La iniciativa llegará a Colombia para explorar nuevas sonoridades y acercar al público a las tradiciones musicales de Montevideo. La gira incluye conciertos, clases magistrales y encuentros académicos en universidades y espacios de formación e intercambio artístico. Bogotá será uno de sus principales escenarios, con actividades en la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad Nacional de Colombia y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

AGUERRIDO es una obra original del compositor uruguayo Felipe Badaró Salom, concebida a partir de la batería de murga, integrada por bombo, platillos y redoblante, junto con un ensamble de cámara que incorpora timbales de orquesta, vibráfono, piano, sintetizadores, teclados, percusión y voces.

Asimismo, une dos universos musicales que no suelen compartir escenario: La tradición popular y la formación académica. A esta mezcla se suman influencias del jazz, improvisación y recursos tecnológicos que amplían las posibilidades sonoras de los instrumentos.

El resultado es una obra de aproximadamente 60 minutos, dividida en siete movimientos que desarrollan ritmos, motivos musicales y contrastes entre los instrumentos.

La participación en universidades de la ciudad permitirá acercar estas sonoridades a nuevos oyentes y propiciar encuentros entre las escenas musicales de Uruguay y Colombia. Además, el proyecto contempla una presentación en Mr. Bum, en Bogotá, y una presentación en el Hotel Verona, en Villa de Leyva, Boyacá.

¿Quiénes están detrás de AGUERRIDO?

El trabajo reúne músicos especializados en distintas áreas instrumentales y vocales, bajo la composición de Felipe Badaró Salom. Además de Pablo Perera en timbales de orquesta, Arturo Chilindrón en set de percusión, Nicolás Del Giorgio en redoblante de murga, Mauricio Ramos en bombo, Joaquín Baranzano en sintetizadores y teclados, Rodrigo Domínguez en vibráfono, Javier Toledo en piano, Giuliana Delfino y Nicolás Selves en las voces, y Felipe Badaró Salom en platillos de murga y composición.

Con esta combinación de talentos, AGUERRIDO busca demostrar que las tradiciones musicales pueden dialogar con nuevos lenguajes sin perder su identidad.

La invitación está abierta para quienes quieran descubrir otros sonidos de Latinoamérica a una experiencia en la que la murga, el jazz y la música de cámara se encuentran para explorar nuevas posibilidades de creación e intercambio cultural.

a información detallada sobre cada actividad y los horarios de la gira estará disponible en las redes sociales de AGUERRIDO.

Diez años de canciones, viajes, escenarios y encuentros tienen una cita en Bogotá. La Muchacha, proyecto musical de la artista colombiana Isabel Ramírez Ocampo, celebrará su primera década de trayectoria con una presentación que será una gran oportunidad para recorrer diferentes momentos de su recorrido, desde sus primeras letras hasta los proyectos colectivos que ha construido con otros músicos.

Su historia inició en Manizales donde tuvo acercamientos a la música, el teatro, las artes plásticas y la poesía, disciplinas que posteriormente se cruzaron en una propuesta musical marcada por la canción, la memoria, el territorio y las experiencias colectivas.

En 2018 llegó ‘Polen’, su primer álbum. Después aparecieron ‘Canciones crudas’, ‘Más canciones crudas’ y ‘Los Ombligos’, producciones que muestran distintas etapas de una carrera construida principalmente desde la independencia y la autogestión.

Precisamente, ‘Los Ombligos’ abrió una etapa colectiva junto a El Propio Junte, proyecto conformado con Miguel Velásquez y Camilo Bartelsman. Este proceso llevó su música a escenarios de Colombia, Europa y Estados Unidos.

Durante este tiempo, La Muchacha también ha compartido procesos con artistas y proyectos como Andrea Echeverri, Lido Pimienta, Las Mijas, La Farmakos, El Kalvo, Realidad Mental y Las Añez, entre otros.

Uno de los momentos más representativos de su carrera llegó en 2021 con ‘No Azara’, el cual conectó rápidamente con las movilizaciones sociales de ese añoy con las voces de jóvenes que reclamaban cambios en el país. El tema, dedicado originalmente a la Comunidad de Paz de San José de Apartadó, habla de resistencia, organización colectiva y esperanza frente a la violencia. Con su guitarra y una interpretación directa, La Muchacha convirtió esta composición en una de las piezas más reconocidas de su repertorio y en un referente de su manera de entender la música como una forma de contar lo que ocurre alrededor.

