Desde hace tres décadas Bosa se ha caracterizado por tener uno de los festivales del rock más emblemático entre las localidades de Bogotá, que, si bien comenzó como un evento independiente liderado por los colectivos locales, al pasar el tiempo se adhirió, sin dejar la esencia, a su festival hermano: Rock al Parque. Sin embargo, previo a este, el sector de Bosa-Porvenir se vestirá de música, historias y creación este domingo 28 de junio.

Se trata de ‘Bosa: La escena del Rock’, que celebra 30 años de resistencia, allí confluirán los amantes del género y los apasionados del metal, más bandas distritales e invitados nacionales. “Desde que se creó luchamos para preservarlo, hemos autogestionado los recursos para realizarlo, no hemos parado, ni siquiera en pandemia, por eso la resistencia, además es de resaltar que en la localidad hay un ecosistema alrededor de estos ritmos”, dijo a LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Laura Daniela Patiño, coordinadora del Festival desde ‘La Mesa Local del Rock y Metal’.

El evento fue fundado por la Corporación Intillapa, y cuenta con la colaboración de ‘La Mesa Local’ y ‘FunviRock’, colectivos conformados en los barrios. Para esta oportunidad es impulsado también por la Alcaldía Local de Bosa: “Desde el sector cultura le apostamos a esta iniciativa y contamos con una articulación con Idartes y la Secretaría de Desarrollo Económico”, manifestó por su parte, Daniela Agudelo, coordinadora desde la Alcaldía Local.  

Bandas locales

En total serán ocho bandas locales las que estarán escena, las cuales fueron ganadoras de la convocatoria del Festival donde se presentaron cerca de 30 agrupaciones. Las elegidas son:

Además, estarán dos bandas nacionales, dos Distritales y una invitada especial, a la fecha las confirmadas son: 

•    Dark Wisdom (Distrital) •    Anomia (Cartagena) •    Luciferian (Nacional)

El encuentro contará con la presencia de 50 emprendimientos de la localidad que ofrecerán sus productos alrededor de la cultura del rock de la mano de ilustradores, diseñadores, creadores y artistas. 

El Festival se llevará a cabo en el ‘Parque Metropolitano El Porvenir’ el 28 de junio, de 12:00 m. a 9:00 p.m.

Vea la entrevista completa en este video:

‘Q-Artango’ es la más reciente producción discográfica del bandoneonista y compositor colombiano Giovanni Parra junto al Cuarteto Q-Arte. El álbum presenta un diálogo entre el bandoneón y el cuarteto de cuerdas, incorporando elementos del tango, la música de cámara y sonoridades provenientes de la tradición andina colombiana.

Giovanni Parra habló sobre el proceso detrás de ‘Q-Artango’, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, asimismo recordó que buena parte de su formación artística estuvo marcada por los años que pasó en Buenos Aires, ciudad en la que profundizó en el estudio del bandoneón y el tango. 

Bajo la coproducción musical de Alejandro Sánchez-Samper, el trabajo discográfico presenta una sonoridad que transita entre la tradición y la exploración contemporánea. Aunque parte de elementos asociados al tango, también incorpora recursos propios de la música de cámara y referencias a géneros colombianos como el bambuco y el pasillo.

El repertorio está compuesto por diez obras, nueve de ellas escritas y arregladas por Parra. Entre las piezas se encuentran ‘Tangoni’, ‘Don Gordon’, ‘Astor’, ‘Bambuquilia’ e ‘Ivansillo’, además de adaptaciones de trabajos anteriores como ‘Milonguín’ y ‘Bogotá-Buenos Aires’. El recorrido concluye con ‘Q-Artango’, composición que da nombre al álbum y que fue creada especialmente para este formato instrumental.

En la construcción sonora del proyecto, el Cuarteto Q-Arte desempeña un papel fundamental. Integrado por Santiago Medina, Liz Ángela García, Sandra Arango y Diego García, el ensamble establece un intercambio constante con el bandoneón, distribuyendo las líneas melódicas entre todos los instrumentos y alejándose de las jerarquías habituales dentro del cuarteto de cuerdas.

