Cada 22 de noviembre, Colombia conmemora el Día Mundial del Músico, una fecha para reconocer a los artífices de la melodía, aquellos que, con un acorde, desafían los mandatos del tiempo y salvan la libertad del alma.

De la rebeldía familiar al refugio de los bohemios

Ser músico no es simplemente ejecutar un instrumento; es un oficio de resistencia espiritual y una vocación que desafía las coordenadas de lo establecido. En la memoria íntima de muchas familias de antaño —aquellas regidas por normas rígidas, moldes verticales y una severidad a toda prueba— siempre habitaba un personaje entrañable y singular: El tío bohemio y librepensador. Aquel pariente indomable, armado con una guitarra gastada o un viejo bolero en los labios, se convertía en el faro secreto de los jóvenes, el cómplice que introducía los primeros acordes prohibidos y abría la puerta hacia un universo donde el pensamiento crítico y la emoción desatada no conocían cadenas.

Desde los rincones más recónditos de la historia, el músico ha cumplido un rol insustituible como cronista de la tribu. En la antigüedad, eran los juglares, los aedas y los trovadores quienes tejían la memoria colectiva de los pueblos; hoy, ese testigo mantiene su antorcha encendida en las calles, los estudios y los escenarios. La música siempre ha sido la trinchera de los soñadores, el refugio donde las almas encuentran el oxígeno que el mundo cotidiano les niega.

El oficio musical se despliega en un abanico infinito de formatos que hermanan a la humanidad. Están las alegres tunas universitarias que despiertan callejones con bandurrias y picardía; los tríos y cuartetos románticos que le cantan al desamor bajo la luz de una farola; las bandas punk, los metaleros, las voces de la ópera, del interpretes del tango, el rock y el rigor sublime de los cuartetos de cámara, donde cada violín y cada chelo dialogan como si tejieran encajes con el silencio o en un amor de ‘Música Ligera’.

Pero la música también sabe convertirse en maremoto colectivo. Es la energía desbordante de The Beatles y The Rolling Stones, redefinieron la cultura juvenil del planeta, o la potencia irresistible de la Fania All Stars y El Gran Combo de Puerto Rico poniendo a bailar al universo entero con el fuego indiscutible de la salsa. Y en nuestra propia latitud, el genio visionario de Jairo Varela y el Grupo Niche elevaron la identidad afrocaribeña y pacífica hasta los altares de la salsa mundial, demostrando que en cada golpe de campana y en cada pregón late la historia viva de nuestra tierra.

Al final del camino, la música es el lenguaje universal que redime nuestras penas y ensancha los horizontes de la imaginación. Es la brújula invisible que nos recuerda que, a pesar de las tormentas, el ser humano conserva la facultad sagrada de crear belleza de la nada.

En su día mundial, a todos los músicos del mundo —a los que tocan en las grandes arenas y a los que ensayan en la penumbra de un cuarto, LAUD 90.4 FM ESTÉREO, emisora de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas — les desea el más hermoso, sonoro y bello día. Gracias por tanta música...

…Crónica en memoria de Gustavo Cerati.

Por: Edgar Cortés.

Hace diez años, Santiago de la Fuente preparaba su salida de Venezuela rumbo a España. En su maleta no solo llevaba sueños de migrante, sino también la idea de crear un trabajo musical que traspasara fronteras. Junto a Mikel, decidió componer cuatro canciones, sin imaginar que aquel EP, titulado ‘El Mar’, marcaría el inicio de una historia que, una década después, se convertiría en su proyecto de vida.

Así nació Anakena, agrupación cuyo nombre está inspirado en una isla chilena. Su propuesta musical se fundamenta en los sonidos del Caribe, que se mezclan con una visión moderna y fresca del pop latino. Hoy, la agrupación acumula más de 50 millones de reproducciones en plataformas digitales y ha llevado su música a escenarios de 13 países y 27 ciudades.

“Cuando encontramos el concepto de pop caribeño, entendimos que esto era lo que nos definía: Tomar diferentes géneros y la energía del Caribe, llevarlos a un lenguaje más universal y seguir explorando esa identidad. Todavía estamos descubriendo qué significa para nosotros, mientras buscamos conquistar el viejo continente con nuestros sonidos”, contó Santiago en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un reencuentro con las olas!

