Los bogotanos podrán vivir dos jornadas de música, talento y cultura con el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha, que se realizará los próximos 26 y 27 de septiembre de 2026.

Bajo la consigna ‘El eco de una ciudad que marcha en grande’, el encuentro será con entrada libre para la ciudadanía y se desarrollará entre las 9:00 a. m. y las 4:00 p. m. Durante cada jornada, las bandas ganadoras tendrán presentaciones de 20 minutos, en las que mostrarán sus propuestas musicales y escénicas.

La realización de este evento hace parte de las acciones de fortalecimiento de un sector que tiene una importante presencia en la historia cultural de la capital.

A través de la Beca LEP, la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte destina $ 450 millones en estímulos para apoyar la circulación y el fortalecimiento cultural.

De esta manera, las bandas de marcha han comenzado a ocupar un espacio cada vez más visible dentro de la oferta y las políticas culturales de Bogotá.

De los desfiles a los grandes escenarios

Durante años, las bandas de marcha fueron relacionadas principalmente con actos cívicos, desfiles militares o actividades escolares. Sin embargo, estas agrupaciones han evolucionado y actualmente combinan diferentes expresiones artísticas.

Sus espectáculos incorporan música, coreografías, baile, vestuario y elementos escénicos, mientras que sus repertorios incluyen composiciones tradicionales como arreglos de músicas contemporáneas y sonidos característicos de diferentes regiones.

En colegios públicos y privados de Bogotá, las bandas de marcha se han convertido en espacios de formación musical y cultural. Para muchos estudiantes, hacen parte de sus primeras experiencias en el mundo de las artes.

Es por eso que el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha busca precisamente mostrar esa transformación y acercar al público a las nuevas propuestas.

Los grupos escolares que participarán en esta edición fueron seleccionadas mediante diferentes procesos encabezados por la Mesa Distrital de Bandas de Marcha.

Un encuentro con nuevos ritmos y propuestas escénicas

El público que asista al Palacio de los Deportes encontrará una propuesta diferente a la imagen tradicional de una banda de marcha.

Además de los repertorios clásicos, los participantes interpretarán músicas contemporáneas y sonidos representativos de distintas regiones, acompañados por propuestas coreográficas y escénicas.

Las presentaciones no estarán limitadas al formato de desfile. Cada banda tendrá la posibilidad de desarrollar una puesta en escena que combine música, movimiento, baile y vestuario para contar una historia.

Así, el encuentro se convierte también en una oportunidad para conocer la creatividad de los músicos y artistas que hacen parte de este sector en Bogotá.

Feria de emprendimientos y entrada gratuita

La programación contará además con una feria de emprendimientos en la que los asistentes podrán encontrar productos y elementos relacionados con el universo de las bandas de marcha.

Con 30 bandas de marcha, 18 agrupaciones ganadoras de estímulos y 12 bandas escolares, el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha busca consolidar un espacio para reconocer el talento, la formación artística y la evolución de este sector en la capital.

La cita es el 26 y 27 de septiembre de 2026, de 9:00 a. m. a 4:00 p. m., en el Palacio de los Deportes de Bogotá. La entrada es libre.

¿Qué puede pasar cuando la música se encuentra con los relatos de quienes han vivido diferentes momentos de la historia de Colombia? Esa es una de las preguntas que propone César López con ‘Hasta que amemos la vida’, un concierto que llegará al Teatro Colsubsidio.

La presentación hace parte de una programación conmemorativa alrededor del Día Internacional de la No Violencia y plantea un encuentro entre música, memoria y diferentes expresiones artísticas. El espectáculo también conmemora los diez años de la firma del Acuerdo de Paz en Colombia y reflexiona sobre el papel de la cultura en la construcción de paz.

‘Hasta que amemos la vida’ va más allá de un recital tradicional. La propuesta reúne a artistas invitados de distintas regiones y géneros musicales, además de víctimas del conflicto armado, familiares de personas desaparecidas, líderes sociales, defensores de Derechos Humanos y constructores de paz.

Sus experiencias harán parte de un espectáculo que utiliza la música y las artes como punto de encuentro para hablar de memoria, reconocimiento, reconciliación y vida.

El concierto estará liderado por César López, músico y compositor colombiano reconocido, entre otros aspectos de su trayectoria, por la creación de la escopetarra, instrumento que convirtió un objeto asociado con la violencia en un símbolo de expresión musical y paz.

