Niche LS, quien presenta ‘Metamorfosis’, un trabajo discográfico que representa una nueva etapa en su carrera y que ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Oriundo de Caldas, Antioquia, Niche LS ha construido una sólida trayectoria dentro de la escena independiente, compartiendo escenario y estudio con figuras destacadas del rap nacional como Granuja, Oblivion’s Mighty Trash, Kei Linch, Mañas Ru Fino, Crudo Means Raw y Faker, entre otros. Ahora, el artista da un paso decisivo en su evolución musical con una obra que refleja crecimiento personal, madurez artística y una visión renovada de su propósito.

‘Metamorfosis’ surge como una compilación de canciones cargadas de experiencias, aprendizajes y emociones. A diferencia de su trabajo ‘La Sombra’, este nuevo proyecto se aleja parcialmente de los punchlines y los fraseos tradicionales para adentrarse en una narrativa mucho más introspectiva. El resultado es una propuesta que explora la vulnerabilidad, la esperanza y la búsqueda de un futuro que alguna vez pareció inalcanzable, pero que hoy se percibe cada vez más cercano gracias a la música.

El camino hacia este lanzamiento comenzó con ‘Qué Pasaría’, sencillo producido por Juan Sinatra, en el que Niche LS expone las tensiones que existen entre la ambición y la gratitud, entre el presente y el futuro, entre el deseo de alcanzar el éxito y las dificultades cotidianas que acompañan ese proceso.

La canción se desarrolla como un viaje íntimo donde el artista reflexiona sobre la posibilidad de compartir sus logros con su familia, mientras recuerda la realidad de las calles y los riesgos que muchas personas enfrentan diariamente para salir adelante. En este contexto, el dinero aparece más como una pregunta existencial que como un objetivo material: ¿Es una herramienta de transformación o un factor de corrupción?

A través de versos cargados de honestidad, Niche LS cuestiona el costo de los sueños, rescata lecciones aprendidas desde el dolor y convierte la resiliencia en uno de los pilares de su discurso artístico. Su mensaje es claro: Las heridas pueden sanar, el tiempo avanza y, aun en los momentos más oscuros, siempre existe la posibilidad de encontrar una nueva oportunidad.

Sin embargo, ‘Metamorfosis’ va más allá de la experiencia individual.Este se convierte en un manifiesto para quienes persiguen un propósito, especialmente para los artistas independientes que enfrentan los desafíos de construir una carrera en la música. Por medio de sus canciones, Niche LS demuestra que los obstáculos forman parte del camino, pero no definen el destino.

Con este lanzamiento, el artista antioqueño busca inspirar a nuevas generaciones de creadores y soñadores, recordándoles que los procesos difíciles también son espacios de crecimiento y que la perseverancia puede convertir metas aparentemente imposibles en realidades alcanzables.

Más que un álbum, ‘Metamorfosis’ es una declaración de principios. Una obra que reafirma el poder transformador de la música y que invita a creer en la capacidad humana de reinventarse, avanzar y conquistar nuevos horizontes.

En el corazón de la milenaria herencia Inca y del emblemático Machu Picchu, aún resuenan los riffs de guitarra, las letras icónicas y el sonido que marcó a toda una generación en los años 2000: Libido. La reconocida banda peruana fue destacada recientemente por Billboard al incluirla en su listado de las 50 mejores agrupaciones de rock en español de todos los tiempos.

Reconocido como uno de los fundadores, compositores y vocalistas del grupo, Jeffry Fischman regresa a la escena musical con una nueva faceta como solista. La carta de presentación es ‘Alejándome de Ti’, su más reciente sencillo escrito durante un período de transición en Nueva York y grabado entre Perú y Argentina.

“Estuve muchos años en Estados Unidos, dedicado a la producción y la composición, siempre tuve en la cabeza lanzar algo mío. Cuando regresé a Perú, sentí que había llegado un momento de tranquilidad para dar ese paso. No es fácil lanzarse y grabar tus propias canciones, pero decidí ir hacia adelante y apostar por este proyecto”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Las despedidas no hablan únicamente de una persona!

Luego de alcanzar el anhelado “éxito” con Libido, Fischman atravesó uno de los momentos más significativos de su vida, tanto en lo personal como en lo profesional. Los cambios, la incertidumbre y la búsqueda de propósito terminaron convirtiéndose en su principal musa de inspiración.

