El reconocido cantautor español Diego El Cigala regresará al país en mayo de 2026 para conmemorar el aniversario de ‘Lágrimas Negras’, el álbum que marcó un hito en la fusión del flamenco con la música afrolatina y que lo consagró como una de las voces más influyentes del flamenco contemporáneo.

La gira nacional rendirá homenaje al histórico trabajo grabado junto al pianista cubano Bebo Valdés, publicado originalmente en 2003 y considerado hoy una obra fundamental de la música iberoamericana. Más de dos décadas después de su lanzamiento, ‘Lágrimas Negras’ mantiene una vigencia indiscutible, respaldada por la crítica internacional y por el entusiasmo del público en recientes presentaciones del artista en escenarios europeos, donde ha sido recibido con ovaciones y llenos totales.

Un homenaje a una obra esencial de la música en español

El viernes 15 de mayo de 2026 en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Diego El Cigala ofrecerá un repertorio centrado en las canciones que dieron vida a ‘Lágrimas Negras’, acompañado por una banda de primer nivel. Con su voz profunda y expresiva, el artista propone un recorrido musical cargado de emoción, elegancia y raíz, que reafirma la vigencia de un espectáculo pensado para celebrar una obra que transformó la música en español.

Esta gira será una oportunidad única para que el público colombiano reviva uno de los álbumes más influyentes de las últimas décadas y se reencuentre con un artista que ha sabido tender puentes entre tradiciones musicales y generaciones.

Con este aviso, junio de 2026 deja de ser un mes sin espectáculos y se consolida como una de las temporadas más atractivas para los amantes de la música en vivo.

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Un recorrido por los clásicos y nuevas canciones

La cita será el próximo viernes 12 de junio en el Movistar Arena, allí el público celebrará los grandes clásicos de su carrera, como ‘El amor después del amor’ y ‘Mariposa Tecknicolor’, junto a canciones de su etapa creativa más reciente. La promesa es un viaje musical por lo que muchos consideran la banda sonora de varias generaciones.

De esta manera, Fito Páez reafirma su estrecho vínculo con los asistentes colombianos y promete una noche inolvidable que marcará la agenda cultural de 2026.

‘Cocotera’ es descrita por sus creadores como un refugio sonoro: La paz de un mar tranquilo, la sombra en un día de sol, el instante en el que el cuerpo se relaja y el alma encuentra su lugar. La ‘Cocotera’ es planta, fruto, sombra y aire, pero también representa una energía femenina sostenida en la naturaleza, asociada al cuidado, la calma y el alimento.

“Es una narración estática de un instante presente, donde encuentras el mar calmo y la sombra de la cocotera, que también puede ser alguien que te ofrece un coco refrescante. Mezclamos músicas que nos inspiran de las costas de Colombia, Brasil y Argentina. De ahí venimos y hacia ahí vamos”, explicaron los artistas. La composición es una invitación a soltar el ritmo acelerado de la ciudad, dejar atrás el peso cotidiano y permitir que el cuerpo y el alma encuentren su propio compás, como si se tratara de tenderse en la arena sin prisa ni artificios.

El proyecto nació de una necesidad artística compartida. Oye Sebas y Alan Da Silva, cohabitantes de un circuito creativo en constante movimiento y con Barcelona como ciudad de residencia, comenzaron a reunirse para conversar, cocinar y crear, encontrando en la playa el escenario común desde donde contar sus historias y construir “otra” idea de tropicalidad.

“Tanto el lugar de donde venimos como aquel en el que vivimos tienen a la playa como fundamento, como espacio de permanencia, memoria y recuerdo. En ese escenario surge una añoranza frutal que no encontramos en Barcelona, y así nace ‘Cocotera’: una energía femenina e híbrida, que puede ser mujer o puede ser árbol”, señalaron.

Además, agregaron “Hoy pareciera que la música debe sonar siempre espectacular. ‘Cocotera’ no es el caso: decidimos que suene real, cercana y emotiva, dándole lugar a la canción y a su esencia”.

Para sus creadores, es una canción ideal para el fin de la tarde, aunque muchos oyentes la han percibido como un tema matinal: Relajado, sutil y con la dosis justa de energía positiva para comenzar el día.

El lyric video acompaña esta propuesta desde un lenguaje visual igualmente minimalista. La letra aparece en primer plano junto a una musa inspiradora: Una madre, una mujer afrodescendiente, la naturaleza misma. 

