Hay historias que no necesitan contarse de manera literal para encontrar un camino. En Dark Shadow, las composiciones funcionan como escenas de un relato que reúne referencias mitológicas, experiencias humanas y una marcada influencia cinematográfica. D, guitarrista y cofundador, y Amelec, guitarrista de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta propuesta.

Dark Shadow comenzó como una iniciativa personal que fue incorporando nuevos integrantes hasta consolidar ‘Chapter One’, material que inicialmente había sido concebido como EP. La extensión de las composiciones terminó convirtiéndolo en un álbum y estableció la base de un relato que ahora continúa con ‘Chapter Two: Celestial Bodies’.

Las canciones no cuentan los acontecimientos de manera directa. Funcionan como escenas de una narración más amplia, una concepción relacionada con el interés de D por las bandas sonoras. “Me gusta mucho la música de cine”, explicó durante la conversación. Esa influencia recorre una propuesta marcada por el power metal sinfónico, las atmósferas épicas y una dimensión teatral.

En ese universo aparece ‘Through Blood or Glory’, una canción que pone la libertad en el centro. Su significado puede trasladarse de una revolución colectiva a las batallas personales que surgen cuando alguien intenta alcanzar aquello que considera importante.

“Tenemos una historia central, pero hay muchas cosas con las que mucha gente se puede identificar”, señaló D. La resistencia, entonces, no permanece únicamente en el terreno de los grandes conflictos: También puede representar las decisiones y obstáculos que hacen parte de la vida cotidiana.

La mitología nórdica amplía esa lectura a través de la referencia al Valhalla y su relación con el combate y el propósito. Para D, estas influencias llegan a la música por medio de otras expresiones artísticas. “Uno toma influencias de cosas que ya existen para crear algo nuevo de eso”, explicó.

Esa transformación a su vez está presente en ‘Chapter Two: Celestial Bodies’, donde el cuerpo, la materia y la espiritualidad ocupan un lugar dentro del concepto. D lo entiende desde una mirada materialista: “Para mí, yo soy mi cuerpo”. Amelec, en cambio, distingue entre cuerpo, alma y espíritu y encuentra en la música extrema una forma de liberación.

“Yo siempre busqué como esa música extrema, esa música oscura, justamente de alguna manera como para liberar esa esencia negativa que tengo dentro de mí”, explicó. El sonido adquiere así una función catártica, capaz de convertir aquello que permanece contenido en una experiencia musical.

‘Chapter Two: Celestial Bodies’ reúne nueve canciones y contempla cuatro sencillos: ‘Black or White’, ‘Through Blood or Glory’, ‘Solitude’ y ‘Brave the Storm’. El trabajo continúa con ‘Chapter One’ y amplía un lenguaje en el que el metal sirve para explorar la libertad, la materia y las experiencias que atraviesan al ser humano.

Asimismo, la agrupación mantiene su apuesta por el formato físico, además de la circulación digital. Para Dark Shadow, adquirir un disco representa una manera de respaldar el trabajo artístico y conservar una relación más directa con la música.

Así, entre cine, mitología y distintas formas de entender la existencia, Dark Shadow continúa escribiendo una historia que no busca entregar todas sus respuestas. ‘Chapter Two: Celestial Bodies’ deja que sean las canciones las que planteen nuevas preguntas.

Hay momentos en los que avanzar significa aceptar que no sabemos exactamente hacia dónde vamos. Cambiar de rumbo, dejar atrás una etapa o tomar una decisión importante puede abrir más preguntas que respuestas. En medio de esa indecisión aparece ‘Volaré’, el nuevo trabajo de la cantautora bogotana Karen Dayanna.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de este tema y sobre una decisión que también marcó un antes y un después en su vida: Dejar su carrera como administradora de empresas para dedicarse a la música.

