En 1998, en el corazón de San Juan, Puerto Rico, nació un niño apasionado por las melodías y los instrumentos. A sus cuatro años, aprendió a interpretar el saxofón y hoy en día también domina la guitarra, el bajo, la batería, la flauta y el canto. 

Se trata de Ed Harvest, quien ha dedicado su vida a fusionar la influencia del rock clásico de gigantes como Billy Joel, Eric Clapton y The Beatles, con los ritmos latinos que marcaron su infancia. El cantautor tiene una afinidad especial con Colombia y una historia de amor que seguramente en algún momento contará por completo. 

“Siento que Colombia tiene una sensibilidad única para lo auténtico. Allá se escucha con el corazón, no solo con los oídos. Y eso conecta mucho con lo que estoy creando. Quiero que este país tan querido por mí descubra que hay una historia real detrás de cada canción”, contó Harvest en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Tendencias obsesivas, más que una canción para la industria

“Me llamaste en la mañana al amanecer sin saber que estoy dormido”, “llegaste a mi puerta sin avisar”, “brincaste una ventana para asomarte a verme”, “Las obsesiones sobre mí tienen que parar”, estas son algunas de las frases que resaltan en el más reciente sencillo de Ed que cuenta con la participación del colectivo musical ‘La Perrera’ y está basado en una historia de su vida personal.

“Son momentos que viví, cosas que sentí, y que muchas personas también han pasado. Mi música está hecha con instrumentos reales, tocados en vivo, con mucha intención en cada detalle”, agregó el artista.

Honesta, acústica y divertida, así describe su creador a ‘Tendencias Obsesivas’, canción que ya está disponible en todas las plataformas.

La agrupación conformada por Giovanni Borda (voz), Juan Restrepo y Daniel Gutiérrez (guitarras), Joustin Bermúdez (bajo) y Anderson Prieto (batería), propone una crítica profunda al caos contemporáneo a partir de la distorsión, el sentimiento y la técnica.

Desde 2019, FAITHBURNER ha evolucionado con una formación básica hasta consolidarse como una banda con un sonido firme y cargado de identidad. Influenciados por el death metal, thrash, hardcore, metalcore y hard rock, sus integrantes han encontrado un equilibrio entre agresividad y melodía. “Queremos que lo que compongamos, suene bien, que tenga una entidad”, aseguró Juan Restrepo.

El álbum es el resultado de años de composición, ensayo y trabajo técnico, con una clara intención emocional. “Este disco es sentimiento, mucho sentimiento”, afirmó Joustin. Aunque el título original del álbum iba a ser ‘Ephemeral’, la fuerza conceptual de ‘From Suffering to Madness’ fue más representativo para el mensaje: un descenso que nace del dolor emocional y social hasta la locura interior.

Las letras abordan tanto problemáticas sociales como conflictos internos. Canciones como ‘Killer State’ reflejan una crítica directa al poder institucional, mientras que otras como ‘Buried in Sorrow’ imaginan una sociedad devastada. Por su parte, ‘Not Over Now’, se erige como un mensaje de resistencia: “Listo, estamos mal, pero esto no ha terminado. Hay que seguir dándola”, explicaron durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’.

La producción del trabajo también estuvo marcada por momentos de dificultad y anécdotas memorables. Desde rifas hasta viajes accidentados y contratiempos con los instrumentos, el camino hacia el disco fue una muestra de compromiso colectivo. “Para grabar se necesitan dos cosas bien importantes: dinero y tiempo. Nosotros nos metimos de cabeza con el esfuerzo”, recordaron con humor.

Con ‘From Suffering to Madness’, FAITHBURNER consolida su identidad musical y lanza un manifiesto para quienes transitan los abismos de la mente y de la sociedad. “No escatimamos en nada. Todo está hecho con amor, con dedicación. Esperamos que les guste”, concluyeron. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y puede seguirlos en redes sociales como @faithburneroficial.

La música, la cultura y el folclor han tenido un papel protagónico a lo largo de 2025 en Bogotá. Hace pocas semanas, durante Joropo Al Parque, la capital vibró con lo mejor de la música llanera y, más recientemente, con los riffs y el headbanging de Rock Al Parque 2025. Ahora, el turno es para la diversidad de las regiones que el próximo 19 y 20 de julio se darán cita en el Parque de Los Novios para celebrar la edición #23 de Colombia al Parque.

