La cantautora española presentó ‘Una flor en la luna’, una producción que profundiza en la exploración del amor, la conexión emocional y los cruces culturales entre Europa y Latinoamérica.

El álbum reúne seis canciones originales construidas desde una sonoridad orgánica que mezcla folk-pop latino, flamenco, soul, jazz y músicas tradicionales latinoamericanas. Este trabajo fue producido por Richard Blair y Álvaro Valencia,

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ donde compartió detalles sobre el proceso creativo del disco, su relación con Colombia y la manera en que Bogotá terminó convirtiéndose en un punto central dentro de su identidad artística.

El proyecto fue grabado completamente en Bogotá junto a músicos colombianos bajo una metodología en bloque, en la que todos los intérpretes tocaron simultáneamente. La intención del proceso fue conservar la espontaneidad, la respiración compartida y el vínculo humano en la grabación.

En este nuevo trabajo, el cuatro venezolano ocupa un lugar central en la instrumentación, acompañado por guitarras de nylon, bajo acústico y percusiones orgánicas. Según explicó la artista, el acercamiento a las músicas del llano, la región andina y el Pacífico colombiano terminó transformando el sonido del álbum. “La música, así como el amor, no entiende de territorios”, afirmó.

El nombre ‘Una flor en la luna’ nació durante el proceso de escritura del trabajo, luego de una reflexión alrededor de los amores que parecen imposibles. La artista explicó que la imagen de “una flor creciendo en la luna” terminó convirtiéndose en el símbolo central del proyecto: Una metáfora sobre la esperanza y la posibilidad de creer en aquello que parece improbable.

El disco también expande la idea tradicional del amor romántico hacia otros vínculos afectivos y cotidianos. Las canciones abordan el amor a la familia, la amistad, la música, los lugares y los encuentros humanos.

Nacida en Lloret de Mar, en la Costa Brava del Mediterráneo, Cristina La Mar cuenta con formación en jazz y una maestría en Songwriting de Bath Spa University, en Inglaterra. Su proyecto artístico se ha consolidado entre Europa y Latinoamérica, especialmente en Colombia, donde ha desarrollado parte fundamental de su equipo de trabajo y de su búsqueda sonora.

Fito Páez presentó ‘Shine’, un álbum construido desde las raíces más directas del rock and roll y atravesado por una reflexión acerca de la hiperconectividad, el aislamiento digital y las dinámicas sociales contemporáneas. El trabajo surgió después del accidente doméstico que sufrió el artista en 2024, que lo obligó a suspender conciertos, grabaciones y actividades durante varios meses.

El disco fue desarrollado durante ese proceso de recuperación física y personal. A partir de esa experiencia, Páez construyó canciones enfocadas en la desconexión emocional, la dependencia tecnológica y la necesidad de recuperar espacios de encuentro fuera de las pantallas.

Desde lo sonoro, el álbum retomó la energía más cruda de su rock clásico. La producción incorporó guitarras eléctricas, delays y referencias a los sonidos que artistas como John Lennon y Phil Spector desarrollaron alrededor de las raíces del género. El resultado fue un trabajo directo, potente y cercano a la esencia más pura de Páez.

El lanzamiento tuvo una antesala con el cortometraje ‘Todos los Fitos’, dirigido por José Fogwill. La pieza reunió distintas versiones del músico en un mismo espacio y desarrolló un diálogo entre diferentes momentos de su trayectoria artística. El video expandió el concepto del álbum alrededor del tiempo, la memoria y la reconstrucción personal.

El disco abre con ‘Hablame’, una pieza instrumental interpretada únicamente por Páez al piano, que reapareció en distintos momentos del trabajo como una especie de hilo conductor. La composición funcionó como reflejo del proceso de recuperación física que atravesó el músico tras su accidente doméstico y también se convirtió en uno de los ejes centrales del cortometraje.

A lo largo del álbum, Páez construyó relatos que oscilaron entre lo íntimo y lo social. ‘Girl T. Rex’ presentó una historia urbana sostenida en un ritmo funk, mientras que la canción que da nombre al disco retomó la crudeza del rock de los años setenta para plantear una mirada sobre el mundo contemporáneo. En temas como ‘Nuestro templo’, el músico desarrolló reflexiones alrededor de la soledad, el amor y las formas de habitar el presente.

El tramo final del disco profundizó en una narrativa más introspectiva. ‘Río Místico’ exploró la necesidad de avanzar sin depender de otros, mientras que ‘Las fuerzas armadas del amor’ reconstruyó el accidente que Páez sufrió en Madrid y el proceso emocional que atravesó durante su recuperación. Canciones como ‘Planeta Azul’, ‘La esquina del sol’ y ‘El honor de los lobos’ ampliaron el panorama acerca del paso del tiempo, la resistencia y la memoria personal.

