Directamente desde Kingston, Jamaica, la agrupación fundada en 1964 regresa al país con un show que hace parte de su gira internacional, con la que celebran más de seis décadas de historia musical. Será una oportunidad única para experimentar en vivo el sonido de una banda que no solo marcó una época, sino que literalmente ayudó a crear el ska.

Considerados los pioneros del ska jamaicano, The Skatalites sentaron las bases de géneros que hoy son parte fundamental de la música caribeña, como el Rocksteady y el Reggae. Su propuesta mezcló influencias del jazz, el rhythm and blues y ritmos afrocaribeños, creando un sonido fresco que rápidamente se expandió por el mundo.

Desde sus inicios, la banda reunió a músicos virtuosos provenientes de escenas de jazz y R&B, consolidando un estilo poderoso con secciones de vientos y una energía contagiosa que definió el espíritu del ska.

Entre sus canciones más icónicas destacan clásicos como ‘Guns of Navarone’, ‘Eastern Standard Time’ y ‘Freedom Sound’, temas que se convirtieron en verdaderos himnos dentro de la cultura ska a nivel internacional.

El concierto en Bogotá promete una experiencia especial para todos sus fanáticos. En un formato cercano, el público podrá disfrutar de un recorrido por las canciones que marcaron el nacimiento del ska y que influyeron en generaciones de bandas alrededor del mundo.

A lo largo de más de 60 años, The Skatalites han mantenido vivo su legado a pesar de los cambios en su alineación, continuando con giras internacionales y presentaciones en importantes festivales.

Su impacto ha trascendido fronteras, inspirando escenas musicales en Europa, América Latina y Asia, y convirtiéndose en la base de múltiples corrientes del ska moderno.

Para quienes aman el ska o quieren descubrir de dónde nació este sonido lleno de energía, el show de The Skatalites es una oportunidad única de conectarse con la raíz de una de las corrientes musicales más influyentes del planeta.

La presentación será el próximo 17 de abril a las 8: 00 p.m. en el Lourdes Music Hall. Una noche cargada de historia, vientos poderosos y ritmo jamaicano que promete poner a bailar a Bogotá.

La artista se presentará el 15 de mayo de 2026 en el Movistar Arena con su ‘Cancionera Tour’, una gira internacional que recorrerá Europa, México, Sudamérica y Norteamérica con cerca de 65 conciertos.

En esta nueva etapa, Lafourcade apuesta por un formato mucho más cercano con sus seguidores. El espectáculo está pensado como una experiencia íntima en la que la artista compartirá historias, emociones y versiones especiales de sus canciones más queridas.

“Hace tiempo que vengo soñando con volver al escenario de una manera distinta, más cercana con mi público. Hoy mi deseo es compartir la intimidad que vivo con mis canciones en mi habitación, en mi casa, en mi universo personal o mi propia imaginación”, expresó la cantante al anunciar la gira.

Un viaje musical desde lo más personal

El ‘Cancionera Tour’ nace después del impacto de su álbum ‘De todas las flores’, un trabajo profundamente introspectivo que marcó su regreso a la composición original tras varios años dedicados a reinterpretar el cancionero latinoamericano. Ese proceso creativo, cargado de sensibilidad y reflexión, inspira el concepto de esta gira.

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A diferencia de los conciertos masivos llenos de grandes producciones, este tour prioriza la cercanía y la emoción. En escena, Lafourcade se presenta en un formato más reducido principalmente voz y guitarra que permite redescubrir su repertorio desde una perspectiva más cruda y honesta.

Durante el show, el público podrá escuchar nuevas versiones de sus canciones más emblemáticas y temas de su etapa más reciente, en un ambiente pensado para conectar directamente con la esencia de su música.

Una de las voces más importantes de Latinoamérica

Con una trayectoria que la ha consolidado como una de las artistas más influyentes de la música en español, Natalia Lafourcade ha construido una carrera marcada por la exploración sonora y el respeto por las raíces latinoamericanas. Canciones como ‘Hasta la raíz’, ‘Mi lugar’ y ‘Mi manera de querer’ se han convertido en himnos para varias generaciones.