Durante un tiempo, Karen encontró en la administración una profesión estable. La música, mientras tanto, permanecía en otro lugar: Como una forma de expresarse, tocar guitarra y componer de manera empírica. Hasta que la estabilidad dejó de ser suficiente.

“Llegó un momento donde eso me desgastó emocionalmente mucho y sabía que sí o sí necesitaba tomar una decisión y vi en la música ese escape”, contó durante la conversación.

Ese salto de fe es además el lugar desde el que puede entenderse ‘Volaré’. El segundo sencillo de Karen se mueve entre el indie folk, el rock alternativo y la canción de autor para hablar de los cambios personales, el paso del tiempo y esas batallas internas que aparecen cuando una etapa termina y todavía no se sabe qué viene después.

Para Karen, la incertidumbre está presente en prácticamente todos los ámbitos de la vida: Las relaciones, el trabajo, la familia, las amistades o las decisiones económicas. Por eso, más que intentar escapar de ella, propone aprender a convivir con aquello que no se puede controlar. “Siento que es un poquito amistarnos con la incertidumbre, hacer las paces con eso y entregarnos simplemente a la dinámica de ser y hacer lo que nos nace”, explicó.

La idea atraviesa la historia que existe detrás de la artista. Apostar por la música significó abandonar una seguridad que conocía para entrar en una industria que, como reconoce, puede resultar mucho menos predecible. Pero también encontró allí una comunidad de músicos, productores y creadores que le han permitido entender que perseguir una carrera artística no necesariamente significa hacerlo todo en solitario.

Ese acompañamiento se suma a una exploración musical que todavía está en construcción. Karen ha experimentado con diferentes sonidos, aunque reconoce un vínculo especial con el folklore latinoamericano y con la canción de autor. Su intención es conservar esa cercanía de una música que pueda sentirse íntima, casi como una conversación.

La composición ocupa otro lugar importante dentro de ese proceso. Karen cuenta que tiene una lista extensa de canciones y que cada una la lleva hacia emociones diferentes. Algunas nacen desde lugares felices y otras desde momentos más difíciles. Escribir se ha convertido así en una forma de mirarse y descubrir aspectos propios que no siempre aparecen a simple vista. “El arte siendo arte toca esas fibras como tan íntimas, tan adentro de nosotros”, señaló.

‘Volaré’ continúa además una historia que había comenzado con ‘Pa’ toda la vida’. Mientras aquel primer lanzamiento hablaba de reconocer una despedida y aceptar el final de una relación, esta nueva canción se sitúa después de ese momento: cuando aparecen las preguntas acerca de lo que sigue, sobre quiénes somos y hacia dónde las personas quieren llevar la vida. “Lo que lo va a llevar a uno lejos muchas veces va a ser el no traicionarse en el camino, en no traicionar lo que uno piensa, lo que uno siente, lo que uno es”, concluyó la cantante.

La música puede funcionar como un acto de fe: Una forma de detenerse, revisar las prioridades y reconocer el valor de aquello que suele pasar desapercibido. Desde esa perspectiva, presentan ‘Mi mejor Grammy’, una pieza musical que cuestiona las ideas convencionales sobre el éxito y propone una relación más consciente con el tiempo, las expectativas y los logros personales.

Las artistas estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de este encuentro creativo, sus procesos de composición y las influencias culturales que confluyen en una producción desarrollada entre dos territorios latinoamericanos.

La historia comenzó en el entorno digital. Hills y Bernal se conocieron aproximadamente cuatro años atrás a través de una playlist de Spotify vinculada a ‘Ruidos Fest’, una plataforma chilena dedicada a mujeres artistas. Después de ese primer contacto comenzaron a compartir música y a mantener comunicación hasta encontrarse personalmente en Colombia durante un mercado musical.

A partir de ese vínculo surgió la posibilidad de poner en diálogo dos búsquedas sonoras. Hills desarrolla una línea de pop introspectivo, mientras Bernal ha construido el concepto de “nostalgia costeña”, un universo que parte de las tradiciones musicales del Caribe colombiano para relacionarlas con sonidos contemporáneos.

