José Mrochek presenta un álbum en vivo grabado en los legendarios ‘Criteria Studios’ de Miami que reúne 9 nuevas versiones de las canciones de ‘YOSSI’, presentado en el 2025. Más allá de registrar una sesión en directo, el trabajo representa un momento de reencuentro con la música, sus composiciones y el escenario.

El disco fue registrado junto a un ensamble conformado por músicos de la ‘Latin GRAMMY House Band’ y propone una experiencia mucho más cercana, donde las líricas toman el protagonismo y la interpretación se desarrolla desde la intimidad, dejando que cada arreglo y cada silencio hagan parte del relato.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen y el proceso personal que terminó convirtiéndose en el eje del álbum.

La idea de grabar ‘Una tarde en Miami’ surgió luego de varios años en los que se alejó de la composición. La pandemia llegó cuando Aviónica atravesaba uno de los mejores momentos de su carrera y, poco después, enfrentó la pérdida de sus padres, una experiencia que transformó por completo su relación con la música.

"Me tardó varios años volver a ser yo mismo, a sentir que puedo escribir canciones otra vez, que puedo grabarlas. Pero aquí estamos de vuelta reconectando con la gente y siento que es el mejor disco que hice hasta el momento", aseguró.

Ese concepto de reconexión atraviesa todo el álbum. Los temas, que originalmente fueron grabadas en Nashville junto a Aaron Sterling, Sean Hurley y Andrew Synowiec, encuentran ahora una nueva lectura en vivo, más espontánea y cercana, en la que la presencia pesa más que la producción y la emoción termina guiando cada interpretación.

Uno de los momentos más importantes del disco llega con ‘Niña de Tel Aviv’, elegida como focus track del lanzamiento. La pieza aborda la identidad, la pertenencia y la resistencia desde una mirada profundamente humana. "Es una canción más seria, quizá la más seria del disco. Es un tema del que a veces me duele hablar, pero musicalmente es una de las canciones que más quiero", afirmó.

Para Mrochek, aunque el género ya no ocupe el lugar dominante dentro de la industria musical, mantiene una relación muy especial con su audiencia. "Hoy el rock no es el género más popular, pero sí el más querido. Tiene los seguidores más fieles", señaló.

La percusión, la voz y la experimentación convergen en un mismo lugar: La mente de Thaissa, una mujer que creció rodeada de las melodías de su padre, dio sus primeros pasos como cantante y, con el tiempo, encontró en los tambores una extensión de su propio cuerpo.

Como ella misma lo dice, “ser la vecina ruidosa” hace parte de su cotidianidad. Su identidad musical no responde a un único género; el rock, el neo-soul, el R&B, el hip hop y la electrónica se entrelazan para dar forma a un proyecto homónimo que, durante cuatro años, revelará un universo sonoro compuesto por cuatro actos bajo el concepto de ‘Temperamento’.

“Una artista no está hecha de un solo sonido. Está construida por las canciones que escuchó en su infancia, los instrumentos que aprendió a dominar y las influencias que encontró en el camino. Todo nació a partir del ritmo. Por ejemplo, tengo una guitarra al frente, que es un instrumento armónico, pero yo decido abordarla desde su lado rítmico. Al final, todo es un juego, y eso es lo que más me gusta”, contó Thaissa en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Temperamento’: Una ambiciosa tetralogía sonora

Desde este 2026 hasta el próximo 2029, el proyecto de la cantautora estará dividido en cuatro capítulos: ‘Palabra’, ‘Surco’, ‘Bramido’ y ‘Alteridad’, entregas que compartirán un mismo universo creativo, pero recorrerán diferentes géneros.

El primer volumen, ‘Palabra’, se construye con la fuerza de las letras y la intención del mensaje. Allí aparecen temas que exploran el amor, el desamor y las emociones humanas con una mirada íntima, mientras que los siguientes capítulos buscan transitar por otros territorios: El hip hop, los sonidos electrónicos, el rock y una búsqueda más experimental.

