El proyecto, conformado por Mauricio Ramírez, Hugo Velásquez y Gilia Andrea Jiménez, nació en las montañas del Carmen de Viboral, Antioquia, a partir de experiencias relacionadas con la música, la educación y la naturaleza.

El grupo reúne diferentes recorridos personales. Mauricio Ramírez, encargado de escribir las letras y componer la música, tiene experiencia en la apicultura y el trabajo con cultivos, mientras Gilia Andrea Jiménez se desempeña como docente de música para niños. Desde estos contextos surge una propuesta que incorpora en sus canciones temas relacionados con la preservación del medio ambiente, la fauna, la flora y el cuidado personal.

Esta búsqueda se encuentra en ‘Titilán Tilán’, un sencillo que combina sonidos de la carranga y el reggae. La canción parte de una exploración sonora que busca llevar una tradición musical colombiana hacia públicos más jóvenes, sin desligarla de otras influencias contemporáneas.

La decisión responde a una concepción de la tradición como una característica que puede permanecer vigente al establecer nuevas conexiones con el presente. “Nosotros consideramos que las tradiciones no han de ser elementos que están lejanos, sino que estas pueden ser parte del presente”, explicó Gilia Andrea Jiménez en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El sencillo también aborda la voluntad y la determinación de actividades cotidianas. La letra relaciona los pequeños hábitos, las decisiones y el compromiso diario con la construcción de metas y sueños. En este sentido, el tema plantea que alcanzar un objetivo no depende únicamente de imaginarlo, sino de los cambios que permiten avanzar hacia él. “Las pequeñas acciones, los pequeños hábitos, las pequeñas decisiones y el compromiso diario con cualquier cosa, con cualquier meta, con cualquier sueño, es el que realmente nos va llevando por ese camino”, concluyó Jiménez.

El nombre ‘Titilán Tilán’ hace parte de esta búsqueda por construir un lenguaje cercano a las infancias. La expresión juega con la sonoridad de las palabras y con la posibilidad de que sean fáciles de pronunciar y recordar, mientras evoca el sonido de unas campanas. Este recurso combina una intención pedagógica con una exploración artística dentro de la canción.

La propuesta de Canparaní no está dirigida exclusivamente a los niños. El trabajo plantea una experiencia familiar en la que padres, madres, tíos, abuelos y otros integrantes puedan compartir las canciones con los más pequeños. La agrupación propone que los adultos también hagan parte del entorno musical de las infancias y que la música pueda convertirse en un espacio de encuentro entre diferentes edades.

La naturaleza y las tradiciones campesinas también hacen parte del repertorio. Entre las canciones que acompañan el proceso se encuentra ‘Chachafruto’, una composición que toma como referencia los mercados campesinos y la flora tradicional, y que plantea una invitación a conocer, sembrar y preservar esta especie, además de apoyar los espacios de comercialización de productos del campo.

“De Castilla pal mundo”, una frase que bien podría resumir la historia de Vestigios. En 2014, un grupo de amigos de este barrio bogotano comenzó a reunirse alrededor de la música y, con el paso de los años, fue consolidando una identidad marcada por la fuerza y los sonidos estridentes. Una década después, aquellas primeras canciones dieron paso a presentaciones en diferentes escenarios del país y a ‘Grietas’, su primer álbum de estudio, publicado en 2017.

Sin embargo, la pandemia marcó un punto de quiebre. Algunos integrantes tomaron otros caminos y, después de ese periodo, el baterista y vocalista Fernando ‘Fercho’ Real y el bajista ‘Juanelo’ decidieron seguir su “loco sueño”. De ese momento, nació ‘PHÁSMA’, un segundo trabajo discográfico, lanzado el 8 de junio de 2026 y concebido como una nueva etapa de evolución y madurez.

“Este disco retrata distintas vivencias a través de las pesadillas. No hablamos únicamente del desamor, sino de aquello que hemos atravesado y que permanece de alguna manera. Queríamos llevar a la música lo que se siente en esos momentos, con sus diferentes formas: Los ciclos, el miedo, la pérdida y la atrición”, explicó ‘Fercho’ Real, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Dentro del EP destacan títulos como ‘Culpa’, ‘Moiras’ y ‘Phasma’, la primera nació de una pesadilla que el baterista tuvo años atrás y que terminó convertida en canción; la segunda toma su nombre de las figuras de la mitología griega vinculadas con el destino; y la tercera parte del término ‘phásma’, asociado con apariciones, fantasmas o ilusiones.