Aunque ‘Alejándome de ti’ podría interpretarse como una dedicatoria a las rupturas amorosas, su significado va mucho más allá, retrata el desafío de dejar atrás una versión de sí mismo y acompañar cada comienzo, aun cuando el destino no está completamente definido.

“A veces, las despedidas no hablan únicamente de una persona. Mirando hacia atrás, entendí que necesitaba hablar de cómo ha sido quemar mis barcos, pasar de un camino a otro en medio de dudas. Me gusta que la música deje las puertas abiertas para que cada persona la interprete según su propia historia y encuentre en ella algo con lo que se identifique”, añadió el vocalista.

La grabación tuvo como uno de sus pilares la coproducción de Tweety González en el estudio Unísono de Buenos Aires. El proceso culminó en Estados Unidos con el trabajo de Tom Lord-Alge en la mezcla y Ted Jensen en el mastering.

La famosa Isla del Encanto, durante décadas ha sido referenciada como “la capital mundial del reguetón” o la “tierra de la salsa”. Sin embargo, la estridencia de los metales, el poder del hardcore y la energía del ska encuentran un lugar gracias a propuestas como ‘Los Inconformes’.

Este 2026, la banda inició una nueva etapa con el universo de ‘El Archivo’, su más reciente producción discográfica. Tras presentar títulos como ‘23 de septiembre’, ‘Platino’ y ‘Pura adrenalina’, regresan con ‘El Final’, un sencillo que aborda uno de los momentos más difíciles de cualquier relación: Reconocer que llegó la hora de marcharse.

“Cuántas veces hemos escuchado historias de personas que se mantienen en una relación por lo bueno que fue en algún momento, aunque una de las partes ya no fluya igual. Ahí llega el momento de decir “basta ya”. Por más bueno que fue, no vale la pena seguir intentándolo”, comentó el vocalista Abcir Meléndez en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Cuando llega la hora de decir adiós!

No todas las canciones sobre una ruptura llegan envueltas en baladas tristes, despecho o corridos mexicanos. Con ‘El Final’, Los Inconformes toman otro camino y convierten una despedida en una canción hecha para cantar, saltar y que fácilmente podría terminar en un pogo.

La historia detrás del sencillo resulta familiar. Habla de ese vínculo que sigue en pie por lo que representó en el pasado y no por lo que ocurre en el presente, una situación que aparece con frecuencia en conversaciones, redes sociales o historias cercanos.

La propuesta visual acompaña el lanzamiento con una estética oscura y surrealista inspirada en el universo gótico popularizado por el director Tim Burton. A través de personajes e imágenes cargadas de simbolismo, el videoclip refuerza la atmósfera de despedida que atraviesa la canción.

"Humildemente, queremos que a nuestros fanáticos les guste este nuevo comienzo de Los Inconformes que lo enmarca curiosamente un adiós. Esperamos continuar lanzando más música periódicamente y poder concretar varios conciertos en Puerto Rico y Latinoamérica”, concluyó el artista.

La obra surge de un proceso de introspección y búsqueda personal que llevó a la artista a profundizar en su historia familiar. Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Matilda explicó que la canción nació tras comprender la importancia de honrar a los ancestros y reconocer el papel que cada integrante ocupa dentro de su familia. Ese proceso terminó convirtiéndose en el eje conceptual de una composición que describe como una carta de agradecimiento a la raíz y al origen.

La trayectoria de la artista también se refleja en la construcción sonora del sencillo. Nacida en Bogotá y criada desde los siete años en Ibagué, Matilda creció entre la formación académica musical y la influencia de diversos géneros presentes en su entorno familiar. La música folclórica colombiana, el jazz y referentes como Frank Sinatra, Celia Cruz, la Sonora Matancera y Totó La Momposina forman parte de las influencias que terminaron moldeando una propuesta que busca mantener una identidad propia.

La construcción musical también responde a un proceso de exploración que reúne distintas influencias presentes desde la infancia de la artista. Su formación académica, el contacto con la música colombiana y la presencia de géneros como el jazz en su entorno familiar han contribuido a la consolidación de un sonido que transita entre lo electrónico y las raíces latinoamericanas.