El cierre llegó con ‘Universo’, canción dedicada a Pablo Milanés e inspirada en su legado artístico. Un tema que funciona como una especie de homenaje a la música como punto de encuentro en medio del caos y como una de las piezas más contemplativas del álbum.

Para este 2026, el evento llegará con el concepto ‘Cantoras: arrullo, fiesta y siembra’, una apuesta que busca rendir homenaje al papel de las mujeres dentro de las músicas tradicionales y populares de Colombia y América Latina. El Festival reunirá agrupaciones nacionales, artistas internacionales y proyectos distritales que llevarán al escenario sonidos del Caribe, el Pacífico, los Andes y otras regiones del continente.

Dentro de la programación aparecen nombres históricos que prometen convertir el evento en un recorrido por distintas generaciones y estilos musicales. Entre los invitados estarán agrupaciones como Quilapayún de Chile, la Orquesta de Lucho Bermúdez, Marta Gómez, Martina Camargo, Bejuco y KillaBeatMaker, entre otros artistas que harán parte de esta edición.

El talento bogotano también tendrá un papel importante con proyectos distritales que continúan fortaleciendo la escena musical alternativa y folclórica de la capital. Además de los conciertos, el público podrá disfrutar de actividades culturales, espacios de danza, experiencias gastronómicas y emprendimientos alrededor de la música y las tradiciones.

Esta edición también estará marcada por la reciente partida de Totó La Momposina, una de las artistas más representativas de la música tradicional colombiana y referente mundial de los sonidos del Caribe. Aunque la

programación oficial no ha confirmado un homenaje específico, se espera que durante el encuentro exista algún espacio simbólico o musical para recordar el legado de la cantante, cuya voz llevó las raíces colombianas a escenarios de todo el mundo.

Con más de dos décadas de historia, Colombia al Parque continúa consolidándose como uno de los encuentros culturales gratuitos más importantes de Bogotá y LAUD 90.4 FM ESTÉREO estará presente con un cubrimiento especial a través del dial 90.4 y nuestras redes sociales @laudestereo.

La agrupación colombiana presenta Algo-Rítmico, un álbum que celebra diez años de trayectoria y condensa una década de exploración musical en torno a los sonidos del Caribe colombiano, el rock and roll y las influencias afrodescendientes.

Con este trabajo, la banda propone una reflexión sobre los procesos creativos en momentos de inmediatez digital. El disco parte de la idea de que la música puede ser, al mismo tiempo, una experiencia festiva y un espacio para pensar la identidad, la migración y las formas de habitar el presente.

Los integrantes del proyecto estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde compartieron detalles sobre el origen del álbum y el concepto que atraviesa esta nueva producción.

“Diez años en los que hemos creído en una palabra que mucha gente hoy día le saca el cuerpo y es el proceso”, señaló Pater, fundador y vocalista de la agrupación.

El título juega con la palabra “algorítmico” para plantear una postura crítica frente a la lógica de los algoritmos y la búsqueda de viralidad. La banda reivindica la creación musical como un ejercicio colectivo y sensorial, construido desde la experiencia y no desde fórmulas automatizadas.

La propuesta sonora es definida por la agrupación como “Caribe Rock and Roll”, una mezcla que integra champeta, funk, disco, rock clásico y elementos de la diáspora africana. El resultado es una sonoridad en la que conviven la energía de las guitarras con la cadencia de los ritmos tropicales.

Yoshi, bajista y productor, explicó que el álbum surge como “una respuesta beligerante a la era digital porque queremos volver a lo análogo, a lo real sensorial”.

Las canciones también recogen las experiencias migratorias de sus integrantes, provenientes de Cali, Sincelejo e Ibagué, quienes vieron en Bogotá un punto de encuentro para mezclar sus raíces y construir una identidad sonora propia.

Uno de los sencillos que ya se encuentra disponible es ‘Pa’ Beber’, tema que combina humor y observación cotidiana con una invitación al baile. La canción parte de una idea sencilla: Incluso en medio de las dificultades, siempre existe algo para compartir.

Como parte del lanzamiento, la agrupación apostó por una edición física inspirada en el formato del vinilo. La carátula fue realizada por el artista Daniel Pacheco, quien tradujo visualmente el universo sonoro del disco y su mezcla de Caribe, rock, migración y resistencia creativa.