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El recorrido comienza desde la memoria y el territorio, pasa por las historias de quienes han sido afectados por la violencia y llega a la esperanza y la resistencia.

De esta manera, el escenario se convierte en un espacio para reconocer historias, pero también para celebrar la capacidad de las comunidades y de los artistas de crear nuevas posibilidades a través de la cultura.

La cita será el próximo sábado 3 de octubre de 2026, a las 7:30 p. m. en el Teatro Colsubsidio, Av. El Dorado #25-40, Bogotá. Edad mínima: 3 años. Para mayor información, puede ingresar al siguiente link.

Entre letras afiladas y complejas sobre una potente base de rock, se construyó uno de los discos más icónicos de Uruguay. En 2006, un grupo de jóvenes músicos asumió el riesgo de fusionar sonidos estridentes con la magia del hip hop, rap, milonga y son, sin imaginar que aquella nueva etapa los llevaría a cruzar fronteras y convertirse en un fenómeno internacional.

Así nació ‘Raro’, una producción de doce temas que, dos décadas después, siguen siendo coreados en grandes lugares alrededor del mundo. Para conmemorar su aniversario, la banda presenta ‘Raro Live Session’, una propuesta audiovisual que lleva este repertorio al lenguaje cinematográfico. Todo se desarrolla en el apartamento del personaje de la portada, donde aún quedan las huellas de una fiesta de cumpleaños celebrada la noche anterior.

“La cámara recorre los pasillos y habitaciones del lugar, lleno de guiños al universo del Cuarteto y referencias ocultas para los seguidores más atentos. Asimismo, la producción cuenta con una mezcla en ‘Dolby Atmos’ que permite disfrutarla de manera inmersiva”, contó Roberto Musso, vocalista de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En este escenario, se interpretan cinco canciones: ‘Nada es gratis en la vida’, ‘Ya no sé qué hacer conmigo’, ‘Hoy estoy raro’, ‘Invierno del '92’ y ‘Yendo a la casa de Damián’. La sesión también cuenta con la participación especial del productor Juan Campodónico, considerado el “quinto Cuarteto” en aquel momento.

A esta celebración se suma ‘Así Soy Yo’, una gira cápsula que pasará por cinco capitales latinoamericanas y llegará a Bogotá, Ciudad de México, Santiago de Chile, Montevideo y Buenos Aires.

“Queremos que este show sea un recorrido por los últimos 20 años de nuestra historia, desde la disrupción de ‘Raro’ hasta la etapa actual con ‘Puertas’. Cada ciudad tendrá una puesta en escena y una narrativa pensada especialmente para la ocasión, además de un setlist dinámico con canciones que no se repetirán entre las diferentes fechas”, agregó Musso.

“Hoy estoy raro, y no entiendo por qué… Si nada extraño me tuvo a maltraer” es una de las frases que el público podrá cantar a todo pulmón en el Movistar Arena. Un espíritu irreverente que incluye fechas en Cali y Medellín. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

La Pambelé, Radio Bembé y Mar Caribe harán parte de esta jornada gratuita, que se realizará el 27 de septiembre como antesala de Salsa al Parque 2026.

El Tortazo Salsa hace parte de las jornadas temáticas que desarrolla La Media Torta y en esta ocasión, la programación busca mostrar diferentes maneras de vivir la salsa, combinando presentaciones en vivo con la selección musical de coleccionistas y conocedores del vinilo.

Entre las agrupaciones participantes está La Pambelé, orquesta bogotana que toma como referencia la salsa dura y los sonidos de las décadas de los sesenta y setenta, incorporando ritmos contemporáneos a su trayectoria. 

También estará Radio Bembé, agrupación consolidada en la escena salsera capitalina, cuyo formato recoge elementos de la salsa de vieja guardia y los lleva a un formato de directo caracterizado por la descarga. Sus canciones abordan situaciones sociales y cotidianas desde el humor, la sátira y la crítica, características que hacen parte de su identidad artística.

Por otro lado, Mar Caribe llegará al Tortazo como una de las propuestas actuales de la escena salsera bogotana. Su participación, tras ser ganadora de la Beca LEP 2026, se suma al propósito de abrir espacios para agrupaciones que exploran nuevas perspectivas dentro del género.

El vinilo también será protagonista

La jornada tendrá un componente especial con la participación de Dirty Salsa, Rollergal y Gina Reyes, tres selectores que estarán a cargo de una programación musical en vinilo.