La incorporación del vocalista Rick Buitrago permitió ampliar el registro vocal con guturales, growls y voces melódicas, mientras que la producción y el trabajo instrumental buscaron darle mayor profundidad a cada composición.

“Nos tocó dejar atrás esas ideas del rockstar de barrio. Ya no estamos en la banda solo con los amigos, también estamos con socios, con personas que están caminando al lado de uno y que tienen un norte. Esa madurez que nos han traído la edad, las experiencias dentro de la escena y nuestra propia vida nos ha ayudado a soltar muchas cosas y avanzar hacia este sonido más maduro”, puntualizó el artista.

Actualmente, preparan un videoclip y una propuesta visual alrededor de ‘PHÁSMA’, con la intención de llevar este universo a nuevos escenarios y públicos a nivel internacional.

En 1995, en Quilmes, Argentina, un grupo de músicos comenzaba a darle forma a una banda que, tres décadas después, seguiría saltando entre el rock, el ska, el punk, el reggae y el cuarteto. Su nombre es Kapanga y este 2026 celebran 30 años con más de 8 discos de estudio, 2 producciones en vivo y una película.

La agrupación pasó de los primeros demos y escenarios de su barrio a tocar en estadios como Luna Park y Obras, girar por Latinoamérica y Europa, y convertirse en una de las bandas más reconocidas de la música popular de su país.

“En este camino aprendimos a grabar discos, montar conciertos y giras, formar familias y atravesar todo tipo de momentos. La música nos salvó cuando éramos jóvenes y hoy, de adultos, vuelve a darnos fuerzas. Por eso, la reflexión que me ha dejado esta carrera, es sin duda, que la música es la cura”, contó Miguel de Luna Campos ‘Maikel’, cofundador y guitarrista de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El salto de artistas locales a fenómeno internacional comenzó al escuchar al público corear una de sus canciones en una cancha de fútbol: “Dijimos: Esto es la popularidad”, recuerda Maikel.

Aunque el guitarrista tuvo que hacer un receso de los escenarios para atender su salud, los ensayos, la ovación y, sobre todo, su pasión por la música en el gran elixir de su vida. Hoy, miles de kilómetros recorridos más allá de Quilmes, Kapanga presenta un nuevo álbum que revisita sus comienzos y celebra el legado que quiere dejar a nuevas generaciones.

El proyecto reúne algunas de las canciones más representativas de su historia junto a artistas de distintas generaciones y escenas. Entre los encuentros están ‘El Mono Relojero’ con Damas Gratis, ‘La Crudita’ con Los Caligaris y Los Estrambóticos, ‘Desearía’ con Bándalos Chinos y ‘No me sueltes’ con Milo J, registrada en vivo durante el concierto por los 30 años de la banda en el Estadio Obras. El trabajo también contará con invitados como La Mona Jiménez y Guillermo Bonetto, de Los Cafres.

“En el caso de Milo, su mamá era nuestra fan y nos contó que, cuando estaba embarazada de él, venía a vernos con una remera de Kapanga. Él se crio escuchando nuestras canciones, entre muchas otras. Eso es un regalo que te da la música”, agregó el artista.

El álbum de colaboraciones, ya mezclado, llegará en octubre de 2026 y reunirá estas nuevas versiones de sus más grandes himnos. Además, los argentinos preparan un nuevo disco de canciones inéditas, previsto para el 2027.

Si hay canciones que llegan con pinta de convertirse en la banda sonora de una temporada, ‘Sola’ de SER tiene todos los ingredientes. La agrupación presenta una nueva versión en vivo de este tema junto a Demián “DMIX” Marcelino, compositor y guitarrista de Los Cafres, en una colaboración que cruza el pop, el reggae y ese espíritu festivo que caracteriza a SER.

‘La Vida Baila Live Session’ es un proyecto audiovisual que se está revelando canción por canción y que tendrá su lanzamiento completo hacia finales de 2026.

El álbum no busca ser simplemente otro registro de concierto. SER apostó por una experiencia mucho más cercana: La sesión fue grabada en Buenos Aires con cinco cámaras en mano, mientras el público se ubicó entre los músicos.