En 2026, la artista continúa explorando formatos colectivos. En agosto presentó junto a Briela Ojeda el proyecto ‘Las Mijas’ y su EP ‘Místika Mijístika’ en el Planetario de Bogotá, una propuesta que mezcla música, performance y artes visuales.

Ahora, todas esas etapas tienen un punto de encuentro en una misma noche. La cita es el viernes 9 de octubre de 2026 en el Royal Center de Bogotá. Así que, si las canciones de La Muchacha han acompañado algún viaje, una protesta, una conversación o simplemente una tarde de escuchar música colombiana, esta puede ser una fecha para volver a ellas.

Con un niño de cinco años frente al piano, una familia recorriendo las cortes de Europa y melodías que terminarían destinadas a trascender en el tiempo inicia el recorrido de Wolfgang Amadeus Mozart, quien desde muy pequeño mostró un talento que lo llevó a convertirse en uno de los compositores más reconocidos de la historia. Casi tres siglos después, su legado sigue siendo protagonista, en esta oportunidad con el ‘Festival Mozart’, un encuentro que reunirá algunas de sus principales obras sinfónicas, concertantes y corales.

La programación estará dividida en tres presentaciones que recorrerán sus distintas facetas, desde las oberturas de ‘Las bodas de Fígaro’ y ‘La flauta mágica’, hasta las sinfonías n.º 40 y ‘Júpiter’, los conciertos para piano y violín y el ‘Réquiem’. La primera fecha será el 9 de octubre, bajo la dirección de Juan Pablo Valencia, director adjunto de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.

“Comenzaremos con ‘Exsultate Jubilate, KV 165’, escrita en 1773. La soprano colombiana Eliana Piedrahíta interpretará esta pieza, que combina una escritura vocal exigente con el carácter propio de la música religiosa”, destacó el comunicado oficial de prensa.

¡Tres días para viajar por la música de Mozart!

9 de octubre

La jornada continuará con ‘Sinfonía concertante para oboe, clarinete, corno y fagot, KV 297b’, una pieza en la que cuatro instrumentos de viento comparten el protagonismo con la orquesta. En esta ocasión participarán Tamas Balla, Christopher Jepperson, Édgar Sánchez y Dante Yenque, principales de sus respectivas secciones dentro de la agrupación nacional.

El cierre estará a cargo de ‘Sinfonía n.º 41 en do mayor, Júpiter, KV 551’, compuesta en 1788 y considerada la última sinfonía de Mozart. La pieza destaca por la manera en que desarrolla y combina sus temas, especialmente en su movimiento final.

10 de octubre

Será el turno del director y pianista brasileño Ricardo Castro, quien estará al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y asumirá también el papel de solista en ‘Concierto para piano n.º 21 en do mayor, KV 467’. El programa comenzará con la ‘Obertura de Las bodas de Fígaro’ y continuará con la ‘Sinfonía n.º 40 en sol menor, KV 550’, escrita en 1788.

El ‘Concierto para piano n.º 21’, compuesto en 1785, completará la presentación. En sus tres movimientos, el piano mantiene un diálogo constante con la orquesta, mientras se combina claridad formal y distintos matices expresivos.

11 de octubre

Se trata de la última jornada que está bajo la dirección de la argentina Natalia Salinas. El repertorio contempla la ‘Obertura de La flauta mágica’, el ‘Concierto para violín n.º 5 en la mayor, KV 219’ y el ‘Réquiem en re menor, KV 626’.

La violinista estadounidense Esther Yoo será la encargada de interpretar el concierto para violín, una obra escrita durante la etapa de Mozart en Salzburgo. El punto final estará a cargo del ‘Réquiem’, una de sus composiciones más reconocidas, que quedó inconclusa tras su muerte en 1791.

Para esta última, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia compartirá escenario con el Coro Nacional de Colombia, junto a Eliana Piedrahíta, soprano; Laura Mosquera, mezzosoprano; Julián Henao, tenor, y Juan David González, barítono.

