Su proceso musical comenzó en Medellín, donde inició su formación en la Escuela de Música de Antioquia, y posteriormente continuó sus estudios en el reconocido ´Berklee College of Music´, institución que ha formado a algunos de los músicos más influyentes del jazz y la música contemporánea.

Ese recorrido académico y artístico le permitió desarrollar una propuesta en la que el jazz dialoga con los sonidos de Colombia y de América Latina. La mezcla entre estas influencias se convierte en una forma de construir una identidad musical propia dentro de un mundo multicultural.

Asimismo, el artista habló sobre otra faceta que ha ido tomando fuerza en su vida musical, la enseñanza. Compartir conocimientos con estudiantes y jóvenes músicos se ha convertido en una experiencia que amplía su mirada ante la música y el papel que puede cumplir dentro de ella.

Aun así, el escenario sigue siendo su principal motor, el paisa continúa enfocado en conciertos, colaboraciones y giras que le permitan seguir viviendo de la música y fortalecer su proyecto artístico dentro del circuito internacional del jazz.

La entrevista completa con Federico Aristizábal Acevedo ya está disponible en nuestro canal de YouTube donde se conversó más de fondo de su experiencia en Estados Unidos y su visión del jazz con identidad colombiana.

Un viaje al estilo vibrante de los años 80 y 90, un mundo implacable y personajes que parecen juguetes recién salidos de sus cajas. Así es el universo de ‘Rosa’, una idea que nació en la mente de Cristian Gutiérrez y que hoy se materializa en las tablas capitalinas.

En este contexto viven Leo y Rose, una pareja que representa el ideal de perfección, sonrientes, atléticos y aparentemente felices. Sin embargo, detrás de esa fachada de muñecos perfectos se esconde una historia que cuestiona qué tan real puede ser la perfección cuando todo parece diseñado para lucir impecable.

“‘Rosa’ nació mientras oía ‘Aqua Barbie’, en ese momento pensé: ¿Qué pasaría si llevamos esa estética al entretenimiento visual y la convertimos en una experiencia teatral? Cuando pensamos en muñecos como ‘Barbie’ imaginamos algo impecable, casi ideal, y la obra juega con ese imaginario: Es encanto, belleza y a la vez crítica, una propuesta que sorprende desde lo visual”, resaltó Cristian Gutiérrez, director y dramaturgo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El escenario se transforma y se convierte en una experiencia sensorial que busca sumergir al público en la misteriosa “vida secreta” de los juguetes cuando nadie los está viendo. Allí se combinan coreografías milimétricas, una atmósfera visual con estética VHS y un vestuario de alta costura, elementos que entretejen la historia al lado de un aire de comedia, nostalgia y drama.

“Van a descubrir muchos secretos; nada de lo que ven es exactamente lo que parece. Por eso deben estar listos para sorprenderse. Rosa esconde un misterio: Vivimos en un mundo que parece perfecto, pero tal vez no lo sea tanto. No se lo pueden perder”, agregó Diego Serrano, actor protagonista.

Al lado de Diego se encuentra un elenco integrado por Alan Ramírez, Luz Gutiérrez, Jhiver Mateus, Diego Serrano, Annabelle, Helen Martínez y Alexander Aristizábal.

El estreno tendrá una única fecha el próximo viernes 27 de marzo, con funciones programadas a las 8:00 p.m. y 10:00 p.m. en el Teatro Barajas.

Una niña pequeña, sentada y fascinada al escuchar a su abuela cantar. Esta es la primera imagen que guarda Raquel Lúa de su encuentro con la música. Un viaje que la ha llevado a explorar los sonidos del Mediterráneo y mezclarlos con lo mejor del Folk.

Su proyecto se caracteriza por el fado, el flamenco y la canción de autor con letras cargadas de poesía y profundidad. Le canta a la vida y a la muerte, al paso del tiempo y a lo que permanece.

“Para mí, las raíces siempre han sido una fuente de inspiración. Vengo de dos mundos: Mi abuela de Andalucía y otra de Marruecos, y en ese cruce habitan el flamenco, la música árabe y la copla. Son sonidos que han estado muy cerca de mí y que, con el tiempo, han ido tomando forma en mi manera de cantar y de entender la música. En España convivimos con distintas lenguas y culturas, y en mi caso, el catalán también hace parte de esa identidad”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Una voz que cruza océanos y conquista Latinoamérica!