La colaboración entre ambas partes surgió a partir de una invitación realizada por el Cuarteto Q-Arte para interpretar algunas composiciones de Parra. Lo que inicialmente contemplaba unas pocas obras terminó convirtiéndose en una producción completa centrada en su trabajo como compositor.

Tanto el cuarteto como el bandoneonista comparten una trayectoria vinculada a la exploración de nuevas posibilidades dentro de la música latinoamericana. Mientras Q-Arte ha desarrollado proyectos enfocados en la música contemporánea, la creación de repertorio y la formación de públicos, Parra ha consolidado una carrera dedicada al diálogo entre el tango, la música andina colombiana y los formatos de cámara.

‘Q-Artango’ se encuentra disponible en plataformas digitales y contará con edición física en formato CD.

Bogotá será el escenario del gran cierre de ‘Historias que Cantar’, la primera gira nacional del artista independiente Diego López, quien tendrá dos presentaciones especiales esta semana en el marco de las celebraciones por la diversidad y la inclusión en la capital. 

El recorrido, que llevó su música por ciudades como Medellín, Cali, Pereira, Armenia y Manizales, llegará a su punto culminante con una presentación en el Festival por la Igualdad de La Fuga el 26 de junio y, dos días después, con un concierto en la Plaza de Bolívar durante la conmemoración de los 30 años de la Marcha Distrital de la Igualdad. 

Lo que comenzó como una apuesta artística independiente se ha convertido en un proyecto que gana cada vez más fuerza dentro de la escena musical colombiana. Con ‘Historias que Cantar,’ Diego López ha conectado con el público a través de canciones que hablan del amor, la memoria, la pérdida, la esperanza, la diversidad y la resiliencia, temas que atraviesan experiencias cotidianas y generan una conexión emocional con quienes lo escuchan. 

La presentación en la Plaza de Bolívar tendrá un significado especial. Además de marcar el final de la gira, el artista será el encargado de cerrar una de las celebraciones ciudadanas más importantes del país, un evento que durante tres décadas ha promovido el respeto, la inclusión y la libertad de expresión. 

Uno de los elementos más llamativos de sus conciertos es la presencia de ‘La Secta’, un coro góspel conformado por cantantes con amplia experiencia coral, que acompaña al artista en varias de sus presentaciones y aporta una fuerza vocal poco común en la escena nacional. Este formato también quedó plasmado en las Soul Sessions, una serie de grabaciones en vivo que han sido bien recibidas por el público y que muestran una faceta más íntima y poderosa de su propuesta artística. El propio cantante define su estilo como “Soul Rock pa’ curarse el alma”, una fórmula con la que ha construido una identidad propia dentro del circuito independiente nacional. 

En los últimos años, la carrera de López ha tenido un crecimiento constante. Fue invitado como solista por la Orquesta Sinfónica de Bogotá, se presentó en escenarios emblemáticos como el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, participó en importantes mercados musicales del país y agotó varias fechas de sus primeras giras nacionales.

Además de las canciones que integran ‘Historias que Cantar’, el artista ha lanzado sencillos como ‘Ya No Queda Nada’, ‘Privilegio y Rabia’, temas que reflejan distintas facetas de su universo creativo, desde las historias de amor y desamor hasta reflexiones sobre la realidad social y la necesidad de dar voz a quienes suelen permanecer invisibilizados.

Estas presentaciones tendrán un significado especial no solo para el cantante, sino también para quienes han seguido su evolución artística. Más que el final de una gira, será la celebración de un proyecto musical que ha crecido desde la independencia, apostándole a la autenticidad, las emociones reales y el poder de las historias cantadas. Con miles de asistentes esperados en la Plaza de Bolívar, Diego López se prepara para vivir una de las noches más importantes de su carrera y confirmar por qué es una de las voces con mayor proyección de la música colombiana actual.

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Existe una planta mágica que crece en la ciudad, sorprendentemente sobrevive al ruido y reverdece en medio del concreto. Su nombre es ‘Tensión Flora’ y representa un sueño musical nacido en 2023, que tiene como objetivo transformar las contradicciones de la vida urbana en melodías cargadas de honestidad, resiliencia y sensibilidad.