En el caso de Bernal, esta identidad nace también de una contradicción. La imagen de la costa suele asociarse con la alegría permanente, pero su música incorpora la melancolía, los duelos y otras emociones que hacen parte de la experiencia cotidiana. Su repertorio transita por elementos del bullerengue y el vallenato, además de sonidos como la salsa, el bolero, el flamenco, la chacarera y el pop.

Ese lenguaje encuentra un punto de conexión con la sensibilidad de Hills. ‘Mi mejor Grammy’ combina la raíz caribeña colombiana con el pop introspectivo salvadoreño a través de guitarras eléctricas, percusión y voces de carácter íntimo. La integración incluso se extiende al equipo de producción: El trabajo estuvo a cargo del salvadoreño Jorge Lara, mientras los arreglos realizados en Colombia contaron con la participación de la guitarrista, compositora y arreglista Daniela Cabrera.

Entre las referencias que acompañaron el proceso creativo aparecen el colombiano Camilo y la argentina Yami Safdie, especialmente su canción ‘Querida Yo’. Sin embargo, el eje de ‘Mi mejor Grammy’ se encuentra en una pregunta que atraviesa toda la composición: ¿qué significa realmente tener éxito? El título parte de esa reflexión, en lugar de entender un premio como la culminación de una carrera, Hills y Bernal trasladan la imagen del Grammy hacia experiencias que difícilmente pueden medirse en cifras o reconocimientos. La familia, los amigos, las mascotas, un paisaje, un amanecer o compartir un café adquieren valor como momentos que pueden quedar relegados mientras se persiguen metas externas.

La mirada también se dirige hacia las expectativas asociadas con la edad y las distintas etapas de la vida. La presión por tener una casa, formar una familia, viajar, obtener reconocimiento o acumular logros plantea una comparación constante con los procesos de otras personas. Frente a esa lógica, las cantautoras proponen reconocer que cada recorrido tiene su propio ritmo.

De ahí surge otra de las ideas centrales de la composición: Dejar de observar los “relojes ajenos” y comprender que no todos los procesos ocurren al mismo tiempo.

La letra plantea modificar el diálogo interno, reducir la prisa y mostrar que aquello que se busca puede encontrarse ya en el entorno inmediato.

La reflexión adquiere una dimensión particular en medio de la hiperconectividad. La presencia constante de pantallas, métricas y redes sociales puede desplazar formas de encuentro más sencillas. Frente a una cultura en la que los números, los reconocimientos y los ‘likes’ pueden convertirse en referentes de validación, la pieza propone recuperar la atención sobre el momento presente y los vínculos cercanos.

Para Carol Hills, este planteamiento también implica aprender a tener paciencia con los procesos personales y atravesar sus distintas etapas a partir del amor propio. El concepto coincide con el camino transitado por ambas artistas, quienes han desarrollado proyectos independientes desde sus respectivos contextos y encuentran en esta colaboración una forma de ampliar sus lenguajes.

Hills cuenta con más de una década de trayectoria y ha desarrollado su propuesta de pop introspectivo en escenarios de Centroamérica y Colombia. Su recorrido incluye presentaciones junto a artistas como Jorge Drexler y Jesse & Joy. Bernal, por su parte, ha consolidado la “nostalgia costeña” como eje de su identidad artística, combinando ritmos afrocaribeños y latinoamericanos con elementos de soul, pop y gypsy. Su trayecto incluye presentaciones en distintos países de Latinoamérica y el desarrollo de su primer álbum.

‘Mi mejor Grammy’ será estrenada el 3 de agosto de 2026, acompañada por un videoclip grabado en Bogotá. La producción contará con el trabajo de músicos y profesionales de Colombia y El Salvador, mientras el arte de portada estará a cargo de la artista y fotógrafa salvadoreña Camy.

