Desde 1993, DJ Mad Pee ha recorrido Nueva York tras las huellas de los productores y artistas que transformaron el hip hop y llevaron su influencia a la industria musical mundial.

Apasionado por los sintetizadores, las letras conscientes y el sonido de Queensbridge, este artista venezolano ha construido una trayectoria ligada a las raíces del género y su desarrollo en Latinoamérica.

Durante una visita a los cinco boroughs o distritos de Nueva York, Mad Pee conoció a DJ Kool Herc, pionero del hip hop. De manera espontánea, este lo llevó por el Bronx y compartió con él anécdotas y memorias de una cultura que inspiraría su proyecto más ambicioso: ‘The Masterpiece’.

“Como inmigrante, el reto ha sido reinventar un sonido que creé en Venezuela, a partir de nuestra propuesta folclórica, conservando su esencia y transformándola a través del boom bap. Hoy, el sonido de Queens es el que realmente me define”, destacó el DJ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘41ST Side Tales’: La puerta de entrada a una nueva etapa

Uno de los temas que define el universo del álbum reúne a Lil Supa y PNO, integrante de Tres Coronas. Creado en noviembre de 2025 y publicado el 6 de febrero de 2026, la canción toma como referencia las producciones de Havoc, de Mobb Deep, y recoge influencias musicales de Minnie Riperton y Stevie Wonder para recrear la atmósfera de Queens durante la época dorada del género.

El videoclip se rodó en Brooklyn, Nueva York, en Santa Salsa, espacio de HASE, pionero del movimiento venezolano, y en las calles aledañas.

‘The Masterpiece’ está pensado como una experiencia sonora que se disfruta de principio a fin, siguiendo la secuencia elegida por su creador. En plataformas digitales, el trabajo reúne 22 canciones, mientras que su edición en vinilo se presenta en dos entregas: Parte I y Parte II.

En el corazón de San Cristóbal, corregimiento de Medellín, hay una montaña que La Suzy llama “mágica”. Allí, entre guitarras, tiples y el sonido de la naturaleza, creció una artista cuya historia ha estado ligada a la música desde pequeña.

Durante dos décadas, ha recorrido escenarios de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Vivió en Los Ángeles y participó en proyectos musicales junto a figuras como Gloria Trevi, Ricardo Arjona y Estados Alterados. Sin embargo, detrás de las giras también hubo un desgaste físico que la obligó a detenerse, dos cirugías marcaron un punto de inflexión y la llevaron a replantear su rumbo profesional.

“La primera vez que vi instrumentos, me enloquecí, salté directamente encima de ellos y desde ahí empecé a estudiar. Nunca me he podido apartar, todos los días duermo con mi guitarra y siempre estoy cazando letras y melodías. Ahora, hacer mi propia música es lo más fácil y provechoso para mí, porque antes intenté muchas veces trabajar con otras personas sin llegar realmente al sonido que tenía en mi mente”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Este amor’: El primer paso hacia su propia voz

Con la nostalgia sonora de los años setenta, ‘Este amor’ combina matices del soul y el blues para explorar las relaciones humanas, donde las diferencias y las visiones opuestas también pueden encontrarse en torno a un mismo propósito.

La Suzy demuestra su versatilidad al componer, cantar y producir el tema, además de grabar las guitarras, baterías, percusiones, pianos, órganos y bajos. La producción se realizó en La Finca Estudio, en Santa Elena, corregimiento ubicado al oriente de Medellín.

“Yo iba a lanzar una canción de rock and roll, ya teníamos el video listo, pero mi mamá falleció. Alcancé a mostrársela y le gustó mucho; me dijo que tenía algo especial. Después, sentí que me decía: ‘Mija, empiece con esa canción’. Entonces detuve todo y decidí grabar con esa carga emotiva, como una forma de liberar lo que llevaba dentro”, agregó la cantautora.

La masterización estuvo a cargo de Dave Kutch en Estados Unidos. El ingeniero, nominado en 14 ocasiones a los premios Grammy, ha trabajado con artistas como Alicia Keys, The Weeknd, Billie Eilish, Ozzy Osbourne, Juanes, Calvin Harris y Justin Timberlake, entre otros.