Desde Quito, Paulo López, Santiago Jarrín, José Álvarez ‘Simba’ y Keer Castillo han construido una propuesta que mezcla el pop-rock con influencias que van desde Fleetwood Mac y The Killers hasta Beck y Prince. Un proyecto que nace de la necesidad de contar su propia versión de las calles, las relaciones rotas y la constante ambivalencia entre lo que se siente y lo que se demuestra.

“Desde el inicio nos vimos impulsados a construir una hermandad que nos mantiene muy unidos fuera del escenario. Poner sobre la mesa lo que somos nos permitió comprendernos mejor, alinearnos en la composición y trabajar con las emociones más expuestas. Además, grabar, producir y presentarnos en vivo ha implicado sortear toques de queda y confrontar un entorno marcado por la inseguridad”, contó el guitarrista Santiago Jarrín en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una razón para quedarse: El cierre de una relación tóxica con ‘Tanta Miel’

En su más reciente sencillo, la banda aborda la sensación de querer irse, pero quedarse atrapado por aquello que resulta lo suficientemente “dulce” o atractivo para no soltar. Una exploración de la dependencia emocional y de vínculos que pueden volverse nocivos. 

Por medio de la canción presentan al público una profunda reflexión: El desprendimiento de todo aquello que aprisiona, no solo en el plano afectivo, sino también frente a estructuras sociales que pueden discriminar, criminalizar y ejercer violencia.

“‘Tanta Miel’ es ese momento en el que uno se engolosina con alguien o con algo y, aun sabiendo que no conviene, le cuesta mucho dejarlo. Es la historia de una ruptura atravesada por esa sensación de atracción que atrapa y confunde, como algo que parece muy hermoso al inicio, sin embargo, que con el tiempo termina rompiendo y fracturando por dentro”, agregó el vocalista Paulo López.

Esta producción abre paso al primer LP de Tensión Flora, un trabajo compuesto por seis canciones que abordan temas como la injusticia, la vida urbana y las relaciones humanas desde una mirada profundamente personal. A la lista se unen títulos como ‘Pa Probar’, ‘Baile de Miradas’ y ‘El Delito’.

La magia de las calles empedradas, el legado colonial y la imponente presencia del macizo de Iguaque vuelven a abrirse al mundo, esta vez al ritmo del ‘VillaJazz Fest’, un encuentro que, más allá de los conciertos, propone una pausa al ruido cotidiano para reconectar con la esencia, el arraigo y la relación con el territorio a través de los sonidos.

Bajo el lema ‘Volver al Origen’, la decimosexta edición del Festival presenta la ‘Ruta de los Sentidos’, una nueva experiencia que expande la música más allá de la Plaza Mayor. Hoteles, bares y restaurantes se convertirán en anfitriones e invitarán al público a disfrutar de una serie de aromas, sabores y conciertos íntimos.

“En esta oportunidad contamos con una franja académica muy interesante, además vamos a entregar unas becas de estudio. Se contará también con la participación de músicos de Colombia, México y Chile. La invitación es a aprovechar el puente festivo y descubrir un género que va más allá de lo tradicional”, contó Arián Cuervo, líder del evento en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este escenario reunirá agrupaciones como ‘La Pintana’ de Chile; la Big Band de la Universidad Sergio Arboleda; la Big Band del Teatro Colsubsidio-EMMAT y la Big Band EFAT de Tocancipá.

El concierto de inauguración tendrá lugar el viernes 26 de junio en el Claustro de San Francisco. La noche de apertura estará a cargo de Electrik Combo de Tunja y el quinteto del guitarrista chileno Felipe Duhart. A la lista, se suman artistas nacionales e internacionales como Irene Albarrán, Melei, Frailejón, Daliah y Byron Sánchez (BS4TO).

“La invitación más importante es para quienes todavía no conocen este género. Lo que hicieron los grandes maestros del jazz ya está escrito, pero nuestra mayor fortaleza está en los ensambles que traemos desde Colombia. Ahí es donde realmente podemos enriquecer este lenguaje y aportar algo distinto”, agregó Cuervo.

Previamente, los días 24 y 25 de junio, se desarrollará un Bootcamp de alta formación que abordará tres ejes fundamentales: Interpretación, producción e industria de la música. Además, la agenda académica y comunitaria se complementará con talleres de canto,

franjas didácticas para niños y jam sessions. Para conocer más información visite las redes sociales @villajazzfest.

