La agrupación bogotana No Futuro presentó ‘Punk de Terapia’, su primer álbum de estudio. El trabajo reúne aborda temas como la salud mental, la incapacidad de amar, el sentimiento de insuficiencia y las contradicciones emocionales que atraviesan la vida cotidiana, sin abandonar la fuerza y la crudeza propias del género.

A diferencia de la tradición del punk centrado en la crítica política y social, el disco dirige la mirada hacia el mundo interior. Canciones como ‘Pésimo Servicio’ retratan la frustración de no lograr conectar con los demás pese al esfuerzo, mientras que otras composiciones recorren procesos de ansiedad, vulnerabilidad y crecimiento personal. Además, incorpora momentos de experimentación sonora, entre ellos un bolero llevado al lenguaje del punk, ampliando los límites de la propuesta musical.

Milo Escorcia y Hesner Durán estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde explicaron que este álbum nació a partir de procesos personales y de la importancia que ambos le otorgan a la terapia psicológica. "Decidimos crear música en los sentimientos y en la terapia que hemos venido trabajando", dijo Escorcia al referirse al origen de esta puesta sonora.

Durán señaló que el propósito del proyecto no es presentar la música como sustituto de un proceso terapéutico, sino convertirla en un espacio de expresión. "Cuando tú lo puedes expresar lo empiezas a entender", afirmó, al explicar que el punk les permite exteriorizar de manera directa aquello que muchas veces permanece guardado.

Las canciones parten de experiencias personales de ambos integrantes, aunque sin convertirse en relatos autobiográficos. Según explicó la banda, cada composición transforma vivencias, conversaciones y emociones en historias abiertas a distintas interpretaciones. Entre ellas sobresale ‘Suficiente’, la pieza que cierra el álbum y que, de acuerdo con Durán, representa el momento en que una persona logra reconocerse como suficiente después de atravesar un proceso de crecimiento emocional.

El proyecto también refleja la filosofía ‘Do It Yourself’ que ha acompañado a la agrupación desde sus inicios. Las baterías fueron grabadas en Baltika Records entre 2023 y 2026, mientras que las voces, bajos, guitarras y demás arreglos se registraron en el estudio casero de Hesner Durán, quien además estuvo a cargo de la edición, mezcla y masterización del disco. La portada fue ilustrada por una artista anónima de 16 años y la banda desarrolló un ecosistema digital propio donde los oyentes pueden consultar las letras, los créditos, fotografías del proceso creativo y otros contenidos relacionados con la producción.

No Futuro presenta esta producción independiente que convierte el punk en un espacio para hablar de emociones, salud mental y procesos personales, manteniendo el espíritu de explorar nuevas formas de entender la catarsis y la vulnerabilidad humana.

El músico puertorriqueño continúa ampliando el universo de ‘Más Allá’, su primer álbum de proyección internacional, con el lanzamiento del videoclip de ‘Voy detrás de ti’, una de las canciones que abre el disco y que reúne el concepto que atraviesa toda la producción. La pieza audiovisual reconstruye el recorrido del artista a partir de imágenes de conciertos, giras y anteriores videoclips, para ofrecer una nueva lectura sobre la búsqueda y la identidad latinoamericana.

El video está construido con fragmentos de ‘La Fe’, ‘Desde el más allá’, ‘Continuar’, ‘Dime’, ‘Esfera’, ‘Hey tú’ y ‘Mía’, además de registros de presentaciones y recorridos promocionales realizados en Bogotá, Bolivia, México, Nueva York, Miami y Puerto Rico. En lugar de desarrollar una historia lineal, la producción reorganiza esos momentos para convertirlos en un retrato emocional del camino recorrido por el artista durante la internacionalización del trabajo.

Danny Fraticelli estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde contó cómo ha sido el proceso de creación de este nuevo trabajo discográfico y lo que significa este disco en su carrera musical.

"(Voy detrás de ti) Es cuando vas en pos de algo o de alguien. En este caso detrás de este amor, pero también puede ser motivador en la vida para lograr cosas", señaló Fretti. Según indicó, el tema fue elegido para abrir tanto el álbum como sus presentaciones en vivo por la energía que transmite.

El artista también contó que el videoclip reúne algunos de los momentos que marcaron la gira de promoción de ‘Más Allá’, proceso que considera fundamental para la expansión internacional del proyecto. "Ha sido la punta de lanza para internacionalizar el álbum. De verdad que lo atesoro mucho", afirmó.

