Una travesía sonora que fluye entre cumbia, currulao y bullerengue da vida a la más reciente propuesta de Urpi Barco. Se trata de una pieza artística que sitúa la ancestralidad y las narrativas de género en el epicentro de su universo musical.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la cantautora reflexionó sobre los desafíos de encabezar procesos creativos: “Ser cabeza de proyecto nunca es fácil… como mujer a veces tienes que demostrar que lo haces bien, a veces no nos creen”.

Con la participación de doce invitadas, ‘Golondrina’ se consolida como una creación colectiva donde convergen instrumentos tradicionales, armonías contemporáneas y exploraciones vocales: “El unirme con otras compañeras que también están en este camino ha sido poderoso”, aseguró sobre este tejido de talentos.

La esencia de la obra parte de un lugar íntimo. El tema homónimo es un tributo a su madre, quien dejó su hogar siendo joven para perseguir una vocación artística: “Quise hacer un homenaje a ella y a todas las que han tenido que dejar cosas atrás para seguir sus sueños”, explicó Barco.

Ese recorrido también se adentra en la herencia de sus ancestras. En Kencha Colibrí, la intérprete explora su origen muisca a través de una pieza construida junto al Cabildo Indígena de Suba para recuperar sonoridades de una lengua en reconstrucción: “Es un proceso en el que me hice muchas preguntas por mis raíces”, señaló.

Asimismo, la artista replantea el concepto del jazz, alejándolo de visiones elitistas para acercarlo a las expresiones populares: “A veces pensamos que es una música muy cerrada, pero si vamos al origen, es la expresión de un pueblo”, sostuvo, destacando el vínculo entre la improvisación y los relatos comunitarios atravesados por la herencia africana.

La dimensión social del proyecto se refleja en piezas como ‘Niña Pies de Sal’, inspirada en una fotografía sobre la explotación infantil en México: “Compuse esa canción justamente para visibilizar el trabajo infantil”, reafirmó, vinculando su arte con la reflexión crítica.

Tras tres años de maduración, este lanzamiento representa la culminación de una búsqueda estética profunda: “Fue mucha emoción contenida, porque es ver materializar los sueños”, concluyó. El concierto no solo recorrerá su nueva música, sino que será una celebración del territorio narrado desde la diversidad y la voz femenina.

La tierra de Delicias, en Chihuahua, vio nacer a Hugo ‘Poyo’ Segovia, un trovador lagunero que hizo de los caminos su canción y ha llevado su música a distintos continentes.

Un hombre soñador que descubrió su gran pasión al lado de una modesta guitarra acústica michoacana y los cancioneros que le compraba su abuela. Allí comenzó un viaje que hoy suma dos décadas de trayectoria y abre un nuevo capítulo con ‘Onirismo’, su más reciente trabajo de estudio.

“Me interesa escribir sobre emociones complejas como el desamor, la tristeza o la soledad, pero con una mirada distinta, sin victimizar y buscando que quien escuche se identifique. A veces compongo sin vivirlo y luego la vida me alcanza, como si las canciones también fueran para mí. Esa sensibilidad está marcada por el indie mexicano, que ha definido mi forma de construir música desde lo independiente”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Alegrías, hazañas, veinte años de trayectoria y un camino por recorrer!

El artista ha consolidado su sonido a través de una sofisticada mezcla de indie pop con tintes de funk, jazz y ritmos latinos. En su carrera, ha compartido con públicos de escenarios emblemáticos y festivales internacionales como ‘SXSW’ en Austin, ‘Zapal’ en Saltillo, ‘Cielo Mágico’ en Monterrey y distintos encuentros culturales entre Colombia y Perú.

“Hoy mi música es más diversa, pasé de lo acústico a un formato de banda completa, donde experimento con ritmos latinos como el mariachi o la cumbia. Los viajes y el contacto con otras culturas han transformado mi sonido y me permito no encasillarme. Ahora parto de lo que me hace sentir y ahí empiezo a componer”, agregó Segovia.

Onirismo: Un viaje por los sueños y la consciencia humana

La palabra ‘Onirismo’ parte de un estado de alteración de la conciencia donde surgen fantasías similares a los sueños y se diluye el sentido de la realidad. Este concepto le da vida al más reciente EP del cantautor, una experiencia sensorial que se revelará canción por canción a lo largo del año, acompañada de sus respectivos materiales visuales.