Aunque el formato del concierto será más íntimo, la artista también estará acompañada por músicos de amplia trayectoria, lo que permitirá crear una puesta en escena delicada y envolvente.

El ‘Cancionera Tour’ no es solo una gira: Es una invitación a conocer a Natalia Lafourcade desde un lugar más humano, poético y esencial. En un momento de plena madurez artística, la cantante apuesta por la vulnerabilidad, el silencio y el encuentro directo con su público.

Bogotá tendrá el privilegio de vivir esa experiencia de cerca. Quienes asistan al concierto en el Movistar Arena no solo presenciarán un show musical, sino una conversación sonora íntima con una artista que nunca ha dejado de reinventarse.

La última vez que Lafourcade visitó el país fue en 2023, cuando presentó su gira inspirada en ‘De todas las flores’, dejando momentos memorables para sus seguidores colombianos. Ahora, tres años después, promete regresar con un espectáculo aún más cercano y emocional.

El adiós se vivirá el 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo MedPlus, escenario que se convertirá en el epicentro del último pogo, un encuentro masivo con los seguidores que los han acompañado durante generaciones.

El anuncio se conoció el pasado 4 de marzo de 2026, cuando el grupo liderado por Dilson Díaz confirmó que este concierto marcará el cierre definitivo de La Peste, como también la llaman sus fans. Más que la separación de una agrupación se trata del final de uno de los capítulos más influyentes del punk latinoamericano.

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Desde su nacimiento en 1986 en Bogotá, La Pestilencia convirtió el punk en una herramienta de denuncia social dentro del rock colombiano. Sus letras directas y sin filtros hablaron de violencia, poder político, manipulación mediática y desigualdades sociales, temas que marcaron a varias generaciones de oyentes.

Con discos como ‘La muerte… un compromiso de todos’, ‘El amarillista’, ‘Balística’, ‘Productos desaparecidos’ y ‘Paranormal’, La Pestilencia construyó una identidad sonora que se volvió referencia dentro de la escena alternativa del país.

El desgaste natural de una carrera tan larga, sumado a la evolución personal y artística de sus integrantes, llevó a que el grupo decidiera cerrar este ciclo desde donde siempre se sintieron más vivos: El escenario.

El concierto de despedida también tendrá varias sorpresas. Entre ellas, la participación de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, además de otros artistas invitados que serán anunciados próximamente. Otra novedad será un “escenario B”, desde el cual la banda tocará parte de su repertorio para quienes estén más lejos de la tarima principal, buscando que nadie se quede sin sentir la energía del último pogo.

Además, como parte de este cierre, la agrupación prepara el lanzamiento de ‘Buen Provecho’, un nuevo trabajo del que se espera conocer un primer adelanto.

Para miles de seguidores del rock nacional, este concierto será mucho más que un show, será la oportunidad de despedir en vivo a un grupo que convirtió el punk en una forma de resistencia cultural.

Aunque La Pestilencia se despide, su legado seguirá vivo. Durante casi 40 años demostraron que el punk podía ser mucho más que ruido: Podía ser memoria, crítica y una voz incómoda frente a la realidad del país.

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‘Canto’ se presenta como la entrada a un universo conceptual en el que cada pieza se articula como una etapa dentro de un proceso de transformación personal. Con una sonoridad que cruza el jazz, el soul y el R&B, el sencillo retoma referentes de las décadas del 40 y 50 desde una sensibilidad contemporánea, construyendo una atmósfera íntima en la que la voz ocupa un lugar central.

El proyecto se organiza a partir de una lógica espacial. En ‘Hotel Amor’, cada tema corresponde a una habitación emocional, lo que permite recorrer distintos estados vinculados a la memoria, la identidad y la sanación. Lejos de una estructura lineal, el álbum se despliega como un tránsito fragmentado en el que cada lanzamiento abre una nueva puerta. 