Más allá del lanzamiento audiovisual, explicó que esta producción recoge una búsqueda personal relacionada con los lazos entre los países latinoamericanos. "Puerto Rico es parte de Latinoamérica y la unión de todos los que hablamos español. Este álbum lleva mucho de esa vulnerabilidad de nosotros los latinoamericanos, pero al mismo tiempo presenta ese tema de unión y conexión con la fuerza del rock", comentó.

Con más de 25 años de trayectoria, Fraticelli ha construido una propuesta del hard rock en español que inició en la agrupación ‘Materia Prima’ y consolidó posteriormente su carrera como solista. Un reto grande dentro del contexto en el que está la música en Puerto Rico debido al predominio de otros sonidos en la isla.

"Me he dado cuenta de que el momento histórico es perfecto. Hay personas esperando volver a escuchar rock latinoamericano, rock en su idioma. Pasa en Puerto Rico, pasa en Bogotá y pasa en los demás países que he visitado", concluyó el artista.

‘Love Is All I Have’, el reciente trabajo musical de la artista llega acompañado de un videoclip cinematográfico y del anuncio oficial de su próximo proyecto, ‘Room 12’, que verá la luz el 2 de septiembre de 2026.

El nuevo tema mantiene el sello que convirtió a LP en una de las voces más reconocibles del pop alternativo: Una interpretación intensa, letras honestas y una mezcla de folk, rock y pop que conecta con quienes han vivido el desamor, pero también con aquellos que buscan volver a empezar. La canción fue escrita junto al productor Mike Del Rio y explora el crecimiento personal después de una ruptura, demostrando que incluso las despedidas pueden convertirse en inspiración.

El videoclip, dirigido por Zack Mizurik, acompaña esa carga emocional con una propuesta visual elegante. LP recorre una finca rodeada de paisajes naturales y escenarios imponentes, reforzando el mensaje de introspección y libertad que transmite la canción.

El lanzamiento también marca el inicio de una nueva etapa para la artista, que este año recorre Europa, Reino Unido y Norteamérica con una gira mundial que celebra el décimo aniversario de ‘Lost On You’, el disco que la catapultó al reconocimiento internacional. En estos conciertos, además de interpretar el álbum completo que la convirtió en un fenómeno global, LP presenta por primera vez canciones de ‘Room 12’.

Aunque muchas personas la conocieron gracias al éxito de ‘Lost On You’, la trayectoria de LP va mucho más allá. Antes de consolidarse como solista, escribió canciones para artistas como Rihanna, Cher, Christina Aguilera, Backstreet Boys,Rita Ora, Leona Lewis y Céline Dion, demostrando que su talento también ha dejado huella detrás de escena.

Con ‘Love Is All I Have’, LP demuestra que sigue apostándole a la vulnerabilidad como su mayor fortaleza artística. Mientras sus seguidores esperan la llegada de ‘Room 12’, el nuevo sencillo confirma que la artista continúa reinventándose sin perder la esencia que la convirtió en una de las voces más auténticas de la escena musical internacional.

La banda colombiana Río Arriba presentó su primer álbum, que lleva el mismo nombre de la agrupación. Una producción que reúne ritmos tradicionales del Caribe colombiano con influencias del jazz, el pop y el rock para construir una propuesta donde la identidad del territorio y la conciencia ambiental ocupan un lugar central.

El trabajo discográfico fue producido en Groove Studios gracias a la Beca de Creación Artística del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y al proceso creativo que la agrupación desarrolló durante más de seis años. A través de canciones como ‘Ciudad de Fuego’, ‘Río Arriba’ y ‘Turpial’, el proyecto convierte la fauna, la flora y los paisajes del Caribe en el punto de partida de historias que dialogan con la memoria, la cotidianidad y la protección de los ecosistemas.

Mary Ángel y Jesús Vergara estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron acerca del proceso creativo del disco y explicaron que la propuesta nació de la necesidad de representar el Caribe colombiano desde una mirada contemporánea, sin perder los elementos que hacen parte de su tradición musical y cultural. 