La colaboración propone así una mirada sobre el éxito que se aleja de las cifras y los reconocimientos para volver a experiencias más sencillas: Compartir, detenerse, reconocer los procesos propios y prestar atención a aquello que ocurre mientras se intenta llegar a algún lugar.

Más allá de su título provocador, ‘Sex y dinero’ propuso una mirada a dos fuerzas que convivían en el imaginario contemporáneo. Por un lado, el dinero como símbolo de éxito y la búsqueda de resultados rápidos; y por el otro, la sexualidad como un elemento que había adquirido un papel relevante dentro de las dinámicas de exposición y atención en el entorno digital. La canción retrató estas realidades sin plantear una conclusión única, dejando que cada oyente construyera su propia lectura.

El sencillo fue presentado por FatKingBulla, banda de rock latino radicada en Miami, que encontró en esta producción una nueva manera de abordar algunas de las aspiraciones, contradicciones y excesos presentes en la sociedad actual. El lanzamiento hizo parte de una trayectoria marcada por la independencia, la mezcla de sonidos latinoamericanos y una búsqueda constante por ampliar los límites de su propuesta.

José ‘Bulla’ Lafosse, cofundador de la agrupación, y Lizza Guezz, artista vinculada al proyecto, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde conversaron sobre el sencillo, el recorrido musical y los nuevos caminos que se abrían para ambos proyectos.

La historia comenzó en Miami Beach, donde un grupo de amigos se reunió inicialmente para interpretar canciones de rock en español. Con el tiempo, aquellas reuniones encontraron en el Latin Rock un espacio para desarrollar una identidad propia y dieron paso a una propuesta que conservó la raíz del rock clásico mientras incorporaba diferentes sonidos latinoamericanos.

La percusión, el reggae y el bolero se sumaron a esa búsqueda musical y reflejaron, a su vez, el carácter multicultural de la ‘Ciudad del sol’. El proyecto reunió músicos de diferentes procedencias y encontró en ese intercambio una parte importante de su identidad, con raíces peruanas, colombianas y puertorriqueñas.

Desde Miami, la banda construyó una trayectoria independiente que alcanzó dos álbumes de estudio y avanzó hacia un tercero. También mantuvo la propiedad de sus canciones y asumió la autogestión como parte de un camino que implicó perseverancia, inversión y control sobre su producción artística.

Esa independencia estuvo acompañada por un proceso creativo alimentado por experiencias personales. Una de ellas dio origen a ‘Te voy a dar amor’, tema que surgió después de que el grupo abriera un concierto de Los Lonely Boys.

Lo que inicialmente parecía una oportunidad para impulsar su carrera terminó en una noche marcada por situaciones inesperadas, entre ellas un inconveniente con el automóvil mientras sus integrantes esperaban poder regresar a casa. De aquella experiencia nació una canción relacionada con la idea de que incluso los acontecimientos imprevistos podían terminar conduciendo hacia nuevas posibilidades.

Esa noción de causalidad también atravesó la narración de José ‘Bulla’ sobre la creación musical y el recorrido del proyecto: situaciones que, en principio, podían parecer adversas terminaban convirtiéndose en parte de un relato diferente.

En el caso de ‘Sex y dinero’, la relación con el público también hizo parte de su historia. Antes del lanzamiento, la banda puso a consideración de sus seguidores dos posibles nombres para el sencillo: ‘Sex y dinero’ y ‘Sin miedo al éxito’. La primera opción obtuvo la mayoría de los votos y terminó convirtiéndose en el título oficial.

La decisión convirtió a los seguidores en parte del proceso de presentación de la canción y reafirmó una dinámica de cercanía que el proyecto había mantenido con su comunidad.

A su vez, Lizza Guezz, le da una nueva visión a la propuesta musical de la agrupación. Su vínculo con la música comenzó desde la danza, especialmente desde la salsa, y posteriormente se extendió hacia otros géneros hasta encontrar en la interpretación una nueva forma de expresión.