“Con estos cuatro EP quiero recoger todas esas músicas diferentes que hacen parte de mí, que me rodean y que disfruto. Dije: ‘metamos todo en un mismo lugar, construyamos una estética que abrace esas diferencias y que sea parte del universo del disco’. Si uno quiere intentar hacer cosas nuevas, hay que atreverse; no tener miedo ni desconfiar de lo que uno puede crear”, puntualizó la artista.

Thaissa dio a conocer esta nueva etapa en un concierto en Casa Kilelé, escenario en el que transformó las versiones de estudio con nuevos arreglos, una propuesta de percusión y bajo, además de la participación de invitados especiales.

La agrupación banda colombiana de rock alternativo presenta ‘Dualidad’, una producción que reúne años de trabajo creativo y que refleja la evolución musical de un grupo una agrupación que ha convertido las emociones y las experiencias personales en el eje central de su propuesta artística.

Nacida en 2013 en Madrid, Cundinamarca, Discordia fue fundada por cinco amigos que compartían la pasión por la música desde la época escolar, con los años se consolidó como una banda que busca conectar con el público a través de letras honestas, capaces de representar sentimientos universales y convertirse en la voz de quienes encuentran en sus canciones un espacio de identificación.

Más allá del significado tradicional de la palabra "discordia", la banda se centra en aquello que ocurre después del conflicto: Las emociones, los aprendizajes y las transformaciones que nacen tras enfrentar momentos difíciles. Esa visión es precisamente la que da vida a ‘Dualidad’, un disco que explora las diferentes perspectivas de una misma experiencia.

En esta primera entrega, correspondiente al Lado A del álbum, la banda desarrolla historias que transitan entre la luz y la oscuridad, abordando temas como el desamor, las luchas sociales y los conflictos internos que forman parte de la vida cotidiana.

Musicalmente, ‘Dualidad’ mantiene como base el rock alternativo, pero incorpora riffs inspirados en el hardcore, gritos y una marcada intensidad sonora que convive con elementos electrónicos, aportando frescura y dinamismo a cada composición. El resultado es un álbum que equilibra fuerza, melodía y experimentación.

“Yo diría que lo más bacano ha sido la base personal, cada uno lo ha hecho muy bien, porque cuando grabamos los primeros temas, en el primer álbum regrabamos muchas cosas, ahí hicimos el ejercicio de grabar en la casa de la abuela de Nico, y aunque no era un nivel muy alto, sonaba la batería, el quiquique a la hora de golpear el bombo y había muchas cosas técnicas que no se lograban, inclusive yo también cantaba muy diferente y con el tiempo eso mejoró. Hoy en día, después de mucho, se logra sentir una madurez y un concepto frente al álbum mucho más elaborado, manifestó Steven Buitrago, en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Las influencias musicales que dieron forma al proyecto son diversas. En el sonido de Discordia convergen referencias internacionales como Bring Me the Horizon y Turnstile, junto a clásicos que han marcado el gusto personal de sus integrantes, como Soda Stereo y The Beatles.

El álbum presenta seis canciones que exploran distintas emociones y estados de ánimo. ‘Mi sangre’ se destaca por su carácter contestatario y contundente; ‘Bajo las llamas’ despliega una energía explosiva; ‘No es amor’ ofrece una mirada nostálgica y vibrante; ‘Dispuesto a perder’ invita a la reflexión; ‘Alma’ combina euforia y melancolía; mientras que ‘Vacío’ cierra esta primera etapa con una propuesta potente y cargada de nostalgia.

La identidad visual del disco también hace parte del concepto. Tanto el nombre como la portada de ‘Dualidad’ representan las múltiples caras que puede tener una misma situación y los diferentes sentimientos que pueden coexistir en una persona. El arte busca reflejar ese estado emocional cambiante, en el que el amor, el desamor, la incertidumbre y la esperanza conviven como parte de la experiencia humana.

‘Dualidad’ está concebido en dos partes: Lado A y Lado B. La segunda entrega será publicada durante el segundo semestre del año, entre septiembre y octubre, y ampliará el universo sonoro del álbum con nuevas canciones que continuarán explorando las emociones, las vivencias y las experiencias que han definido el camino artístico de Discordia.