La producción reúne instrumentos tradicionales como la tambora, el tambor alegre y la gaita con sintetizadores, guitarras y recursos propios del jazz y el pop. Esa búsqueda también se refleja en la experimentación sonora, que conserva detalles de la interpretación, como respiraciones y texturas de los instrumentos, para mantener el carácter humano de las grabaciones.

Las historias que atraviesan el trabajo, Mary Ángel explicó que varias de las composiciones parten de la fauna del Caribe colombiano para construir metáforas de la experiencia humana. “Turpial nació mientras atravesaba una situación muy fuerte de salud mental", periodo en el que observaba diariamente a estas aves desde la ventana de su casa y les pedía "ayúdame a entender qué es lo que tengo que hacer", una vivencia que terminó convirtiéndose en el punto de partida de la canción. Asimismo, dijo que ‘Río Arriba’ utiliza el recorrido del bocachico por el río Magdalena para reflexionar sobre los desafíos que enfrenta la especie y cómo esa travesía también representa las dificultades por las que pasan las personas.

El álbum contó con la participación de músicos invitados como Rodrigo Villalón, Mingo Sánchez, William Guzmán y Edward Rodríguez. La producción estuvo a cargo de Harbey Marín como coproductor, ingeniero de grabación, mezcla y master, acompañado por José Pupo, Daniel Ruíz y Daniel Silva en la ingeniería de grabación.

La historia de Río Arriba comenzó en la universidad, cuando sus integrantes se reunieron para participar en una presentación y, posteriormente, en la Serie Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Desde entonces, la agrupación ha consolidado una trayectoria que incluye presentaciones en escenarios como el Festival Ajazzgo, el Teatro Adolfo Mejía de Cartagena y el Festival Internacional de Jazz de Villa de Leyva, consolidando una propuesta que conecta la tradición musical del Caribe colombiano con nuevas formas de exploración sonora.

Desde hace tres décadas Bosa se ha caracterizado por tener uno de los festivales del rock más emblemático entre las localidades de Bogotá, que, si bien comenzó como un evento independiente liderado por los colectivos locales, al pasar el tiempo se adhirió, sin dejar la esencia, a su festival hermano: Rock al Parque. Sin embargo, previo a este, el sector de Bosa-Porvenir se vestirá de música, historias y creación este domingo 28 de junio.

Se trata de ‘Bosa: La escena del Rock’, que celebra 30 años de resistencia, allí confluirán los amantes del género y los apasionados del metal, más bandas distritales e invitados nacionales. “Desde que se creó luchamos para preservarlo, hemos autogestionado los recursos para realizarlo, no hemos parado, ni siquiera en pandemia, por eso la resistencia, además es de resaltar que en la localidad hay un ecosistema alrededor de estos ritmos”, dijo a LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Laura Daniela Patiño, coordinadora del Festival desde ‘La Mesa Local del Rock y Metal’.

El evento fue fundado por la Corporación Intillapa, y cuenta con la colaboración de ‘La Mesa Local’ y ‘FunviRock’, colectivos conformados en los barrios. Para esta oportunidad es impulsado también por la Alcaldía Local de Bosa: “Desde el sector cultura le apostamos a esta iniciativa y contamos con una articulación con Idartes y la Secretaría de Desarrollo Económico”, manifestó por su parte, Daniela Agudelo, coordinadora desde la Alcaldía Local.  

Bandas locales

En total serán ocho bandas locales las que estarán escena, las cuales fueron ganadoras de la convocatoria del Festival donde se presentaron cerca de 30 agrupaciones. Las elegidas son:

Además, estarán dos bandas nacionales, dos Distritales y una invitada especial, a la fecha las confirmadas son: 

•    Dark Wisdom (Distrital) •    Anomia (Cartagena) •    Luciferian (Nacional)

El encuentro contará con la presencia de 50 emprendimientos de la localidad que ofrecerán sus productos alrededor de la cultura del rock de la mano de ilustradores, diseñadores, creadores y artistas. 

El Festival se llevará a cabo en el ‘Parque Metropolitano El Porvenir’ el 28 de junio, de 12:00 m. a 9:00 p.m.

Vea la entrevista completa en este video:

‘Q-Artango’ es la más reciente producción discográfica del bandoneonista y compositor colombiano Giovanni Parra junto al Cuarteto Q-Arte. El álbum presenta un diálogo entre el bandoneón y el cuarteto de cuerdas, incorporando elementos del tango, la música de cámara y sonoridades provenientes de la tradición andina colombiana.