Su encuentro con José ‘Bulla’ abrió nuevas posibilidades creativas. Guezz exploró junto al músico un recorrido hacia la ranchera, un género diferente a la base de rock latino del proyecto. La colaboración se relacionó también con la grabación del primer álbum de estudio de la artista y amplió el intercambio musical alrededor de este camino.

En 1996, Colombia fue testigo del nacimiento de uno de los álbumes más emblemáticos del rock nacional, ‘La Pipa de la Paz’ de Aterciopelados. Treinta años después, sus canciones siguen encontrando formas de dialogar con el presente y conectar con las nuevas generaciones.

Uno de sus grandes himnos es ‘La Culpable’, que este 2026 regresa en una renovada versión junto a Ana Veydó, voz líder de Cimarrón. Con su sonido pone a conversar el rock alternativo con el joropo colombiano y reúne a dos mujeres que, desde sus propios lenguajes musicales, buscan promover una misma idea: La autonomía femenina.

"Es la oportunidad de recordar y celebrar el poder femenino, la insurrección frente al sistema patriarcal y la rebeldía de quien proclama la renuncia al amor romántico del establecimiento. La canción enlaza la búsqueda del lenguaje de autodeterminación que Aterciopelados ha proclamado siempre", contó la reconocida artista Andrea Echeverri.

La producción, liderada por Héctor Buitrago y Leonardo Castiblanco, combina guitarras eléctricas, bajo y batería con el universo sonoro de Cimarrón: Arpa llanera, cuatro, bandola y maracas. El resultado es un paisaje donde la fuerza de los metales convive con la inmensidad de los Llanos Orientales.

‘La Culpable’ también llega acompañada de un videoclip dirigido por Nicolás Caballero, que entrelaza el proceso de grabación con una historia protagonizada por dos mujeres provenientes de territorios distintos cuyos caminos terminan encontrándose.

“Renovamos la sed de aventura, vértigo e intensidad de la canción original con nuevos fraseos, voces, teclados y un contrapunteo de mujeres valientes, almas desaforadas”, añadió Echeverri.

Este lanzamiento hace parte de la conmemoración de los 30 años de ‘La Pipa de la Paz’, una celebración que continuará con una gira internacional y que tendrá uno de sus momentos más esperados el próximo 30 de octubre, cuando Aterciopelados reúna a invitados especiales en el Movistar Arena de Bogotá para recorrer las canciones que marcaron la historia del rock colombiano.

En esta oportunidad Poligamia vuelve a sorprender a sus seguidores con el estreno de ‘Capitalino’. La canción ya está disponible en plataformas digitales y conserva la esencia del grupo, combinando el rock que marcó a toda una generación con una propuesta actual.

El tema convierte a Bogotá en el eje de una historia donde la memoria, la identidad y la música se encuentran. La pieza musical hace un recorrido por los recuerdos de varias generaciones que crecieron escuchando rock nacional y que hoy ven en este regreso una oportunidad para reencontrarse con su público. 

A través de recuerdos cotidianos y referencias a momentos que marcaron al país, la agrupación construye una canción que va más allá de la nostalgia para hablar de resistencia y del vínculo que varias generaciones han encontrado en el rock.

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Formada en 1994 por Andrés Cepeda, Fredy Camelo, Juan Gabriel Turbay, Gustavo Gordillo y César López, Poligamia se consolidó como una de las bandas más representativas del rock en español en Colombia con éxitos como ‘Mi Generación’ y ‘Desvanecer’. Ahora, con ‘Capitalino’, demuestran que su sonido sigue vigente y busca conectar tanto con quienes crecieron escuchando sus canciones como con nuevos oyentes. Pero las sorpresas no terminan ahí. Poligamia también presentará ‘Cantar’ el 27 de agosto, su segundo lanzamiento de esta nueva etapa.