Tras un exitoso recorrido por España su país, la cantautora barcelonesa cruza el océano para encontrarse con el público latinoamericano. Con su llegada, busca la expansión de un universo sonoro íntimo, poético y profundamente arraigado en la tradición mediterránea.

La gira coincide con el lanzamiento de ‘Directo en Casa Astor’, un EP que recoge versiones en vivo de su más reciente trabajo, ‘Peinar Raíces’. Álbum que conserva su esencia musical y explora las distintas etapas de la vida desde una mirada honesta y despojada.

“‘Casa Astor’ es un refugio para el folk, un lugar donde las músicas del mundo se encuentran y dialogan. Pero ‘Peinar Raíces’ nace desde otro lugar, la necesidad de volver a lo esencial, a lo que siento como hogar. Es un regreso a mi centro, un homenaje a mi familia y, especialmente a mi abuela, a quien imagino siempre mimando plantas mientras nos cuidaba a nosotros. Este disco es un acto de memoria, de volver a la raíz”, agregó Raquel.

Durante la última semana de marzo, la artista española recorrerá tres regiones de Colombia: Valle del Cauca, Medellín y Bogotá. En la capital, se presentará el próximo 24 de marzo a las 8:00 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

La banda bogotana Brain Voltage presenta ‘2030’, un trabajo que marca un nuevo momento en su trayectoria y plantea una exploración sonora y conceptual en torno al control, la información y las tensiones del mundo contemporáneo.

Mike Ayala y Christian Cifuentes, integrantes de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde abordaron el origen del proyecto y el proceso creativo detrás de su primer álbum.

El trabajo discográfico surgió en medio del contexto de la pandemia y se consolidó en 2022 como una propuesta que articula experiencias personales con una lectura crítica del entorno. Desde ese punto, la banda construyó una narrativa en la que la música funciona como una descarga que traduce procesos internos —como la salud mental y el aislamiento— en reflexiones colectivas.

‘2030’ se desarrolla a partir de una visión inspirada en la obra ‘1984’ de 1984, estableciendo vínculos con dinámicas actuales como la manipulación mediática, la sobreexposición digital y las formas contemporáneas de control social. En ese sentido, propone una lectura crítica de los discursos de progreso asociados a agendas globales y plantea interrogantes sobre sus efectos en la vida cotidiana. “Nace realmente encerrados en pandemia… (…) desde ahí empezamos a trabajar firmemente”, explicó Cifuentes.

El universo conceptual del álbum se extiende en el videoclip dirigido por Rodrigo Torrijos, que fue reconocido como Mejor Video Punk en el Punkfilmfest Berlin en 2025.

La pieza construye un relato centrado en la confrontación con estructuras de poder, incorporando símbolos asociados al manejo de la información. A lo largo del video, una colectividad de jóvenes desafía esas dinámicas hasta provocar su ruptura, en una puesta que articula elementos de ficción con una lectura política.

En términos de producción, la banda opera bajo un formato reducido en el que sus integrantes asumen múltiples roles creativos. Dentro de esta configuración, se destaca la presencia de un baterista que también cumple la función de vocalista principal, una decisión que forma parte de su exploración dentro de la escena independiente.

El trabajo de Brain Voltage ha circulado en medios y plataformas en distintos países, consolidando una propuesta que integra música, contenido audiovisual y discurso crítico. Con ‘2030’, la agrupación desarrolla una lectura del presente desde una perspectiva que combina elementos de ficción, experiencia personal y reflexión social.

Este trabajo marca un nuevo momento en su trayectoria musical. La canción retoma una reflexión acerca de los ciclos de cambio y el vínculo entre las sociedades y la naturaleza, una idea que atraviesa tanto la letra como el concepto general del proyecto.

El tema fue escrito en 2012, en medio del paro agrario en Colombia, y parte de una inquietud con respecto al manejo de las semillas y el lugar que ocupa la tierra dentro de las dinámicas sociales contemporáneas. A partir de esa idea ‘Volver a nacer’ plantea una pregunta sobre la necesidad de replantear la relación entre el ser humano y su entorno.