El cantautor antioqueño Gabo Gallego presenta ‘Entrópico Distópico’, un EP que explora el amor, el paso del tiempo y la búsqueda de sentido a través de una propuesta sonora que combina soul, neo-soul, rock y funk.

Con este trabajo, el músico propone una reflexión acerca de la adultez y los procesos de transformación personal. El disco parte de experiencias autobiográficas y se plantea como una “declaración de independencia existencial”, en la que se cuestionan las ideas preconcebidas sobre el rumbo de la vida y se reivindica la posibilidad de soltar, recomenzar y asumir la incertidumbre.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que el álbum es el resultado de un proceso de maduración musical y personal que recoge más de una década de trayectoria.

“Creería que la palabra clave es maduración (…) Se nota en el camino recorrido en estos 10 o 12 años de hacer música. Este disco se siente como una cosa muy acabada, como el resultado de un proceso bien largo e interesante”, señaló Gallego.

El proyecto solista nació hace tres años, pero su origen se remonta a experiencias previas en agrupaciones del oriente antioqueño como Aikas y Pájaro Toh, en las que el músico exploró sonoridades cercanas al rock latino, el grunge y la música del Caribe colombiano.

‘Entrópico Distópico’ aborda las preguntas que surgen al llegar a los 30 años y revisar las expectativas construidas durante la juventud. Las canciones recorren temas como el amor, el deseo, el cierre de ciclos y la transformación de las metas personales.

“Este disco habla mucho de eso: De qué pasa cuando llegamos a los 30, cómo se han transformado las metas y las ambiciones que teníamos antes”, comentó el artista durante la entrevista. Gallego explicó que la honestidad fue el eje del proceso compositivo y que cada canción parte de vivencias personales con la intención de generar identificación en el oyente.

El EP fue concebido como una obra integral, con una secuencia narrativa que funciona como un viaje emocional. A lo largo de sus cinco temas, el disco transita por distintos momentos de introspección y cambio.

El recorrido inicia con ‘Nómada’, tema central del álbum y focus track, que aborda la necesidad de dejar atrás relaciones y cargas emocionales. Continúa con ‘Un lugar común’, una contemplación de la memoria afectiva; ‘Sin tocarte la piel’, que explora el deseo y la fantasía; ‘Samba mal hecha’, una aproximación al amor desde la ingenuidad y el baile; y concluye con ‘Mixtepec’, una despedida y cierre de ciclo.

El nombre del EP alude a la entropía como metáfora del caos y a la distopía como representación de la incertidumbre humana. Desde esa idea, el proyecto traduce en canciones cinco eventos cotidianos relacionados con el amor, la libertad, el sentido de la vida y el paso del tiempo.

El 19 de mayo de 2026 se apagó la voz de Sonia Bazanta Vides, conocida artísticamente como Totó La Momposina. Su fallecimiento marcó la despedida de una de las figuras más representativas de la música colombiana y de una artista que dedicó su vida a preservar y difundir los ritmos tradicionales del país.

Entre tambores, cantos y memorias del Caribe colombiano, Totó La Momposina construyó una trayectoria en la que la música tradicional se convirtió en un puente entre las raíces culturales y las nuevas generaciones.

Su voz llevó ritmos como la cumbia, el bullerengue, la tambora, el mapalé y el chandé a los escenarios más importantes del mundo, consolidándola como una de las figuras más influyentes de la música latinoamericana.

Más que una intérprete, Totó fue una guardiana de la memoria. Su obra se nutrió de las enseñanzas heredadas por su familia y por las comunidades afrodescendientes e indígenas del Caribe colombiano, de donde recogió cantos, historias y tradiciones que transformó en un repertorio de profundo valor cultural.

En una época en la que el folclor era visto como una manifestación limitada al ámbito regional, Bazanta demostró que esas músicas podían dialogar con audiencias de cualquier lugar. Su presencia en escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina abrió un camino para que la música tradicional colombiana ocupara un espacio destacado en la escena internacional.

Su legado no se mide únicamente por los discos publicados o los reconocimientos obtenidos, sino por la manera en que cambió la percepción de la música de raíz. Gracias a su trabajo, las nuevas generaciones entendieron que el bullerengue y la tambora no pertenecen al pasado, sino que siguen siendo expresiones vivas capaces de dialogar con el presente.

Artistas colombianos y latinoamericanos encontraron en Totó una referencia fundamental. Su obra mostró que la innovación no exige renunciar a la tradición, y que la identidad cultural puede convertirse en una fuente inagotable de creación.