Aunque su mensaje se encuentra ligado a la reflexión y al crecimiento personal, ‘Alma’ se distancia de las estructuras tradicionales de la balada para construir una pieza que también invita al movimiento y al baile. La producción cuenta con la participación de la trompetista Camila Romero y se presenta como una combinación entre profundidad lírica y sonoridades contemporáneas.

El lanzamiento también funciona como un homenaje a Ibagué, ciudad que acompañó gran parte de su crecimiento artístico y que aparece representada tanto en la narrativa de la canción como en su propuesta audiovisual.

Las redes sociales transformaron la manera en que las personas se relacionan con el mundo y construyen su imagen ante los demás. Entre fotografías cuidadosamente seleccionadas, publicaciones optimistas y versiones idealizadas de la cotidianidad, la identidad digital se ha convertido en una extensión de la vida contemporánea. Sobre esa realidad gira ‘#GoodVibes’, el más reciente sencillo de Human Conspiracy.

Santiago Díaz, voz y guitarra; Juan Pablo Sánchez, bajista; y Pablo Andrés Rojas, baterista de la banda, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el proceso creativo que acompaña esta nueva etapa artística.

Con más de una década de trayectoria, ‘Human Conspiracy’ ha construido una propuesta que combina elementos del metal y el rock progresivo con una exploración constante de temas relacionados con la experiencia humana. Desde sus primeros años como proyecto musical hasta la actualidad, la agrupación ha desarrollado una identidad en la que la reflexión conceptual ocupa un lugar tan importante como la composición sonora.

Esa búsqueda encuentra en ‘#GoodVibes’ una canción que aborda la forma en que las redes sociales influyen en la percepción individual y colectiva, así como la tendencia a proyectar una imagen permanente de bienestar, éxito y aceptación. Más que una postura de rechazo frente a las plataformas digitales, la obra propone una observación de los comportamientos que han surgido alrededor de ellas y de la manera en que hacen parte de la vida cotidiana.

El sencillo también representa una evolución musical para la banda. La composición incorpora elementos del funk y sonoridades asociadas a la ligereza y al optimismo, características que dialogan con el concepto que desarrolla el tema.

Cada composición busca que los elementos sonoros acompañen la narrativa que se desarrolla en las letras, permitiendo que la propuesta artística funcione como una unidad. Esa intención también se refleja en trabajos anteriores como ‘Intra’, un álbum concebido durante la pandemia que exploró experiencias personales y procesos de introspección.

Cuarteto de Nos confirmó su regreso a Colombia con una gira que llegará a Cali, Medellín y Bogotá en el segundo semestre del año. El recorrido hace parte de la promoción de ‘Puertas’, proyecto publicado en 2025, y marca un nuevo encuentro entre la agrupación uruguaya y uno de los públicos que mayor acogida le ha brindado en América Latina.

La relación entre la banda y los asistentes colombianos se ha fortalecido a lo largo de los años. Uno de los episodios más recientes ocurrió durante su participación como acto de cierre de Rock al Parque, donde reunió a más de 80.000 asistentes y ratificó su capacidad de convocatoria dentro de uno de los festivales más importantes de Latinoamérica.

Roberto Musso estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde abordó el concepto detrás de ‘Puertas’, una producción construida alrededor de las decisiones que atraviesan la vida cotidiana. El compositor uruguayo señaló que las personas son “un resumen de las decisiones que hemos tomado hasta hace un segundo atrás”, una idea que se desarrolla a lo largo del disco mediante la imagen de las puertas como símbolo de los caminos, cambios y posibilidades que aparecen en la experiencia humana.

El disco reúne ocho canciones que recorren diferentes universos sonoros, transitando entre el rock, el funk y momentos más introspectivos. La producción mantiene el interés de la agrupación por construir relatos alrededor de personajes, situaciones y conflictos humanos. “La salvación de cada uno de nosotros no está detrás de una puerta en particular, sino justamente en seguir atravesando puertas sin temor a lo que hay detrás de cada una”, afirmó Musso.