Este encuentro, en el que participan desde los cantos del Pacifico, pasando por los sones del acordeón, el son sureño nariñense y la tradicional música andina, regresa a Bogotá con una muestra en la que los sonidos ancestrales se fusionan con los ritmos contemporáneos para hacer gozar a los ciudadanos y, lo mejor de todo, ¡Completamente gratis!

La cuota distrital se conoció hace pocos días y, haciendo gala de la gran diversidad del país, serán ‘Agrupación Identidad Pacífica’, ‘Danza Colibrí’, ‘Koede’, ‘La Perla’, ‘La Rueda’, ‘Los Cotopla Boys’, ‘Nicoyembe’ y ‘Pedro Pombo’, quienes como ganadores de la convocatoria Beca Festival Colombia al Parque 2025 - Bogotá Ciudad Creativa de la Música, harán gala del sabor, la riqueza cultural y la creatividad que caracteriza a cada uno de los territorios colombianos.

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Además de un gran evento para la ciudadanía, Colombia al Parque se ha consolidado durante 24 años como una gran plataforma para las agrupaciones emergentes que han abrazado sus raíces y resignificado su herencia cultural. 

Para 2025, como invitado especial, el departamento de Nariño será el epicentro de la edición número 23 del evento como un reconocimiento a esa maravillosa mezcla cultural y sonora producto del encuentro entre el Pacífico, los Andes y la vida campesina.

Como ya es tradicional, LAUD 90.4 FM ESTÉREO también estará cubriendo esta fiesta del folclor, tanto por su frecuencia radial como por sus redes sociales. Compartiendo con los oyentes y espectadores no solo la agenda musical, sino también las muestras de danza, gastronomía y las actividades culturales que suelen rodear los festivales al parque.

“Es Colombia no Columbia, cuando se descuiden les metemos una cumbia”, esta es una de las frases más emblemáticas de ‘Venimos’, una de las colaboraciones más esperadas para la música del continente. 

Sus creadores la definen como un ‘salpicón musical’ que además de mezclar ritmo, color y sabor invita a vivir la fiesta y conectar con públicos diversos; posicionándose así, como el nuevo gran hit de la banda.

“Es una canción que teníamos guardada para mostrar el sentir latinoamericano: cómo vivimos, amamos, celebramos y nos expresamos. Nació en el estudio, sabíamos que queríamos una cumbia con el empuje de los Decadentes, una batucada que impulsará a mover el cuerpo”, contó Germán Martínez ‘Kasius’, guitarrista líder de Doctor Krápula en ‘Amantes del Círculo Polar’.

El tema fue producido por Niko Cabrera, baterista de la banda, en conjunto con ‘Moska’, percusionista y voz de Los Auténticos Decadentes, quienes buscaron una dirección sonora que combinará lo festivo con lo combativo y lo bailable con lo identitario.

Su grabación se dio directamente en Backyard 79 Studios, ubicados en Alemania, siendo mezclada por Christopher Heimer y masterizada por Hans-Philipp Graf, ganador de un Latin Grammy.

“A ‘Moska’ lo conocemos desde hace muchos años, incluso él escuchó de primera mano éxitos como ‘El pibe de mi barrio’ y ‘La fuerza del amor’. Fue muy chévere cómo trajeron su idiosincrasia argentina al tema. Nos enviaron ideas para los vientos, percusiones y voces”, agregó Kasius.

El lanzamiento hace parte del próximo álbum de la banda denominado ‘Arte es Resistencia’ que fue grabado en su totalidad en Europa y tendrá a ‘Venimos’ como el 'focus track' de su proyecto.

El próximo 11 de julio a las 8:00 p.m., el Teatro Jorge Eliécer Gaitán abrirá sus puertas para acoger un encuentro musical sin precedentes. Dos de las voces más representativas e innovadoras de la música colombiana contemporánea compartirán escenario en una velada que promete ser tan explosiva como emotiva. Este evento, organizado por el Instituto Distrital de las Artes IDARTES, se consolida como una de las citas culturales más destacadas del año en Bogotá.

Se trata de ‘Velandia y La Tigra’ y ‘Lucio Feuillet’, ambos artistas llegan con propuestas muy distintas, pero profundamente complementarias, que han sabido trazar caminos alternativos dentro de la canción latinoamericana. 