El resultado es una propuesta audiovisual que busca transmitir esa sensación de estar en medio del escenario, compartiendo la música de cerca y capturando la energía de una presentación íntima, pero al mismo tiempo llena de fiesta.

La dirección estuvo a cargo de Diego Latorre, ganador de un Premio Gardel, mientras que la producción artística fue realizada por Diego “Chapa” Blanco, de Los Pericos. Y la colaboración no termina en DMIX. En ‘Sola’ también participan Willy Rangone, de Los Cafres, en la trompeta, y Fapeto, de Choque Urbano, en la percusión, sumando nuevas texturas a esta versión en vivo.

La banda argentina llega a este nuevo lanzamiento después de presentar ‘Loco tu forma de SER’ (en vivo), una versión en vivo y de ritmo acelerado del clásico de Los Auténticos Decadentes.

Sobre SER

Desde su aparición en la escena argentina, SER ha construido una propuesta que mezcla pop, rock, reggae, ska y ritmos latinos, siempre con una fuerte apuesta por la energía de sus presentaciones en vivo.

La banda fue descubierta por Zeta Bosio, de Soda Stereo, y cuenta con producción de Diego “Chapa” Blanco. Su álbum ‘La Vida Baila’, lanzado en 2024, amplió esa mezcla de sonidos y colaboraciones. Entre ellas está el tema homónimo junto al colombiano Salo, una canción que conectó a Argentina y Colombia a través del pop latino y el tropipop.

Ahora, con ‘La Vida Baila Live Session’, SER lleva esa energía al formato en vivo y deja que cada canción revele un nuevo capítulo.

Corría la mitad de 1995 cuando un puñado de melómanos curiosos marcó un nuevo hito en la historia musical de Bogotá. El Parque de la Independencia fue testigo de aquel primer encuentro, que reunió a 23 agrupaciones entre el 4 y el 6 de noviembre. Así comenzó un festival que, tres décadas después, llega a su edición número 29, esta vez para explorar el diálogo entre el jazz y las músicas de América Latina.

El próximo 12 y 13 de septiembre, el Parque El Country, abrirá sus puertas para recibir a 17 agrupaciones entre invitados internacionales, artistas nacionales y proyectos distritales. Sus sonidos pondrán sobre el escenario una pregunta que atraviesa el regreso de este encuentro: ¿Qué ocurre cuando el jazz se fusiona con las músicas, los ritmos y las tradiciones de América Latina?

“Una parte fundamental del ‘Jazz al Parque’ ocurre antes de que comiencen los conciertos internacionales: Está en los músicos que llevan años construyendo la escena local, formando públicos, experimentando con sonidos y ampliando las fronteras de lo que puede ser este género en Bogotá. Este año, ocho proyectos distritales ocupan el lugar: Urpi Barco, Solange Prat, Masato, Maljazzviajante, Libardo Cardozo, fatsO, Dorado Kandua y Daniel González Rodríguez”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Un viaje sonoro por el mundo!

La programación será de entrada libre y tendrá entre sus nombres a figuras como:

- Arturo O’Farrill: Desde Nueva York llegará el pianista y compositor nacido en Ciudad de México e hijo del reconocido arreglista cubano Chico O’Farrill. Al frente de su Afro Latin Jazz Orchestra ha desarrollado una propuesta que conecta las raíces afrocubanas con el jazz contemporáneo, además de abordar temas como la memoria, la identidad y la diáspora.

- Cimafunk: Cuba estará representada por el proyecto liderado por Erik Alejandro Iglesias Rodríguez, quien parte de los ritmos afrocubanos para mezclarlos con funk, soul y sonidos contemporáneos. Su propuesta ha llegado a escenarios internacionales sin desprenderse de las raíces de la música de la isla.

- Iraida Noriega: Cantante con más de tres décadas de trayectoria y 21 producciones discográficas. Su trabajo conecta el jazz con la canción latinoamericana, la poesía y la improvisación, en una presentación que marcará su primer encuentro con el público colombiano.

- Uli Costa - AfroSambaJazz: Desde Brasil llegará una propuesta que recupera la relación entre las afro-sambas, el samba jazz de los años sesenta y setenta y la improvisación.

- ‘BALTA’: Uruguay estará presente con Facundo Balta, quien cruza la bossa nova, el bolero, el R&B, el trap y el candombe desde sus raíces afrouruguayas.