Ahora La Suzy, espera seguir incursionando en el poder femenino a través del rock, blues y soul en español, sostenido por una interpretación vocal poderosa y una producción que privilegia lo analógico sobre lo digital.

Para Quique Neira, referente del reggae latinoamericano y exvocalista de Gondwana, ‘Lo que no vivimos’ surgió de una experiencia personal: La muerte de su padre y las emociones que acompañan la ausencia.

El artista contó que la melodía apareció mientras dormía, aproximadamente dos semanas después del fallecimiento de su papá. Al recordar aquel momento, compartió una frase que refleja el significado que le atribuye a la composición: “Creo que mi papá vino a cantarme”.

El sencillo se estrenó el 20 de mayo de 2026, fecha que coincidía con el cumpleaños de su padre. Así, la música se convirtió en una manera de reconocimiento y de poner en palabras aquello que, en ocasiones, queda pendiente entre padres e hijos.

La experiencia, además, lo llevó a reflexionar sobre el tiempo compartido con la familia. Por eso, Neira dejó una invitación a sus seguidores: Aprovechar los momentos con sus seres queridos y expresar el afecto mientras existe la oportunidad de hacerlo.

‘Lo que no vivimos’ también reúne a músicos de diferentes trayectorias. La canción cuenta con la participación del cantautor peruano Gian Marco, ganador de un Grammy, y de I-Locks Labbé, fundador y bajista de Gondwana.

Esta última colaboración tiene un significado especial, representa el primer trabajo en una composición original entre Neira y Labbé después de más de dos décadas. La grabación también incluye a Baltazar, hijo del cantante, en el bajo, un detalle que conecta el homenaje con los vínculos familiares del propio artista.

El encuentro musical se produjo en medio de una etapa de acercamientos entre Neira y sus antiguos compañeros de Gondwana, agrupación con la que dejó una huella en el reggae en español.

En septiembre de 2026, el sencillo sumó un videoclip oficial que amplía el universo de esta composición. La pieza audiovisual tuvo una presentación previa durante el concierto de reencuentro de Quique Neira y Gondwana, realizado el 5 de septiembre en Chile.

Pay Compay y Lili Jiménez desarrollan una propuesta musical que conecta las sonoridades tradicionales andinas y latinoamericanas con influencias contemporáneas. A través de la composición, la producción y la interpretación vocal, el proyecto reúne experiencias individuales y elementos culturales del sur de Colombia para construir un repertorio que aborda la identidad, los afectos y las formas de comprender la vida.

Rafael Majín, conocido artísticamente como Pay Compay, y la cantante Lili Jiménez estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de su colaboración, las influencias que atraviesan su música y el proceso creativo de un EP que reúne canciones inspiradas en sus experiencias y en su relación con el territorio.

El sencillo une ritmos como el bambuco y el huayno con otros sonidos latinoamericanos, entre ellos la bossa nova. A estas influencias se suman las trayectorias individuales de sus integrantes, vinculadas a la música folclórica, la producción y otros géneros contemporáneos. El resultado parte de un diálogo entre distintas expresiones musicales, con una búsqueda artística relacionada con las raíces de los pueblos Yanacona y Nasa del Cauca.

La propuesta surgió del encuentro entre Majín y Jiménez después de varios años de trabajo individual. La conexión responde a intereses compartidos alrededor de la música y el sentir indígena. Para Jiménez, esta colaboración representa la posibilidad de abordar temáticas relacionadas con la vida, el amor y su identidad cultural. “Yo he estado en otros temas, como otro tipo de géneros, popular, más temas comerciales, pero la verdad siempre he querido hablar de la vida, del amor, del sentir Nasa”.

El proceso creativo también encuentra inspiración en las vivencias del entorno. Las letras recogen observaciones sobre la realidad social y cultural del sur del país, así como reflexiones que trascienden las experiencias individuales. Esta relación con el territorio se manifiesta tanto en las composiciones como en las decisiones sonoras y audiovisuales que acompañan el proyecto.