La búsqueda artística de La Zorra Zapata ha estado marcada por el cambio, la exploración y la reinvención. Lo que comenzó como un camino ligado a las artes visuales terminó encontrando en la música un espacio para desarrollar una propuesta propia que hoy la ha llevado a recorrer escenarios de distintos países y a consolidar una identidad sonora construida desde la experimentación y la sensibilidad. La cantante estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre su trayectoria, su proceso creativo y los proyectos que acompañan el momento actual de su carrera.

Detrás de La Zorra Zapata se encuentra Nuria Zapata, una artista que durante varios años desarrolló su trabajo en disciplinas como las artes plásticas y la creación editorial. Sin embargo, una inquietud constante por la música terminó impulsándola a dar un giro a su carrera y comenzar un proceso de aprendizaje que la llevó a la composición, la producción y la interpretación musical.

Ese cambio tomó forma en 2020, un periodo que se convirtió en un punto de partida para la construcción de su proyecto artístico. Desde entonces, ha desarrollado una propuesta que combina elementos del folk, la electrónica y el pop alternativo, mientras construye canciones atravesadas por la observación, las emociones y las experiencias personales.

Esa mirada se refleja en ‘I Love You Baby’, su más reciente proyecto discográfico. El álbum reúne una serie de canciones que exploran diferentes facetas del amor romántico, abordando temas relacionados con el enamoramiento, la pérdida, la dependencia emocional y las contradicciones que suelen acompañar las relaciones humanas.

Uno de los adelantos de este trabajo es ‘Amor Completo’, una reinterpretación de la canción original de Mon Laferte. La versión propone una nueva lectura sonora de la obra, transformando su estructura musical para llevarla hacia territorios más íntimos y experimentales, sin perder la carga emocional que caracteriza al tema.

Su trayectoria ha estado acompañada por un constante intercambio cultural. Aunque se reconoce profundamente vinculada a Perú, la artista ha desarrollado gran parte de su carrera entre distintos países de América Latina, una experiencia que ha enriquecido su visión artística y que se refleja en una propuesta donde conviven influencias, sonidos y referencias provenientes de diferentes lugares de la región.

En los últimos años, su trabajo ha alcanzado una mayor visibilidad dentro del circuito musical independiente. Ha realizado presentaciones en diversos escenarios internacionales, participado en encuentros especializados de la industria y desarrollado colaboraciones con artistas y productores de distintos países, consolidando una carrera que continúa expandiendo sus horizontes.

Más allá de su carácter llamativo, el nombre del proyecto siempre ha causado revuelo entre sus seguidores, Nuria explicó que la elección responde a una intención de resignificar palabras y generar reflexiones sobre los significados que adquieren ciertos términos dentro de la cultura popular y el lenguaje cotidiano.

Lejos de detenerse, La Zorra Zapata continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, convirtiendo cada viaje, encuentro y emoción en parte de una propuesta musical en constante transformación.

La banda continúa presentando nuevos temas de su nuevo proyecto ‘DUAL’ con dos composiciones que abordan emociones asociadas al agotamiento mental, la evasión de la realidad y la necesidad de procesar experiencias difíciles.

Droide nació en 2012 en Cúcuta, cuando Sebastián Castillo y Manuel Torres coincidieron en el colegio y descubrieron una afinidad común por el rock. Esa conexión los llevó a formar una banda, a escribir canciones originales y a desarrollar un proyecto musical que años después encontraría en Medellín un escenario para consolidarse.

Sus integrantes estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de la banda, su proceso creativo y las historias detrás de sus más recientes lanzamientos, además de cómo sus primeras composiciones surgieron en la adolescencia y cómo estas fueron evolucionando junto con ellos hasta convertirse en las canciones que hoy integran su primer trabajo discográfico.

La música de Droide surge como una herramienta para expresar sentimientos difíciles de comunicar por otros medios. Influenciados por agrupaciones como Soda Stereo, Radiohead, Pink Floyd y Nirvana, los integrantes han construido un sonido que combina distintos matices del rock alternativo mientras explora temas relacionados con la nostalgia, la ansiedad, la incertidumbre y la búsqueda de identidad.