“Llegué a este mundo solo, sin nadie con quien contar, me sentía atrapado en un hoyo más profundo que el fondo del mar… en eso llegaste tú”. Esta es una de las frases de ‘Sofía’, uno de los temas que hace parte de ‘El Mar: 10 años después’, el lanzamiento con el que la agrupación revisita las canciones de su primer trabajo discográfico, publicado originalmente en septiembre de 2016.

Esta nueva entrega reúne versiones en vivo y acústicas, grabadas en mayo de 2026, durante la más reciente gira de la banda por España. La sesión tuvo lugar en Comeback Studios, como parte de un proyecto audiovisual que busca visibilizar el trabajo de músicos y agrupaciones de Iberoamérica.

“Una de las particularidades, es que incorporamos interludios y partes instrumentales que surgieron después de tocarlas más de 150 veces. Para grabarlas, quisimos recuperar esa magia de antes: Guitarra, sofá, pana y ya. Hay algo de esa espontaneidad que a veces es imposible captar en la computadora y que explica por qué estas canciones siguen conectando con la gente”, puntualizó el artista.

Anakena planea cerrar el año con un sencillo nuevo y se prepara para el ambicioso proyecto que tienen para su cuarto álbum.

Cuando la mente hace ruido, el rock encuentra la señal. En 2025, después de pasar por diferentes proyectos y encontrar dificultades para abrirse espacio en el circuito de bares, tres músicos bogotanos decidieron cambiar de rumbo. Lo que comenzó como una banda de covers tomó otro camino, crear e interpretar sus propias canciones.

Así nació Señal Débil o Inexistente, un power trío integrado por Santiago Muñoz, en la guitarra y voz; Stveen Puentes en la batería, y Julio Jácome, en el bajo. El nombre surgió de una situación cotidiana que terminó dándole identidad al proyecto.

“Yo estaba viendo un televisor que no tenía señal HDMI y apareció un aviso que decía “Señal débil o inexistente”. Hice una conexión porque venimos de muchos intentos de hacer música, lanzar canciones, videos y tocar en vivo, pero sentíamos que no trascendía. Me gustó mucho ese nombre era muy acorde con lo que estamos haciendo y con la intención de volver a empezar”, contó Santiago en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Con influencias del rock alternativo y el grunge, la agrupación construye un sonido marcado por la energía, la rabia y la rebeldía. Esa identidad está presente en ‘A veces’, su primer sencillo original, una canción que retrata los cambios de ánimo y las contradicciones que pueden aparecer incluso en situaciones aparentemente sencillas.

“Uno se puede sentir mal por algo que para alguien es muy sencillo, pero para uno significa el mundo. Simplemente, traté de poner eso en canciones. Si una persona conecta con nuestra música y puede ayudar en algún momento, es algo muy bonito”, agregaron los integrantes de la banda.

A este lanzamiento se suma ‘Si hago todo mal’, una segunda composición que aborda estas inquietudes desde una perspectiva irónica y profunda. Ambas canciones harán parte de su primer EP, junto a ‘Rito’, tema que la banda presentará el próximo 12 de diciembre de 2016 en Templo Sound.

La Orquesta Filarmónica SAYCO interpretó un repertorio que reunió canciones representativas de distintas regiones y géneros musicales. Entre las obras incluidas estuvieron ‘Colombia Tierra Querida’, ‘Toitico Bien Empacao’, ‘Alma Tumaqueña’, ‘Luna Sanjuanera’, ‘Noches de Boca Grande’, ‘Obsesión’, ‘Traicionera’, ‘Señora y Sombra Perdida’.

El programa también contempló homenajes como Escalona, Nuestro José A. Morales y Villamil Vive, además de piezas instrumentales y musicales como ‘Fantasía Tropical’ y ‘Fantasía Llanera’. De esta manera, el encuentro rindió tributo a las melodías que han acompañado a distintas generaciones y reflejó la riqueza cultural y sonora de Colombia.

La jornada comenzó con una muestra de tradición y folclor a cargo de Nikoyembe y la agrupación infantil instrumental y vocal El Convite. Posteriormente, el concierto central contó con la participación de artistas de diferentes trayectorias y estilos musicales.