Dentro de este repertorio se encuentra ‘¿Cómo va la vida?’, un tema que plantea una reflexión en la manera en que las personas se relacionan con el mundo y afrontan las circunstancias de la vida cotidiana. Además, propone una pregunta acerca del comportamiento humano en una época marcada por situaciones complejas y busca transmitir un mensaje de tranquilidad a través de la creación artística.

La canción hace parte de una búsqueda musical en la que las raíces culturales adquieren un papel central. Desde esta perspectiva, la música se convierte en un espacio para explorar el sentir, reconocer las experiencias propias y mantener un vínculo con los conocimientos y las formas de comprender el mundo que provienen de lo ancestral.

La colaboración entre Pay Compay y Lili Jiménez se extiende al campo audiovisual. Entre sus experiencias se encuentra la realización de un videoclip que llegó a la etapa de finalistas de SmartFilms 2026. La producción se desarrolló con recursos propios y el apoyo de familiares, con grabaciones en Huachicono y Río Blanco, en el Cauca. El proceso integró el paisaje y los espacios de la región como parte de la construcción visual de la propuesta.

Para empezar, la Batalla Internacional Vía Alterna mantiene su poder de convocatoria a lo largo y ancho de América Latina y, los ganadores ‘Los más buscados Crew’ desde Costa Rica, dan cuenta de ello. En entrevista para LAUD 90.4 FM ESTÉREO manifestaron que “es el evento con más convocatoria de gente en una categoría de Breakin’” y consideran que es una gran hazaña tener en su currículo haber sido los ganadores de la versión 2026. Una Generación Hip Hop que mantiene la lealtad a los principios del Hip Hop y sus elementos.  

En cuanto al elemento del Dj, principio fundamental de este movimiento, la convocatoria da como resultado la selección de Dj Revueltaz, Dj Skratch, Dj Huex y Dj Karl, quienes demostraron porque sin DJ no hay Hip Hop. En la misma línea de la producción musical y como uno de los elementos fundamentales del Hip Hop los invitados por cortesía de la Alianza Francesa ‘Potsikei’, dúo francés conformado por Orfey, campeón francés de Beatbox en 2020, y Maass, productor musical con sintetizadores analógicos y samplers electrónicos dieron una gran sorpresa. Su puesta en escena reafirma que aun en tiempos en los que la inteligencia artificial se ha tomado los escenarios de la producción musical, la Generación Hip Hop rescata el papel del cuerpo y las apuestas creativas en escenarios analógicos. 

Por otro lado, los cuatro ganadores en la categoría graffiti demostraron porque Bogotá es una referencia a nivel mundial en este arte. Los crews ganadores fueron: Golden Caps (primer lugar) con la propuesta 'Calle, Hilo y Ritmo', Estilo Concreto con la propuesta 'Power Moves', Blur Concept con la propuesta 'Máster' y Rudas Gang con la propuesta 'Disonante'. Sus integrantes estuvieron durante el fin de semana del Festival en las plataformas destinadas para tal fin, demostrando que la Generación Hip Hop es también arte, color y vida. 

Dentro de los ocho ganadores de la convocatoria en el elemento MC, la presencia de Chelo Hop con una puesta en escena impecable mezclando elementos del Hip Hop con una apuesta teatral, Rolls the Voice conocidos como “la banda más parada del rap bogotano”, Kain Amnistia haciendo gala de fraseos contundentes y elementos teatrales para demostrar las posibilidades creativas del rap que se hace desde las calles de Bogotá. Así mismo, los invitados nacionales con el aporte de Lianna y una cuota femenina que contó entre otras con Mary Hellen, Selene, Dj Lolita y la grata sorpresa de Briela Ojeda. Por el lado de Cali, el invitado Izla demostró el Flow característico de la capital del Valle del Cauca acompañado de uno de los Dj’s y productores más destacados del rap caleño ‘Caresucio’ de la agrupación La Gran Hambruna. Una vez más la Generación Hip Hop reafirma su característica de multiculturalidad, ritmo e hibridez. 