Edson Velandia, líder de ‘Velandia y la Tigra’, dialogó con ‘Amantes del Círculo Polar' y reveló detalles del esperado concierto en el que Santander y Pasto se unen para mostrar lo mejor de la música colombiana contemporánea, entre la sátira, el lenguaje crudo, los ritmos del sur de Colombia y los géneros más representativos de las diversas regiones del país.

“Nos vamos en power trío, como dicen los rockeros, con guitarra, bajo y batería. Nos encanta también tocar así porque es otro color, otra manera de presentar estas canciones que hemos editado desde 2007 con ese disco ‘Once rasqas’ hasta nuestro trabajo más reciente que es ‘Proverbios burros’ y haremos un repaso por todo ese repertorio”, aseguró Velandia.

Esta agrupación ha logrado abrir un espacio único en la música colombiana: uno en el que el lenguaje popular se transforma en poesía aguda y el performance es inseparable de la música.

‘Velandia y la Tigra’ estará al lado de Lucio Feuillet, quien ha consolidado una propuesta musical que fusiona elementos del folclor andino con una canción de autor contemporánea, en la que lo íntimo y lo colectivo conviven de forma orgánica. Una combinación en la que la música andina del sur de Colombia compartirá escenario con la rasqa, esa construcción artística constituida por Edson Velandia.

“La rasqa es una experimentación en la que cabe todo, no necesariamente como quien está fusionando, si no son injertos donde bien podemos de repente pasarnos de un merengue dominicano a un tupa tupa enérgico y brutal sin despeinarnos. Nos gusta meter de todo ahí, esto es un sancocho”, acotó el artista.

Este año se reunirán artistas que han marcado la historia del hip hop, así como nuevas generaciones que están transformando el género a través del beat, la palabra, el movimiento y la creación visual. El legendario grupo Tres Coronas, una de las agrupaciones más influyentes del rap latino, será uno de los principales act ores de este encuentro.

Formado en el año 2000 en Nueva York por los jóvenes colombianos P.N.O y ROCCA. Su propuesta musical transformó el panorama del hip hop en español, con letras poderosas, beats sofisticados y una identidad marcada por los sonidos latinos.

Tres Coronas rompió barreras al presentar una calidad de producción y un lirismo a la altura del rap. Su estilo, que combina samplers de artistas icónicos latinoamericanos con ritmos urbanos y una lírica directa, conquistó al público desde el underground hasta los grandes escenarios.

Su influencia ha sido tal que hoy se les reconoce como pioneros del rap en Colombia y como referentes clave para las nuevas generaciones de raperos. Más que una banda, Tres Coronas es un símbolo de resistencia cultural, identidad latina y evolución constante dentro del movimiento.

El grupo sigue vigente y firme en su visión, con el mismo ADN sonoro y la misma intensidad de sus inicios, Tres Coronas continúa con fuerza, marcando el inicio de una nueva etapa sin perder su esencia ni su poder escénico. Esta presentación no solo representa un regreso, sino una declaración: el rap latino avanza, y sus leyendas aún tienen mucho por decir.

El Festival Internacional de Hip Hop iniciará con una dosis de historia, talento y mensaje social, en una noche que quedará grabada en la memoria del movimiento urbano de Colombia. En donde también estarán presentes las agrupaciones Robe L' Ninho, MamboRap y Mayra Sánchez - ElNiko Arias.

El evento se llevará a cabo del 31 de julio al 3 de agosto, desde las 7:30 p.m. en el Teatro Colsubsidio. Para mayor información visite la página web.

En 1988, la capital antioqueña fue testigo del nacimiento de uno de los artistas más reconocidos de Colombia: Juanes. Su punto de partida se dio con el Heavy Metal, el Trash y la fusión con ritmos latinos que dieron vida a la leyenda de ‘Ekhymosis’.

Esta agrupación revolucionó los 90 con su apuesta musical y sus letras creadas para hablar sin tapujos de temáticas sociales, políticas y personales, enfatizando en la realidad que atravesaba Colombia para esa década.

Éxitos como ‘Solo’, ‘La Madrugada’, ‘La Tierra’ y ‘Ciudad Pacífico’, aún se mantienen vivos en la memoria musical del gremio rockero y su legado nuevamente revive en los escenarios gracias a un proyecto que une a Toby Tobón, José Lopera y Andy García, miembros originales de la banda con la voz de Sebastián Yepes, conocido por ser el cantante de SanAlejo.