Entre los intérpretes anunciados estuvieron Katie James, Francy, el Trío Los Románticos, Roberto Calderón, Rafael Manjarrez, Walter Silva, Rita Fernández, Azael Cuesta, Peter Manjarrés, Sergio Amaris, Checo Acosta y Maía, entre otros.

La dirección musical estuvo a cargo del maestro Raúl Rosero Polo, compositor, arreglista y director de orquesta con trayectoria nacional e internacional. La presentación fue conducida por la periodista Rossy Lemos y el presentador Carlos Calero.

Más allá del espectáculo artístico, el concierto conmemoró los 80 años de gestión del derecho de autor de SAYCO y destacó la labor de quienes han convertido historias, emociones y tradiciones en canciones que permanecen en la memoria colectiva.

La celebración contó con la participación de representantes institucionales, integrantes de la industria musical, compositores, sociedades de gestión colectiva y medios de comunicación. Durante los actos protocolarios, el presidente de SAYCO,

La apertura de la noche conmemorativa Rafael Manjarrez Mendoza, y el gerente general, César Ahumada, participaron en la apertura de la noche conmemorativa.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Ahumada destacó el alcance internacional de la entidad y su labor en la protección de los derechos de autor: “SAYCO cuenta con 109 convenios internacionales que permiten recaudar regalías por el uso de las obras de sus asociados en el exterior. Además, gestionamos los derechos de autor derivados de eventos en vivo, emisiones de radio y televisión, así como de plataformas digitales”

El encuentro también puso de relieve la importancia de proteger los derechos de autor y reconocer el valor del trabajo creativo para preservar y fortalecer la cultura musical colombiana.

Con esta celebración, SAYCO reafirmó su compromiso con la protección de los derechos de autor y el reconocimiento de los compositores colombianos. El Concierto Filarmónico SAYCO 80 Años se planteó como un espacio de encuentro entre generaciones, géneros y regiones, alrededor de las canciones que forman parte de la identidad cultural de Colombia.

La Orquesta Aragón, reconocida como “Los Reyes del Chachachá”, llegará a Chía el próximo viernes 20 de noviembre con un repertorio que conecta varias generaciones a través de los sonidos que han marcado la historia musical del Caribe.

Con más de ocho décadas de trayectoria, la agrupación conserva el sello de la charanga cubana, una propuesta musical en la que se encuentran los violines, la flauta, el piano y la percusión. Su sonido combina melodías y ritmos que invitan a descubrir por qué esta tradición sigue vigente en los escenarios internacionales.

Más de 80 años haciendo historia musical

La historia de la Orquesta Aragón comenzó el 30 de septiembre de 1939 en Cienfuegos, Cuba, bajo la dirección del contrabajista Orestes Aragón Cantero. Desde entonces, la agrupación se ha convertido en una de las referentes de la música tradicional cubana, con un repertorio que recorre el chachachá, el son y el danzón.

A lo largo de su trayectoria, la orquesta ha llevado su propuesta a importantes escenarios internacionales y ha construido una discografía de más de 100 producciones. Su recorrido este ligado a reconocimientos como la Medalla Pablo Picasso de la Unesco, recibida en 2005, y los Latin Grammy obtenidos en 2020 y 2021 por trabajos dedicados a la música tropical tradicional.

Entre las canciones que identifican su legado se encuentran ‘El Bodeguero’, ‘Cachita’, ‘Tres lindas cubanas’ y ‘Quiéreme siempre’, temas que mantienen viva la conexión con las raíces musicales de la isla.

La agrupación también ha atravesado diferentes generaciones de músicos. El violinista Rafael Lay asumió su dirección en 1948 y contribuyó a consolidar el sonido que la convirtió en una de las grandes representantes de la charanga cubana. Actualmente, Rafael Lay Bravo continúa al frente del conjunto.

El concierto será una oportunidad para acercarse a una tradición musical que ha trascendido fronteras y continúa encontrando nuevos públicos. La cita es el 20 de noviembre en el Auditorio Jorge Arango Tamayo de UNICOC, ubicado en el kilómetro 20 de la Autopista Norte, vía Chía. Las puertas abrirán a las 5:00 p. m. y el evento contará con parqueadero gratuito.

Para mayor información puede comunicarse al WhatsApp 311 855 3948.