La cuota internacional aporta la presencia de Da Guedes, de Brasil, una banda legendaria que sigue consolidando la relación con el hermano país más allá de las fronteras políticas e ideológicas. Rah Digga y Rampage de la Flipmode Squad, hicieron lo suyo desde las calles de Brooklyn recordando varios de sus clásicos en la tarima del Simón Bolívar. Una Generación Hip Hop que no tiene fronteras de idiomas. 

Por último, el invitado distrital, Alí a.k.a Mind dejó el que tal vez sea el show más importante de todo el festival. Desde sus orígenes con Capital Special, hasta su más reciente lanzamiento con Marco Polo y Masta Ace, Alí es tal vez el artista más influyente de los últimos años en la escena del rap Bogotano. Un show cargado de energía, recordando aspectos como la importancia de cuidar la salud mental, la influencia de las redes sociales y las fake news y, el orgullo de ser rolo con otro gran invitado capitalino, el artista Realidad Mental. 

Además de lo anterior, Alí utilizó el rap para hablar de los aspectos coyunturales en el orden político de Macondo – como referenció a Colombia en su show – acompañado de los coros que se repitieron en diferentes momentos durante todo el festival. Para los asistentes al evento y para el rap de la ciudad es un momento épico que no se volverá a repetir ya que el artista manifestó que era su última presentación en Hip Hop al Parque. Una Generación Hip Hop que va de la política a la cultura, que captura las esperanzas, ambiciones y temores, más allá de lo que diga el canon del arte y la industria de la música. 

La Generación Hip Hop convocada en el pasado fin de semana le dice a la ciudad y al país que lo importante no es la ostentación ni ser mejor que el otro, sino la relación entre nosotros y conectarse con el mundo. Al final, el Festival Hip Hop al Parque no alcanza a abarcar la diversidad y magnitud del movimiento en la ciudad y porque no, en el país. Se trata del Festival de Hip Hop gratuito más grande de América Latina, muchos artistas en otros países lo ven como una plataforma para impulsar sus carreras y aún en la ciudad, los grupos y artistas del Hip Hop trabajan arduamente para dar a conocer lo que se hace desde las calles y los barrios de la ciudad. 

Por: Cerbero Nativo a.k.a José Luis Pérez Romero

Vea el cubrimiento completo del Festival aquí. 

Los próximos 7 y 8 de noviembre la capital colombiana será escenario de una importante encuentro de tradición, folclor e identidad rural con la primera edición del Festival Carranguero de Bogotá 2026. Un encuentro en el que las coplas, los cantos campesinos, el tiple, el cuatro y la guacharaca llegarán a distintos puntos de la ciudad para seguir fortaleciendo la representación cultural.

Se trata de un esfuerzo por reconocer el valor que tiene la música carranguera en el distrito y la forma en la que desde los barrios y las localidades se ha contribuido a su preservación y evolución. Dos jornadas en la que abuelos, padres e hijos se reunirán alrededor de los sonidos del altiplano cundiboyacense.

La fiesta campesina comenzará el sábado 7 de noviembre en el Parque San Andrés, en Engativá, en la calle 82 No. 101-52, en donde a partir del mediodía los bogotanos podrán disfrutar de agrupaciones como El Son del Frailejón,‘Monte Violeta, Pulido Son, RumbamBuquianDo y Los Fiesteros de Boyacá, quienes se presentarán en el Escenario Móvil María Mercedes Carranza.

Llega la primera edición del #FestivalCarrangueroDeBogotá2026. 🎻🌾 Bogotá se viste de ruana y sombrero. 🪕 Fechas y escenarios: 👇 📍 7 de noviembre: Parque San Andrés, Engativá 📍 8 de noviembre: La Media Torta. #BogotáMiCiudadMiCasa https://t.co/7PUmPnzP9v

— Idartes (@idartes) October 23, 2026

Luego, el domingo 8 de noviembre, el requinto y las guitarras seguirán sonando en el Teatro al Aire Libre La Media Torta, ubicado en la calle 18 No. 1-05E, con Los de la moña, Juventud Parrander’, Son de Martínez, Los Vitocos, Los Camándulas, Los Carrangomelos y, para el cierre se presentarán Los Rolling Ruanas, grupo musical que ha sabido mezclar elementos del rock and roll clásico con los sonidos veredales.