Entre sus lanzamientos recientes se encuentra ‘Viajando a la Luna’, una canción que plantea la idea de escapar de una realidad compleja cuando resulta difícil de soportar. La composición funciona como una metáfora de la disociación emocional y está acompañada por una atmósfera sonora marcada por elementos espaciales y nostálgicos.

Por su parte, ‘Aléjate’ explora el cansancio emocional provocado por las exigencias de la vida cotidiana. La canción retrata sensaciones de sobrecarga relacionadas con situaciones familiares, académicas o laborales, apoyándose en guitarras distorsionadas y ritmos acelerados para transmitir una sensación constante de tensión y búsqueda de escape.

Ambos sencillos forman parte de ‘DUAL’, el primer álbum de larga duración de la agrupación. El disco toma su nombre de la dualidad presente en sus canciones, donde conviven momentos de calma y fragilidad con pasajes de mayor intensidad sonora. La producción reúne composiciones desarrolladas a lo largo de los años y refleja la evolución artística que la banda ha experimentado desde sus inicios.

La propuesta también se extiende al terreno audiovisual. El videoclip de ‘Viajando a la Luna’, realizado por Johan Alzate y Daniel Barrera, presenta una historia de desamor y duelo construida a partir de la interpretación personal que los realizadores hicieron de la canción. A su vez, ‘Aléjate’ cuenta con una mirada visual minimalista centrada en la idea de una huida constante.

‘Lo que quiero recordar’ es un EP que reúne cinco canciones atravesadas por la memoria, los afectos y la influencia de las raíces familiares en la construcción de la identidad. A través de este trabajo, la cantautora Mari Angarita explora los recuerdos que han marcado su vida personal y artística, incorporando elementos de la música colombiana dentro de una propuesta cercana al pop contemporáneo. La artista estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde compartió detalles sobre el origen de este lanzamiento y las experiencias que dieron forma a sus composiciones.

El proyecto surgió a partir de composiciones creadas en distintos momentos que, con el tiempo, comenzaron a revelar una conexión común relacionada con la familia, el territorio y la memoria.

Este trabajo musical representa un acercamiento a los lugares donde nació su relación con la música. Nacida en Pereira, Angarita creció en un entorno lleno de tradición musical estuvo presente desde la infancia gracias a la influencia de su abuela, cantante y guitarrista. “Empecé cantando en una fundación de bambuco y ahí empezó a crecer también mi amor por la música andina colombiana”, contó Angarita.

Esa relación con la música tradicional colombiana se refleja en varias de las composiciones que integran el trabajo discográfico. El proyecto funciona además como un homenaje a los espacios y experiencias que acompañaron sus primeros años. “Creo que sin darme cuenta, es como un tributo a donde todo empezó, a mis raíces, a Pereira, al café, a la finca cafetera de mis abuelos”, señaló.

La propuesta además incorpora una reflexión sobre el bienestar emocional y la necesidad de detenerse en medio de las dinámicas aceleradas de la vida cotidiana. Temas como la ansiedad, la sobreestimulación digital y la importancia de reconocer las emociones aparecen de manera recurrente dentro de las canciones.

Esa mirada tiene una presencia especial en ‘Días tristes’, una de las composiciones más recientes de la artista. La canción plantea una invitación a habitar las emociones difíciles y asumirlas como parte de los procesos personales. “¿Qué tal que lo que tú necesitas es llorar? Buscar a alguien que te pueda abrazar, buscar a alguien que te pueda ayudar”, expresa la letra.

Asimismo, la influencia familiar ocupa un lugar central dentro de la narrativa del trabajo discográfico. El respaldo recibido por parte de sus padres y abuelos durante su formación artística aparece como uno de los elementos que impulsaron su desarrollo musical. “Tuve la ventaja de siempre recibir ese apoyo tanto de mis padres como de mis abuelos”, concluyó la cantautora.

A través de ‘Lo que quiero recordar’, Mari Angarita vuelve la mirada hacia los recuerdos familiares, los lugares de su infancia y las experiencias que han acompañado su camino musical.

Un universo de posibilidades melódicas, fuelles que se encuentran, dialogan y respiran juntos. Así nace ‘Fueyerías’, una palabra creada por el músico argentino Pablo Jaurena que evoca una reunión, un escenario de intercambio, búsqueda y juego entre bandoneonistas.