Entre las canciones se encuentra ‘El astrónomo que no podía ver el cielo’, esta explora distintas perspectivas narrativas alrededor de un personaje que vive al margen de las expectativas de los demás. La pieza refleja una de las características que ha acompañado la obra reciente de la agrupación: La observación de la realidad a través de personajes complejos y contradictorios.

La vigencia de Cuarteto de Nos también se refleja en la llegada de nuevas generaciones de oyentes. Musso destacó que una parte significativa del público actual está conformada por adolescentes y jóvenes que han encontrado afinidad con las historias presentes en las canciones del grupo. “Uno va a cualquier show del Cuarteto y ve que un porcentaje altísimo de los asistentes son chicos menores de 20 años”, señaló.

En los últimos años la agrupación ha consolidado una presencia cada vez más fuerte en distintos escenarios de América Latina, con presentaciones multitudinarias en países como Argentina, Chile, México y Colombia. Ese crecimiento ha sido resultado de un proceso sostenido que la banda ha construido durante décadas. “La carrera del Cuarteto se fue construyendo sobre escalones sólidos, pero muy paulatinos y de pasos muy cortos”, recordó Musso.

Además de los temas de ‘Puertas’, el repertorio previsto para la gira incluirá algunos de los temas más representativos de la banda y canciones de ‘Raro’, álbum que recientemente cumplió veinte años y que continúa siendo una de las producciones más influyentes de su discografía.

Las presentaciones se realizarán el 19 de agosto en el Centro de Eventos Verde Arena de Cali, el 20 de agosto en Rodeo City Hall de Medellín y el 4 de octubre en el Movistar Arena de Bogotá.

El álbum reúne distintas influencias musicales en sus beats, atmósferas y estructuras rítmicas. A lo largo de sus canciones aparecen temas como la ansiedad, el miedo, la traición, el dolor y la frustración, abordados desde experiencias cotidianas, pensamientos y sensaciones que toman forma a través de la música.

El proyecto nació en 2024 del encuentro entre Claudia Rivera, Darío Bernal y Camilo Laguna, músicos con una amplia trayectoria dentro de la escena independiente de Bogotá. Sus recorridos incluyen agrupaciones como Defenza, Maniatikatz, Distracción, Pániko Satániko, Chite y Compadres Recerdos, entre otras.

Death Disco surge de la intención de llevar el rock hacia nuevos territorios sonoros mediante la experimentación. Su propuesta combina guitarras, bajo y baterías análogas con texturas digitales, beats electrónicos y diferentes capas de producción que dan forma a una identidad difícil de encasillar en un solo género.

Darío Bernal estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que el proyecto comenzó tras varios años de colaboración entre sus integrantes y el interés compartido por explorar la relación entre los sonidos electrónicos y las raíces del rock alternativo.

“Empezamos a maquetear las ideas de lo que estábamos buscando y luego, con Camilo, empezamos a grabar las baterías y a darle forma a lo que es este disco”, señaló.

La producción fue grabada en Audiodatos, en Bogotá, bajo la dirección de Bernal. Las letras fueron escritas por Claudia Rivera y abordan conflictos internos, dilemas existenciales y las tensiones que surgen en la relación con el entorno.

El proceso creativo partió de las composiciones musicales desarrolladas por el productor, mientras que las letras surgieron a partir de la interpretación emocional que Rivera realizó de cada maqueta. El resultado es un álbum que alterna momentos intensos, íntimos y contemplativos, con el propósito de construir una experiencia sonora dinámica. “Todas esas sensaciones oscuras que producen esas fricciones con la sociedad” hacen parte del universo temático que atraviesa las canciones, comentó Bernal.

La diversidad de influencias de sus integrantes también se refleja en la identidad musical del proyecto. Lejos de responder a un esquema único, el disco incorpora elementos electrónicos y roqueros que conviven con distintas sonoridades y ritmos. “Todos ya venimos nutridos con muchas influencias y sonidos distintos. Cuando nos sentamos y unimos las partes sale algo auténtico y con sonidos de todos los lados”, afirmó Bernal.

La agrupación define el proyecto como una catarsis construida a partir de la exploración y la intuición. Las 12 canciones funcionan como un recorrido por emociones e historias acumuladas durante años, que encuentran en la música una vía de escape y transformación.