El tango está más vivo que nunca y su música continúa conquistando nuevas generaciones. Esta vez, Colombia será escenario de un viaje sonoro por la obra de Astor Piazzolla, el compositor y bandoneonista argentino que transformó este género al mezclar sus raíces tradicionales con nuevos sonidos y llevarlo a escenarios de todo el mundo.

El encargado de traer ese legado será el Quinteto Astor Piazzolla, una agrupación con más de 25 años de trayectoria que llegará al país, para reencontrarse con el público a través de algunas de las composiciones más emblemáticas del maestro argentino.

“Tratamos de hacer esa música de una manera muy respetuosa con su legado, pero también poniendo nuestra impronta, nuestras herramientas y nuestra personalidad, para que tenga un sonido especial y poder llegar al corazón de la gente, que es lo que más importa a fin de cuentas”, dijo Matías Feigin, pianista del Quinteto Astor Piazzolla, a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Un homenaje a un músico que cambió la historia del tango

La música de Piazzolla rompió esquemas y demostró que el tango podía explorar nuevos caminos sin perder su esencia. Su propuesta, conocida como Nuevo Tango, combinó la tradición argentina con elementos de la música clásica y el jazz, conquistando a varias generaciones más allá de las fronteras de su país.

El quinteto que lleva su nombre conserva esa esencia y mantiene vigente su repertorio. Su trayectoria internacional incluye presentaciones en América, Europa, Australia y Asia, además de dos importantes reconocimientos: Los Latin Grammy a Mejor Álbum de Tango en 2019 y 2023.

La agrupación está integrada por Pablo Mainetti, en el bandoneón; Matías Feigin, en el piano; Serdar Geldymuradov, en el violín; Armando de La Vega, en la guitarra, y Cristian Basto, en el contrabajo. Bajo la dirección musical de Julián Vat, los cinco músicos se unen para revivir las composiciones de Piazzolla con una interpretación que conecta distintas épocas y emociones.

‘Le Grand Tango’: un recorrido entre la pasión y la nostalgia

El corazón del espectáculo será ‘Le Grand Tango’, una obra que Piazzolla dedicó en 1982 al reconocido violonchelista Mstislav Rostropóvich. Ahora, adaptada por el quinteto, la pieza da nombre a su más reciente proyecto discográfico y a esta gira internacional.

El repertorio también incluirá composiciones que muestran las diferentes facetas del artista. Desde la energía de ‘Presto’ y la intensidad de ‘Escualo’, hasta la melancolía de ‘Soledad y Oblivion’, el concierto promete un recorrido por los contrastes que hacen única su música.

A estas piezas se suman ‘Luna’, una obra menos habitual dentro de su repertorio, además de clásicos como ‘Zita’, ‘Milonga loca’ y ‘Verano porteño’.

El cierre estará a cargo de ‘Adiós Nonino’, una de las composiciones más reconocidas y emotivas de Piazzolla, que reúne la fuerza y la nostalgia características de su universo musical.

Una música que sigue conquistando generaciones

Más que interpretar grandes clásicos, el Quinteto Astor Piazzolla también trabaja para recuperar obras menos conocidas del compositor y acercarlas a nuevos públicos. Su propuesta busca demostrar que estas composiciones siguen teniendo mucho que decir, incluso décadas después de haber sido creadas.

Con ‘Le Grand Tango’, los espectadores colombianos tendrán la oportunidad de descubrir o reencontrarse con una música que desafió las convenciones y cambió para siempre la historia del tango.

Una invitación a dejarse llevar por el sonido del bandoneón, la fuerza de los instrumentos y las emociones de un género que, gracias al legado de Piazzolla, continúa cruzando fronteras y encontrando nuevas formas de sorprender.

Desde 1993, DJ Mad Pee ha recorrido Nueva York tras las huellas de los productores y artistas que transformaron el hip hop y llevaron su influencia a la industria musical mundial.

Apasionado por los sintetizadores, las letras conscientes y el sonido de Queensbridge, este artista venezolano ha construido una trayectoria ligada a las raíces del género y su desarrollo en Latinoamérica.

Durante una visita a los cinco boroughs o distritos de Nueva York, Mad Pee conoció a DJ Kool Herc, pionero del hip hop. De manera espontánea, este lo llevó por el Bronx y compartió con él anécdotas y memorias de una cultura que inspiraría su proyecto más ambicioso: ‘The Masterpiece’.