- Tlapalería Don Chuy: La programación internacional también incluye a esta agrupación, que define su sonido como una “afro-mexi-fiesta” y combina ritmos latinoamericanos con jazz, funk y afrobeat.

¡Colombia será protagonista!

La cuota nacional llegará desde Barranquilla y Medellín con Territorio Gauta y Madera Jazz. A ellos se suma Ricardo Gallo Cuarteto, que celebrará sus 20 años de trayectoria y presentará ‘Danzando sobre el polvo’, su sexto trabajo discográfico, en una jornada que también conmemora las dos décadas de ‘Los cerros testigos’, álbum inspirado en Bogotá.

La cita es el sábado 12 y domingo 13 de septiembre en el Parque El Country, ubicado en la avenida calle 127 #11D-90. Para conocer más información puede visitar el siguiente link

Después de cuatro décadas de ruido, inconformidad y canciones que acompañaron a varias generaciones, La Pestilencia abre el último capítulo de su historia con ‘Es Mi Calma’, una canción que cambia por un momento la rabia característica de la banda por una mirada más íntima hacia la ansiedad, la soledad y la necesidad de encontrar un respiro.

El tema, incluido en ‘Buen Provecho’, su último trabajo discográfico, ahora llega acompañado de un videoclip grabado en Bogotá y dirigido por Peloz ozico. El audiovisual lleva a las calles una historia sobre la vulnerabilidad y esas emociones que muchas veces se viven en silencio.

La propuesta visual pone en el centro a los fanáticos de la agrupación. Sus rostros, miradas y gestos construyen una especie de retrato colectivo en el que la incertidumbre y la necesidad de sentirse acompañado terminan conectando a diferentes personas.

Más que contar una historia de principio a fin, el videoclip busca transmitir una sensación: Cuando el ruido de afuera no se detiene, también hace falta encontrar un espacio para respirar. Y ahí está una de las novedades de esta última etapa de La Pestilencia.

El estreno llega mientras la banda se prepara para uno de los momentos más importantes de su trayectoria: ‘El Último Pogo de La Peste’, el concierto con el que La Pestilencia cerrará definitivamente su historia en los escenarios.

La cita será el 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo MedPlus de Bogotá, en un encuentro que reunirá a diferentes generaciones de seguidores para celebrar cuatro décadas de música, memoria y resistencia.

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El concierto también tendrá como protagonista a ‘Buen Provecho’, el álbum que acompaña esta última etapa de la agrupación. De esta manera, canciones nuevas y clásicos de su trayectoria harán parte de un cierre que busca reunir todo aquello que La Peste ha construido junto a su público.

La despedida no solo marca el final de una banda. También cierra un capítulo de la música colombiana: Desde sus comienzos en los años 80, La Pestilencia convirtió el punk y el rock en una forma de hablar acerca de la realidad del país y poner sobre la mesa temas que incomodaban.

 Hay lugares que terminan convirtiéndose en recuerdos. Para LP, muchas de esas historias ocurrieron en habitaciones de hotel, entre viajes, escenarios y momentos de pausa. De ahí nace ‘Room 12’, su esperado octavo álbum de estudio, estrenado el pasado 2 de septiembre.

La idea detrás del título va precisamente por ahí: Las habitaciones de hotel que LP ha conocido durante sus viajes se transformaron en espacios de reflexión, recuerdos y creatividad. Más que lugares de paso, se convirtieron en escenarios para reencontrarse consigo misma.

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El álbum recorre distintas emociones y experiencias alrededor del amor, el desamor, la identidad, la memoria y el autodescubrimiento. El resultado es un trabajo que combina su característica sensibilidad con sonidos que transitan entre el pop, el rock y otras influencias que hacen difícil encasillarlo en un solo género.

Junto con el álbum llegó ‘Don’t Stop’, una canción pop-rock construida alrededor de guitarras, palmas y una energía mucho más luminosa. El tema fue escrito por LP en compañía de Imad Royal y Chloe Angelides, compositora que ha trabajado con artistas como Lily Allen y Demi Lovato. Para LP, el tema representa una celebración de esos momentos en los que simplemente vale la pena disfrutar y dejar que las cosas fluyan.

El single se suma a los adelantos que ya habían abierto el camino hacia ‘Room 12’: ‘Shelly’, ‘Love Is All I Have’, ‘Best In Life’ y ‘Mi Corazón’.

