individuales funcionaron como punto de partida. Este enfoque da lugar a una obra de carácter introspectivo, en la que la música se plantea como canal de expresión y conexión con el oyente.

El evento toma como punto de partida una de las gestas más significativas del siglo XX: El 12 de abril de 1961, el cosmonauta soviético Yuri Gagarin se convirtió en el primer ser humano en viajar al espacio a bordo de la nave Vostok 1, orbitando la Tierra y marcando un antes y un después en la historia de la exploración espacial. Su vuelo, de apenas 108 minutos, no solo simbolizó un avance tecnológico sin precedentes, sino que transformó la manera en que la humanidad se percibe a sí misma frente al universo.

Más que una función musical, la pieza plantea una atmósfera sensorial en la que el público transita por diversos estados emocionales. El recorrido inicia en la penumbra, entre interferencias radiales y ecos en ruso que sitúan al espectador en plena carrera espacial, evolucionando hacia una narrativa sonora que rompe con la lógica tradicional del espectáculo en vivo.

Detrás de este montaje se encuentra una artista con más de quince años de trayectoria y referente en festivales como ‘Rock al Parque’. Su versatilidad le permite fusionar géneros como rock, punk, new wave y house, construyendo sets que priorizan la energía y la conexión orgánica con la audiencia.

En esta ocasión, su curaduría utiliza el hito de 1961 como eje para edificar un relato sin palabras. Durante 90 minutos, el sonido guía una travesía que evoca desde la tensión previa al despegue hasta la ingravidez en órbita, culminando en un cierre colectivo que entrelaza pasado y presente a través de la vibración rítmica.

El evento se suma a la agenda institucional que busca vincular la divulgación científica con las artes. En este entorno, los datos técnicos de la exploración espacial se traducen a una experiencia auditiva, facilitando un acercamiento pedagógico y creativo al contexto astronómico.

La cita para esta celebración, que une conocimiento y cultura, será el sábado 11 de abril de 2026 a las 7:00 p. m. En este marco, la música se consolida como el vehículo definitivo de descubrimiento: Un vuelo que ocurre tanto en el firmamento como en la imaginación.

Aquí toda la información sobre cómo asistir y adquirir sus entradas.

Lejos de limitarse a una propuesta sonora, la agrupación Perros de Reserva le apuesta a un álbum que se construye como un ejercicio conceptual que articula una estética oscura con experiencias afectivas. Sobre una base de rock alternativo que cruza elementos del gótico, el punk, el metal y el industrial, la banda configura un lenguaje que denomina “el sonido de la eternidad”, en el que las atmósferas sombrías funcionan como escenario simbólico para narrar vínculos, rupturas y procesos emocionales.

En ese marco, ‘Corazón de Cristal’ introduce un desplazamiento frente a trabajos anteriores. Mientras sus producciones previas se aproximaban a lo social y lo político, este proyecto se concentra en una dimensión introspectiva, donde la fragilidad se convierte en eje narrativo. La obra traduce experiencias personales, particularmente el duelo afectivo, en un discurso musical que busca generar identificación desde lo emocional más que desde lo discursivo.

“Queríamos sintonizarnos con los oyentes que están pasando rupturas amorosas, que estas canciones les sirvan como un bálsamo para no sentirse solos”, explicó Elliot Elorza, vocalista y fundador de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El universo del álbum se expande hacia lo audiovisual, un componente estructural dentro de la propuesta de la banda. A través de sus videoclips, Perros de Reserva ha desarrollado una línea cercana al lenguaje cinematográfico, en la que la imagen no ilustra la canción, sino que amplifica su dimensión narrativa mediante atmósferas, personajes y símbolos que dialogan con la música.

Fundada en Medellín en 2013, la agrupación ha consolidado una trayectoria que incluye tres producciones discográficas, más de una decena de videos y circulación en escenarios nacionales e internacionales. Su propuesta se ha extendido además a otros formatos como el cómic y el juego de rol, configurando un universo narrativo que trasciende lo musical y se instala en una lógica transmedia.

Con ‘Corazón de Cristal’, Perros de Reserva reafirma su identidad visual, y reconfigura su discurso hacia una exploración de lo emocional desde lo simbólico, donde la oscuridad deja de ser un recurso estilístico para convertirse en una forma de interpretar la experiencia afectiva contemporánea.