La entrevista completa a continuación:

La artista colombiana Laura Lizcano estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde habló acerca del origen de ‘Amor Tranquilo’, una canción que nació durante la pandemia y que parte de una experiencia cotidiana para reflexionar respecto a la forma en que las personas aprenden a habitar su cuerpo y reconciliarse con sus transformaciones.

La composición surgió tras la aparición de una cana, un momento que llevó a la cantante a cuestionar la manera en que suele asumirse el envejecimiento. "No vamos a vivirlo como algo negativo, sino como algo bonito", explicó. A partir de esa idea comenzó a construir una obra en la que las canas, las estrías y el mar funcionan como metáforas de un cuerpo que cambia constantemente, pero que conserva su historia.

Asimismo, ese concepto marcó la construcción musical del sencillo. Aunque el tema fue escrito inicialmente en inglés, terminó encontrando en la chacarera, un ritmo y danza folclórica tradicional de Argentina, el lenguaje sonoro que mejor acompañaba su narrativa. El resultado es una pieza que dialoga con la tradición latinoamericana mientras desarrolla una visión contemporánea sobre el amor propio, la feminidad y la aceptación.

Su acercamiento a las músicas latinoamericanas ocurrió después de varios años de formación en jazz. Creció escuchando principalmente música en inglés, pero fue durante sus estudios universitarios cuando comenzó a explorar las tradiciones musicales de la región y a encontrar referentes como Natalia Lafourcade, Mon Laferte y Silvana Estrada. Ese proceso terminó definiendo una propuesta artística que hoy combina la libertad del jazz con las raíces del folclor latinoamericano.

La artista, radicada en Nueva York desde los diez años, señaló que vivir en una ciudad atravesada por la migración fortaleció esa búsqueda de identidad. "Cuando estás con muchas personas que hacen la misma música, lo mejor que puedes hacer es ser tú mismo", afirmó al referirse a una escena cultural donde conviven múltiples lenguajes, tradiciones y formas de entender la creación musical.

Más allá de hablar de las relaciones de pareja, esta canción plantea una reflexión sobre la relación que cada persona construye consigo misma. Para Lizcano, el amor propio no puede entenderse como una idea idealizada ni como una experiencia permanentemente armoniosa. "El amor propio no es algo que necesariamente siempre es bonito o fácil", afirmó, al señalar que aceptar las imperfecciones también hace parte del proceso de crecimiento personal.

Hay canciones que nacen para contar una historia y otras que terminan convirtiéndose en la única forma posible de expresar aquello que las palabras no alcanzan a decir. En ese lugar se encuentra ‘Clavel’, el más reciente lanzamiento de Noah Froid, un proyecto que ha construido su identidad alrededor de la introspección, la honestidad emocional y la exploración de los distintos matices del amor.

Detrás de Noah Froid está Samuel Gallego Mesa, cantante, guitarrista y tecladista colombiano que comenzó a desarrollar este universo creativo en Medellín durante 2023. El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de su trabajo musical y lo que representa esta canción para su nueva etapa discográfica.

Aunque el nombre podría sugerir la existencia de un alter ego, el cantante entiende ambas identidades como parte de una misma persona. ‘’Noah Froid no representa una ruptura con Samuel, sino una manera de proyectar sobre el escenario las emociones y reflexiones que nacen durante el proceso creativo, manteniendo un constante vínculo con quien las experimenta.

"Siempre he tenido muy presente que Samuel y Noah hagan parte del mismo mundo. No quiero desligar el personaje artístico de quien soy en el día a día, porque siento que ahí está la autenticidad del proyecto", explicó el cantautor. También aseguró que perderse completamente en el personaje puede resultar contraproducente y que su intención es que el público conecte con experiencias reales antes que con una figura fabricada. construida.

La propuesta busca abrir un espacio para que las personas conecten con sus emociones a través de canciones construidas desde experiencias personales. Sus composiciones abordan estados como la tristeza, la esperanza, la fuerza interior y los distintos matices del amor, apoyadas en influencias que van del rock, el blues y el jazz hasta la música clásica y el rock psicodélico.