El ‘Festival Mozart’ se realizará del 9 al 11 de octubre en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Para conocer más detalles puede consultar el sigueinte link.

Este año el Festival más grande de Latinoamérica Rock al Parque celebra sus 30 años, por lo que su programación se ha extendido más allá de su tradicional escenario en el Parque Metropolitano Simón Bolívar. De acuerdo con Idartes, esta celebración incluye diferentes formatos y territorios para reconocer la historia del evento y fortalecer la circulación de la escena rockera distrital.

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Es por eso, que este sábado 3 de octubre, a partir de las 3:00 p. m., el Parque Porvenir ubicado en la avenida calle 54 sur #97-37 recibirá una nueva jornada de ‘Rock al Parque llega a tu Barrio’, iniciativa de los Escenarios Móviles del Instituto Distrital de las Artes (Idartes).

Entre las agrupaciones que subirán a la tarima estará Rebellio Distritali - U Distrital, proyecto que lleva el sello de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y que se suma a esta jornada como una muestra del talento musical que también se abre camino desde la comunidad universitaria. Su participación pone en el escenario una propuesta nacida en el entorno distrital y reafirma el papel de la Institución como espacio para la creación y la circulación artística.

Asimismo, se presentarán Ekos de luna - Uniminuto, Unauthorized y Los Niños Telepáticos, agrupaciones vinculadas al proceso de selección de las Becas de Circulación Artística de Rock al Parque.

La programación apuesta por la diversidad de la escena local, con proyectos que transitan por sonidos alternativos, independientes y nuevas exploraciones musicales. Así, los asistentes podrán acercarse a grupos que hacen parte del movimiento rockero y que encuentran en estos escenarios una oportunidad para llevar su música a las diferentes localidades de Bogotá y convertir parques y espacios públicos en puntos de encuentro alrededor de la música.

 Prográmese

¿Cuándo? Sábado 3 de octubre de 2026 ¿Hora? 3:00 p. m. ¿Dónde? Parque Porvenir, avenida calle 54 sur #97-37, Bosa ¿Entrada? Libre y gratuita

Con su guitarra, un cuaderno cargado de letras y la pasión que lo acompaña desde niño, Argentina vio nacer a Roberto Fidel Ernesto Sorokin Espasa, un extenso nombre de pila que con el tiempo quedó resumido en uno que todos conocen: ‘Coti’. Su trayectoria se ha construido entre la composición y los escenarios, desde en sus primeros trabajos junto a los hermanos Calamaro hasta consolidarse como intérprete de temas como ‘Nada fue un error’.

Con más de dos décadas de carrera, su pluma también ha dado vida a éxitos como ‘Color Esperanza’, ‘¿Dónde está el corazón?’ y ‘Luz de día’, interpretadas posteriormente por otros artistas y que contribuyeron a ampliar el alcance de su obra. En 2025 celebró los 20 años de ‘Esta Mañana y Otros Cuentos’ con una gira internacional y este año presentó ‘Tus Errores’, una etapa en la que continúa revisitando sus clásicos mientras se conecta con la nueva ola de intérpretes.

“Nunca me sentí un cantante; siempre me llamó la atención escribir canciones, ser un cantautor. Con el tiempo fui aprendiendo a moverme en diferentes territorios y todo eso lo aplico a mis producciones y conciertos. Ahora lo que más disfruto es estar arriba del escenario, compartir con las nuevas generaciones, aprender de ellas y sentir cómo viven la música. Mis nuevos productores y músicos son muy jóvenes y han crecido con mi trabajo, y eso me llena el alma”, resaltó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su historia con Colombia comenzó junto a Juanes

El vínculo de Coti con Colombia ocurrió mucho antes de sus visitas al país. Durante sus primeros años en España, compartió una gira de 13 conciertos con Juanes, quien por entonces también comenzaba a abrirse camino en el mercado internacional.

Aquella experiencia dio paso a una amistad que se extendió entre escenarios, viajes y anécdotas. Incluso algunos de los músicos que acompañaban al argentino terminaron sumándose posteriormente a la banda del paisa.

Desde entonces, Coti ha pasado por Bogotá, Medellín, Cali y Pereira, ciudades donde ha dejado parte de su repertorio. Ahora, tras varios años de ausencia, regresa a la capital colombiana en un concierto íntimo, poderoso y cargado de nostalgia.