En total, serán seis propuestas distritales y tres nacionales las que sorprenderán a los ciudadanos con diversas interpretaciones musicales. Letras y ritmos que mezclan tanto la vida del campo, como las creencias, costumbres y choques con la experiencia urbana.

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El Festival Carranguero marca un nuevo episodio en los esfuerzos del distrito por diversificar la oferta cultural y generar espacios para la creación artística. Este 2026 la ciudadanía ha disfrutado de grandes eventos como los 30 años de Rock al Parque y la vigésima cuarta versión de Colombia al Parque, lo que proyecta que este es solo el inicio de una larga trayectoria para la divulgación de la música carranguera en la capital

En 2021, un grupo de jóvenes osados y unidos por una misma pasión decidió convertir lo que consideraban un “caserío”, a las afueras de Bilbao, en la base de su primer estudio. Allí grabaron dos temas que, tiempo después, les abrirían las puertas para firmar su primer contrato oficial con un sello discográfico.

Así comenzó una ola que no ha dejado de crecer. En menos de cinco años, Ultraligera ha conseguido tres discos de oro y se ha consolidado como una de las bandas revelación del viejo continente. En 2023, lanzó ‘Pelo de foca’, su álbum debut, con el que agotó las entradas de su gira de salas por España, incluidas siete presentaciones consecutivas en La Riviera de Madrid.

“Nosotros teníamos dos sueños: Vivir de la música en nuestro país y llenar estadios. Ahora que lo hemos conseguido, queremos ir más allá. Somos grandes viajeros y pensamos que quedarse en un solo lugar es como ir dejando pasar la vida”, explicó Gisme, vocalista de Ultraligera, en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Desde esa mirada, Javier Gismero ‘Gisme’ (voz), Coque Fernández (guitarra), Mario Díez Llorente ‘Kash’ y Martín Aparicio (batería) construyen una propuesta de rock que pone las emociones en primer plano, sin renunciar a cuestionar lo que ocurre a su alrededor. La soledad, el deseo de libertad, la frustración y la búsqueda de conexiones más auténticas atraviesan la mayoría de sus letras.

Esta exploración continúa en ‘Lapsus’, su segundo LP, que acompaña una nueva etapa para la banda, marcada por cerca de 50 conciertos en los principales festivales de España y su primer recorrido profesional por Latinoamérica. La gira comenzará en Colombia y continuará por Venezuela, México, Chile y Argentina.

“Somos una generación que está sufriendo porque vemos cómo la vida pasa por delante y a veces es difícil tocarla. Ya no sabemos distinguir entre la Inteligencia Artificial y la realidad, las redes sociales está por encima de todo y queremos más oportunidades, sentir a nuestra manera y tener más libertad. Eso nos lo permite el rock: Aunque no es político, sí es emocional”, agregó el artista.

En su más reciente trabajo, Ultraligera también aborda temas como el consumo de sustancias, el miedo a amar, las rupturas y la locura, sin repetir la fórmula de su disco debut. El 4 de noviembre, la banda llegará al Teatro Astor Plaza de Bogotá para presentarse por primera vez ante el público capitalino.

Para conocer más detalles de la programación puede visitar el siguiente link.

¿Puede una canción contar lo que muchas veces las palabras no alcanzan a expresar? El músico colombiano César López quiere explorar esa pregunta con ‘Hasta que amemos la vida’, una presentación que reunirá música, arte y testimonios. Una cita para escuchar otras historias, conocer diferentes voces y descubrir cómo el arte abre caminos para hablar de memoria y reconciliación.