Hugo se reconoce en el escenario por su dinamismo, se da tiempo para bromear y compartir las historias detrás de sus canciones. Con esa esencia, y en la celebración de sus 20 años de trayectoria, adelanta una gira que se extiende hasta noviembre por Latinoamérica y Europa.

Desde finales de los 80 cuando el punk, el metal y el rock en español marcaban la pauta la banda apostó por una estética distinta, fusionando lo visual, el new wave y el tecno. Hoy, décadas después, ese espíritu experimental los lleva a un nuevo nivel con este proyecto junto a la Orquesta Filarmónica Metropolitana del Valle de Aburrá, (La Metro).

El disco reúne 10 canciones esenciales en vinilo distribuidas entre el lado A y el lado B mientras que la versión digital incluirá 12 temas, sumando ‘Guayaquil’ y ‘Caí’. Como adelanto, ya está disponible ‘Seres de la noche’, un clásico que revive con una nueva dimensión orquestal.

Durante su paso por el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, los músicos Elvis y Ricky compartieron el detrás de este proceso que tomó años de trabajo: “Estamos lanzando este disco, que es un formato físico, un vinilo, de un concierto sinfónico … ha sido un trabajo largo y muy meticuloso”.

El proyecto, completamente independiente, nació tras una invitación al Medellín Music Week, donde grabaron el concierto que luego se transformaría en álbum. “Cuando nos invitan al Teatro de la Metropolitana en Medellín y tenemos la primera grabación, allí empieza el sueño de transformar un show en un sinfónico… era algo inesperado, pero siempre deseado por Estados Alterados”, aseguraron.

Una de las historias más curiosas es que la idea de un sinfónico ya rondaba antes de que la banda se involucrara directamente: “La Filarmónica Metropolitana ya tenía algunas canciones para hacernos un homenaje sin que nosotros supiéramos”.

Para los integrantes el resultado final no busca la perfección de estudio, sino capturar la esencia del nuevo formato. “Es una narrativa, es como un libro totalmente conectado. Hay errores, hay sonidos que se filtran, pero esa es la magia de un en vivo”.

Más que un disco,’ Sinfónico’ representa un punto muy importante en la trayectoria del grupo. “Lo vemos como un paso hacia adelante, tener un sinfónico no es algo que se da todos los días, y mucho menos trabajar con una orquesta como la Metro. Este es un momento crucial, de traer esas canciones, de seleccionarlas y decir, ya estamos cumpliendo un sueño, ¿Ahora qué forma le damos? ¿Qué mensaje llevamos a través de esta música? Pues precisamente, cuando uno estudia esos primeros temas y las revisa de la mano de músicos tan formados y tan estructurados, se da cuenta de lo empíricos que éramos. Pero es por eso que nos hemos tomado el tiempo y el cuidado que requiere, y ahora estamos muy contentos haciendo este proyecto”, concluyeron.

El álbum llegará primero en vinilo como parte del Record Store Day Colombia 2026, convirtiéndose en una joya exclusiva para coleccionistas antes de su estreno en plataformas digitales.

De esta manera, ‘Sinfónico’ no es solo un álbum: Es la prueba de resistencia de una banda que nunca deja de evolucionar.

En los años 90, dos primos inquietos, marcados por la vida de barrio entre bares, cerveza y fútbol, decidieron convertir su entorno en canciones que terminarían por marcar a toda una generación. Rober y ‘Pajarillo’, nacidos en Hortaleza, Madrid, comenzaron a darle forma a Porretas, un proyecto que trascendería las calles y se convertiría en un referente mundial del punk rock.

Con cerca de 20 trabajos discográficos y temas como ‘Pongamos que hablo de Madrid’, ‘Marihuana’, ‘Un velero llamado libertad’ y ‘Última generación’, la banda ha recorrido decenas de países y hoy celebra 35 años de trayectoria entre guitarras distorsionadas y letras de barrio.