En ese contexto aparece ‘Clavel’, una composición que aborda el deseo de acercarse a una persona, evocando recuerdos, anhelos y la necesidad de expresar aquello que resulta difícil comunicar en una conversación. La canción nació a partir de una experiencia personal que permaneció durante años antes de convertirse en música y cuyo proceso creativo se extendió por varios meses hasta encontrar su forma definitiva.

"La historia nace cuando conocí a una persona muy importante. El tema terminó siendo como una declaración y un desahogo de todo aquello que tenía que decir, pero que en palabras era casi imposible expresar", contó Froid.

El tema desarrolla ideas como la esperanza, el amor genuino y la intensidad emocional. Su recorrido musical acompaña esa evolución narrativa: Parte desde un ambiente íntimo y contenido para desembocar en un cierre de mayor fuerza, reflejando el crecimiento emocional que propone la obra.

La agrupación está integrada por Samuel Gallego Mesa (voz, guitarra y teclados), Juan Esteban López Arango (batería), Juan Pablo Restrepo Guzmán (bajo) y Juan Pablo Orozco Martínezaparicio (teclados y atmósferas), quienes acompañan una propuesta que busca construir experiencias donde la emoción ocupa un lugar central.

Aunque inicialmente ‘Clavel’ fue concebida como parte de un EP, finalmente se publicó como sencillo debido a la fuerza que adquirió como obra independiente. El lanzamiento abre una nueva etapa para Noah Froid, que continúa explorando una estética cálida e introspectiva centrada en las distintas formas del amor.

Con una identidad sonora cada vez más sólida, el grupo continúa explorando una propuesta donde las líneas de bajo, los sintetizadores y las percusiones se convierten en protagonistas. En esta ocasión, ‘Dame To’ apuesta por un sonido contagioso, acompañado de una letra que invita a dejarse llevar por el momento, disfrutar la fiesta y conectar con la energía del baile.

El lanzamiento hace parte de una nueva etapa artística para la agrupación, que ha venido consolidando su presencia en la escena alternativa latinoamericana. La banda, radicada en Barcelona y liderada por el productor peruano Ginope, ha llamado la atención por mezclar funk contemporáneo, pop alternativo y música electrónica con influencias latinas, una combinación que le ha permitido construir un estilo propio.

En los últimos meses, Funky Munchies también dio un paso importante en su internacionalización al presentarse por primera vez en Colombia durante BIME Bogotá, uno de los encuentros más relevantes para la industria musical iberoamericana. Allí mostró parte de su propuesta en vivo y confirmó su interés por fortalecer su conexión con el público latinoamericano.

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Más allá de un lanzamiento musical, ‘Dame To’ refleja la esencia del proyecto: Canciones dinámicas, grooves pegajosos y una producción que apuesta por la fusión de géneros sin perder la identidad. El sencillo busca convertirse en la banda sonora de reuniones, festivales y noches de baile, manteniendo ese equilibrio entre sonidos orgánicos y electrónicos que caracteriza a la agrupación.

La proyección internacional de la banda también sigue creciendo gracias a colaboraciones con artistas de diferentes países y a la preparación de nuevo material discográfico, con el que esperan ampliar su alcance dentro de la escena independiente y consolidarse como una de las propuestas emergentes más interesantes del circuito alternativo latino.

Con ‘Dame To’, Funky Munchies demuestra que su apuesta va mucho más allá de un sencillo: Es una invitación a disfrutar la música sin prejuicios, a bailar con libertad y a descubrir un proyecto que continúa sumando seguidores gracias a su mezcla de ritmos, frescura y personalidad.

Mientras el mundo observa la guerra a través de cifras, edificios destruidos y titulares, hace algunos meses un profesor palestino decidió responder de otra manera. Rodeado de niños desplazados por el conflicto, convirtió el incesante sonido de los drones militares en una canción improvisada. Aquella escena, grabada con un celular, terminó inspirando una de las producciones más recientes del dúo Cumbiáfrica.