Cristian Garzón, guitarrista y José Miguel, tecladista, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron del origen de la canción y el proceso creativo. Durante la conversación, Garzón explicó que la idea surgió como una reflexión frente a ese contexto. “Fue más como un pensamiento de en qué momento la humanidad va a querer volver a nacer, porque era el tema de la semilla y cómo se manejaba”, señaló.

La pieza también representa una etapa reciente dentro del recorrido de la agrupación. Tras más de quince años de trayectoria, el grupo retomó la canción y la integró a una nueva fase creativa en la que han replanteado su propuesta sonora e incorporado otros elementos musicales, entre ellos sintetizadores y exploraciones electrónicas.

El nombre de la banda está inspirado en el teosinte, una planta silvestre considerada el antecedente del maíz. Esta referencia funciona como una metáfora de los procesos de origen, transformación y cultivo, una idea que el grupo relaciona con la forma en que entienden la creación musical como una “siembra” que evoluciona con el tiempo.

Teosinte está integrado por músicos de la Sabana de Bogotá como Cristian Garzón, Óscar Garzón e Iván Guacaneme, quienes además desarrollan procesos pedagógicos y proyectos culturales en la región. A través de su trabajo como docentes y gestores culturales, la banda ha participado en iniciativas de formación musical dirigidas a niños y jóvenes.

El lanzamiento de ‘Volver a nacer’ está acompañado por un videoclip animado realizado por la artista Tatiana Vaca. La producción fue desarrollada mediante animación tradicional, con ilustraciones elaboradas cuadro por cuadro, una técnica que aporta una dimensión visual artesanal al proyecto.

La presentación parte de experiencias personales para reflexionar, desde el humor, sobre los estigmas que rodean al rock y a quienes se identifican con este género musical.

El narrador y comediante conocido como “Rockero Popular”, Fabián David, presenta ‘Los rockeros también lloran’, una comedia que explora los prejuicios sociales que históricamente han acompañado al rock. A través de un monólogo que combina narración, humor y referencias musicales, el espectáculo aborda la experiencia de quienes encuentran en este género un lugar de identidad y refugio.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de la presentación y las experiencias personales que dieron forma a esta propuesta escénica. Durante la conversación, explicó que la obra surge de situaciones cotidianas que suelen enfrentar quienes se identifican con la cultura rock.

La obra parte de preguntas y comentarios que han sido frecuentes para los aficionados al género: Dudas sobre las letras en otros idiomas, asociaciones con imaginarios satánicos o cuestionamientos familiares acerca del tipo de música que escuchan. Desde esas escenas, el show propone una mirada humorística de los estereotipos culturales que rodean al rock.

El performance también plantea el lugar que este género ha ocupado para muchos jóvenes que sienten que no encajan en su entorno. En ese contexto, la música aparece como una forma de expresión para construir identidad, compartir con amigos y enfrentar los miedos propios de distintas etapas de la vida.

En el espectáculo, el rock es presentado no solo como un estilo musical, sino también como una forma de aproximarse al conocimiento. Muchas de sus canciones contienen referencias históricas, literarias o mitológicas que invitan a investigar y a ampliar el horizonte cultural de quienes se acercan a este universo sonoro.

El proyecto también dialoga con la tradición de la narración oral desarrollada en zonas culturales universitarios, donde el humor y la palabra se han utilizado como herramientas para reflexionar sobre la vida cotidiana. Fabián David, egresado de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, inició allí su proceso en la cuentería y la narración oral, espacios desde los que comenzó a construir una propuesta escénica basada en la experiencia personal, el humor y la observación social. Con esa perspectiva, el monólogo transforma anécdotas personales y experiencias generacionales en historias que conectan con el público.

El montaje está dirigido a públicos mayores de 14 años y combina elementos de comedia, narración oral y cultura rock. A lo largo del espectáculo, el escenario se llena de historias acompañadas de café, licor, humor y referencias musicales que atraviesan distintas épocas del género.

La temporada será los jueves a las 8:00 p.m. del 26 de marzo al 30 de abril, en el Teatro Santa Fe, ubicado en la calle 57 #17-13.