La presentación tendrá un significado especial, pues se realiza en el año en que se cumplen diez años de la firma del Acuerdo de Paz entre el Estado colombiano y las FARC-EP. Por eso, la propuesta va más allá de un recital: Será un encuentro entre artistas, víctimas del conflicto armado, liderazgos sociales y personas que han dedicado su vida a la defensa de los Derechos Humanos y la construcción de paz.

El escenario reunirá a César López con artistas como Adriana Lucía y Majida Issa, acompañadas por el coro de la Universidad Pedagógica Nacional. También participarán Patricia Ariza, Vera Grabe, Gloria Cuartas, Adriana Vásquez, Brigitte Baptiste y la colectiva artística Resistencia Chiquita.

Las madres de MAFAPO, reconocidas por su lucha para exigir verdad y justicia por sus hijos, tendrán un lugar central en esta experiencia. Sus voces y las de otros participantes se entrelazarán con la música para recordar historias que hacen parte de la memoria del país.

Uno de los momentos destacados será la aparición de la Escopetarra, el instrumento creado por César López a partir de un fusil, que transformó un objeto asociado con la guerra en un símbolo de paz. Una imagen que resume el espíritu del concierto.

La historia de este espectáculo también está marcada por la perseverancia. Según ha contado López, después de atravesar momentos de incertidumbre ante la posibilidad de que el evento no se realizara, los mensajes de apoyo del público motivaron al equipo a seguir adelante. Ahora, la invitación es a encontrarse en el teatro y mantener abiertos estos espacios culturales.

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¡Agéndese y acompañe esta noche de música y memoria!

•    Evento: ‘Hasta que amemos la vida’, con César López.•    Fecha: Martes 3 de noviembre de 2026.•    Ingreso: Entre las 6:00 p. m. y 7:00 p. m. •    Hora del concierto: 8:00 p. m. •    Lugar: Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Bogotá.

Para mayor información puede ingresar al siguiente link. 

“Hacer lo que le da la gana” podría ser uno de los lemas de vida de Karmen Cercós. Mientras algunos artistas cambian de género para adaptarse a la audiencia, ella irrumpe en nuevos territorios con su esencia. 

Su historia con la música comenzó en la infancia, entre los boleros que escuchaba junto a su abuelo. Años después, durante la adolescencia, su hermana le presentó el punk, el ska y otros sonidos jamaicanos, géneros en los que encontró una conexión directa con sus ideas políticas y sociales. A los 19 años fundó Skaparapid, proyecto que continúa activo y se convirtió en uno de los pilares de su recorrido artístico que completa más de tres décadas.

“Una de las corrientes con las que más me he identificado por mi reivindicación como feminista y antifascista es el punk, este me permitió desde un inicio expresar lo que me pedían el cuerpo, la mente y el corazón. En aquella época prácticamente no había mujeres en ese estilo. Vengo de una familia muy unida y religiosa, de los ‘Kikos’, dentro de la Iglesia católica, y yo soy la rebelde, la que está fuera de todo eso”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su personalidad se caracteriza por no seguir moldes, dentro de su propia familia se autoreconoce como la “oveja negra”, una mujer criada en un entorno estricto que decidió construir su propio camino. Libertad que también se refleja en su apariencia, como peluquera de profesión, ha experimentado con el cabello rapado, las rastas y las trenzas, hasta reencontrarse con su textura natural.

Un cambio que va más allá de las puntas y las capas; pues esta vez la acompaña en una nueva etapa artística junto a ‘Pecando de Cariñosa’, su primer trabajo en solitario, en el que retoma las canciones que marcaron su infancia y las entrelaza con sus propias vivencias.

“Este disco tiene letras y temas reivindicativas, feministas y contra el amor tóxico. A mí nunca me ha gustado hacer las cosas de manera políticamente correcta; siempre me ha gustado tocar un poco los cojones, o los ovarios. Entonces, en el bolero hago lo mismo: No voy a hacer jamás uno supermega tradicional”, agregó la cantautora.