“Esto nace gracias a un viejo amigo, hoy nuestro manager, Pablo Ramírez. Quien siempre nos insistió para que nos juntáramos de nuevo porque ‘Ekhymosis’ tiene todavía mucha música para dar. En marzo nos reunimos por primera vez casi después de 30 años, un momento mágico”, contó José Lopera, baterista y uno de los fundadores del proyecto.

‘Xmosis El Origen’: Un plan de conquista a las nuevas generaciones

“Una evolución natural de un trabajo que marcó a toda una generación", con este lema se dio a conocer el inicio y regreso de este fenómeno musical al público, que cambiará de nombre y a partir de ahora será conocido como ‘Xmosis El Origen’.

“Cuando se acabó la banda en el 97, fue un tiempo muy complejo para todos nosotros. Empezamos caminos diferentes, pero trabajar este año con estas canciones ha movido muchos corazones, principalmente los nuestros. Nuestro primer ensayo lo hicimos con ‘Ciudad Pacífico’, un momento muy emotivo, donde dijimos: esto tiene que seguir y no puede morir nunca más”, agregó Lopera.

La nueva etapa incluyó un show en vivo el pasado 5 de junio en el Centro de Eventos Centauro de Medellín, como banda invitada para el concierto ‘God Save The Queen’. Allí anunciaron que están preparando una gira nacional que recorrerá las principales ciudades del país.

Si usted le huye a la soledad, esta obra le va a incomodar, pero también le va a gustar. ‘Hola Soledad’ es un montaje íntimo y honesto que, entre boleros de toda la vida y personajes muy reales, se mete con esos miedos, inseguridades y relaciones tóxicas que casi todos hemos vivido. La cita es desde el 10 de julio en el Café Concert del Casino Hollywood, en el Centro Comercial Boulevard Niza.

“Esta obra nació de una idea que le conté a mi pareja —que también es el director— y en tres meses ya la estábamos estrenando”, cuenta Laura Tobar, autora y protagonista de la obra. El resultado es un viaje rápido, pero honesto por esos enredos que provoca el amor… y el desamor.

La música es otro de los protagonistas. Aquí suenan clásicos como Los Panchos, Alci Acosta, Julio Jaramillo, Celia Cruz y la Sonora Matancera. “Son esos boleros que para mis papás o mis abuelos era un lujo encontrar en la radio, y ahora los tenemos al alcance, pero con el mismo amor y detalle de antes”. No solo se trata de escuchar, sino de cantar, recordar y, por qué no, llorar un poquito. explicó Laura.

La historia gira alrededor de cuatro personajes que representan las formas más comunes (y tóxicas) de vivir el amor: el que se enamora a la primera, el que no puede estar solo, el que se deja llevar por los celos y las inseguridades, y Cris, el personaje gay que, según Laura, “tiene la sabiduría más grande sobre el amor, porque entiende la importancia de la comunicación y la diversión en pareja”.

Más allá del drama y las canciones, la obra lanza un mensaje directo a los que sienten que están ‘fracasando’ por estar solos. ‘Nos han vendido que tener pareja es el éxito, pero nadie te felicita cuando estás feliz y soltero. Queremos abrazar a los que están solos y decirles que eso también está bien’, afirma Tobar.

‘Hola Soledad’ no solo se vive desde las sillas, es interactiva, cercana, pero sin sustos: ‘Tranquilos, no vamos a sacar a nadie al escenario’, aclara entre risas la actriz. Eso sí, quienes se animen a ir podrán brindar, cantar y hasta compartir sus propias historias con el elenco.

La obra estará en temporada todos los jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m. en el Café Concert del Casino Hollywood, dentro del Centro Comercial Boulevard Niza. 

Entre acordes cálidos, una armoniosa voz y arreglos sutiles de jazz, el mensaje de Natasha Roldán se desliza con la fuerza emocional de quien lleva consigo muchas historias. Es una cantautora colombiana radicada en Canadá, cuya propuesta musical mezcla el folclor latinoamericano con el jazz contemporáneo y un toque alternativo que crea un estilo sonoro profundamente humano, desde la experiencia migrante.