Desde una dimensión introspectiva, ‘Canto’ introduce ese recorrido. La pieza aborda la vulnerabilidad, el cierre de ciclo y la posibilidad de reconstrucción, situando la voz como un punto de refugio. En ese sentido, la artista lo definió como “un grito de victoria personal”, en el que se despide de una versión pasada para entrar en un estado más consciente y en calma, durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, ‘Hotel Amor’ se construye a partir de influencias del jazz, el blues, el soul y el R&B, retomadas desde un lenguaje actual. Las composiciones, escritas por la artista, se caracterizan por interpretaciones vocales que priorizan la intensidad emocional y el vínculo directo con la experiencia personal.

El proyecto amplía su alcance más allá de la música. ‘Hotel Amor’ se desarrolla como un universo narrativo que integra elementos visuales, literarios y escénicos, incluyendo ilustraciones y relatos creados por la propia artista. Esta dimensión expandida articula una propuesta en la que las distintas disciplinas dialogan para construir una experiencia más amplia.

En su desarrollo temático, el proyecto recorre diferentes capas de la vivencias emocionales: Desde la confrontación con el pasado y el desapego, hasta la construcción de nuevas formas de relación y la búsqueda de equilibrio. Estas exploraciones se integran como parte de un proceso de transformación que atraviesa el conjunto del trabajo.

La producción está liderada por la artista junto a Mateo Camargo, quien también estuvo a cargo de la mezcla y el máster, consolidando una identidad musical que conecta sus raíces musicales con una exploración contemporánea.

Vagales esta integrada por Paul Becerra, Steven Sáenz, Christian Casallas y Walter Zúñiga. Su propuesta sonora combina guitarras melódicas con bases rítmicas contundentes, mientras sus letras abordan conflictos internos, tensiones sociales, desamor y aspectos de la vida cotidiana.

El desarrollo del proyecto ha estado marcado por su origen en una ciudad donde predominan otros géneros musicales, lo que ha implicado un proceso sostenido de gestión y circulación en la escena independiente. Bajo esa mirada, la banda ha construido una trayectoria que incluye presentaciones en distintos escenarios nacionales y participación en festivales, así como una proyección internacional en países como México y Ecuador.

A lo largo de su recorrido, la agrupación ha consolidado una discografía que inició en 2018, continuó con un segundo trabajo en 2022 y avanza hacia un tercer álbum, del cual se desprende el sencillo ‘Desmedido’, publicado en 2025. Este lanzamiento se inserta en una línea sonora que mantiene las bases del punk rock, incorporando elementos melódicos y una narrativa centrada en experiencias personales y colectivas.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, sus integrantes Paul Becerra y Steven Sáenz señalaron que el proceso de la banda ha estado atravesado por una evolución tanto musical como estructural, en la que han pasado de un proyecto inicial a una propuesta más consolidada en los circuitos independientes. En ese sentido, Becerra afirmó que el trabajo ha implicado “entender cómo moverse en la industria y sostener un plan alternativo en Colombia”.

El enfoque de Vagales se sitúa dentro de un género que, aunque mantiene un público específico, continúa desarrollándose en distintos contextos del país. Su propuesta recoge influencias del punk rock de finales de los noventa y principios de los dos mil, adaptándolas a una lectura contemporánea que dialoga con su entorno inmediato.

Con más de una década de actividad, la banda continúa ampliando su alcance, manteniendo una línea de trabajo independiente y una presencia constante en la escena alternativa nacional, al tiempo que proyecta su circulación hacia nuevos espacios internacionales.

El álbum se articula como una aproximación a distintas formas de violencia que atraviesan lo cotidiano. No solo desde lo físico, sino también desde lo emocional y lo estructural, las canciones se detienen en el desgaste, la ansiedad y las tensiones que configuran la experiencia contemporánea.

El trabajo se desarrolla sin seguir una línea narrativa definida. En lugar de eso, cada canción se aproxima desde un ángulo distinto a una misma tensión, cruzando experiencias individuales con lo colectivo y dejando ver una inestabilidad que atraviesa todo el recorrido.

‘PEPE+’ retoma la base del hardcore punk y la expande hacia otros lenguajes como el noise, el thrash metal y el grindcore. Esta combinación construye un espectro amplio que alterna entre momentos de mayor intensidad y otros más contenidos, sin desprenderse de una identidad marcada por la crudeza y la distorsión.