Asimismo, el Tortazo Salsa amplía la experiencia más allá de los conciertos y pone en escena otras formas de acercarse a la cultura salsera, como la selección musical, el coleccionismo y la escucha en formato físico.

De esta manera, el público podrá recorrer diferentes sonoridades durante una misma jornada y acercarse tanto a agrupaciones emergentes como a propuestas que mantienen viva la tradición de la salsa en Bogotá. Además, El evento funcionará como antesala de la edición número 27 de Salsa al Parque, que se realizará los días 28 y 29 de noviembre de 2026.

La cita será el domingo 27 de septiembre, desde la 1:00 p. m., en el Teatro al Aire Libre La Media Torta. La entrada será gratuita para mayores de 14 años, hasta completar aforo. Tenga en cuenta que el evento no es pet friendly.

¿Quién dijo que el rock solo se disfruta en grandes escenarios? El próximo 3 de octubre, 1280 Almas llevará su música hasta el domo del Planetario de Bogotá para presentar ‘Los Planetas’, un show pensado para los niños y sus familias.

La propuesta combina música en vivo, imágenes, videos y proyecciones, aprovechando el particular escenario del Planetario para convertir la presentación en una especie de viaje musical por el universo. La agrupación estará acompañada por sus ‘Amigos de Marte’ y llevará su repertorio a un formato diferente al de sus presentaciones habituales.

Con más de tres décadas de trayectoria, 1280 Almas hace parte de la historia del rock colombiano y ha acompañado a varias generaciones con sus canciones. Ahora, la agrupación busca acercar ese universo musical a nuevos públicos. La idea es que quienes crecieron escuchando a la banda puedan compartir sus temas y tengan la oportunidad de descubrir toda su trayectoria en un espacio diferente.

El espectáculo tendrá dos funciones: 11:00 a. m. y 3:00 p. m., en el domo del Planetario de Bogotá. Además de la música en vivo, el público podrá disfrutar de una puesta en escena con contenidos audiovisuales y los planetas como telón de fondo.

Asimismo, durante la jornada también se presentará ‘Los Planetas’, el nuevo libro infantil de Fernando del Castillo, vocalista de 1280 Almas. La publicación lleva el universo creativo de la agrupación al público infantil y toma como punto de partida elementos relacionados con sus canciones, personajes e historias. Así, la propuesta conecta rock y literatura para acercar a las nuevas generaciones a la música de la banda.

La cita será el 3 de octubre de 2026 en el domo del Planetario de Bogotá, ubicado en la calle 26B #5-93. El evento es recomendado para niños mayores de 4 años y los

menores de 12 deberán ingresar acompañados por un adulto. La función será sin silletería. Para mayor información puede ingresar al siguiente link.

Entre las voces que se escuchan y estremecen el Mediterráneo, resalta la de Buika, una intérprete capaz de transitar entre el jazz, el bolero, el flamenco y las músicas del mundo, sin perder aquello que la hace inconfundible. Su manera de cantar no responde a fronteras ni etiquetas, sino a una libertad artística que ha convertido su trayectoria en una de las más singulares de la música contemporánea.

Nacida en el seno de una familia originaria de Guinea Ecuatorial, Concha Buika, como es su nombre de pila, ha construido un universo sonoro en el que protagoniza como cantante, compositora, productora y poeta. Su trayectoria incluye un ‘Latin Grammy’, seis nominaciones a estos galardones y dos al ‘Grammy estadounidense’.

“Yo simplemente soy sincera con lo que escucho en mi cabeza y con mi manera de expresarlo. Todas las músicas del mundo nos cuentan la verdad de nuestra historia, de nuestros países y nuestros ancestros; no le podemos poner ni banderas ni fronteras, porque la música es un concepto enorme y nos pertenece”, resaltó la artista en una entrevista exclusiva con ‘Amantes del Círculo Polar’.

La magia de su propuesta, alimentada por sus raíces africanas, la ha llevado a compartir escenario con figuras como Carlos Santana, Chick Corea, Chucho Valdés, Pat Metheny, Nelly Furtado, Armando Manzanero y Seal. Su trayectoria también incluye una participación en ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar, y el álbum ‘El último trago’, homenaje a Chavela Vargas junto a Chucho Valdés, producción que le valió el Latin GRAMMY.

¡Cuando la voz se encuentra con la orquesta!

En 2013, Turquía fue testigo del nacimiento de ‘Buika Experiencia Sinfónica’, una propuesta que llevó este repertorio al formato orquestal, con un ensamble de cuerdas, vientos y percusión que le permitió explorar nuevas dimensiones de sus canciones.