Giovanni Parra habló sobre el proceso detrás de ‘Q-Artango’, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, asimismo recordó que buena parte de su formación artística estuvo marcada por los años que pasó en Buenos Aires, ciudad en la que profundizó en el estudio del bandoneón y el tango. 

Bajo la coproducción musical de Alejandro Sánchez-Samper, el trabajo discográfico presenta una sonoridad que transita entre la tradición y la exploración contemporánea. Aunque parte de elementos asociados al tango, también incorpora recursos propios de la música de cámara y referencias a géneros colombianos como el bambuco y el pasillo.

El repertorio está compuesto por diez obras, nueve de ellas escritas y arregladas por Parra. Entre las piezas se encuentran ‘Tangoni’, ‘Don Gordon’, ‘Astor’, ‘Bambuquilia’ e ‘Ivansillo’, además de adaptaciones de trabajos anteriores como ‘Milonguín’ y ‘Bogotá-Buenos Aires’. El recorrido concluye con ‘Q-Artango’, composición que da nombre al álbum y que fue creada especialmente para este formato instrumental.

En la construcción sonora del proyecto, el Cuarteto Q-Arte desempeña un papel fundamental. Integrado por Santiago Medina, Liz Ángela García, Sandra Arango y Diego García, el ensamble establece un intercambio constante con el bandoneón, distribuyendo las líneas melódicas entre todos los instrumentos y alejándose de las jerarquías habituales dentro del cuarteto de cuerdas.

La colaboración entre ambas partes surgió a partir de una invitación realizada por el Cuarteto Q-Arte para interpretar algunas composiciones de Parra. Lo que inicialmente contemplaba unas pocas obras terminó convirtiéndose en una producción completa centrada en su trabajo como compositor.

Tanto el cuarteto como el bandoneonista comparten una trayectoria vinculada a la exploración de nuevas posibilidades dentro de la música latinoamericana. Mientras Q-Arte ha desarrollado proyectos enfocados en la música contemporánea, la creación de repertorio y la formación de públicos, Parra ha consolidado una carrera dedicada al diálogo entre el tango, la música andina colombiana y los formatos de cámara.

‘Q-Artango’ se encuentra disponible en plataformas digitales y contará con edición física en formato CD.

Bogotá será el escenario del gran cierre de ‘Historias que Cantar’, la primera gira nacional del artista independiente Diego López, quien tendrá dos presentaciones especiales esta semana en el marco de las celebraciones por la diversidad y la inclusión en la capital. 

El recorrido, que llevó su música por ciudades como Medellín, Cali, Pereira, Armenia y Manizales, llegará a su punto culminante con una presentación en el Festival por la Igualdad de La Fuga el 26 de junio y, dos días después, con un concierto en la Plaza de Bolívar durante la conmemoración de los 30 años de la Marcha Distrital de la Igualdad. 

Lo que comenzó como una apuesta artística independiente se ha convertido en un proyecto que gana cada vez más fuerza dentro de la escena musical colombiana. Con ‘Historias que Cantar,’ Diego López ha conectado con el público a través de canciones que hablan del amor, la memoria, la pérdida, la esperanza, la diversidad y la resiliencia, temas que atraviesan experiencias cotidianas y generan una conexión emocional con quienes lo escuchan. 

La presentación en la Plaza de Bolívar tendrá un significado especial. Además de marcar el final de la gira, el artista será el encargado de cerrar una de las celebraciones ciudadanas más importantes del país, un evento que durante tres décadas ha promovido el respeto, la inclusión y la libertad de expresión. 

Uno de los elementos más llamativos de sus conciertos es la presencia de ‘La Secta’, un coro góspel conformado por cantantes con amplia experiencia coral, que acompaña al artista en varias de sus presentaciones y aporta una fuerza vocal poco común en la escena nacional. Este formato también quedó plasmado en las Soul Sessions, una serie de grabaciones en vivo que han sido bien recibidas por el público y que muestran una faceta más íntima y poderosa de su propuesta artística. El propio cantante define su estilo como “Soul Rock pa’ curarse el alma”, una fórmula con la que ha construido una identidad propia dentro del circuito independiente nacional. 

En los últimos años, la carrera de López ha tenido un crecimiento constante. Fue invitado como solista por la Orquesta Sinfónica de Bogotá, se presentó en escenarios emblemáticos como el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, participó en importantes mercados musicales del país y agotó varias fechas de sus primeras giras nacionales.