“Colombia ha sido siempre un lugar que me ha acogido muy bien y al que he querido volver. Después de unos años, estoy muy contento de poder comunicar esta vuelta para el 3 de noviembre. Siento que hoy llego mejor que en aquel momento, lo disfruto de otra manera, con un repertorio más amplio, nuevas canciones y discos. Va a ser un encuentro muy jugoso, con mucha ilusión por este concierto”, destacó el cantautor.

Para conocer más detalles del evento puede visitar el siguiente link.

A través de la gira internacional ‘30 Años, 30 Canciones’, la banda conmemora tres décadas de trayectoria repasando los hitos más significativos de su discografía. Néstor Ramljak, vocalista y líder del proyecto, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para reflexionar sobre los orígenes del grupo en Tigre, Buenos Aires, y la vigencia de una propuesta que ha marcado a distintas generaciones en la región.

El proyecto dio sus primeros pasos a mediados de los noventa entre un grupo de jóvenes de colegio. Con el tiempo, esa inquietud juvenil se consolidó en una alineación estable integrada por Ramljak junto a Facundo Cimas, Germán Bonilla, Bruno Signaroli, Martín Mártola y Ariel Sciacaluga, transformando la iniciativa escolar en un referente imprescindible del reggae latinoamericano.

Su nombre también responde a esa búsqueda de identidad: Un término acuñado a partir del verbo palidecer que apela a resistir y no desvanecerse ante las dificultades. “Jamás imaginábamos que 30 años después iba a estar explicando el nombre de la banda en conexión con gente de Colombia”, recordó el músico.

Uno de los momentos cumbre de esta trayectoria fue la producción de su álbum compilatorio Nonpalidece ‘Hecho en Jamaica’, grabado directamente en los míticos estudios de Kingston. La experiencia reunió a la banda con referentes históricos y talentos emergentes de la isla, coronando años de perseverancia con el Premio Carlos Gardel a Mejor Álbum de Reggae.

A lo largo de estos 30 años, su recorrido internacional los ha llevado a estar más de 15 países y a ser protagonistas en festivales emblemáticos como Vive Latino, Cosquín Rock y Rock al Parque, escenarios desde donde han proyectado una postura crítica frente a la realidad social del continente.

“Lo que más nos motivó a hacer reggae tenía que ver con expresar esas desigualdades y proponer desde la música alternativas frente a la realidad”, afirmó Ramljak acerca del motor temático del grupo.

Tres décadas después de aquellos primeros ensayos en la provincia de Buenos Aires, himnos como ‘La Flor’, ‘Tu Sueño’, ‘Tu Presencia’, ‘Dame Luz’ y ‘La Alegría Manda’ continúan conectando con nuevas audiencias, ratificando la solidez de una banda construida desde la colectividad y la dignidad sonora.

Pingo Potens es una banda musical originaria de Navarra, España, está integrada por Yoana Lobo, David Burgui, Tania Hernández y Joselu Arriezu, aunque su formación puede incorporar músicos invitados de acuerdo con las necesidades de sus presentaciones. Su propuesta se articula bajo conceptos como la libertad, la amistad, la inclusión, los cuidados, la vitalidad y diferentes las distintas maneras de entender el amor.

El nombre del proyecto parte de una historia vinculada con la expresión latina ‘Virgo Potens’. Según la anécdota que inspiró a sus integrantes, unas religiosas habrían sustituido la palabra virgo por pingo durante el rezo de una oración, sin conocer las connotaciones que esta última tenía en el español de la época. Yoana Lobo conoció este suceso a través de la periodista Nieves Concostrina y años después la retomó junto a David Burgui mientras buscaban el nombre para el grupo.

A partir de esa referencia, Pingo Potens adoptó el término como una forma de resignificarlo y relacionarlo con la libertad. El añadido potens, procedente del latín y asociado con la idea de poder, completa una denominación que la agrupación vincula con la posibilidad de vivir y crear desde la autonomía.