“Éramos dos primos, Rober (fallecido) y yo, juntándonos a tocar versiones de bandas como Iron Maiden, Judas Priest o Ramones, en espacios pequeños, entre amigos, sin pensar en nada más. Todo nació desde la ilusión y las ganas de pasarla bien, hasta que empezaron a aparecer las canciones propias y ese juego fue tomando forma, creciendo poco a poco hasta convertirse en un proyecto que ha trascendido años”, contó Juan Carlos Díaz ‘Pajarillo’, vocalista y fundador de la agrupación.

A lo largo del tiempo, Porretas ha construido un repertorio donde caben la crítica social, el humor, la amistad y lo cotidiano sin filtros. Su más reciente sencillo es ‘35 Tacos’ en honor a su aniversario que será celebrado con una ambiciosa gira mundial.

De esta forma, el espíritu combativo del proyecto llegará por primera vez a Colombia con un show de única fecha el próximo 30 de abril en la capital.

“En 1990 sacamos el primer disco con la formación ya completa, Bode, Luis, Rober y yo, y fue entonces cuando una pequeña discográfica, liderada por el locutor Mariano García, apostó por nosotros. A partir de ahí empezamos a girar sin parar, viendo cómo las canciones conectaban primero en España y luego en Latinoamérica, todo de forma muy progresiva. Hoy estamos en un momento muy dulce: Celebrando 35 años, llenando salas, sumando conciertos y disfrutando el camino”, agregó el artista.

La cita con los españoles es en el Capital Live, ubicado en la Carrera 13 # 48 – 90, en lo que será además su única presentación en Suramérica durante 2026. Para conocer más información visite el siguiente enlace.

‘Nadie’ es el sexto trabajo discográfico de Alfonso Espriella, músico y compositor bogotano que completa más de dos décadas de trayectoria como solista. En este lanzamiento, el artista propone un camino que conecta la exploración interior con una búsqueda sonora que amplía los límites de su propio lenguaje musical.

El álbum se construye a partir de influencias del post-rock, el rock stoner, el doom y el rock alternativo, integrando también elementos como el piano, los sintetizadores y secciones de cuerdas. A esto se suman tres piezas completamente instrumentales, que refuerzan la idea de un disco pensado como un recorrido más que como una suma de canciones aisladas.

Este viaje musical parte de una reflexión sobre la identidad. Inspirado en corrientes como el budismo y el Advaita Vedanta, que plantea la no dualidad y la idea de que todo forma parte de una misma conciencia, a lo que cuestiona la necesidad de definirse constantemente como “alguien”. En contraste, el título ofrece una mirada hacia una identidad menos fija, más abierta y en relación con lo que la rodea.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Espriella explicó que este enfoque surge de un recorrido personal que ha ido tomando forma a lo largo del tiempo. En esa línea, el disco aborda el ego no como algo que deba eliminarse, sino como una construcción que puede observarse y flexibilizarse.

Otro de los puntos que atraviesa el álbum es el lugar del sufrimiento. Lejos de plantearlo desde una lógica de victimización, el artista lo entiende como una experiencia común que también puede convertirse en motor de transformación. “Se trata de un proceso de reconocerlo, habitarlo y, eventualmente, transformarlo dentro de la creación musical”, contó Espriella.

Con un camino que inició en San Diego y que se ha desarrollado en Colombia desde 2008, Espriella ha mantenido una presencia constante dentro de la escena independiente, moviéndose entre distintos formatos y escenarios. En esta etapa, su propuesta se consolida como una mezcla entre la narrativa sonora y la reflexión personal.

‘Nadie’ está disponible en plataformas digitales, una decisión que responde tanto a los cambios en los hábitos de escucha como a las dinámicas actuales de circulación musical. Bajo esa mirada, el disco se presenta como una invitación a detenerse y escuchar con atención, en medio de un entorno marcado por la sobreoferta de contenidos.

El resultado es un trabajo que no solo expande su universo sonoro, sino que también abre un espacio para pensar la relación entre identidad, conciencia y experiencia cotidiana a través de la música.

Zecko 574 es un proyecto de hip-hop colombiano liderado por Sebastián Gutiérrez, que inició como un ejercicio personal y, con el tiempo, se convirtió en una apuesta sostenida dentro de la música. Sus primeras aproximaciones al rap estuvieron ligadas al gusto y a la experimentación, antes de consolidarse como una alternativa de vida.