Además de las canciones que integran ‘Historias que Cantar’, el artista ha lanzado sencillos como ‘Ya No Queda Nada’, ‘Privilegio y Rabia’, temas que reflejan distintas facetas de su universo creativo, desde las historias de amor y desamor hasta reflexiones sobre la realidad social y la necesidad de dar voz a quienes suelen permanecer invisibilizados.

Estas presentaciones tendrán un significado especial no solo para el cantante, sino también para quienes han seguido su evolución artística. Más que el final de una gira, será la celebración de un proyecto musical que ha crecido desde la independencia, apostándole a la autenticidad, las emociones reales y el poder de las historias cantadas. Con miles de asistentes esperados en la Plaza de Bolívar, Diego López se prepara para vivir una de las noches más importantes de su carrera y confirmar por qué es una de las voces con mayor proyección de la música colombiana actual.

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Existe una planta mágica que crece en la ciudad, sorprendentemente sobrevive al ruido y reverdece en medio del concreto. Su nombre es ‘Tensión Flora’ y representa un sueño musical nacido en 2023, que tiene como objetivo transformar las contradicciones de la vida urbana en melodías cargadas de honestidad, resiliencia y sensibilidad.

Desde Quito, Paulo López, Santiago Jarrín, José Álvarez ‘Simba’ y Keer Castillo han construido una propuesta que mezcla el pop-rock con influencias que van desde Fleetwood Mac y The Killers hasta Beck y Prince. Un proyecto que nace de la necesidad de contar su propia versión de las calles, las relaciones rotas y la constante ambivalencia entre lo que se siente y lo que se demuestra.

“Desde el inicio nos vimos impulsados a construir una hermandad que nos mantiene muy unidos fuera del escenario. Poner sobre la mesa lo que somos nos permitió comprendernos mejor, alinearnos en la composición y trabajar con las emociones más expuestas. Además, grabar, producir y presentarnos en vivo ha implicado sortear toques de queda y confrontar un entorno marcado por la inseguridad”, contó el guitarrista Santiago Jarrín en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una razón para quedarse: El cierre de una relación tóxica con ‘Tanta Miel’

En su más reciente sencillo, la banda aborda la sensación de querer irse, pero quedarse atrapado por aquello que resulta lo suficientemente “dulce” o atractivo para no soltar. Una exploración de la dependencia emocional y de vínculos que pueden volverse nocivos. 

Por medio de la canción presentan al público una profunda reflexión: El desprendimiento de todo aquello que aprisiona, no solo en el plano afectivo, sino también frente a estructuras sociales que pueden discriminar, criminalizar y ejercer violencia.

“‘Tanta Miel’ es ese momento en el que uno se engolosina con alguien o con algo y, aun sabiendo que no conviene, le cuesta mucho dejarlo. Es la historia de una ruptura atravesada por esa sensación de atracción que atrapa y confunde, como algo que parece muy hermoso al inicio, sin embargo, que con el tiempo termina rompiendo y fracturando por dentro”, agregó el vocalista Paulo López.

Esta producción abre paso al primer LP de Tensión Flora, un trabajo compuesto por seis canciones que abordan temas como la injusticia, la vida urbana y las relaciones humanas desde una mirada profundamente personal. A la lista se unen títulos como ‘Pa Probar’, ‘Baile de Miradas’ y ‘El Delito’.

La magia de las calles empedradas, el legado colonial y la imponente presencia del macizo de Iguaque vuelven a abrirse al mundo, esta vez al ritmo del ‘VillaJazz Fest’, un encuentro que, más allá de los conciertos, propone una pausa al ruido cotidiano para reconectar con la esencia, el arraigo y la relación con el territorio a través de los sonidos.

Bajo el lema ‘Volver al Origen’, la decimosexta edición del Festival presenta la ‘Ruta de los Sentidos’, una nueva experiencia que expande la música más allá de la Plaza Mayor. Hoteles, bares y restaurantes se convertirán en anfitriones e invitarán al público a disfrutar de una serie de aromas, sabores y conciertos íntimos.