La historia de la banda también está relacionada con un proceso personal. Burgui, músico con formación en jazz y música clásica y experiencia en diferentes agrupaciones, tuvo que interrumpir su actividad musical debido a una enfermedad. En medio de su recuperación inició a desarrollar composiciones que posteriormente compartiría con Lobo. El proyecto, que ambos habían pospuesto por varios años, comenzó a tomar forma en 2023 y después se consolidó con la incorporación de nuevos integrantes.

La creación colectiva ocupa un lugar central en la propuesta. La agrupación plantea su música desde el trabajo conjunto y evita colocar el protagonismo exclusivamente en alguno de sus integrantes. Esta perspectiva también se refleja en la manera en que se construyen las canciones y en la participación de diferentes músicos y colaboradores.

Pingo Potens estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde David Burgui y Yoana Lobo conversaron sobre el origen del proyecto, la construcción de su identidad y las características de su producción. Asimismo, explicaron que la agrupación busca alejarse de las fórmulas tradicionales asociadas a las canciones de amor y explorar vínculos relacionados con la amistad, el cuidado, la libertad y otras formas de afecto.

Esta perspectiva atraviesa su primer álbum homónimo, compuesto por nueve canciones y un bonus track. El disco reúne temas como ‘Diógenes’, ‘Para Vida’, ‘Lore gorriak’, ‘Pasen y vean’, ‘Bi arrain’, ‘Orgullo Pingo’, ‘El buen secuestrador’, ‘Genia y figura’ y ‘Claqueta y acción’.

Las canciones combinan castellano y euskera y abordan diferentes referencias personales, sociales, literarias e históricas. ‘Diógenes’, por ejemplo, toma como punto de partida la conocida anécdota entre el filósofo Diógenes y Alejandro Magno para desarrollar una reflexión sobre el desapego y la necesidad de distinguir entre lo que se tiene y aquello que realmente se necesita.

El álbum también incluye ‘Para Vida’, inspirada en la activista iraní Vida Movahed; ‘Genia y figura’, relacionada con la historia de la abuela de Burgui; y ‘Lore gorriak’, construida a partir de un poema de Gloria Fuertes. De esta manera, la agrupación incorpora experiencias personales, referencias literarias y acontecimientos históricos dentro de su repertorio.

El álbum recorre una década de canciones, encuentros y experiencias vinculadas con su trayectoria musical. El trabajo hace parte de una discografía que reúne ocho producciones y más de quince años de recorrido artístico.

El título retoma el nombre de la banda que acompañó a Pastor durante diez años y propone un ejercicio de memoria sobre una etapa compartida con los músicos que hicieron parte de ese proceso. Esta propuesta funciona como una mirada retrospectiva con cada una de las canciones que han acompañado varios momentos de su carrera y que, con el paso del tiempo, adquieren nuevas lecturas.

En este ejercicio, Pastor se reencuentra con composiciones que, según explicó en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, incluso habían dejado de sentirse propias. El proceso le permitió revisar su trayectoria y reconocer los diferentes momentos que han marcado su desarrollo como cantautor.

El álbum también reúne a algunos de los artistas que han formado parte de ese recorrido. Entre las colaboraciones se encuentran El Kanka, Rozalén, Mr. Kilombo y el proyecto argentino El Plan de la Mariposa, con quienes comparte canciones y experiencias acumuladas a lo largo de los años, manteniendo la relación entre la canción de autor y las distintas expresiones de la música latinoamericana que ha caracterizado el trabajo de Pastor.

Su trayectoria ha estado vinculada con territorios de ambos lados del Atlántico y con una búsqueda sonora que incorpora elementos del folclore latinoamericano, la cumbia, el funk y otras influencias dentro de una propuesta centrada en la escritura de sus letras.

Uno de los recorridos sonoros del álbum se acerca a la salsa y al mambo. Pastor explicó: “Hay una canción que cuenta con una parte de este género, que tiene un diálogo entre la salsa y la timba y acaba con una sección de vientos muy de mambo”. La pieza amplía la diversidad musical de ‘10 locos años descalzos’ y evidencia el cruce de referencias latinoamericanas que atraviesa el proyecto.

El álbum recupera un periodo de la trayectoria de Pedro Pastor, reúne a algunos de los músicos que han acompañado ese camino y plantea nuevas canciones como parte de una etapa que continúa desarrollándose de manera independiente.