“Creemos que esta canción genera un impacto positivo en quienes la escuchan y la bailan. Así como su creación fue una fuente de alegría para nosotros, queremos que esté disponible para cualquiera que necesite un instante de música y un sorbo de calma”, concluyen Oye Sebas y Alan Da Silva, quienes esperan que ‘Cocotera’ no solo se comparta como canción, sino como un sentir capaz de abrir nuevos caminos musicales y emocionales.

Este es un evento que se ha consolidado como uno de los referentes culturales de la capital por su apuesta por la música sinfónica universal y colombiana en escenarios patrimoniales y de acceso gratuito.

En esta nueva versión, el Festival amplía su alcance y se extiende nuevamente a la localidad de Santa Fe, llevando conciertos a espacios emblemáticos que dialogan con la memoria y la diversidad cultural de la ciudad. La parroquia Santa Bárbara – Centro, la iglesia San Ignacio, la plazoleta City U y el Parque Bicentenario serán algunos de los escenarios que acogerán la programación, abierta a propios y visitantes.

La agenda artística contará con la participación de las Agrupaciones Juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), entre ellas la Filarmónica de Música Colombiana y la Banda Filarmónica Juvenil, que ofrecerán conciertos enfocados en resaltar la riqueza de la música colombiana y la fuerza expresiva de los arreglos instrumentales para banda de vientos, promoviendo la inclusión y el acceso a la cultura.

Uno de los ejes destacados de esta edición será el concierto ‘Mundo al día’, nombre del pasillo de Arturo Patiño. Bajo la dirección de Jorge Andrés Arbeláez, la Filarmónica de Música Colombiana interpretará un repertorio exigente, con obras representativas de importantes compositores de la música andina colombiana, en versiones especialmente preparadas para el Festival.

Por su parte, la Banda Filarmónica Juvenil de la OFB, dirigida por Andrés Francisco Cristancho Cáceres, presentará un programa que muestra la tradición sinfónica universal y la música popular, con obras de compositores como Dmitri Shostakovich y Jean Sibelius, además de un reconocido mosaico de boleros que evidencia la versatilidad y el talento de los jóvenes músicos.

Creado en 2021, el Festival Filarmónico La Candelaria se ha consolidado como un espacio de encuentro ciudadano que busca fortalecer el vínculo entre la música y el territorio, así como activar los espacios históricos de Bogotá a través de una programación artística de alta calidad y entrada libre.

Programación del Festival Filarmónico La Candelaria

-    Festival Filarmónico jueves 22 de enero – 4:00 p. m., Parroquia Santa Bárbara – Centro Cra. 7 # 6A - 80 – Localidad La Candelaria -    Filarmónica de Música Colombiana viernes 23 de enero – 4:00 p. m., Iglesia San Ignacio Calle 10 # 6-27 – Localidad La Candelaria -    Filarmónica de Música Colombiana sábado 24 de enero – 4:00 p. m., City U Calle 19 # 2A - 10 – Localidad Santa Fe -    Banda Filarmónica Juvenil    Domingo 25 de enero – 11:00 a. m., Plazoleta principal Parque Bicentenario – Asosandiego Calle 26 # 6A - 79 – Localidad Santa Fe.

Tras una etapa en la que estuvo escribiendo y actuando en eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y sumido en la experiencia de la paternidad, Rushwell canalizó esos momentos de crecimiento humano y artístico en ‘Bitácora’, su quinto trabajo de estudio, que se presenta como un diario musical de pensamientos y vivencias. 

‘Bitácora’ explora temas complejos como la depresión, el miedo, la soledad y la frustración con el sistema, combinando influencias de bandas clásicas del rock latinoamericano como Poligamia, Enanitos Verdes y Pedro Aznar, junto con ecos de grupos como Dio y Foo Fighters. 

“Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma”, comentó Rushwell sobre su proyecto. 

Musicalmente, el álbum es una oda al rock latinoamericano de los años 80 y 90, con una producción más madura que en trabajos anteriores y una composición que satisface plenamente al artista. 