Integrado por Lina Rojas y Leonardo Gómez Jattin, este proyecto nació en Colombia durante la pandemia con el lanzamiento de 'Morenita'. Poco después encontró un nuevo hogar en Sevilla, España, donde comenzó a tender puentes entre culturas al fusionar tamboras, bullerengue, músicas afrocolombianas y voces tradicionales con la fuerza del Latin House y el Afro House.

“España es una especie de eslabón perdido que conecta el mundo de Medio Oriente con Latinoamérica. Es una vía que genera mestizaje, comunicación e intercambio entre culturas. En Cumbiáfrica, cada canción parte de la curiosidad y del aprendizaje, ha sido una forma renovada de hacer lo que siempre nos ha gustado: Música tradicional colombiana”, contó Jattin en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su más reciente lanzamiento, 'Sheel Sheel (Drone Song)', toma como punto de partida una canción tradicional palestina sobre la lucha y el arraigo. Para escribir la versión en español, recopilaron testimonios de víctimas del conflicto en Gaza y los convirtieron en versos como "Somos olivos que no pueden desenterrar".

La producción mezcla sonidos del Arab House, un género de electrónica inspirado en los sonidos de Medio Oriente, con influencias del flamenco y la música latina. Además, el videoclip reúne imágenes de niños palestinos, bailarines de dabke, escenas grabadas en Sevilla y registros del colectivo ‘Gaza Birds Singing’, una escuela de música que trabaja con menores afectados por el conflicto y a la que el dúo asegura destinará el cien por ciento de las regalías generadas.

‘Batonga’: La segunda parada del viaje musical

Cumbiáfrica une por primera vez su universo sonoro con el de Angélique Kidjo, una de las voces más influyentes de la música africana y ganadora de cinco premios Grammy. Interpretada en fon, lengua originaria de Benín, y español, el tema revive uno de los clásicos de la artista desde una nueva propuesta que incorpora percusiones afro house, ritmos latinoamericanos y versos inéditos sobre la fuerza femenina.

La agenda de lanzamientos continuará durante los próximos meses con 'Alma Mía', inspirada en la champeta africana; 'La Escalera', una reinterpretación de la tradición musical del Pacífico colombiano con la marimba de chonta como protagonista; y 'Navegar', una propuesta de sonidos antillanos que cerrará esta nueva etapa creativa.

Con una carrera dedicada a preservar y llevar la música tradicional colombiana a escenarios de todo el mundo, Martina Camargo continúa demostrando que el folclor también puede dialogar con las emociones del presente. Esta vez lo hace con ‘Gritan los Corazones’, una obra inspirada en el ambiente mundialista que utiliza el fútbol como un lenguaje capaz de conectar culturas, generaciones e historias alrededor de un mismo sentimiento.

Durante la entrevista, la artista habló de la inspiración detrás del lanzamiento y de cómo la música, al igual que el deporte, tiene la capacidad de derribar fronteras. Para Martina, el balón y las canciones comparten algo esencial: Ambos despiertan emociones que pueden convertirse en un mensaje de paz, respeto y esperanza para el mundo.

La colaboración con Chaco marcó otro de los momentos destacados del lanzamiento. El productor compartió cómo fue construir una propuesta que mezcla los sonidos tradicionales del Caribe colombiano con una producción contemporánea. Martina, por su parte, no dudó en expresar la admiración que siente por él y aseguró que trabajar juntos ha sido un honor y un verdadero placer, una conexión artística que quedó reflejada en cada detalle de la canción.

La entrevista completa con Martina Camargo y Chaco ya está disponible en el canal de YouTube, donde compartieron más detalles sobre este lanzamiento que une tradición, fútbol y un mensaje de paz.

Desde algún lugar del multiverso llega un viajero dispuesto a cuestionar la sociedad a través del sonido. Con su icónico traje azul, gafas plateadas y una estética retrofuturista inspirada en la ciencia ficción, Swami Castro tiene como objetivo trascender los formatos tradicionales para convertir cada canción en una historia y cada concierto en una experiencia inmersiva.