De esta manera, el lanzamiento de ‘Capitalino’ representa un nuevo capítulo para Poligamia y confirma que, tres décadas después de su nacimiento siguen apostándole a crear música que conecte con las historias y emociones de los colombianos.

Las pantallas permanecen encendidas, las noticias no dejan de llegar y las redes sociales convierten cada acontecimiento en un estímulo inmediato. En medio de ese flujo constante aparece ‘Hiperventilado’, el nuevo sencillo de Bobby Zaga, una pieza que transforma la saturación digital en una experiencia sonora y emocional.

El músico, compositor y productor mexicano estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de este lanzamiento y una sensación que, lejos de ser exclusivamente individual, parece instalarse en la vida contemporánea: La ansiedad provocada por recibir demasiados estímulos en muy poco tiempo.

‘Hiperventilado’ nace precisamente de ese contexto. Las noticias, los videos, las redes sociales y la necesidad de permanecer conectados construyen un entorno en el que los estímulos parecen no detenerse. Para el compositor, el problema no está necesariamente en la conectividad, sino en la dificultad para establecer límites frente a ella.

Es así que la propuesta tiene un punto de encuentro entre lo personal y lo colectivo. La exposición constante a contenidos puede generar agotamiento, incertidumbre y una sensación de pérdida de control, mientras la velocidad con la que circulan dificulta cada vez más detenerse para procesarlos.

Sin embargo Aun así, la reflexión no se limita al consumo digital. La transformación tecnológica también atraviesa los procesos de creación artística y modifica una industria que durante décadas años funcionó bajo otras dinámicas.

Con más de dos décadas de trayectoria en la escena musical mexicana, Zaga ha vivido el tránsito de los formatos físicos hacia las plataformas digitales y, más recientemente, la incorporación de la Inteligencia Artificial. Ante estos cambios, no plantea una oposición absoluta a las nuevas herramientas; por el contrario, reconoce las posibilidades que ofrecen para crear, producir y trabajar a distancia con otros artistas.

La diferencia, para el músico, está en la manera de utilizarlas. “Hay que adaptarse o nos morimos”, señaló al hablar de los cambios que atraviesan las industrias creativas.

Adaptarse, sin embargo, no significa abandonar la identidad artística. En un momento en el que la IA puede reproducir voces, generar música y producir imágenes cada vez más sofisticadas, Zaga reivindica aquello que permanece ligado a la experiencia humana: El error, la emoción y la imperfección.

Esa mirada está presente en la construcción audiovisual del sencillo. El videoclip fue filmado con una Handycam Hi8, una elección que se distancia de la obsesión contemporánea por la alta definición y recupera una estética marcada por el grano, el movimiento y las imperfecciones propias del formato.

El rodaje pasó por Ciudad de México, Austin, Barcelona, Florencia y Roma, bajo la dirección de Bobby Zaga, Manuel Castelltort y Fernando Wolffer.

La elección de una cámara Hi8 no funciona únicamente como un recurso visual. También dialoga con la postura del creador frente a una industria que persigue cada vez más precisión y perfección. Para Zaga, las pequeñas fallas pueden formar parte de aquello que hace reconocible, cercana y auténtica una obra.

Esa misma idea puede trasladarse a la música. El artista recuerda que algunas de las grabaciones que más lo han conectado con este arte están lejos de ser perfectas y encuentra precisamente allí parte de su valor: En la posibilidad de reconocer una interpretación humana detrás de la producción.

Una propuesta que mantiene sus raíces mientras explora nuevas formas de expresión y reivindica la identidad femenina.

María Alejandra Jiménez estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre esta nueva etapa de su proyecto musical y compartió parte de la historia personal que atraviesa el lanzamiento.