También dejó una lección de dignidad artística. En cada escenario defendió la música popular como una forma de conocimiento, memoria y resistencia. Su presencia recordaba que detrás de cada canción existe una historia colectiva construida durante generaciones.

Su ausencia deja un vacío difícil de llenar en la cultura colombiana. Sin embargo, en cada tambor, en cada rueda de bullerengue y en cada artista que vuelve la mirada hacia las raíces para crear nuevas sonoridades, seguirá presente la huella de Totó La Momposina.

Una canción sobre el impacto de las relaciones narcisistas

‘Fantasma’ aborda las complejas dinámicas de las relaciones interpersonales marcadas por comportamientos narcisistas, ya sea en el ámbito amoroso, familiar o laboral.

A través de su letra y sonoridad, la banda busca reflejar el “infierno” emocional que viven muchas personas al intentar salir y liberarse de vínculos tóxicos, así como las dificultades que enfrentan quienes quedan atrapados en este tipo de relaciones humanas.

La propuesta musical combina una carga emocional profunda con una producción cuidadosamente trabajada, dando vida a una composición que conecta con experiencias cotidianas y realidades difíciles de afrontar.

El sencillo fue grabado en la Ciudad de México, en los estudios del reconocido productor Sergio Silva, integrante de De Alegría, quien además estuvo a cargo de la producción y el proceso de masterización.

Por su parte, la letra fue liderada por los hermanos Herrejón, quienes aportaron una narrativa íntima y reflexiva para este lanzamiento.

Para Pixel, ‘Fantasma’ representa una nueva etapa en su carrera, luego de varios años de trayectoria y dos LPs publicados. “Actualmente hemos apostado por lanzar sencillos, adaptándonos a las dinámicas de consumo de la industria, aunque mantenemos el gusto por los discos tradicionales. Además, este nuevo proyecto hace parte de una búsqueda sonora que refleja nuestra evolución artística. Porque una banda debe ir evolucionando y no quedarse en el mismo punto”, afirmó Marco, en el programa ‘Amates del Círculo Polar’.

Con este trabajo, Pixel continúa consolidando una propuesta artística enfocada en explorar emociones humanas y experiencias personales por medio de la música.

La agrupación invitó a sus seguidores a mantenerse atentos a sus redes sociales y próximos anuncios, donde revelarán más detalles sobre el lanzamiento de su tercer EP y los nuevos proyectos que preparan para el próximo año.

En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, los integrantes expresaron su emoción por visitar Colombia y conectar con nuevas audiencias. “Nos hace mucha ilusión estar en Bogotá. Es una ciudad muy distinta a Barcelona, súper grande, con mucho verde, muy “guay” todo. Hemos conocido gente de aquí y de otros lados, todos muy majos y con música muy chula”, contaron.

El proyecto se mueve desde una visión musical abierta, la electrónica juega un papel fundamental dentro de su identidad sonora. “Vivimos en una época de cambio constante, donde cada día aparecen novedades, y al final la electrónica es algo que se ha instaurado muchísimo en los últimos años. Es un muy buen recurso y tampoco hay que rechazar nuevas ofertas”, explicaron.

Su sonido parte del funk latino, pero evoluciona hacia una mezcla mucho más experimental. El primer álbum tenía una esencia más funk clásica, mientras que su próximo trabajo, ‘Gula’, amplía el panorama sonoro con múltiples influencias.

Precisamente, ese nuevo proyecto toma su nombre de una idea conceptual: La gula como deseo, impulso y hambre constante de experiencias. “‘Gula’ viene de esta necesidad, de estas ansias de comer, pero llevado a diferentes escenarios de la vida cotidiana”, afirmaron los artistas.

El resultado es una mezcla difícil de encasillar: Funk, jazz, soul, R&B, flamenco, comparsa y electrónica conviven dentro de una misma propuesta. “De repente metemos palmas flamencas, jazz, ritmos de comparsa… es un súper mix de todo, pero muy orgánico. Definir el género es complicado y eso hace parte de nuestra identidad: No nos encasillamos”, aseguraron.

La banda está conformada por músicos de distintas nacionalidades y trayectorias. El vocalista y productor del proyecto es Ginope, artista peruano radicado en Barcelona, acompañado por músicos españoles de Barcelona y Zaragoza, una combinación que ha enriquecido naturalmente el sonido del grupo.

En medio de esta nueva etapa, Funky Munchies presenta ‘Ritmo Animal’, el primer sencillo de ‘Gula’, una canción que resume la esencia libre, energética y diversa del proyecto.