El proceso de creación estuvo atravesado por una lógica de autogestión. Grabado y producido por la banda en Bogotá, el proyecto se sostiene sobre una filosofía de “hazlo tú mismo”, que refuerza su carácter independiente. A esto se suma el trabajo de mezcla y máster, que aporta definición sin diluir la fuerza del conjunto.

La propuesta también se extiende hacia lo visual. A partir del contraste entre elementos opuestos, el álbum construye una estética que dialoga con referencias como el dadaísmo y la anarquía, entendidas como formas de ruptura y exploración dentro del lenguaje artístico.

Las canciones funcionan como distintos puntos de entrada a ese universo. Desde lo irónico hasta lo confrontativo, cada una desarrolla una perspectiva particular. En ese recorrido, en su tema ‘Tiempos violentos’ introduce una de las imágenes centrales del disco, trasladando su idea hacia una narrativa audiovisual que refuerza la sensación de un entorno hostil.

Durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Siachoque señaló que “el disco lleva más o menos unos tres o cuatro años gestándose, mientras la banda también se reconfiguraba internamente”, un proceso que terminó por consolidar una propuesta más amplia en lo sonoro y atravesada por las tensiones del contexto actual.

Con ‘PEPE+’, la banda retoma su recorrido desde un lugar que no busca repetirse, sino ampliar sus posibilidades. El resultado es un trabajo que articula música, contexto y experiencia en una misma dirección.

Más allá de una producción estrictamente musical, el álbum se plantea como un ejercicio que traslada a sus canciones escenas de la vida urbana atravesadas por lo fantástico. En ese universo, Bogotá aparece transformada: Hombres jaguar recorren la noche, moteros se convierten en murciélagos y los recicladores adquieren nuevas formas dentro de este viaje sonoro.

En ese contexto, el proyecto construye una mirada de la ciudad que parte de lo cotidiano, pero que se desplaza hacia lo imaginado. “Me gusta pensar que estoy contando historias de la ciudad y la cotidianidad bogotana desde algo surrealista”, señaló Juan Antonio Carulla, creador de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, el álbum retoma el mestizaje del rock latinoamericano de los años noventa y lo cruza con géneros como cumbia, reggae, merengue, ska, dub, bolero, vallenato y salsa. Una suma de influencias que se encuentran como una forma de situar la música dentro de la cotidianidad.

Bogotá es el eje transversal del disco. Sus ritmos, tensiones y contrastes aparecen en las canciones, que se mueven entre lo individual y lo colectivo. Temas como ‘Yo también vi los cerros quemarse’, abren una reflexión sobre la forma en que se asumen ciertas crisis, mientras que ‘Estás pintao’ introduce una mirada crítica acerca del entorno cultural.

Los personajes que habitan el álbum permiten recorrer distintos oficios y realidades de la ciudad. A través de ellos, el proyecto propone una lectura que pone en diálogo espacios y experiencias que suelen mantenerse distantes, sugiriendo otras formas de entender lo urbano.

El concepto que da nombre al disco parte de una imagen concreta. “Hay tiburones que mastican los cables que conectan el internet debajo del mar. Entonces ¿qué pasa si un día se comen todos los cables y nos desconectan a todos?, ¿cómo volveríamos a relacionarnos?”, contó Carulla. Desde ahí, el álbum plantea una pregunta sobre la desconexión y las formas de relación en un escenario sin red, donde lo social tendría que reconstruirse a partir de otros lugares.

La producción estuvo a cargo de Antonio Urdaneta, con mezcla y máster de Santiago Navas. Con este lanzamiento, Casi continúa una trayectoria iniciada en 2021, marcada por la exploración de distintos sonidos y formatos.

El disco reúne doce canciones construidas a partir de distintos momentos creativos. Parte del material proviene de composiciones desarrolladas años atrás, incluido un demo de 2003, que fueron retomadas y producidas en una nueva etapa del proyecto, junto a piezas más recientes. Esta convergencia da forma a un álbum que no responde a una sola línea temporal, sino a una acumulación de procesos que se integran en un mismo discurso.

Conceptualmente, ‘¡Qué dolor!’, aborda emociones como la frustración, la rabia, el desconsuelo y la nostalgia. Las canciones transitan entre relatos personales y aproximaciones a problemáticas colectivas, explorando tensiones relacionadas con el entorno social, político y cotidiano. 