Viviendo entre Colombia y España, Ospina construyó este proyecto como una bitácora musical de sus recorridos por distintas ciudades, experiencias y etapas de vida. Cada canción refleja una mirada personal sobre el paso del tiempo, los afectos, la distancia y los procesos creativos, acompañados por una propuesta sonora rica en matices, arreglos elaborados y una marcada identidad artística.

Un disco nacido de la introspección

La forma definitiva, surgió durante una residencia en 2025 desde un pueblo de Cataluña. Allí, trabajó en solitario y Ospina retomó composiciones que llevaban años esperando ser terminadas y asumió el desafío de desarrollar integralmente cada aspecto del trabajo álbum.

Producción, arreglos, interpretación instrumental, grabación de voces y dirección artística fueron parte de un proceso profundamente personal que definió el carácter íntimo y artesanal del disco. Posteriormente, esa base creativa se enriqueció con la participación de músicos invitados provenientes de diferentes países.

Un universo sonoro lleno de detalles

En ‘De paso’, el artista grabó gran parte de los instrumentos y todas las capas de coros, construyendo un entramado de armonías, texturas y contrapuntos que dan vida a cada canción.

Entre los elementos distintivos del álbum sobresale el sonido de un piano de pared con sordina, cuya utilización nació de las condiciones del estudio y terminó convirtiéndose en una de las características sonoras más particulares del proyecto. Además, por primera vez en su discografía, los recursos electrónicos, como secuencias y sintetizadores, adquieren un papel protagónico dentro de la propuesta musical.

“Para mí, hacer realizar este disco fue un proceso especial que también implicó enfrentar ciertos temores. La idea de grabar un álbum con mis propias canciones me paralizaba un poco, porque siempre le he tenido un profundo respeto al oficio del cantautor. Tengo amigos que son grandes cantautores y también admiro enormemente a referentes del género, como Jorge Drexler. Por eso, cuando pensé en la posibilidad de hacer un disco con canciones mías, sentía que estaba entrando en un territorio que conocía menos y en el que no me había movido tanto a lo largo de mi carrera”, manifestó el autor en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Trece canciones, múltiples paisajes musicales

Las canciones de este álbum, Cada composición recorre diversos universos sonoros y emocionales. Temas como ‘En contraluz’ comienzan como un vals para transformarse en una especie de joropo cinematográfico, mientras que ‘Susurro y aviso’ apuesta por una atmósfera introspectiva construida desde con la guitarra, el piano, el contrabajo y el chelo.

Por su parte, ‘Silencios en blanco’ representa una de las historias más particulares del disco: Inició su composición en Nueva York en 2015 y fue terminada diez años después. Asimismo, ‘Punto incesante’ aborda con humor los procesos creativos y las tensiones que acompañan el oficio artístico, mientras que ‘Para que brinden en mi ausencia’ reflexiona sobre la amistad, la distancia y los vínculos que sobreviven al paso del tiempo.

En contraste, ‘Bolero innecesario’ introduce una mirada irónica sobre las dinámicas de convivencia en pareja, demostrando la diversidad temática y narrativa que atraviesa el álbum.

Una red internacional de colaboradores

Aunque el proyecto nació desde la introspección, su alcance se amplió gracias a la participación de destacados músicos internacionales que grabaron sus aportes desde en diferentes lugares del mundo.

Entre ellos se encuentran el percusionista japonés Keita Ogawa, el contrabajista griego Petros Klampanis, los argentinos Silvina Moreno, Marcelo Woloski y Andrés Rotmistrovsky, el cuatrista venezolano Miguel Siso, el baterista venezolano Juan Berbín, la violonchelista catalana Marta Roma y el propio Michael League, quien además participa como bajista en una de las canciones.

Los amantes del reggae tienen una cita imperdible este 5 de junio. La reconocida banda argentina Los Pericos volverá a presentarse en Bogotá para reencontrarse con sus seguidores en una noche cargada de clásicos, energía y buena vibra.

Con más de tres décadas de trayectoria, Los Pericos se han consolidado como una de las agrupaciones más importantes del reggae latinoamericano. Canciones como ‘Runaway’, ‘Pupilas lejanas’ y ‘Complicado y aturdido’ han marcado a varias generaciones y continúan sonando en conciertos y plataformas digitales.