El álbum ‘De Sur a Norte’ plantea un recorrido musical por diferentes regiones de Colombia, tomando la cordillera de los Andes como una especie de columna vertebral que conecta culturas y tradiciones. La propuesta parte de las raíces musicales de la frontera nariñense y las lleva a dialogar con varios géneros y sonoridades colombianas.

En este recorrido aparecen elementos del son sureño, la cumbia, las gaitas, las quenas y el currulao, entre otros. Para TMB, el reto estuvo en encontrar conexiones entre estos géneros sin perder la esencia de las obras originales, trabajando cuidadosamente desde la melodía, la armonía y la instrumentación. Uno de los propósitos de este trabajo es acercar musicalmente territorios que muchas veces se perciben como distantes.

Pedro Luis Amézquita, integrante de TMB, explicó en ‘Música y Músicos de Colombia’ que el proyecto busca que alguien del Caribe pueda reconocer una sonoridad del sur como parte de su propia identidad. Así, el álbum propone escuchar la diversidad regional no como una separación, sino como parte de una misma historia musical.

Las canciones también nacen de la relación directa con el territorio. Los viajes por carretera y el contacto con diferentes regiones han sido parte fundamental del proceso creativo de la agrupación TMB. Para ellos, recorrer lugares como la Costa Caribe permite descubrir que incluso dentro de una misma región existen múltiples formas de vivir y expresar la cultura. Esas experiencias terminan convirtiéndose en memoria y posteriormente en música.

Este nuevo álbum representa además una evolución en el camino de TMB. La agrupación comenzó en 2019 con una propuesta más cercana al pop y al rock y, durante la pandemia, empezó a incorporar elementos de la música tradicional andina y la electrónica. Posteriormente, el proyecto avanzó hacia la composición propia y una búsqueda cada vez más profunda de las raíces musicales.

Con este trabajo, TMB invita a los oyentes a acercarse a sus canciones y encontrar en ellas sus propias historias y conexiones con el territorio. ‘De Sur a Norte’ se encuentra disponible en plataformas digitales.

Reviva esta entrevista completa en nuestro canal de YouTube ‘Laud Estéreo’ en la sección de ‘Música y Músicos de Colombia’.

El tema ‘Sin disfraz’, fue compuesta por Federico Moura en 1985 y perteneciente a ‘Locura’, álbum que cuatro décadas después de su lanzamiento sigue ocupando un lugar central en su trayectoria musical. La grabación fue realizada durante el Quilmes Rock 2025.

Mario Serra, baterista y cofundador de la banda Mario Serra es el baterista fundador y miembro la banda, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de la historia que se encuentra detrás de este superclásico del rock argentino.

‘Locura’ marcó un momento de expansión para Virus y permitió que los artistas trascendiera el circuito argentino. El disco se convirtió en una puerta de entrada hacia otros países y acompañó el crecimiento del movimiento del rock en español durante la década de los ochenta.

La producción también hace parte de un repertorio que ha permanecido vigente a través del tiempo. Virus continúa llegando a audiencias de distintas generaciones y mantienen presencia en los escenarios, donde la agrupación ha desarrollado nuevas interpretaciones de sus composiciones.

La permanencia de estas canciones también se relaciona con la transformación del público que acompaña a la banda. La presencia de personas jóvenes en los conciertos evidencia una aproximación a un repertorio construido décadas atrás, mientras que varios temas de ‘Locura’ conservan una sonoridad que permite escucharlas dentro del contexto musical contemporáneo.

La experiencia escénica también ha modificado la forma de interpretar estas composiciones. Aunque las canciones mantienen sus estructuras, la ejecución incorpora las vivencias acumuladas por los músicos después de años de presentaciones y recorridos por diferentes escenarios. “Si bien la canción es la misma, la interpreto prácticamente de otra manera. El tema es el mismo, pero con otra intensidad”, concluyó el músico.

El recorrido de Virus se desarrolló dentro de una escena argentina que durante los años ochenta contribuyó a consolidar el rock en español. La agrupación compartió ese contexto con diferentes proyectos que ampliaron las posibilidades del género y llevaron nuevas temáticas y sonoridades a un público que comenzaba a encontrarse con estas propuestas en distintos espacios de Latinoamérica.