Asimismo, la banda llegó al país para participar en BIME, uno de los encuentros más relevantes de la industria musical en Iberoamérica, una plataforma clave para impulsar talentos emergentes y abrir puertas a nuevos mercados internacionales. Su paso por Bogotá no solo les permitió presentar su proyecto ante profesionales del sector, sino también ampliar su alcance y conectar con nuevas audiencias. “Eventos como BIME ofrecen un futuro prometedor y nos permiten darnos a conocer al mundo, cruzar el charco y tocar en otros lugares”, concluyeron.

Con su debut en Colombia, Funky Munchies no solo presenta una nueva iniciativa musical, sino una visión sonora donde la mezcla, el riesgo y la libertad creativa son protagonistas.

Más que un lanzamiento convencional, este disco representa un reto personal para el artista. Durante seis meses, El Santa decidió encerrarse en su propio proceso creativo, construir un estudio en casa y asumir por completo la composición, producción y mezcla del álbum.

El artista nos acompañó en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ y contó que este trabajo surgió como una meta personal ligada incluso a su cumpleaños y a la propuesta de matrimonio a su novia. “Este es un proyecto que empecé hace seis meses más o menos, donde decidí tomar acción sobre mi música de una forma muy independiente, muy personal. Construí un estudio en mi casa para hacerlo y básicamente era hacer la música como yo quería”, explicó.

El resultado fue un disco profundamente personal que, además, nació como un regalo para su prometida. Según contó tomó la decisión de pedirle matrimonio a su novia y encontró en este álbum la mejor manera de expresar ese momento de su vida. “Ella es el brillo de mi vida realmente, fue el motor que hizo que yo me encerrara a hacerle todos esos temas”, relató.

Las siete canciones ‘El brillo de mi vida’, ‘Eres’, ‘Cuentos’, ‘Juntemos nuestra piel’, ‘Bailemos una vez más’, ‘Me gustas’ y ‘El reloj, construyen una especie de ruta emocional donde cada tema representa un momento distinto dentro de una misma historia de amor.

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Uno de los momentos más especiales del álbum llega con ‘El reloj’, el único cover del proyecto y una reinterpretación del clásico bolero de Roberto Cantoral. “Adopte esta canción al sonido del disco porque estaba pensando en un viaje que tiene mi novia y sentía que no quería que ese momento llegara, como queriendo detener el tiempo”, explicó.

Para El Santa, este proyecto también refleja cómo los momentos difíciles pueden convertirse en motor creativo. “El artista compone mucho mejor cuando la vida se le viene encima, cuando hay rupturas, quiebras emocionales o económicas; siempre encuentra la manera de adaptarse y sacar nuevos elementos”, aseguró.

Con este lanzamiento, el artista reafirma su apuesta por una música más personal, alejada de fórmulas pasajeras y enfocada en transmitir mensajes genuinos. “Quiero hacer música como me gustaría escucharla. Este disco es para sentarse, escucharlo con calma, analizar los detalles y conectar con cada sonido”, agregó.

‘El brillo de mi vida’ no solo marca una nueva etapa en la carrera de El Santa como artista independiente, sino que también propone una conversación distinta sobre el amor en la música actual: Menos fugaz, más consciente y dedicado a construir desde la permanencia.

“Este es un disco enfocado en amar a una sola persona, porque creo que amar a alguien es algo muy valioso y es un mensaje que quiero comunicar siempre”, concluyó el músico.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales.

La cantante regresa a la capital con un nuevo show para revivir junto a su público los grandes éxitos que han marcado su trayectoria.

En ‘Música y Músicos de Colombia’ la cantante habló sobre cómo sus canciones todavía acompañan historias de amor, recuerdos familiares y momentos importantes para quienes crecieron escuchándola. Más allá de la nostalgia, Claudia reconoce que existe una conexión emocional que ha logrado mantenerse intacta con el paso de los años, algo que sigue dejando huella en cada concierto y en el cariño constante de sus seguidores.

Uno de los temas más curiosos de la conversación fue justamente el de las redes sociales. Aunque confesó que no es una artista que esté pendiente todo el tiempo de publicar contenido o mantenerse activa digitalmente, sí destacó la fidelidad de su público, que siempre está atento a cada aparición, entrevista o publicación, incluso si pasan meses sin actividad.

Además, Claudia habló sobre el regreso de ‘Los Años Maravillosos’, el espectáculo que comparte junto a Billy Pontoni y Ana y Jaime quienes se presentarán en el Teatro Cafam este 16 y 17 de mayo a las 8:00 p.m. Un reencuentro musical que revive canciones emblemáticas de la Nueva Ola y que promete reunir generaciones alrededor de un repertorio que sigue vivo en la memoria del país.