Desde entonces, ha recorrido escenarios de Japón, Grecia, España, México y Sudáfrica; y ahora, llegará por primera vez a Colombia y Ecuador con un programa que viaja desde el latin jazz de ‘Siboney’ hasta el universo barroco de ‘Lascia ch’io pianga’, atraviesa el bolero de ‘Espérame en el cielo’ e incorpora algunos de los grandes éxitos de su carrera.

“La primera vez que toqué con una orquesta sinfónica sentí su fuerza de una manera física; cuando escuché el primer acorde, fue como si alguien me empujara desde atrás y pensé: ‘wow, esto sí que es magia’. En el teatro, el museo o el cine podemos encontrarnos con personas radicalmente diferentes y, por un momento, ser lo mismo: Amor en libertad”, agregó Buika.

La gira pasará por Quito el 23 de septiembre y llegará a Bogotá el 26 de septiembre. El cierre será en Bucaramanga el 30 de septiembre. En la capital, la cantautora compartirá escenario con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en el Teatro Colón, a las 7:30 p. m., en lo que será su primera presentación en el país con este formato.

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Entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, el sur de Estados Unidos fue testigo del nacimiento de dos géneros que transformarían la historia de la música: El blues y el jazz. Sus raíces están ligadas a las tradiciones musicales de las comunidades afrodescendientes como los ‘spirituals’, ‘work songs’ y el gospel, expresiones que se convirtieron en la musa para preservar su identidad y narrar sus propias historias.

Con esta herencia como punto de partida, Bogotá se prepara para una nueva edición del ‘Festival de Blues y Jazz de la Libélula Dorada’, un encuentro que durante 28 años ha abierto espacio a diferentes propuestas de la escena independiente. Esta vez, ocho agrupaciones recorrerán sonidos que van desde el jazz contemporáneo y el blues hasta las músicas colombianas, el rock, el soul y la psicodelia.

“Entendemos estos dos géneros como columnas vertebrales en la historia y, por eso, durante casi tres décadas, hemos abierto un espacio para celebrar a sus artistas. En esta edición, además, rendimos homenaje a la armónica, un instrumento fundamental en el desarrollo del blues”, explicó Santiago Álvarez, director del evento en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este 2026, la agenda se trasladará temporalmente a la Alianza Francesa, sede Centro, mientras avanza la reconstrucción del teatro habitual de la Libélua Dorada. La Media Torta también recibirá ‘El Expreso del Viento, Noche de Armónicas’, una cita tradicional dedicada a este instrumento que, en esta edición, hará parte de ‘El Tortazo Blues’, en medio de la celebración de los 50 años de la compañía teatral y de títeres.

El encargado de abrir esta edición será Bandejas Espaciales, proyecto que explora la improvisación y el diálogo entre instrumentos y medios electrónicos para construir una propuesta de sonidos diversos.

“Empecé componiendo muy interesado en ritmos africanos y en esas mezclas que llegaron a la Costa Caribe con los picós. Desde ahí comenzamos a experimentar con el rock, el reggae, la salsa y hasta la música andina”, destacó Marco Fajardo, fundador de Bandejas Espaciales.

¡Otras fechas a tener en cuenta!

- Jueves 24 de septiembre: Nico Trujillo Quinteto: Proyecto liderado por el saxofonista, compositor y arreglista colombiano, que cruza el jazz contemporáneo con ritmos tradicionales colombianos y sonoridades afrocaribeñas.

- Viernes 25 de septiembre: Guafa Tribu: Celebrará sus 28 años de trayectoria con un lenguaje construido desde la improvisación, los ritmos andinos y los golpes llaneros.

- Sábado 26 de septiembre: Bluesila: Cuarteto bogotano con más de una década de recorrido, llevará su visión del blues, el electric blues, el jazz, el rock y el soul. Su música también ha llegado a escenarios de París y Buenos Aires.

- Domingo 27 de septiembre a las 4:00 p. m.: Sunset at Five: Agrupación integrada por estudiantes de grado undécimo del Colegio Liceo Juan Ramón Jiménez, mostrará el resultado de su proceso de formación alrededor del jazz y la improvisación.

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Hay canciones que nacen de preguntas cotidianas y terminan convirtiéndose en el pilar de un nuevo ciclo artístico. Ese es el caso de ‘Último de Piscis’, el lanzamiento más actual de la banda colombiana Dados Eternos, una pieza que no solo inaugura su producción musical reciente, sino que sintetiza la madurez y la búsqueda estética del proyecto.