‘Animal Distinta’ nace como una celebración de los cambios y de la posibilidad de reconocerse en aquello que hace única a cada persona. El baile aparece como una de sus principales formas de expresión y como un punto de encuentro entre el cuerpo y la esencia individual.

Su sonido toma inspiración del ‘Amapiano’ y se construye sobre elementos de pop y soul. Una voz suave introduce el tema y avanza hacia un coro de mayor fuerza, acompañado por un piano synth, una línea de bajo y una percusión que conduce directamente a la pista de baile. “’Animal Distinta’ es conectar con tu poderosa magia interior”, afirmó Alea al definir el espíritu de la pieza.

La composición es coescrita por Alea y María Elisa Ayerbe, quien también participa en la producción junto al productor londinense The Baker, conocido como Ife Ladi y reconocido por su trabajo en el afrobeat.

El concepto de cambio adquiere una dimensión íntima en el videoclip, dirigido por Tobías Arboleda y rodado en ‘El Salón Prado’, una casa colonial ubicada en el centro histórico de Medellín, cuyo carácter arquitectónico permanece mientras atraviesa un proceso de remodelación.

En este escenario, el cabello se convierte en uno de los principales elementos narrativos. Alea aparece junto a su tía Jael Jiménez, quien a los 15 años le enseña a cortárselo y la acompaña en la decisión de llevarlo natural.

Durante su infancia, la artista enfrenta comentarios y burlas por su apariencia, en un entorno donde llevar el cabello liso o amarrado aparece como una expectativa. A esta experiencia se suma una problemática racial que reconoce en Colombia y la dificultad para encontrar espacios especializados en el cuidado y corte del cabello afro.

Aquel proceso llega posteriormente a lo audiovisual como una imagen de autonomía: El cabello deja de ser motivo de señalamiento y se convierte en una expresión de identidad. “Cuando yo quise volver a conectar conmigo misma, puse mi música favorita, empecé a improvisar, a bailar, a hacer lo que me nacía y lo que mi cuerpo me pedía”, explicó Alea. 

El videoclip lleva esta idea al cuerpo y al movimiento. La expresión corporal aparece como un espacio propio, alejado de las expectativas externas y vinculado con la necesidad de expresarse como mujer y como ser humano.

‘Animal Distinta’ también anticipa el próximo álbum de Alea y continúa el camino trazado por ‘Alborotá’, producción incluida entre los mejores trabajos del año en música latina por Rolling Stone y NPR.

La nueva etapa mantiene una búsqueda que cruza raíces latinoamericanas y sonidos contemporáneos, con letras relacionadas con el amor, el empoderamiento femenino y la conciencia social.

Luna Llena Salsa Band desarrolla una propuesta que busca renovar la salsa desde Bogotá. La agrupación combina la estructura tradicional del género con sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y elementos de la música urbana, en un proceso que encuentra en ‘Salséctrico’, un vinilo que reúne el trabajo desarrollado durante tres años.

El proyecto se articula con ‘Corazón Dispuesto’, una canción que plantea una mirada optimista sobre el amor, las oportunidades y la disposición para construir nuevas experiencias. La banda presenta el sencillo acompañado de un videoclip que utiliza la gastronomía como metáfora para hablar de la capacidad de transformar momentos difíciles a través del afecto. La agrupación estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de esta nueva etapa musical.

El tema fue escrito por Julio César Pacheco, quien encuentra en la composición una reflexión personal sobre la importancia de dar como una forma de recibir. “Desde hace mucho tiempo, desde muy niño, he sentido que la mejor manera de recibir es dar”, explicó el compositor. La idea se convierte en el centro de una pieza que propone abrirse al amor, pero también asumir una actitud activa frente a aquello que se desea construir.

El videoclip lleva esta premisa a la cocina. Los integrantes de Luna Llena interpretan a un grupo de chefs que prepara platos típicos colombianos para personas que atraviesan momentos de tristeza, vacío o dolor. La comida funciona como un vehículo de encuentro emocional y permite que los personajes reconecten con sentimientos de paz, gratitud y bienestar.