La construcción de su identidad ha estado atravesada por influencias del freestyle y del rap más lírico, con referentes como Nash y Kase.O. Sin embargo, el proyecto no se inscribe en una sola línea estética. Por el contrario, ha buscado moverse entre distintas formas del género, evitando encasillamientos y priorizando una voz propia. “Todos los elementos me han brindado herramientas, pero ninguno me ha definido”, señaló el artista durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En esa búsqueda, su propuesta se sostiene en una idea clara: Decir desde lo personal. Sus letras parten de experiencias directas y de una exposición emocional que no intenta suavizar el discurso. Sobre esto, el artista explicó que el proceso implica atravesar ciertos límites: “Siempre está el qué dirán, pero cuando uno se enfoca en expresarse, esa barrera se rompe”.

En esa línea se presenta ‘Amor Difuso’, un sencillo que aborda el desamor desde un lugar menos evidente. La canción no sigue una narrativa convencional; se construye a partir de imágenes más abiertas, que se van revelando a medida que avanza. El videoclip, por su parte, lleva esa idea a lo visual, traduciendo el dolor emocional en una representación física.

El trabajo audiovisual fue desarrollado junto a Cuboto Films, equipo que planteó una estética cercana a lenguajes cinematográficos y una puesta en escena centrada en el conflicto interno. El resultado se articula como una extensión del discurso musical, más que como un complemento.

En lo sonoro, Zecko 574 ha incorporado elementos del trap y el drill, en un recorrido que responde tanto a influencias externas como a una necesidad de ampliar su propio registro. Esta exploración no rompe con el rap, pero sí lo desplaza hacia otros lugares.

Parte de ese proceso también se ha nutrido de su paso por ciudades como Bogotá, Medellín y Boston. En este último contexto, el contacto con escenas latinas evidenció diferencias en la forma en que se asumen los géneros urbanos, especialmente frente al desarrollo del trap, más presente en espacios internacionales que en el circuito colombiano.

Gutiérrez también se refirió al lugar del rap dentro de la música actual, destacando su capacidad para abordar distintas dimensiones de la experiencia. En ese tránsito, el género ha dejado de ser exclusivamente marginal para ocupar nuevos espacios y audiencias.

Actualmente, Zecko 574 continúa trabajando en la circulación de su música y en el desarrollo de nuevas piezas, manteniendo una línea que cruza exploración sonora y una narrativa centrada en lo emocional.

Desde Cali, Primal Sinner ha construido una propuesta que se articula en torno a lo que denomina “dramatic metal”: Una síntesis entre el metal moderno, el desarrollo motívico de tradición clásica y una intención narrativa orientada hacia lo dramático y lo cinematográfico. Esta categoría, definida por la propia banda, responde a la necesidad de nombrar una búsqueda estética que integra diversas influencias dentro de un mismo marco conceptual.

En los micrófonos de Amantes del Círculo Polar, Fabián Tejada, integrante de la agrupación, contó sobre los fundamentos de esta propuesta y su desarrollo sonoro.

El proyecto parte de una comprensión de la música como un espacio de exploración intelectual. La banda, con formación académica, plantea sus composiciones como plataformas para el desarrollo de ideas filosóficas y literarias, en las que el sonido funciona como punto de partida para la construcción de sentido.

El sencillo establece el eje narrativo de ‘Drâma’, estructurado sobre la tríada fuerza, de la belleza y la fuerza poética. La pieza retoma la tragedia de Sófocles desde una lectura contemporánea influenciada por el pensamiento de Jean-Paul Sartre.

En esta versión, Edipo es presentado como un sujeto atravesado por sus decisiones, creencias y el entorno que lo condiciona, más allá de la idea de un destino predeterminado. La narrativa enfatiza el sacrificio como resultado de un entramado de convicciones personales.

La metodología de la banda inicia en la composición instrumental. Posteriormente, las letras emergen a partir de un proceso de escucha e interpretación que traduce el lenguaje musical en una narrativa conceptual.

Este enfoque se refleja en una estructura que alterna momentos de alta intensidad con pasajes melódicos y atmosféricos, integrando guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores y un tratamiento vocal que oscila entre lo agresivo y lo lírico.