La idea detrás del tema surgió durante un viaje entre amigos, a partir de la inquietud de un cercano que dudaba acerca de su pertenencia astronómica, debatida entre los límites del signo de Piscis y el inicio de Acuario. Esa anécdota cotidiana dio pie a una reflexión profunda de cómo las personas buscan referentes en el horóscopo o en la simbología para definir su propia identidad.

Gabriel Rojas y Felipe Ricaurte, integrantes de la agrupación, compartieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ la manera en que esa inquietud terminó transformada en un sencillo de tintes nostálgicos. Aunque la génesis parte de una duda conceptual, la letra se presta a múltiples lecturas, abriéndose camino hacia el terreno del romanticismo y el desamor de forma muy natural.

“Siento que la continuidad ayuda a darle una narrativa sólida a un proyecto musical, porque es importante sentir un proceso de evolución”, explicó Gabriel, refiriéndose a la importancia de mantener la constancia creativa tras el periodo de silencio que antecedió a esta entrega.

En el plano conceptual, ‘Último de Piscis’ marca un contraste evidente con los primeros trabajos de la agrupación, concebidos en medio del encierro a causa de la pandemia. Esta nueva composición se adentra en atmósferas postapocalípticas para indagar aquello que ocurre después de la crisis, abordando temas como la fe, la autocomprensión y la reconstrucción personal tras enfrentarse al caos.

Musicalmente, la canción encabeza una propuesta que entrelaza el rock alternativo y el indie con la riqueza cultural de Nariño. La proximidad de su región natal con Ecuador y las sonoridades tradicionales andinas alimentan un lenguaje diverso que busca romper con los moldes convencionales del género en Colombia.

El trayecto de la banda, que adoptó su nombre definitivo tras una reestructuración inspirada en la poesía de César Vallejo, encuentra en este corte el primer paso firme de una serie de estrenos programados para los próximos meses. Con cada entrega, el grupo apunta a consolidar una identidad visual y sonora caracterizada por la coherencia y la expresividad en escena.

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Frente a la incertidumbre del panorama independiente, el sencillo refleja la determinación de sus integrantes por superar el temor y apostarle a la esperanza por medio de la creación. Es una propuesta que invita al público a apropiarse de cada verso y a explorar sus propias emociones a través de la música.

Hay un hilo invisible que une el amor, el ego y las ganas de entenderse a uno mismo en ‘La Divinidad’, el álbum más reciente del músico colombiano Deiner Mosquera. Todo parte de una necesidad honesta: Mirar hacia adentro, reconocer lo que se siente y quitarse de encima esas barreras que muchas veces impiden conectar con los demás.

Esa idea central no nació de la nada; fue tomando forma entre noches en vela, lecturas, música a solas y muchas preguntas. En medio de ese proceso, un texto sobre la visión budista de la divinidad le dio el empujón definitivo. El artista entendió este concepto no como algo lejano, sino como ese punto al que se llega después de un camino de autodescubrimiento, de mirar al ego de frente y volverse más consciente de quién se es.

Deiner estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ contando detalles de esta etapa. Habló de cómo se acercó al blues, el soul y el góspel, y de la forma en que estas sonoridades terminaron cruzándose y dialogando con la música tradicional del Pacífico colombiano.

“La historia y el viaje que narra ‘La Divinidad’ se construyeron en noches de composición, soledad, lecturas, escuchas y una búsqueda que no sabía que estaba haciendo”, compartió Reyner durante la charla.

El disco también juega a poner frente a frente a dos personajes: El artista que sale a escena y la persona común y corriente que queda cuando las luces se apagan. El primer tramo habla precisamente de esa fachada ligada al aplauso y a la exposición; mientras que el resto del álbum se sumerge sin rodeos en la intimidad, en lo que duele y en lo que se disfruta: El desamor, el deseo, el sexo y el amor maduro.

En lo musical, la producción es un abanico colorido de estilos. Hay tintes de blues, soul, funk, pop y rock, aderezados con coros de espíritu góspel y pequeños guiños al son cubano. Todo esto sosteniéndose en la guitarra, que sigue siendo el corazón y la guía creativa de Reyner.