Entre las calles de Nueva York y Nueva Jersey, el cantautor independiente encontró la identidad musical con la que hoy busca conquistar al público. En ese camino nació el ‘Latin Dancing Rock’, una fórmula que abre un nuevo portal llamado ‘6 razones para no amar’.

“Soy un nómada interdimensional que busca información en lugares donde han pasado cosas, la convierto en canciones para ayudar a las personas y ayudarme a mí mismo a superar esto que llamamos vida. El que se queda con lo que le dicen y no investiga, está viviendo la historia de alguien más”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este disco no busca definir qué es el amor, sino mostrar todo aquello con lo que suele confundirse. A través de seis canciones, plantea una especie de "manual" para que el oyente descubra si realmente está construyendo un vínculo genuino o simplemente viviendo una relación pasajera.

La idea surgió de una pregunta que Swami se hizo desde niño: ¿Qué es realmente el amor? Con el paso de los años, esa inquietud se convirtió en el eje conceptual de este álbum que explora el autoengaño, la soledad y las contradicciones humanas. El recorrido inicia con ‘Bye Bye Corazón’ y continúa con canciones como ‘Terriblemente Bien’, ‘Corazón Amnésico’ y ‘Daño Colateral’.

"Uno normalmente se da cuenta de que ama a alguien cuando ya salió de eso y piensa: 'Ahí sí había algo que valía la pena y no lo valoré'. Si estás siguiendo alguna de estas seis razones, déjame decirte que no estás amando; la estás pasando rico, pero no es amor”, agregó el músico.

Actualmente, este piloto retro-futurista, recorre Latinoamérica con la gira ‘Volvería a Empezar’, una travesía que busca llevar al público más allá del concierto convencional y sumergirlo en un portal de luces neón, efectos glitch y referencias retrofuturistas.

La cuenta regresiva comenzó. Bogotá volverá a convertirse en la pista de baile más grande de Colombia con el regreso de Monumentum: Bogotá Distrito Rave 2026, el festival gratuito de música electrónica que celebrará su quinta edición el próximo 25 de julio, consolidándose como uno de los encuentros más importantes para la escena electrónica nacional.

Desde la 1:00 p. m. hasta las 9:00 p. m., la histórica Plaza de Bolívar cambiará por completo su ambiente para recibir a miles de amantes del techno, house y otros sonidos electrónicos en una jornada que promete música, arte, cultura y una puesta en escena de gran formato. El ingreso será libre hasta completar el aforo y estará habilitado únicamente para mayores de edad.

Más que un festival, Monumentum se ha convertido en un símbolo del crecimiento de la cultura electrónica de la ciudad. Lo que comenzó como una apuesta por abrir espacios para este género musical hoy reúne a artistas de talla internacional, talentos locales, colectivos independientes y una comunidad que cada año demuestra que la música electrónica también hace parte de la identidad cultural de la ciudad.

La edición 2026 también contará con experiencias culturales, zonas de bienestar, emprendimientos creativos y actividades enfocadas en promover la convivencia y el respeto entre los asistentes. La iniciativa es liderada por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) y hace parte de la estrategia que busca fortalecer el centro de Bogotá como un escenario para las grandes manifestaciones culturales.

Uno de los aspectos que más expectativa ha generado este año es la convocatoria para descubrir al nuevo talento bogotano que tendrá la oportunidad de abrir el evento, una iniciativa que busca impulsar a los DJs emergentes y darles visibilidad ante miles de espectadores.

Con esta nueva edición, Monumentum reafirma el papel de Bogotá como un referente latinoamericano de los eventos musicales gratuitos. Así como Rock al Parque revolucionó la escena del rock durante décadas, este encuentro busca consolidar a la capital como un destino obligado para la música electrónica y la cultura rave.

Quienes planeen asistir deberán llegar con anticipación, ya que el ingreso será por orden de llegada hasta completar aforo. Además, las autoridades recomendaron utilizar transporte público, hidratarse constantemente y seguir las indicaciones del personal logístico para disfrutar de una experiencia segura.