Este álbum fue mezclado por Jens Bogren y masterizado por Bob Katz, lo que sitúa el proyecto dentro de estándares técnicos asociados a circuitos internacionales del metal. Este componente técnico refuerza la proyección de la banda hacia escenarios especializados fuera del país.

El trabajo discográfico fue presentado en una experiencia de escucha inmersiva en el Planetario Yawa de Cali, donde se dio a conocer en formato físico antes de su despliegue digital.

El evento incluyó la reproducción íntegra de la obra, proyecciones visuales en domo y un espacio de conversación sobre sus fundamentos filosóficos y musicales, proponiendo una aproximación distinta a los esquemas tradicionales de circulación discográfica.

‘Drâma’ se plantea como una obra en desarrollo. Su publicación progresiva responde a una estructura narrativa que busca articular música, pensamiento y experiencia en un mismo proyecto.

Superlitio presenta ‘Días Perfectos’, un nuevo álbum de estudio que se articula como una propuesta conceptual en torno a la desconexión digital y la recuperación de la escucha como experiencia.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, estuvieron Pedro Rovetto y Pipe Bravo quienes señalaron que el proceso estuvo atravesado por una búsqueda orientada a recuperar la relación emocional con la música. En ese sentido, explicaron que el proyecto partió de reflexiones acerca de la hiperconexión y la necesidad de generar espacios de desconexión a través de la escucha, retomando dinámicas propias de los discos concebidos para ser escuchados de principio a fin.

El desarrollo del disco se extendió durante más de un año e incluyó un proceso centrado en la composición colectiva y el trabajo en salas de ensayo, priorizando la construcción de las canciones antes de su registro. Esta metodología derivó en un sonido orientado hacia lo orgánico, con presencia de guitarras, sintetizadores análogos y una producción que limita el uso de recursos digitales.

“Este disco busca recuperar esa conexión emocional que tenían los álbumes que escuchábamos antes, que dejaban una sensación y acompañaban momentos. La idea es que la gente pueda desconectarse un poco del ruido digital y volver a escuchar música de forma más consciente”, contó Rovetto.

El proyecto contó con la coproducción de Tweety González, figura vinculada al desarrollo del rock latinoamericano. 

En términos conceptuales, este álbum parte de una serie de reflexiones en torno al impacto de la hiperconexión en la vida cotidiana. La propuesta plantea la música como un espacio de pausa frente al flujo constante de información, recuperando prácticas asociadas a la escucha prolongada y a la relación emocional con los discos.

La construcción sonora mantiene la línea de fusión que ha caracterizado a la agrupación, integrando elementos del rock con influencias de la música latina. Este enfoque responde tanto a una decisión estética como al contexto de Cali, ciudad de origen del proyecto, donde convergen distintas tradiciones musicales.

Dentro del álbum, algunas composiciones abordan nociones ampliadas del amor, alejándose de una lectura exclusivamente romántica. En este caso, el concepto se vincula con la persistencia, la motivación y la relación con procesos personales y creativos.

“Hay una forma de entender el amor más allá de lo romántico. También tiene que ver con la persistencia y con seguir haciendo lo que a uno le apasiona, incluso en medio de las dificultades”, concluyó Bravo.

‘Días Perfectos’ también se muestra como una mirada crítica hacia la forma en que hoy se mide el éxito musical, muchas veces reducido a cifras, tendencias o reproducciones. Frente a eso, la banda propone otra lógica: La de la escucha sin prisa. El álbum ya está disponible en plataformas digitales y hace parte de una gira de presentaciones en Colombia.

Este trabajo discográfico estará en escena en Cajicá el 16 de mayo, Tunja el 21 de mayo y cerrará en la capital el 23 de mayo.

Los Falsos Dandys, proyecto conformado en 2023 entre Envigado y Medellín, presenta ‘Stupid Vision Pro’, un sencillo que parte de una experiencia cotidiana, el uso cada vez más cercano de dispositivos tecnológicos, para plantear una reflexión de la forma en que estos median la percepción de la realidad.