En el plano sonoro, la propuesta se construye a partir de una base de punk y hardcore, incorporando elementos del ska-core a través de secciones de vientos y variaciones rítmicas. El resultado es un sonido directo y acelerado, con estructuras breves y repetitivas, que retoma rasgos característicos del género mientras dialoga con influencias tanto locales como internacionales.

‘¡Qué dolor!’ desarrolla un recorrido temático que se despliega en canciones como ‘Himnos y banderas’, inspirada en el estallido social de 2021 en Colombia, o ‘La cartera’, que introduce una lectura sobre relaciones atravesadas por lo material. Otras piezas amplían el espectro hacia relatos íntimos, conflictos sociales y reflexiones acerca de la experiencia cotidiana.

El proyecto se articula bajo el nombre ‘Antifaz’, una referencia a la dualidad entre lo visible y lo oculto en la identidad. Esta idea se traslada tanto al contenido lírico como a la propuesta estética, donde se plantea una tensión entre lo que se proyecta y aquello que permanece en segundo plano.

La construcción incluye la participación de músicos invitados provenientes de distintas bandas de la escena nacional, lo que amplía el espectro sonoro sin modificar el carácter directo de la propuesta. La formación integra batería, bajo, guitarra, voz y una sección de vientos que refuerza su identidad dentro del género.

En su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Guillermo García, “Guillo” señaló que el punk continúa funcionando como un canal de expresión donde es posible abordar temas que no suelen aparecer en otros lenguajes musicales, especialmente aquellos relacionados con la inconformidad social y las tensiones del entorno contemporáneo.

La propuesta se desarrolla además desde una lógica independiente, que incluye la producción de ediciones físicas y la proyección de presentaciones en distintos escenarios, consolidando una circulación que combina autogestión y presencia en circuitos alternativos.

Hace veinte años un par de adolescentes se conocieron en las aulas, más allá de lo académico los unía una vocación: La música. La amistad se fue consolidando y lo que inició como un proyecto de euforia se transformó en un propósito de vida.

Así nació ‘D’ius Solís’, un nombre de raíz latina que evoca la fuerza del Dios del Sol. Con esta identidad, buscan reconectar con su público a través de un sonido más maduro, honesto y contundente.

“Nacimos en el colegio, siendo los del fondo que preferían tocar antes que poner atención. Con el paso del tiempo, empezamos a invertir en equipos y a asumir el proyecto con mayor seriedad. Llevamos cerca de 16 años en este camino; la base se mantiene, se sumaron nuevos integrantes, pero más que una banda siempre hemos sido amigos, entregándole mucho amor a lo que hacemos”, contó Johan Gómez, integrante de la banda en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Donde puedo Respirar’: Un himno de catarsis y liberación

Sergio, Juan, Edwin y Johan, abren una nueva etapa en la escena musical. En este 2026, la banda apuesta por una fusión de rock, metal y hard rock, atravesada por procesos de búsqueda personal, sanación y libertad emocional.

Para lograrlo presentan al mundo su sencillo ‘Donde Puedo Respirar’, una letra que busca explorar la asfixia interna que generan las relaciones desgastantes y los ciclos personales que deben romperse para poder empezar de nuevo. Esta atmósfera intensa y progresiva se entreteje con un magistral solo de guitarra interpretado por Steven Baquero, líder de la reconocida agrupación Apolo 7.

“Con Apolo nos conocimos en Rock al Parque 2018 y desde ahí quedó una amistad muy genuina. Son músicos increíbles y personas muy sencillas. Tiempo después, entre viajes, regresos y nuevas canciones, nos reencontramos y todo fluyó. Les compartimos el tema y se sumaron con un solo que le dio su propio carácter. Fue un proceso natural, entre amigos y con mucho respeto musical”, agregó Sergio.

D’ius solis prepara un gran concierto para el próximo 8 de mayo en la ciudad de Bogotá. Allí compartirán tarima con Una Noche en Bogotá, Allen y Los Revéz. La cita será a las 7:30 p.m. en el Relevent Music Hall.