‘Bitácora’ ofrece una mezcla diversa de estilos dentro del rock en español, con temas que van desde un sonido pegajoso hasta composiciones más introspectivas:

•    ‘Cinema del ayer’– rock pegajoso •    ‘Alguien más’– rock melódico cargado de frustración •    ‘Tu nombre’ – versión rock de un clásico de Nek •    ‘Destino final' – manifiesto honesto de la vida •    'Espiral' – canto desesperado por el cambio •    ‘Me da igual’ – retrato sonoro de la actualidad •    ‘No podrás’ – hit de Cristian Castro reinterpretado en hard rock •    ‘Hijos del Microchip’ – crítica a las nuevas generaciones •    ‘Sin oxígeno’ – grito de ayuda con beats noventeros •    ‘Fin de la transmisión’ – pieza técnica de inconformidad musical 

Rushwell ve en ‘Bitácora’ un recordatorio de que la música sigue viva y continúa alimentando las esperanzas de artistas y oyentes por igual. Su intención es mantener la autenticidad y el espíritu del rock en español frente a un panorama musical cada vez más dominado por tendencias digitales y producciones artificiales. 

Presentación íntima en Bogotá

Para celebrar el lanzamiento, J. Rushwell realizará un evento privado en Bogotá el 20 de febrero de 2026, un show íntimo donde presentará parte de su repertorio solista junto a las nuevas canciones de ‘Bitácora’ ante amigos, prensa y agentes de la industria. Tras este concierto, continuará buscando oportunidades para llevar su música en vivo y compartir su obra con más público. 

De esta manera, ‘Bitácora’ es una propuesta auténtica de rock en español, ideal para quienes buscan una conexión personal con la música a través de letras profundas y guitarras que laten con fuerza emocional.

‘Mr. Barz’ es un disco que habla del propio artista, de su forma de ver el mundo y de las emociones que atraviesan al ser humano: El amor, el deseo, la soledad y los demonios internos. El álbum nació de la necesidad de hacer música sincera, sin máscaras, con canciones que lo muestran tal como es y que reflejan su madurez artística tras diez años de carrera.

“Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer reales los sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente”, comentó William Barz.

Musicalmente, ‘Mr. Barz’ es un álbum donde el indie pop se fusiona con el R&B y el soul, bajo una producción minimalista, pero profundamente cálida. Beats de texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk y sintetizadores atmosféricos construyen una narrativa emocional coherente y envolvente.

“En este trabajo regresé al principio, a donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin DeGraw, Mac Miller y Rex Orange County. Además, hubo una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum: poesía antológica de autores como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos”, agregó el barranquillero.

Canciones que cuentan historias

El álbum se abre con ‘Dura Dú Dú’, un opening potente cargado de flow. ‘Fresh’ es cien por ciento Barz, mientras que ‘Dime que sientes’ combina música y poesía. ‘Solo’ es un groove honesto que conecta, y ‘Por cuarta vez’ se convierte en la joya del disco: El focus track y la primera canción compuesta para este proyecto, hace ocho años.

En ‘Modo avión’, William Barz le recuerda al rock que sigue presente en su esencia, aportando energía y fuerza. ‘Las horas’ es poesía pura; ‘Poker Face’, una historia cantada que brilla por su valor literario y musical; ‘Blowjob’ explora el deseo, el pecado y el atrevimiento; y ‘Los trucos’ cierra el álbum como una escena final de película, un collage emocional que retrata múltiples situaciones complejas.

De cara al 2026, William Barz planea duplicar los lanzamientos realizados en 2025, con la publicación de al menos 20 canciones nuevas, consolidando su independencia creativa y su apuesta por una música libre y auténtica.

“Es importante que las personas se den la oportunidad de escuchar Mr. Barz porque es un proyecto honesto y eso pesa. Estoy seguro de que, al reproducirlo, la gente se identificará con mínimo una canción. No es un álbum hecho para agradar, sino para desahogar el alma”, enfatizó el artista.

Antes del lanzamiento del disco, Ariel Tobo dio a conocer los sencillos ‘El Viaje’, ‘Hasta el Final’, ‘Tu Silencio’ y ‘Tu Silencio’ (versión acústica), piezas que anticiparon el tono emocional y narrativo del proyecto.

‘Jet Lag’ nació de un proceso largo y honesto. Las canciones fueron compuestas en distintas etapas de la vida del artista y, aunque parten de emociones diversas, juntas construyen una sola historia: La de sentirse desfasado, pero en constante reconstrucción.

“El concepto se basa en esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento”, explicó Ariel Tobo.