El proyecto, pensado como un lugar de encuentro musical y cultural, debutó con un emotivo show sinfónico en el histórico Teatro El Círculo, acompañado por la Orquesta Casa Páez dirigida por el maestro Javier Mas.

La iniciativa surge tras recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional de Rosario (UNR), y tiene como eje la exploración de su propia obra y la tradición de la música popular latinoamericana, en formatos y lugares especialmente elegidos.

Durante su presentación el artista aseguró con emoción “Acá se construye. Acá no se odia. Acá se ama. A los casi 63, vengo otra vez en mi vida a poner el ladrillo del amor en la construcción del mundo”.

La inauguración de ‘Casa Páez’ incluyó un repertorio de 18 canciones que recorren distintas etapas de su obra, con clásicos como ‘11 y 6’, ‘Tumbas de la gloria’ y ‘Mariposa Tecknicolor’, además de homenajes a referentes de la música regional como Luis Alberto Spinetta y Pablo Milanés. Con este nuevo espacio, el músico reafirma su apuesta por la creación colectiva y por seguir construyendo, desde la música, creando puentes con el público de toda América Latina.

El repertorio incluyó además ‘Parte del aire’ y ‘Ámbar Violeta’, piezas que no formaban parte de sus conciertos desde hacía varios años y que constituyen puntos clave en su obra.

‘Carabelas de la nada’ también sirvió de preludio a uno de los momentos más gloriosos de la jornada. Esta gema revivió el espíritu tanguero que se potenció más adelante con ‘Construcción’, una maravillosa obra de Chico Buarque, otra perla de la música latinoamericana que enriqueció la noche. A diferencia de la orquestación original de Buarque, en sintonía con el John Barry de James Bond y con la bossa, la versión de Páez tiene alma de tango “apiazzolado”.

Así comenzó Casa Páez, un espacio artístico pensado como un punto de encuentro entre la música, la memoria y la comunidad, construido sobre canciones que marcaron la vida de Fito y de generaciones enteras de su público.

Mientras el artista repasa su trayectoria con este nuevo proyecto, Colombia se prepara para su regreso: Páez volverá al país con su gira ‘Sale el Sol’, con la que recorrerá varias ciudades de América Latina. El concierto será el próximo 12 de junio de 2026 en el Movistar Arena, donde presentará un recorrido por los grandes momentos de su carrera. La expectativa es alta entre los seguidores del músico, quien continúa consolidando su legado en la música latinoamericana.

En 1981, el mundo conoció una canción legendaria: ‘Under Pressure’. Lo que empezó como una improvisación y un encuentro casual entre los integrantes de Queen y David Bowie, se convirtió en el sencillo número uno en el Reino Unido y con el tiempo pasó a ser uno de los himnos más recordados del rock de los 80.

La poderosa fusión de la banda de Freddie Mercury y el famoso ‘Duque Blanco’ regresa al escenario, esta vez de la mano de guitarras eléctricas, cuerdas y voces corales con más de 30 artistas en escena.

“El espectáculo reúne canciones de estas dos leyendas en un formato mano a mano, alternando sus temas en el escenario. Más que una competencia, es un homenaje a la camaradería y las colaboraciones entre ambos artistas, que permitirá a los fans disfrutar lo mejor de los dos universos musicales”, contó Harry Howl, vocalista que rinde tributo a Bowie.

Al lado de Harry participarán otros dos solistas, Karen Castiblanco y Camilo Colmenares. El montaje contará con el ensamble de cámara de la Orquesta Sinfónica de Bogotá, la Sociedad Coral de Bogotá y la banda de rock Santceve.

Uno de los momentos de mayor expectativa, será la salida de los personajes más icónicos de Bowie, entre los que destacan ‘Ziggy Stardust’, ‘Aladdin Sane’, ‘The Thin White Duke’ y ‘Halloween Jack’. Además, el repertorio incluirá los clásicos con los que marcaron historia en estadios y escenarios de todo el mundo.

“El mayor reto es rendir un homenaje a David Bowie, una figura camaleónica que transformó la música y siempre estuvo adelantado a su tiempo. El desafío es abarcar su fuerza vocal y escénica, pero sin caer en la imitación: La idea es hacer un tributo que también refleje mi propia identidad como artista”, puntualizó Harry.