De ‘Lost On You’ a una nueva etapa

Para LP, este lanzamiento llega en un momento especial de su carrera. La artista alcanzó reconocimiento mundial con ‘Lost On You’, canción que se convirtió en uno de sus mayores éxitos y que ahora cumple una década.

Precisamente, durante 2026 LP continúa con su gira mundial ‘All Is Not Lost’, en la que combina las canciones de ‘Room 12’ con una presentación especial de ‘Lost On You’ para celebrar sus diez años. El tour ya pasó por Norteamérica y contempla nuevas fechas internacionales.

Por eso, los conciertos tributo van mucho más allá de imitar a un artista o repetir sus grandes éxitos. Se han convertido en encuentros con la memoria, espacios donde los asistentes vuelven a cantar esas canciones que alguna vez fueron parte de su propia historia.

Con esa idea llega ‘Noche de Leyendas’, un espectáculo tributo que reunirá en un mismo escenario las grandes canciones de José José, Camilo Sesto y Raphael, tres voces que dejaron una huella en la música romántica en español y que continúan conquistando a diferentes generaciones.

El evento propone un recorrido por algunos de los temas más representativos de estos tres artistas, reconocidos por su influencia en la música en español.

José José, conocido como ‘El Príncipe de la Canción’, dejó una amplia trayectoria vinculada a la balada romántica; Camilo Sesto se consolidó como uno de los referentes de la canción melódica en español, mientras que Raphael ha mantenido una extensa carrera artística que lo convirtió en una de las voces más reconocidas de España y Latinoamérica.

Sus repertorios tienen en común temas que trascendieron su época y que continúan presentes en reuniones familiares, historias de amor y recuerdos personales. Por eso, ‘Noche de Leyendas’ plantea el concierto como algo más que un homenaje, es una oportunidad para reencontrarse con un repertorio que permanece vigente. Para mayor información puede consultar el siguiente link.

La cita será el sábado 24 de octubre de 2026, a las 8:00 p. m., en el Auditorio Zea Mays de Chía, ubicado en la cra. 8a #16-54.

Durante nueve días, el Teatro Colsubsidio reunirá a artistas de distintas generaciones y procedencias en el ‘Festival Internacional de Jazz 2026’. La improvisación, el intercambio y la creación colectiva serán protagonistas de una cartelera en la que el jazz hablará diferentes idiomas, con propuestas que pasan por el flamenco, las músicas afrocaribeñas, las sonoridades del Pacífico colombiano, el funk, el soul, los ritmos africanos y la tradición jazzística.

“Bogotá está en el foco de los artistas más importantes del mundo, ya es una parada obligada y eso resulta siendo un reto para los programadores y una ilusión muy grande para los espectadores”, contó Paulo Sánchez, gerente del Teatro Colsubsidio, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Los mejores del mundo! Seis fechas imperdibles

El Festival Internacional de Jazz tendrá lugar del 9 al 17 de septiembre y reunirá seis propuestas que muestran distintas generaciones, trayectorias y maneras de entender el género.

1. Al Di Meola- 9 de septiembre: Uno de los guitarristas más influyentes del jazz contemporáneo. Con más de cinco décadas de trayectoria, ha construido un lenguaje propio en el que convergen el jazz fusión, el rock, el flamenco, el tango y las músicas del mundo. Esta será su primera presentación en Colombia con su banda.

2. Skokiaan Brass Band - 10 de septiembre: Desde Francia llega esta agrupación inspirada en el espíritu de las calles de Nueva Orleans. Su propuesta combina la tradición de las brass bands con second line, funk, soul, ritmos afrocaribeños y highlife africano.

3. David Sánchez Quartet - 11 de septiembre: Ganador de un Grammy y un Latin Grammy, el saxofonista puertorriqueño es una de las figuras del jazz latino contemporáneo. Su música conecta el jazz moderno con las raíces afrocaribeñas, una búsqueda que también lo llevó a investigar las tradiciones musicales de San Basilio de Palenque y Palomino.

- Sant Andreu Jazz Band - 12 de septiembre: El proyecto nacido en Barcelona se ha convertido en un referente internacional de formación musical y práctica jazzística. Bajo la dirección de Joan Chamorro, varias generaciones de jóvenes músicos han encontrado allí un espacio para aprender, tocar y crecer sobre el escenario.