El proyecto aborda la confusión y la búsqueda personal como estados válidos del ser humano. Su mensaje central es claro: Está bien no estar bien, detenerse y realinearse también hace parte del camino. No hay viaje sin turbulencias.

Musicalmente, ‘Jet Lag’ es un recorrido por las influencias que han marcado al cantautor: Rock, blues, funk, pop alternativo, junto a matices íntimos y acústicos. Guitarras protagónicas, riffs con slide, líneas de bajo cargadas de emoción, baterías sólidas y sintetizadores nocturnos construyen una atmósfera de carretera y madrugada. Es un disco orgánico, pero con una sensibilidad moderna.

“La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida”, afirmó el artista, influenciado por sonidos de jazz, blues, rock, salsa y pop, y referentes como John Mayer, Gary Clark Jr., Jorge Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.

La canción que da nombre al álbum fue escrita en medio de una crisis, entre el insomnio y el ruido mental. Combina rock alternativo con elementos del blues y transmite agotamiento, y vulnerabilidad. Su letra habla de sentirse atrapado dentro de uno mismo y de la necesidad de encontrar una señal o un refugio.

De cara al futuro, Ariel Tobo proyecta para 2026 una gira nacional, la gestión de fechas internacionales especialmente en México, nuevas colaboraciones, el fortalecimiento de su comunidad digital y el inicio de la preproducción de un nuevo proyecto musical, sin perder la esencia de ‘Jet Lag’.

La Camerata de Guitarras de Colombia es un ensamble profesional conformado por guitarristas que decidieron explorar las posibilidades colectivas de un instrumento que suele escucharse en solitario. El proyecto reúne a músicos formados en distintas universidades públicas de Bogotá, muchos de ellos egresados de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas de la Facultad de Artes ASAB, lo que convierte a la Camerata en un ejemplo del impacto académico y artístico que surge desde la educación pública.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’ sus integrantes explicaron que el término “camerata” hace referencia a una orquesta de pequeño formato. Aunque todas las guitarras son clásicas, cada grupo cumple un rol específico, similar al de violines, violas o cellos (violonchelos) en una orquesta sinfónica.

El ensamble está conformado por 12 guitarristas, además de percusión, contrabajo y dirección. “El instrumento es el mismo, pero cada guitarra tiene una función distinta”, explicaron, destacando que esa división permite construir capas sonoras más amplias y complejas. Este enfoque abre un campo poco explorado para la guitarra en Colombia, tradicionalmente ausente de formatos orquestales estables.

Las composiciones de la Camerata son amplio y diverso. Incluye adaptaciones de obras europeas, música colombiana y latinoamericana, así como piezas emblemáticas del repertorio guitarrístico nacional. Entre ellas se encuentran composiciones de Gentil Montaña, como Johnny y Capricho, proyectos que han sido adaptadas para el formato colectivo. “La idea es mostrar que la guitarra es transversal a muchos géneros”, afirmaron durante la conversación.

El proyecto nació a partir de una experiencia previa en la ASAB, donde existió una orquesta institucional de guitarras. Al finalizar ese proceso, varios músicos decidieron continuar de manera independiente. “Fue también una necesidad de darle un lugar a la guitarra”, explicaron, resaltando que la Camerata surge de la autogestión y el trabajo colectivo, más allá de intereses comerciales.

Desde 2024, la Camerata ha participado en festivales, conciertos universitarios y giras distritales, llevando música a espacios no convencionales y fortaleciendo nuevos públicos. Para sus integrantes, el objetivo es claro: “Queremos que la gente escuche la guitarra con otra perspectiva”. Así, la Camerata de Guitarras de Colombia se consolida como una propuesta que amplía el panorama musical y propone nuevas formas de encuentro entre la academia, la tradición y la creación contemporánea.

En Europa del Este, se entreteje una historia marcada por las teclas blancas y negras, un sonido que emerge en una de las cunas más famosas de pianistas del mundo: Ucrania. De allí han salido talentos como Vladímir Horowitz y reconocidos nombres de la música clásica y contemporánea como Anna Fedorova y Nadia Shpachenko.

Sin embargo, hay una propuesta emergente que cruza territorios, memorias y emociones. Se trata de Anastasia Pánik, una mujer que emprendió su vida marcada por la búsqueda de nuevos espacios de diálogo entre la música académica, contemporánea y los públicos diversos.