La relación entre gastronomía y música parte de una misma idea: La combinación de diferentes elementos puede transformar una experiencia. “Estamos poniendo distintos ingredientes, letras, ritmos, melodías, pues como para conectar con la gente”, dijo Cristian ‘Coco’ Cocomá, integrante de Luna Llena Salsa Band.

El vinilo ‘Salséctrico’ reúne una parte del proceso de experimentación que Luna Llena desarrolla durante tres años. El proyecto incorpora al sonido convencional de la salsa sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y baterías electrónicas, además de elementos provenientes de diferentes ritmos del Caribe.

La dirección musical de esta etapa está a cargo de Brian Bernal, quien amplía la exploración de la banda a sonidos urbanos. El rap, el chanteo y recursos cercanos al pop y la timba entran en diálogo con la estructura salsera, mientras la agrupación trabaja en llevar canciones de otros géneros hacía su propio lenguaje. “Al final la música es la música. Más allá de pensar como que en X o Y género, la música es un todo”, señaló.

La exploración no busca reemplazar la salsa, sino ampliar sus recursos. El resultado es una propuesta que conserva elementos reconocibles del género mientras incorpora herramientas de producción y lenguajes asociados con otras expresiones musicales contemporáneas.

Este es un espectáculo que une la fuerza del hard rock con la elegancia de una orquesta sinfónica para rendir homenaje al legado de una de las bandas más importantes de la historia del país.

La apuesta es liderada por FILMO (Film Music Orchestra), productora del proyecto y orquesta oficial del espectáculo, que llevará al escenario nuevas versiones de clásicos como ‘Lenguaje de mi Piel’, ‘Vestido de Cristal’, ‘Muere Libre’, ‘Frágil al Viento’, ‘Mexica’ y ‘No Me Hables de Amor’. Cada arreglo fue concebido para conservar la esencia de Kraken mientras amplía su universo sonoro con la potencia de una formación sinfónica.

Hablar de Kraken es hablar de una agrupación que cambió para siempre la historia del rock colombiano. Fundada en Medellín en 1984 y liderada por el inolvidable Elkin Ramírez, conocido como El Titán, la banda se convirtió en un referente del hard rock y el heavy metal en Latinoamérica gracias a letras profundas, una identidad inconfundible y un sonido que sigue conquistando nuevas generaciones.

Tras el fallecimiento de Elkin Ramírez en 2017, Kraken decidió mantener vivo su legado. Dos años después, Roxana Restrepo asumió la voz principal, iniciando una nueva etapa que respeta la historia de la agrupación mientras abre espacio para nuevas interpretaciones. Lejos de reemplazar una figura irrepetible, la banda continúa escribiendo un nuevo capítulo sin perder la esencia que la convirtió en un ícono del rock nacional.

La expectativa por KRAKEN SINFÓNICO quedó demostrada antes del estreno. La función programada para el 8 de agosto de 2026, a las 8:00 p. m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá agotó todas sus entradas semanas antes del evento. Debido a la alta demanda, la organización abrió una segunda función ese mismo día a las 4:00 p. m., permitiendo que más seguidores vivan esta experiencia musical.

Después de Bogotá, el espectáculo continuará su gira nacional con presentaciones en el Teatro Jorge Isaacs de Cali, el 17 de octubre de 2026, y en el Teatro Universidad de Medellín, el 24 de abril de 2027, consolidándose como uno de los eventos musicales más esperados para los seguidores del rock colombiano.

Más que un concierto, KRAKEN SINFÓNICO es un encuentro entre generaciones. Es la oportunidad de revivir canciones que hicieron historia y descubrir cómo una orquesta puede transformar clásicos del rock sin perder la energía que los convirtió en himnos.

Para más información puede ingresar al siguiente link. O en la página oficinal de la banda.