El álbum fusiona música andina, chacarera, chachachá y otros ritmos latinos, con colaboraciones de artistas como Dr. Shenka, de Panteón Rococó; Martín ‘Moska’ Lorenzo, de Los Auténticos Decadentes; Deals Olan, de Out of Control Army; Germán ‘Pecho’ Anzonátegui, de Las Manos de Filippi; además de Evelyn Cornejo y La Malinche. En 2026, el proyecto recibió el ‘Premio Talento Latino al Mejor Álbum de Neobolero’.

“Me he sentido fuerte, segura, empoderada, me he sentido mujer. He pasado de ser una niña y adolescente a sentirme, como digo a veces, una señora. Una señora que hace lo que le da la gana”, puntualizó Cercós.

Los miedos, las inseguridades y los prejuicios personales hacen parte de las experiencias que pueden marcar el desarrollo de un proyecto artístico. Estas ideas atraviesan la relación de Hera de Cuba con ‘Fantasmas’, una canción que la intérprete cubana aborda desde sus propias vivencias.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre su interpretación de esta obra, su identidad musical y los desafíos que ha enfrentado para consolidar su carrera.

“Los temas que Hera escribe son canciones que siempre tienen algo de autobiográfico. Y si no son creaciones propias, también hay algo que siento que es mío. Cuando canto es porque me enamoro de esa pieza musical, trato de sentirla y de buscar un punto de encuentro para conectarla con el público”, explicó la cantante.

Esta relación entre la interpretación y la experiencia personal permite comprender el lugar que ocupa ‘Fantasmas’ dentro de su repertorio. Es un punto de encuentro entre la historia de su compositora y la sensibilidad de una artista que reconoce en los temores internos uno de los desafíos que ha tenido que superar durante su recorrido musical.

“En mi plano personal, yo creo que los fantasmas son propios, son de uno mismo. Uno tiene que luchar con los fantasmas internos que uno tiene. Yo quizás me demoré en hacer mi propia música, en tener mi propio grupo, por miedo. Fue por tener prejuicios. Entonces, primero hay que quitarse uno esos fantasmas que tiene internamente y después enfrentarse a lo que pueda estar presente”, señaló la artista.

La propuesta artística de Hera de Cuba combina elementos de la música cubana con influencias del jazz, el R&B, la bossa nova y el latin jazz. La cantante se presenta como intérprete de la canción y encuentra en estos géneros herramientas para explorar melodías, transformar repertorios y ampliar sus posibilidades expresivas.

Ingeniera en Ciencias Informáticas de formación, comenzó a vincularse con la música durante su etapa universitaria, cuando participó en un movimiento de artistas aficionados en Cuba. Después de graduarse, mantuvo su actividad artística y posteriormente ingresó al catálogo de una empresa musical de la isla. 

El nacimiento de su hija, Vida, y el periodo de aislamiento provocado por la pandemia marcaron una etapa de mayor dedicación a la creación. Durante ese tiempo surgieron ‘Santa’ e ‘Iconos’, que dieron paso al EP ‘Santa’.

Sus influencias también provienen de la tradición musical cubana. Entre las figuras que marcaron sus primeros acercamientos a la música se encuentran Omara Portuondo, Benny Moré y La Lupe, intérpretes que escuchaba durante su infancia a través de la radio que acompañaba a su abuela.

Además, Hera de Cuba es fundadora y directora de ‘Música es Mujer’, una red colaborativa creada en marzo de 2023 para visibilizar el trabajo de las mujeres en la industria musical cubana. La iniciativa reúne a artistas y profesionales de diferentes áreas y busca generar oportunidades de circulación, intercambio y desarrollo artístico. 

El proyecto surgió como una alternativa frente a las dificultades para conseguir escenarios y recursos para propuestas independientes. A partir de una labor conjunta, las participantes encontraron una manera de presentar sus proyectos, compartir experiencias y establecer conexiones con otros actores del sector cultural.

La red amplía la actividad de Hera de Cuba más allá de la interpretación y la sitúa en el ámbito de la gestión cultural. Su iniciativa se relaciona con la creación de oportunidades para otras mujeres y con la construcción de espacios que permiten fortalecer su presencia en la industria.