“Estudié y viví en República Checa durante diez años; fue el primer país al que me mudé. Allí me enamoré, me casé y luego decidimos empezar una nueva etapa en Panamá. Me formé como pianista clásica desde los seis años, pero a los 20 descubrí la composición, que hoy es mi mayor pasión”, relató la artista en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Anastasia llegará a Bogotá durante la temporada de fin de año, su visita busca generar encuentros que vayan más allá del concierto tradicional, apostándole a espacios de escucha cercana donde sea posible interpretar composiciones originales y al mismo tiempo compartir su trayectoria como artista migrante.

“Quiero viajar, conectar con muchas personas y tocar en vivo. Estoy planeando una presentación en Medellín a finales de enero o comienzos de febrero. La música instrumental es una forma extraordinaria de expresar las impresiones de la vida, las emociones y las experiencias”, agregó.

Durante el 2023, Anastasia presentó al mundo su primer álbum de autoría ‘Universe’, allí plantea la música instrumental como una forma de transmitir las impresiones de la vida. Su interés por Colombia nace de la admiración por la escena cultural y por el compromiso como artista con la creación y la formación de nuevas generaciones. 

Desde Bogotá, ciudad a la que se mudó siendo niña, Georgina ha construido un universo creativo que funciona como una extensión emocional de sus vivencias más profundas. Su música nace de aquello que no siempre pudo decirse en palabras durante la infancia y la adolescencia, y se transforma en canciones que buscan acompañar, validar y generar espacios seguros para transitar las emociones humanas. Con ese objetivo, y bajo el proyecto musical de Agraciada, está presentando su nuevo EP ‘Dos de corazones’.

"A través de mis canciones quiero enviar mensajes de validación de las emociones en vivencias que la mayoría de las personas hemos experimentado: el amor, la rabia o el miedo. Busco ser una puerta o simplemente una melodía que pueda generar dopamina y entretener el corazón. Cuento historias en donde los oyentes se pueden sentir seguros", aseguró la artista.

Su propuesta artística se mueve entre géneros como el bedroom pop, el dream pop, el indie experimental, el bolero clásico y la folktrónica, una experiencia integral que incluye lo audiovisual, lo performático y lo conceptual, todo desarrollado de manera completamente independiente.

‘Dos de corazones’ es el tercer EP de su carrera y está inspirado tanto en ‘Alicia en el país de las maravillas’ y en la simbología de la carta de póker. El trabajo funciona como una metáfora del amor incipiente: ese momento en el que la conexión con otra persona se vive desde la ternura, lo absurdo y la idealización, pero también a partir del temor a la herida emocional que implica abrir el corazón. 

El EP está compuesto por dos canciones: ‘Subrealia’ y ‘Así me haces sentir’. La primera explora la fragilidad emocional y el miedo a enamorarse tras experiencias de dolor previo. A través de sintetizadores expansivos, atmósferas melancólicas y capas vocales procesadas, la canción construye un paisaje onírico que confronta el deseo de entregarse con el temor a la vulnerabilidad. Es una pieza que oscila entre la introspección y la inevitabilidad del amor cuando la conexión es genuina.

Por su parte, ‘Así me haces sentir’ es una serenata pasional y luminosa que celebra el amor inocente. Con influencias del bolero ranchero y el corrido, marcadas por la guitarra y las trompetas, la canción dialoga con elementos del bedroom pop y el dream pop, creando un contraste entre lo clásico y lo contemporáneo. Inspirada en las novelas latinoamericanas, especialmente las mexicanas, el tema utiliza recursos literarios como la metáfora y la hipérbole para narrar un romance vivido sin reservas ni cálculos.

“La inspiración del EP ha sido mi pareja, con la que he descubierto de manera muy distinta el amor, una la cual siempre quise vivir y sentir. Encontré una versión diferente y más real de mí misma, retratada de forma conceptual en lo risueño y en la introspección de las experiencias vividas que en algún momento me cohibieron de volver a sentir como si fuera la primera vez al ser tan íntimo y diferente”, agregó Agraciada.

Desde su debut en 2022 con ‘Caperucita Roja’, un EP conceptual que abordaba las relaciones abusivas con una narrativa de cuento infantil, Agraciada ha demostrado una visión artística clara y comprometida. Su obra se sostiene en la autogestión total en el que composición, producción, mezcla, máster y dirección visual forman parte de un mismo proceso creativo.