Su más reciente álbum, ‘Ya No Estoy Aquí’, es testimonio de esa búsqueda. Producido junto al músico colombiano Jorge Gil Arias, el disco ha tenido una notable acogida tanto en Colombia como en Canadá. Estuvo diez semanas consecutivas en el Top 20 de la Radio Nacional de Colombia y recibió nominaciones a Álbum del Año y Artista Femenina del Año en los Latin Awards Canada 2024.

Sobre este trabajo musical, su camino en la música y su reciente participación en el Festival de Jazz de Villa de Leyva 2025, estuvo hablando Natasha Roldán en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ acompañada del músico colombiano Jorge Gil. Un emotivo regreso a Colombia tras varios años en el exterior.

“Yo me fui hace más de 10 años y entonces regresar a un escenario como el de VillaJazz fue espectacular. Fue un honor y las personas respondieron divino, estoy con el corazón super lleno y una felicidad que creo que no voy a superar en mucho tiempo”, manifestó la artista, revelando su emoción de cantar ante los colombianos y la conexión profunda que ha logrado luego de tocar ante un público mayormente anglo en Canadá.

Precisamente esa añoranza de su tierra, así como las historias que deja la migración, ha acompañado el proyecto sonoro de Natasha y así lo evidenció en ‘Ya No estoy Aquí’, un álbum de 7 canciones que conectan con el sentir de la experiencia humana, incluso más allá de las fronteras del lenguaje.

“Las canciones, por más de que tengan historias muy colombianas, son historias muy universales. Hay mucha gente que está pasando por muchos problemas en los países en los que viven. Hay gente que tuvo que migrar no porque quisieron sino porque les tocó y la música logra transmitir ese sentimiento y la gente conecta mucho con eso”, agregó por su parte Jorge Gil.

Más allá de sus logros discográficos, Natasha ha sido reconocida por su aporte a la escena musical independiente en Canadá. En 2023, fue la única artista latina seleccionada para los semilleros de artistas emergentes de RBC Music y Small World Music Incubator. Además, ha sido premiada con el Ella Fitzgerald Award for Jazz Performance y el Sorbara Award in Music. 

Entre rankings, algoritmos y campañas para impulsar a otros artistas, Guillermo Morales Vitola, ha permanecido por años en la industria musical. Nació en Colombia y es baterista, pero el destino lo llevó a radicarse en Los Ángeles y hoy en día es considerado como uno de los veteranos del universo sonoro.

Sin embargo, en medio de la Pandemia, decidió darle un giro a su vida, salir del detrás de escena y empezar a ser protagonista de su propio proyecto. Tardó varios meses para crear ‘Ästra’, su nombre artístico en donde explora su lado más personal.

"Hago música porque mi vida me lo pide, si no entro al estudio a crear algo para mí, empiezo a sentir que me falta algo. No persigo tendencias, esta es la música que pondría en mis propios parlantes, una historia que te golpea en las entrañas", contó Guillermo Morales ‘Ästra’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Exhibit 8: Un álbum crudo y visceral nacido fuera de la industria 

Beats potentes y riffs palpables surgen en medio de ocho canciones que buscan generar un contrapunto a una industria obsesionada con el brillo superficial y las métricas. Su autor lo define como un álbum fuera de la maquinaria 

Con las voces de Zach Adams, ‘Exhibit 8’ cuenta una historia en cada tema que va más allá de la emoción y las tendencias. Partiendo desde la energía inquieta de ‘Easy Ride’, las luchas internas de ‘ABC’, la indecisión de ‘Either’ hasta palpar la urgencia de ‘Time Doesn’t Stop’.

Una de los focus track del álbum es ‘Only a Fan’, composición que nace sobre guitarras minimalistas, sintetizadores espectrales y una línea de bajo pulsante a cargo de Martin Delahaye. La letra reflexiona acerca de cómo las plataformas de suscripción como ‘OnlyFans’ convierten la conexión en comercio.

“Sin emitir juicios morales, quise retratar la tensión que se esconde detrás de estas decisiones: esa línea cada vez más difusa entre lo personal y lo transaccional en el espacio digital. Es una canción que permanece, que atrapa al oyente con cada capa, como si se revelara poco a poco”, añadió Guillermo.

Desde el pasado 26 de junio el disco se puede disfrutar completo en todas las plataformas.