- Harlinson Lozano Quinteto & Figaro’s Jazz Club - 16 de septiembre: Una alianza entre Colombia y Cuba que pone en diálogo la improvisación contemporánea con las músicas afrocolombianas, el Pacífico, el currulao y el latin jazz. La presentación también marcará el estreno en Bogotá de ‘Redbone’, el más reciente trabajo de Harlinson Lozano.

- Chano Domínguez, Javier Colina & Guillermo McGill - 17 de septiembre: Tres referentes de la escena europea que volverán a encontrarse después de más de dos décadas. Su propuesta explora la relación entre jazz y flamenco, conjugando improvisación, tradición y libertad creativa.

Para conocer más información puede visitar el siguiente enlace

La propuesta del cantautor caribeño se articula alrededor de las músicas de raíz afrocolombiana, la memoria del territorio y las experiencias vinculadas con la identidad del Caribe. Estos elementos atraviesan ‘Canto Cimarrón’, su tercer disco de estudio, compuesto por once canciones que recorren distintos paisajes y tradiciones de la región.

El álbum plantea un recorrido que parte de la Sierra Nevada de Santa Marta, sigue el curso del río Magdalena y llega hasta el mar Caribe, con una conexión particular con San Basilio de Palenque y la figura de Benkos Biohó. En este trayecto convergen referencias al son palenquero, la nueva trova cubana y la canción de autor latinoamericana, elementos que hacen parte de una propuesta que denomina “Afrotrova”.

El proyecto construye un territorio sonoro en el que la tradición y las experiencias contemporáneas se encuentran. Las composiciones abordan asuntos como la identidad afro, la libertad, la memoria, el territorio y la relación con la naturaleza.

El concepto de cimarronaje funciona como uno de los ejes del álbum. Históricamente asociado con las personas esclavizadas que escapaban de la esclavitud para buscar su libertad, el término es retomado por Bantú como una idea relacionada con la resistencia y la autonomía artística.

Desde esta perspectiva, la propuesta también cuestiona algunas dinámicas de la industria musical contemporánea, particularmente la presión por responder a los algoritmos, las plataformas de streaming y las estrategias de posicionamiento. El concepto de una música “cimarrona” se relaciona así con la intención de conservar una identidad propia frente a las exigencias comerciales.

La construcción partió de un proceso de composición desarrollado durante varios años. Cerca de treinta canciones fueron escritas entre 2017 y 2023, de las cuales once fueron seleccionadas para integrar el repertorio. La elección respondió a la necesidad de que las piezas compartieran una relación narrativa y contribuyeran al recorrido planteado por el disco.

La naturaleza también ocupa un lugar central en el proceso creativo. Su presencia atraviesa la obra de Mulato Bantú desde sus trabajos anteriores y aparece vinculada con la manera en que el compositor entiende su relación con el territorio y con las experiencias que alimentan sus canciones.

La producción estuvo a cargo Bantú y Nacho Nieto. El proceso se desarrolló desde una dinámica colaborativa que permitió incorporar diferentes perspectivas a los arreglos y a la construcción sonora del repertorio. La grabación y mezcla se realizaron en los estudios Jambo Récords, en Barranquilla, mientras que la masterización estuvo a cargo del ingeniero Camilo Silva, en Bogotá.

La propuesta también ha encontrado espacios de circulación fuera de Colombia. La canción ‘Benkos’, incluida en el repertorio fue seleccionada por Putumayo World Music, hecho que contribuyó a ampliar la presencia de la música del artista en circuitos internacionales. Su obra ha despertado interés en mercados y escenarios de países como Francia, Alemania, España, Australia, Argentina y Costa Rica.

Esta circulación internacional se relaciona además con uno de los objetivos de la propuesta: Establecer vínculos con África. Más allá de los principales circuitos musicales europeos o norteamericanos, contemplando la posibilidad de llevar su música a países como Camerún y Nigeria, en una búsqueda de conexión con los territorios vinculados históricamente con las raíces africanas de las músicas afrocolombianas.

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En el ámbito local, la relación con las comunidades también hace parte de la experiencia artística. Proyectos y encuentros desarrollados en barrios de Bogotá, como ‘Renacer de Techo’, en la localidad de Kennedy, han permitido vincular la música con procesos comunitarios y con experiencias compartidas junto a habitantes de distintos sectores de la ciudad.