Bajo este concepto nace un álbum poco habitual que reúne dúos y sextetos en un repertorio que entrelaza historias, estilos y territorios. Grabado en ciudades como Buenos Aires, Córdoba, Medellín, París, Madrid y Tokio, el proyecto articula generaciones de músicos que van desde los 22 hasta los 90 años.

“Durante mucho tiempo crecí con la idea de que el tango era una música del pasado, hasta que logré correr ese velo y descubrí una riqueza inmensa. Ahí comenzó un enamoramiento absoluto con el bandoneón y desde entonces no me separé nunca más de él”, contó Jaurena en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La producción reúne a 31 bandoneonistas de cinco países y tres continentes, junto a tres invitados especiales en el contrabajo, para un total de 34 músicos. Hacer posible estos encuentros implicó un recorrido de más de 84.000 kilómetros y más de 34 vuelos durante dos años y medio.

Es así como el son de la milonga se mezcla con la añoranza y la pasión, dando vida a un repertorio que se despliega en tres grandes ejes: El rescate histórico de obras inéditas o ausentes de los estudios de grabación durante décadas; nuevas composiciones concebidas especialmente para este proyecto; y versiones renovadas de clásicos que, hasta ahora, no habían sido registrados.

“Hubo obras que esperaron más de medio siglo para volver a sonar. Me emociona profundamente que una de las composiciones del álbum esté dedicada a Colombia. ‘Paisaje Cafetero’ es un diálogo entre el bambuco colombiano y el folclore argentino, grabado junto a músicos de Bogotá y Medellín”, puntualizó el artista.

Con producción general de Pablo Jaurena y coproducción de Ignacio Varchausky, ‘Fueyerías’ también se destaca por su dimensión investigativa y pedagógica, consolidándose como material de referencia para futuras generaciones de músicos y estudiosos del género.

“Bailar es el acto más subversivo contra la tristeza”, bajo esta premisa se mueve Lika Nova, una banda colombiana de pop y rock alternativo formada en Bogotá en 2016, que se ha abierto camino en la escena musical gracias a una propuesta innovadora que fusiona el indie con la fiesta y la emoción.

Su década de trayectoria la ha convertido en un referente para las voces juveniles y emergentes. Este año la agrupación regresa con ‘Juegos Peligrosos’, un álbum que revela una faceta sonora más madura que gira en torno a las complejidades del amor, el desamor y las situaciones impredecibles de la vida cotidiana.

“Somos una banda de guitarras y venimos del rock, pero nunca hemos tenido miedo de explorar. Nos encanta escuchar lo que está pasando en el mundo y por eso decidimos acercarnos al synth-pop, al funk y a los sonidos disco. El amor, las relaciones y las decisiones cotidianas son como pasar un videojuego en modo legendario: Nunca sabes cómo van a terminar las cosas”, contó el guitarrista Brian Coronado.

¡Las nuevas voces se toman el escenario!

El nuevo comienzo de Lika Nova llega acompañado de la tercera edición del ‘Festival Nuevas Voces’, un encuentro que reunirá música, feria de emprendimientos locales, experiencias culturales y una variada propuesta gastronómica. Además de celebrar los sonidos independientes, el evento abrirá espacios de conversación sobre salud mental y bienestar emocional en las industrias creativas de la mano de ‘M3NTE COLECTIVO’.

El cartel de este año reúne una amplia diversidad de géneros que van desde el indie rock, la electrónica y el synth pop, hasta la psicodelia, el funk, la salsa y otros ritmos experimentales y latinoamericanos. La programación incluye a agrupaciones como Margarita Siempre Viva, Ácido Pantera, La Farmakos, Pablo Watusi y Entreco.

“Ser parte de ‘Nuevas Voces’ también es una responsabilidad. Queremos representar a Bogotá con proyectos serios y creativos, pero, sobre todo, demostrar que la escena crece cuando las bandas se apoyan entre sí y comparten espacios como este”, agregó el músico.

El Festival producido por Compensar en alianza con la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá, se llevará a cabo el próximo sábado 20 de junio, en la sede de la Av.68. Para conocer más información visite el siguiente link.