La relación de la banda con Colombia no es nueva. A lo largo de los años han visitado el país en diferentes oportunidades, construyendo una conexión especial con el público colombiano. Además, hicieron parte de una de las ediciones de Rock al Parque, uno de los festivales gratuitos más importantes de América Latina.

Para este nuevo concierto, los asistentes podrán disfrutar de un recorrido por los grandes éxitos que han acompañado la historia de la agrupación, junto a ‘Inmortal’, su nueva producción la cual reafirma su identidad sonora fusionando reggae, ska y pop latino con una madurez que solo dan 40 años en el escenario. El álbum llega como una declaración de vigencia sin perder el groove que los define.

La expectativa es alta entre los seguidores de la banda, quienes esperan cantar y bailar al ritmo de una de las agrupaciones más influyentes del reggae en español.

El regreso de Los Pericos confirma una vez más el fuerte vínculo entre la banda argentina y el público colombiano, que continúa recibiendo con entusiasmo cada una de sus visitas al país.

La cita es este 5 de junio en Lourdes Music Hall, Carrera 13 No. 64-56, una oportunidad para vibrar con el sonido característico de una agrupación que sigue haciendo historia en la música latinoamericana.

A unos 20 kilómetros de Valledupar, muy cerca de la Sierra Nevada de Santa Marta, yace una ‘Tierra de Compositores’: El Patillal, Cesar. Las parrandas y tradiciones campesinas son el pan de cada día y allí habita una historia que se apellida Escalona.

Se dice que el maestro Rafael nunca aprendió a tocar acordeón, pero tenía un don inigualable para narrar historias. Las composiciones que escribió desde los 13 años hoy siguen siendo parte de la revolución vallenata y, un 26 de mayo de 1926, el Caribe tuvo el honor de ver nacer a uno de sus más grandes compositores y cronistas.

De niño compartió clases de colegio con su amigo ‘Jaime Molina’, vivencias que años después inspiraron uno de los temas más importantes de su carrera: ‘Elegía a Jaime Molina’. También creció escuchando los relatos de los amigos de su padre, antiguos soldados de la ‘Guerra de los Mil Días’, historias que forjaron otra de sus composiciones emblemáticas: ‘Francisco el Hombre’.

“Tuvimos la fortuna de tenerlo en casa, conocer su ‘pechiche’, como decíamos nosotros, y hoy poder celebrar su centenario es un honor enorme. Como representantes de este legado, queremos abrirle las puertas a Colombia para que conozca la Casa Museo Rafael Escalona y las anécdotas de un maestro que vivió casi 40 años en Bogotá, donde dejó una huella cultural invaluable. Escalona no solo fue compositor y autor; también fue pintor, escritor, amante de la gastronomía y del diseño de modas. Todas esas facetas hacen parte del patrimonio que hoy conserva el museo”, relató Astrid Escalona, hija del maestro, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un centenario que celebra su vida en Bogotá!

Una “nevera” conquistó al músico en 1974 y decidió vivir más de tres décadas en la bella, pero fría, Bogotá. Entre los años 60 y 70 puso a bailar a más de un “rolo”, y su legado aún se respira en la Casa Museo Rafael Escalona, un espacio administrado por sus hijas, Astrid y Carolina.

El recorrido reúne objetos personales, fotografías, manuscritos, grabaciones originales e instrumentos típicos del género. También conserva retratos y documentos que reflejan su amistad con figuras como Gabriel García Márquez, quien lo inmortalizó en ‘Cien años de soledad’.

“Tenemos un proyecto muy especial llamado ‘Ruta Escalona: Sabores y Saberes de la Casa en el Aire’, una iniciativa que recorrerá distintas regiones del país para llevar el legado del maestro Rafael Escalona a nuevas generaciones. Uno de nuestros principales objetivos es llegar a los colegios y acercar a los niños y jóvenes a su historia, su música y su aporte cultural, para que este patrimonio siga vivo en la memoria del país”, agregó Astrid.

En el marco de este centenario, los visitantes podrán disfrutar de nuevas versiones del catálogo musical del compositor, interpretadas por artistas nacionales e internacionales, además de la exposición itinerante ‘Escalona 100 Años: Patrimonio Vivo en Circulación’. Para conocer más información puede visitar el siguiente enlace.