La canción, escrita por el baterista Mateo Cardona, surge a partir del impacto que generó la aparición de gafas inteligentes y la conversación que estas abrieron acerca del lugar de las pantallas en la vida diaria. Más allá del dispositivo, el tema se enfoca en lo que representa: Una relación directa entre tecnología y cuerpo. “Es una sátira a ese elemento que nos estaba generando pantallas cada vez más cerca de los ojos. Empezamos a reflexionar hacia dónde va esto”, señaló Cardona en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En ese punto, la canción amplía su mirada hacia el consumo de contenidos. La mención a narrativas repetitivas, como telenovelas que permanecen en circulación, introduce una comparación entre los temas que ocupan la discusión pública y aquello que concentra la atención de las audiencias.

Dentro de esa línea, la IA aparece como una herramienta útil, pero también como un mecanismo que plantea preguntas de su uso cotidiano. “Hay que tener cuidado con validar lo que pensamos únicamente a través de una Inteligencia Artificial. Eso puede quitar la capacidad de razonamiento y evitar el contacto con otras personas”, explicó Cardona.

En lo sonoro, ‘Stupid Vision Pro’ mantiene una base de punk rock con estructuras directas, sin alejarse de referencias a la cultura popular. Esa combinación acompaña el enfoque del sencillo, donde el tono satírico se sostiene tanto en la letra como en la ejecución musical.

Este proyecto hace parte de un proceso que comenzó con el EP ‘Aniquilación’ (2024) y continuó con sencillos como ‘Big Bang’ y ‘¿Para qué si tengo el punk?’. Con ocho canciones publicadas, la banda proyecta nuevos lanzamientos y el desarrollo de ‘Dandyficaciones’, una serie de reinterpretaciones desde su propuesta estética.

‘Stupid Vision Pro’ se inscribe así en una línea de trabajo que toma elementos del contexto digital para convertirlos en materia de observación. En un contexto marcado por la producción constante de contenido y nuevas formas de interacción, el sencillo pone sobre la mesa una pregunta concreta: ¿Cómo sostener la experiencia humana en medio de un entorno cada vez más mediado por pantallas?

Del 23 al 25 de abril, la ciudad se viste de Flamenco, un género tradicional español que le ha dado la vuelta al mundo por su ritmo marcado y su profunda carga cultural. Su origen se remonta al siglo XIX, como resultado de la mezcla de raíces gitanas, árabes, judías y andaluzas.

Hoy en día, es uno de los lenguajes artísticos más reconocidos del continente europeo y sus canciones están profundamente ligadas a encuentros, migraciones y experiencias compartidas. Un viaje sonoro que se extiende a tres noches de celebración en el marco de la ‘Bienal de Flamenco- Estación Bogotá 2026’.

“El fuego de este género ha recorrido escenarios como Londres, Nueva York y Madrid, y hoy reúne en un mismo espacio propuestas y voces de distintas generaciones dentro de un circuito internacional que conecta a España con América Latina. El encuentro convoca trayectorias consolidadas y nuevas interpretaciones que mantienen viva su esencia y origen”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Los artistas más esperados!

- Israel Fernández, el Cante en estado puro: Será el encargado del concierto de apertura, su voz combina precisión y carga emocional en un formato centrado en el cante. El recorrido pasa por palos como la seguiriya y la soleá junto a momentos de mayor ligereza que equilibran la escucha.

Discos como ‘Universo Pastora’, ‘Amor’ y ‘Pura Sangre’ destacan dentro de una propuesta escénica que se construye desde el silencio, el matiz y la presencia, donde el flamenco se impone con fuerza a través de la voz.

- Antonio Rey, la guitarra como eje y expansión: El 24 de abril a las 7:30 p.m., el doble ganador del Latin Grammy, Antonio Rey, se presenta con su cuarteto en una propuesta que toma la guitarra como punto de partida y la abre a otros lenguajes. El repertorio cruza bulerías, soleá y tangos con influencias del jazz y la música clásica.

- Marina Heredia, la magia del cante jondo sinfónico: El cierre será el 25 de abril a las 7:30 p. m., y estará a cargo de Marina Heredia. Una voz que lleva el cante jondo a un diálogo con lo sinfónico. La artista ha pasado por escenarios como Carnegie Hall y el Teatro Real de Madrid. En escena, combina técnica, presencia y una lectura que amplía el alcance del flamenco sin perder su base.

En total serán tres noches de baile, música y fuego que tendrán lugar en el Teatro Colsubsidio, ubicado en la Av. El Dorado #25-40. Para conocer más detalles visite el siguiente link.