“Como inmigrante, el reto ha sido reinventar un sonido que creé en Venezuela, a partir de nuestra propuesta folclórica, conservando su esencia y transformándola a través del boom bap. Hoy, el sonido de Queens es el que realmente me define”, destacó el DJ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘41ST Side Tales’: La puerta de entrada a una nueva etapa

Uno de los temas que define el universo del álbum reúne a Lil Supa y PNO, integrante de Tres Coronas. Creado en noviembre de 2025 y publicado el 6 de febrero de 2026, la canción toma como referencia las producciones de Havoc, de Mobb Deep, y recoge influencias musicales de Minnie Riperton y Stevie Wonder para recrear la atmósfera de Queens durante la época dorada del género.

El videoclip se rodó en Brooklyn, Nueva York, en Santa Salsa, espacio de HASE, pionero del movimiento venezolano, y en las calles aledañas.

‘The Masterpiece’ está pensado como una experiencia sonora que se disfruta de principio a fin, siguiendo la secuencia elegida por su creador. En plataformas digitales, el trabajo reúne 22 canciones, mientras que su edición en vinilo se presenta en dos entregas: Parte I y Parte II.

En el corazón de San Cristóbal, corregimiento de Medellín, hay una montaña que La Suzy llama “mágica”. Allí, entre guitarras, tiples y el sonido de la naturaleza, creció una artista cuya historia ha estado ligada a la música desde pequeña.

Durante dos décadas, ha recorrido escenarios de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Vivió en Los Ángeles y participó en proyectos musicales junto a figuras como Gloria Trevi, Ricardo Arjona y Estados Alterados. Sin embargo, detrás de las giras también hubo un desgaste físico que la obligó a detenerse, dos cirugías marcaron un punto de inflexión y la llevaron a replantear su rumbo profesional.

“La primera vez que vi instrumentos, me enloquecí, salté directamente encima de ellos y desde ahí empecé a estudiar. Nunca me he podido apartar, todos los días duermo con mi guitarra y siempre estoy cazando letras y melodías. Ahora, hacer mi propia música es lo más fácil y provechoso para mí, porque antes intenté muchas veces trabajar con otras personas sin llegar realmente al sonido que tenía en mi mente”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Este amor’: El primer paso hacia su propia voz

Con la nostalgia sonora de los años setenta, ‘Este amor’ combina matices del soul y el blues para explorar las relaciones humanas, donde las diferencias y las visiones opuestas también pueden encontrarse en torno a un mismo propósito.

La Suzy demuestra su versatilidad al componer, cantar y producir el tema, además de grabar las guitarras, baterías, percusiones, pianos, órganos y bajos. La producción se realizó en La Finca Estudio, en Santa Elena, corregimiento ubicado al oriente de Medellín.

“Yo iba a lanzar una canción de rock and roll, ya teníamos el video listo, pero mi mamá falleció. Alcancé a mostrársela y le gustó mucho; me dijo que tenía algo especial. Después, sentí que me decía: ‘Mija, empiece con esa canción’. Entonces detuve todo y decidí grabar con esa carga emotiva, como una forma de liberar lo que llevaba dentro”, agregó la cantautora.

La masterización estuvo a cargo de Dave Kutch en Estados Unidos. El ingeniero, nominado en 14 ocasiones a los premios Grammy, ha trabajado con artistas como Alicia Keys, The Weeknd, Billie Eilish, Ozzy Osbourne, Juanes, Calvin Harris y Justin Timberlake, entre otros.

Ahora La Suzy, espera seguir incursionando en el poder femenino a través del rock, blues y soul en español, sostenido por una interpretación vocal poderosa y una producción que privilegia lo analógico sobre lo digital.

Para Quique Neira, referente del reggae latinoamericano y exvocalista de Gondwana, ‘Lo que no vivimos’ surgió de una experiencia personal: La muerte de su padre y las emociones que acompañan la ausencia.

El artista contó que la melodía apareció mientras dormía, aproximadamente dos semanas después del fallecimiento de su papá. Al recordar aquel momento, compartió una frase que refleja el significado que le atribuye a la composición: “Creo que mi papá vino a cantarme”.

El sencillo se estrenó el 20 de mayo de 2026, fecha que coincidía con el cumpleaños de su padre. Así, la música se convirtió en una manera de reconocimiento y de poner en palabras aquello que, en ocasiones, queda pendiente entre padres e hijos.