Bogotá vivirá un 2026 lleno de música y cultura por cuenta de la programación que se aproxima de los tradicionales Festivales al Parque. Una iniciativa que completa 30 años en la capital y con el que los amantes de la música, en sus distintas expresiones, este año podrán disfrutar de grandes exponentes nacionales e internacionales, a la par de los talentos distritales, en géneros como el rock, la salsa, el hip hop y muchos más con sello colombiano.

Precisamente durante las últimas horas el Instituto Distrital de las Artes - Idartes presentó la agenda con la que los bogotanos podrán irse preparando para las diferentes fechas. Nuevamente con entrada gratuita, con grandes figuras en cada uno de sus géneros y con el acompañamiento de LAUD 90.4 FM ESTÉREO que como cada año adelantará un cubrimiento especial en los eventos más emblemáticos de la programación.

La fiesta musical arrancará con el sabor del llano colombiano en la quinta versión de ‘Joropo al Parque’, festival que se llevará a cabo en la Plaza de Bolívar el 9 y 10 de mayo. En esta oportunidad se exaltará el valor de la oralidad bajo el lema ‘La fuerza de la palabra: Tradición oral que late en contrapunteo’, una característica vital de este ritmo icónico del oriente del país que empieza a tejer raíces en el distrito capital.

Luego de ello, los días 24 y 25 de mayo, serán las mujeres y su relación con la música las que se tomarán Bogotá, con el Festival ‘Colombia al Parque’ que tendrá como eje el concepto ‘Cantoras: Arrullo, fiesta y siembra’.

🎶 ¡Llegó el momento!

Conozca las fechas de los 9 Festivales al Parque 2026.

🎧 Uno de los principales amplificadores de la creación musical local.

📅 Agéndese y disfrute la música en espacios de encuentro, arte y cultura. #FestivalesAlParque2026 #AquíSíPasa pic.twitter.com/QGTgkPEmzG

— Idartes (@idartes) March 26, 2026

Posteriormente todos los amantes de la música regional colombiana, con importantes influencias de México, se darán cita en el Parque Metropolitano Simón Bolívar los días 6 y 7 de junio en ‘Popular al Parque’. Allí se exaltará la relación de la ciudad con las regiones, la migración y la adopción del género por parte de las nuevas generaciones.

En ese mismo escenario, el 31 de julio y 1 de agosto, la tradición vallenata deleitará con una apuesta por reconocer la adopción del acordeón, la caja y la guacharaca como un son con sello bogotano. De hecho, el pilar de este encuentro será: ‘De invitado a anfitrión’, con el que se demuestra que ‘Vallenato al Parque’ no solo ha sido vitrina, sino también cuna de exponentes capitalinos.

La cita después de ello será en el Parque El Country, los días 12 y 13 de septiembre con ‘Jazz al Parque’. Un evento que este 2026 quiere exaltar sus raíces latinas, su relevancia familiar y su importancia para la construcción de comunidad.

🎶 ¡Llegó el momento!

Conozca las fechas de los 9 Festivales al Parque 2026.

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Cabe resaltar que Bogotá hará historia al celebrar la edición N°30 de ‘Rock al Parque’, un festival que ha acompañado a hijos, padres y abuelos y que en esta oportunidad se llevará a cabo los días 10,11 y 12 octubre, bajo la promesa de reunir bandas icónicas fusionando pasado, presente y futuro dando cabida a las propuestas musicales emergentes.

Claramente la voz y el ritmo urbano también contará con una tarima propia este 2026 en ‘Hip Hop al Parque’, una cita que repite en el Simón Bolívar los días 24 y 25 de octubre, que busca reconocer las calles, los andenes y los barrios como protagonistas de historias y relatos con alta carga social y política.

Así como el año pasado, con exponentes como Estrellas de Buena Vista, Yuri Buenaventura y Mickey Taveras, el broche de oro este año será ‘Salsa al Parque’ que, con su edición N°27 tendrá como lema ‘La revolución que nunca deja de sonar’ y que pondrá a vibrar al público el 28 y 29 de noviembre, como regalo previo a la alegría que suele anteceder la época decembrina.