“En esta oportunidad contamos con una franja académica muy interesante, además vamos a entregar unas becas de estudio. Se contará también con la participación de músicos de Colombia, México y Chile. La invitación es a aprovechar el puente festivo y descubrir un género que va más allá de lo tradicional”, contó Arián Cuervo, líder del evento en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este escenario reunirá agrupaciones como ‘La Pintana’ de Chile; la Big Band de la Universidad Sergio Arboleda; la Big Band del Teatro Colsubsidio-EMMAT y la Big Band EFAT de Tocancipá.

El concierto de inauguración tendrá lugar el viernes 26 de junio en el Claustro de San Francisco. La noche de apertura estará a cargo de Electrik Combo de Tunja y el quinteto del guitarrista chileno Felipe Duhart. A la lista, se suman artistas nacionales e internacionales como Irene Albarrán, Melei, Frailejón, Daliah y Byron Sánchez (BS4TO).

“La invitación más importante es para quienes todavía no conocen este género. Lo que hicieron los grandes maestros del jazz ya está escrito, pero nuestra mayor fortaleza está en los ensambles que traemos desde Colombia. Ahí es donde realmente podemos enriquecer este lenguaje y aportar algo distinto”, agregó Cuervo.

Previamente, los días 24 y 25 de junio, se desarrollará un Bootcamp de alta formación que abordará tres ejes fundamentales: Interpretación, producción e industria de la música. Además, la agenda académica y comunitaria se complementará con talleres de canto,

franjas didácticas para niños y jam sessions. Para conocer más información visite las redes sociales @villajazzfest.

La búsqueda artística de La Zorra Zapata ha estado marcada por el cambio, la exploración y la reinvención. Lo que comenzó como un camino ligado a las artes visuales terminó encontrando en la música un espacio para desarrollar una propuesta propia que hoy la ha llevado a recorrer escenarios de distintos países y a consolidar una identidad sonora construida desde la experimentación y la sensibilidad. La cantante estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre su trayectoria, su proceso creativo y los proyectos que acompañan el momento actual de su carrera.

Detrás de La Zorra Zapata se encuentra Nuria Zapata, una artista que durante varios años desarrolló su trabajo en disciplinas como las artes plásticas y la creación editorial. Sin embargo, una inquietud constante por la música terminó impulsándola a dar un giro a su carrera y comenzar un proceso de aprendizaje que la llevó a la composición, la producción y la interpretación musical.

Ese cambio tomó forma en 2020, un periodo que se convirtió en un punto de partida para la construcción de su proyecto artístico. Desde entonces, ha desarrollado una propuesta que combina elementos del folk, la electrónica y el pop alternativo, mientras construye canciones atravesadas por la observación, las emociones y las experiencias personales.

Esa mirada se refleja en ‘I Love You Baby’, su más reciente proyecto discográfico. El álbum reúne una serie de canciones que exploran diferentes facetas del amor romántico, abordando temas relacionados con el enamoramiento, la pérdida, la dependencia emocional y las contradicciones que suelen acompañar las relaciones humanas.

Uno de los adelantos de este trabajo es ‘Amor Completo’, una reinterpretación de la canción original de Mon Laferte. La versión propone una nueva lectura sonora de la obra, transformando su estructura musical para llevarla hacia territorios más íntimos y experimentales, sin perder la carga emocional que caracteriza al tema.

Su trayectoria ha estado acompañada por un constante intercambio cultural. Aunque se reconoce profundamente vinculada a Perú, la artista ha desarrollado gran parte de su carrera entre distintos países de América Latina, una experiencia que ha enriquecido su visión artística y que se refleja en una propuesta donde conviven influencias, sonidos y referencias provenientes de diferentes lugares de la región.

En los últimos años, su trabajo ha alcanzado una mayor visibilidad dentro del circuito musical independiente. Ha realizado presentaciones en diversos escenarios internacionales, participado en encuentros especializados de la industria y desarrollado colaboraciones con artistas y productores de distintos países, consolidando una carrera que continúa expandiendo sus horizontes.

Más allá de su carácter llamativo, el nombre del proyecto siempre ha causado revuelo entre sus seguidores, Nuria explicó que la elección responde a una intención de resignificar palabras y generar reflexiones sobre los significados que adquieren ciertos términos dentro de la cultura popular y el lenguaje cotidiano.

Lejos de detenerse, La Zorra Zapata continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, convirtiendo cada viaje, encuentro y emoción en parte de una propuesta musical en constante transformación.