La cita será en el Teatro Cassia en dos únicas funciones: 28 de marzo a las 7:00 p.m. y 19 de abril a las 4:00 p.m. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

A finales de los años 70’, el mundo conoció una nueva forma de entender la música, el pop se fue transformando al lado de sintetizadores y ritmos electrónicos que le dieron vida al subgénero del ‘Synthpop’.

Aunque sus orígenes están en Alemania y Reino Unido, la bumanguesa Laura Ríos, decidió darle un sello propio a este género al mezclarlo con ritmos folclóricos colombianos. Así presenta al mundo ‘Ojos Rojos’, un sencillo que explora el diseño sonoro a través de un diálogo entre lo retro y lo contemporáneo.

“’Ojos Rojos’ marca un nuevo capítulo en mi evolución sonora. Con esta canción busco consolidar una nueva identidad estética y una propuesta emocionalmente honesta, que me acerca a sonidos electrónicos y un poco más oscuros. Este sencillo es además un adelanto de una nueva colección de canciones llamada ‘Puente’, que iré publicando a lo largo de este año”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nacimiento del ‘Río’: Emociones que navegan entre beats electrónicos Laura Ríos es compositora, arreglista y productora. A simple vista puede parecer tímida, pero ella se define como una mujer profunda que ha encontrado en la música una forma de darle voz al silencio y a la salud mental, abordando en sus canciones temas como la depresión y la ansiedad.

Una de sus mayores inspiraciones es Radiohead y con ese tinte le da su propio sello a la música andina. Su carrera musical comenzó en 2013 con el EP ‘El silencio’, un trabajo de tres canciones cercanas al bambuco y al joropo atravesadas por sonoridades modernas.

En su camino decidió hacer un alto durante varios años, sin apagar su sueño. Este 2026 regresó con el nacimiento de ‘El Río’, su nuevo nombre artístico.

“En ese tiempo decidí realizar una pausa para estudiar música, producción y arreglos. También empecé a escribir ‘Río en reversa’, un libro de poesía que aún no ha sido publicado. Fue un proceso en el que me permití experimentar con sintetizadores, jugar con expresiones colombianas y, al mismo tiempo, honrar el legado de artistas como Charly García y Gustavo Cerati, buscando una fusión muy personal entre la tradición y lo moderno”, agregó ‘El Río’.

Durante el presente año, espera iniciar una gira nacional que tendrá como primera parada su tierra natal, Bucaramanga.

Tras más de veinte años de trayectoria recorriendo los escenarios, Sharif y Rapsusklei presentan una obra que trasciende lo sonoro; se trata de un viaje introspectivo por la existencia, la memoria y la honestidad de dos voces que han definido la estética de varias generaciones. El disco se compone de diez cortes bajo la producción de Gordo Del Funk y Bombony Montana, logrando un equilibrio entre la lírica profunda y un sonido de carácter atemporal. Las colaboraciones de artistas como Horus, Kyr4, Luís Cortés, Aerstame e Ibzen aportan matices diferenciadores, inyectando frescura y una diversidad de texturas a la arquitectura del proyecto.

Piezas como ‘La Flor en los Escombros’, ‘No Me Hables de Amores’ o ‘Escribir Sobre Fuego’ funcionan como espejos de una madurez creativa evidente. En ellas, los autores despliegan una mirada adulta y reflexiva acerca de su propio legado, ratificando que el rap es capaz de ser simultáneamente enérgico, vulnerable y transparente.

Sharif Fernández Méndez, oriundo de Zaragoza (1980), se ha consolidado en la industria por una escritura poética e introspectiva. Su estilo fusiona la rítmica del género con una marcada sensibilidad melódica y constantes referencias literarias, explorando conceptos como la identidad y la espiritualidad. Por otro lado, Rapsusklei (Diego Gil Fernández) ha edificado una de las carreras más sólidas del ámbito independiente. Su propuesta, cruda y genuina, amalgama la crítica social con los fundamentos de la cultura hip-hop clásica, lo que le ha valido el respeto unánime en el panorama internacional.

Con este lanzamiento, la dupla zaragozana confirma que, tras años de vigencia, su capacidad para conmover y sorprender al público permanece intacta. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, invitando a la audiencia a conectar con la esencia más pura del rap de autor.