Para darle forma a este universo sonoro, trabajó mano a mano con el productor Danzo y el equipo de Triple S Studios. Juntos lograron entrelazar las ideas iniciales con un trasfondo donde se sienten vivas las raíces afroamericanas y la herencia del rock. Entre los referentes que respiran en estas canciones aparecen nombres indispensables como Marvin Gaye, Giveon, Jeff Buckley, Amy Winehouse, Alabama Shakes, Sade, Queen y Lenny Kravitz, influencias que se conectan de manera muy natural con el origen chocoano del músico y con el peso de la tradición afrocolombiana.

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Esa búsqueda personal se escucha claramente en las emociones de cada tema. ‘Lucía’, por ejemplo, se mete en el terreno del despecho y la melancolía, inspirándose en el clima y la sensibilidad de la clásica canción de Joan Manuel Serrat. “Es un trabajo donde me muestro de forma transparente, exponiendo mis luces, pero también mis sombras”, confesó el cantautor.

El listado de temas incluye, además, ‘La Elección’, ‘Las Memorias de Quien no Ama’, ‘Libertad’, ‘El Ascenso’, ‘La Pared’, ‘Sola’, ‘Volver a ver el Sol’, ‘El Sueño de su Piel’ y ‘El Paraíso’. Esta última, elegida como el tema principal de presentación, aborda el amor como una experiencia de entrega absoluta y calma.

Curiosamente, la travesía del proyecto desemboca en ese mismo punto: ‘El Paraíso’, para Reyner, ese nombre no es más que la forma en que decide nombrar la meta de su propia búsqueda. “A través de mis historias, mis sentimientos y mis canciones narro mi propio camino hacia la divinidad; aunque, para ser fiel a mis ideas y a lo que creo, el lugar al que logro llegar se llama ‘El Paraíso’”, concluyó.

Así, ‘La Divinidad’ termina siendo mucho más que un conjunto de temas: Es una confesión honesta sobre lo que significa sentir y estar vivo. Un viaje en español que combina influencias globales con un acento y un corazón profundamente colombianos.

Este nuevo sencillo reúne las historias y los recorridos musicales de sus integrantes pertenece a un trabajo producido entre ambos países, con la participación del músico y productor colombiano Juan Carlos “Chato” Rivas.

El guitarrista mexicano Julio Kruzdhi y el baterista colombiano Ítalo Lamboglia estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de Divök, las coincidencias que los llevaron a trabajar juntos y la construcción de una propuesta musical que, más que plantear una fusión de sonidos, busca encontrar un punto en común.

La historia de Divök no comenzó con ‘Luz del Sur’. Los hermanos Julio y Charly Kruzdhi empezaron a desarrollar canciones propias desde 2001, en una etapa marcada por la trova y el rock latino. Más de dos décadas después, esa trayectoria encontró en Colombia un nuevo escenario para continuar desarrollándose.

El encuentro con Ítalo Lamboglia surgió, precisamente, de una de esas coincidencias que terminan modificando el rumbo de un proyecto. Unos músicos que tenían previsto participar en una sesión de grabación no llegaron y, en medio de esa circunstancia, apareció la posibilidad de que el músico colombiano participara. Lo que inicialmente era una colaboración terminó dando forma a una nueva etapa de la banda.

El encuentro con Juan Carlos “Chato” Rivas amplió todavía más ese cruce. El músico y productor colombiano, con una trayectoria vinculada al desarrollo del rock nacional y al trabajo junto a distintos artistas, se incorporó al proceso como bajista y asumió la producción del álbum. Rivas también había compartido con Lamboglia el entorno musical de Shakira, una etapa anterior a la formación de Divök que terminó conectando nuevamente sus caminos.

‘Luz del Sur’ comenzó con una maqueta que ya tenía un concepto musical, pero a la que todavía le hacía falta una letra. El concepto apareció alrededor de una figura sencilla: Las mismas estrellas pueden verse desde México y Colombia. De ahí surgió el “susurro de estrellas”, una imagen que atraviesa la canción y que convierte la distancia en una posibilidad de comunicación.

El tema también representa un cambio frente a una parte del repertorio que Divök había construido desde sus primeros años. Las composiciones iniciales tenían un marcado componente romántico, mientras que ‘Luz del Sur’ amplía esa mirada hacia la relación entre personas, territorios y culturas. La propia banda ha explicado que la canción nació de la idea de la música como un espacio de comunión.

Esa idea aparece también en la letra. Las referencias a fronteras, heridas, guerras y banderas de paz llevan la canción más allá de una historia de amor y la sitúan en un terreno de encuentro. En ese sentido, el propósito de “luz del sur” funciona como una imagen que reúne dos geografías y, al mismo tiempo, dos experiencias musicales.