La experiencia, además, lo llevó a reflexionar sobre el tiempo compartido con la familia. Por eso, Neira dejó una invitación a sus seguidores: Aprovechar los momentos con sus seres queridos y expresar el afecto mientras existe la oportunidad de hacerlo.

‘Lo que no vivimos’ también reúne a músicos de diferentes trayectorias. La canción cuenta con la participación del cantautor peruano Gian Marco, ganador de un Grammy, y de I-Locks Labbé, fundador y bajista de Gondwana.

Esta última colaboración tiene un significado especial, representa el primer trabajo en una composición original entre Neira y Labbé después de más de dos décadas. La grabación también incluye a Baltazar, hijo del cantante, en el bajo, un detalle que conecta el homenaje con los vínculos familiares del propio artista.

El encuentro musical se produjo en medio de una etapa de acercamientos entre Neira y sus antiguos compañeros de Gondwana, agrupación con la que dejó una huella en el reggae en español.

En septiembre de 2026, el sencillo sumó un videoclip oficial que amplía el universo de esta composición. La pieza audiovisual tuvo una presentación previa durante el concierto de reencuentro de Quique Neira y Gondwana, realizado el 5 de septiembre en Chile.

Pay Compay y Lili Jiménez desarrollan una propuesta musical que conecta las sonoridades tradicionales andinas y latinoamericanas con influencias contemporáneas. A través de la composición, la producción y la interpretación vocal, el proyecto reúne experiencias individuales y elementos culturales del sur de Colombia para construir un repertorio que aborda la identidad, los afectos y las formas de comprender la vida.

Rafael Majín, conocido artísticamente como Pay Compay, y la cantante Lili Jiménez estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de su colaboración, las influencias que atraviesan su música y el proceso creativo de un EP que reúne canciones inspiradas en sus experiencias y en su relación con el territorio.

El sencillo une ritmos como el bambuco y el huayno con otros sonidos latinoamericanos, entre ellos la bossa nova. A estas influencias se suman las trayectorias individuales de sus integrantes, vinculadas a la música folclórica, la producción y otros géneros contemporáneos. El resultado parte de un diálogo entre distintas expresiones musicales, con una búsqueda artística relacionada con las raíces de los pueblos Yanacona y Nasa del Cauca.

La propuesta surgió del encuentro entre Majín y Jiménez después de varios años de trabajo individual. La conexión responde a intereses compartidos alrededor de la música y el sentir indígena. Para Jiménez, esta colaboración representa la posibilidad de abordar temáticas relacionadas con la vida, el amor y su identidad cultural. “Yo he estado en otros temas, como otro tipo de géneros, popular, más temas comerciales, pero la verdad siempre he querido hablar de la vida, del amor, del sentir Nasa”.

El proceso creativo también encuentra inspiración en las vivencias del entorno. Las letras recogen observaciones sobre la realidad social y cultural del sur del país, así como reflexiones que trascienden las experiencias individuales. Esta relación con el territorio se manifiesta tanto en las composiciones como en las decisiones sonoras y audiovisuales que acompañan el proyecto.

Dentro de este repertorio se encuentra ‘¿Cómo va la vida?’, un tema que plantea una reflexión en la manera en que las personas se relacionan con el mundo y afrontan las circunstancias de la vida cotidiana. Además, propone una pregunta acerca del comportamiento humano en una época marcada por situaciones complejas y busca transmitir un mensaje de tranquilidad a través de la creación artística.

La canción hace parte de una búsqueda musical en la que las raíces culturales adquieren un papel central. Desde esta perspectiva, la música se convierte en un espacio para explorar el sentir, reconocer las experiencias propias y mantener un vínculo con los conocimientos y las formas de comprender el mundo que provienen de lo ancestral.

La colaboración entre Pay Compay y Lili Jiménez se extiende al campo audiovisual. Entre sus experiencias se encuentra la realización de un videoclip que llegó a la etapa de finalistas de SmartFilms 2026. La producción se desarrolló con recursos propios y el apoyo de familiares, con grabaciones en Huachicono y Río Blanco, en el Cauca. El proceso integró el paisaje y los espacios de la región como parte de la construcción visual de la propuesta.