Después de más de cinco décadas recorriendo lugares alrededor del mundo, el cantautor panameño Rubén Blades anunció que comenzará el cierre de su etapa en los escenarios. La decisión no surge como un retiro abrupto, sino como un proceso consciente que busca poner pausa al ritmo exigente de los conciertos sin alejarse completamente de la música.

El anuncio marca un antes y un después en la música latinoamericana. Durante años, sus presentaciones han sido espacios de encuentro entre generaciones que han encontrado en sus canciones relatos cercanos a la vida cotidiana, historias urbanas y reflexiones sociales que trascendieron el baile para convertirse en memoria colectiva.

El artista explicó que el desgaste físico que conlleva las giras influyó en la decisión de reducir gradualmente sus presentaciones en vivo. La intención, según ha señalado, es retirarse de los escenarios mientras aún conserva la energía y la calidad interpretativa que han caracterizado sus conciertos.

El proceso se extenderá hasta aproximadamente 2027, periodo en el que continuará realizando presentaciones junto a la ‘Roberto Delgado Big Band’, agrupación con la que ha desarrollado una de las etapas más sólidas de su trayectoria reciente. Más que una despedida, se trata de una serie de encuentros finales con el público que ha acompañado su carrera durante décadas.

Aunque dejará el ritmo constante de sus presentaciones, Blades ha dejado claro que no abandonará la creación musical. La composición, la grabación y los proyectos culturales seguirán formando parte de su vida artística, ahora desde un ritmo más pausado y cercano a su entorno personal en Panamá.

Desde finales del siglo pasado, su obra transformó la manera de entender la salsa. Canciones llenas de personajes comunes, barrios, conflictos sociales y dilemas humanos ampliaron el alcance del género y lo acercaron a la crónica latinoamericana. Sus letras acompañaron celebraciones, despedidas y momentos

de la vida real, convirtiéndose en parte de la experiencia emocional de varias generaciones.

El anuncio de su retiro de los escenarios no es un cierre definitivo, sino el paso natural de un artista que decide cambiar el ritmo sin abandonar el camino. Mientras las giras llegan lentamente a su final, su música continúa habitando la memoria colectiva.

Lo que empezó como un show protagonizado por una banda y un DJ, hoy se convierte en una de las propuestas más ambiciosas de la escena cultural capitalina. El próximo domingo primero de marzo, el Teatro al Aire Libre La Media Torta, abrirá sus puertas para talentos locales e internacionales que darán vida al ‘Concierskazo Fest 2026’.

La agenda contempla una potente mezcla de ska, circo, teatro, artes gráficas y cultura urbana en un mismo escenario con una programación continua de ocho horas, desde las 11:00 a. m. hasta a las 7:00 p.m., y con entrada libre hasta completar aforo.

“Más allá de la música, este festival propone una experiencia cultural integral para el público bogotano que vibra con el ska, el reggae, la música circense y el balkan. La apuesta es lograr una magnitud similar a la del ‘Ska Para Todos Fest 2022’ que reunió a más de 2.500 asistentes”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

En cuanto a su programación musical, el Festival reunirá diversos solistas y bandas que en su repertorio viajarán por vertientes históricas del ska y sus fusiones urbanas. En tarima estarán:

● Triciclo Circus Band (México)

● El Punto Ska

● La Real Skademia

● Breska

● La Raska

● Skartone

A esto se sumará la presencia de selectores invitados como Big Dirty Beat, Christine Killer y Black Rooster Selectah. El evento será presentado por Diana ‘Amaranta’, gestora cultural y bailarina bogotana, e Iván Samudio, periodista, locutor y podcaster, director de Anti*Cast y del programa radial 4LT3R.

“El Punto Ska realizará el lanzamiento de su videoclip 'Sweet Loretta' en el escenario de La Media Torta. Además, la banda llegará al evento tras estrenar su nuevo sencillo 'Babylon' en el marco de las Ska Punkie Reggae Parties, una colaboración en versión rap junto a Desorden Social Rap”, puntualizó el comunicado.

La canción marca su regreso al país tras un periodo viviendo en el exterior y reafirma su apuesta por el diálogo entre lo folclórico y la tecnología.

Fiel a su espíritu creativo y a un conocimiento profundo del legado musical que ha heredado, el artista continúa explorando nuevas formas de expresión sin desprenderse de las raíces. En ‘Agasajo’ se percibe ese equilibrio entre tradición y experimentación, donde instrumentos y ritmos propios del lenguaje folclórico conviven con recursos electrónicos y producción actual.

El sencillo cuenta con la participación del guitarrista cartagenero Luis Camacho, cuya colaboración aporta matices sonoros que refuerzan el carácter festivo y carnavalesco del tema. El tema se presenta como una celebración musical que conecta memoria cultural, baile y modernidad.

Además, el artista reveló que la mitad de su disco fue escrita en Estados Unidos, país donde vivió durante los últimos años. Por ello, el álbum tendrá una propuesta bilingüe: Una parte en inglés, fruto de su experiencia internacional, y otra en español, ligada a sus raíces y a la tradición sonora latinoamericana.

Paralelamente, Pernett ha mantenido una activa agenda internacional. Este año colaboró con el colectivo barcelonés Nautas Loop, con quienes estrenó el sencillo ‘Ceremonio’ en la escena musical de Barcelona, además de trabajar junto a Caribbean Roots en otra producción reciente.

Estas alianzas evidencian un momento de circulación global para su música, al tiempo que consolidan una propuesta que mantiene vivas las raíces caribeñas como punto de partida.

Con ‘Agasajo’, Pernett reafirma su identidad sonora y celebra un regreso que apuesta por la fiesta, la tradición y la innovación musical.

La cantante presentará su más reciente álbum, ‘Femme Fatale’, en el marco de su gira latinoamericana, con un show que promete una puesta en escena intensa y visualmente poderosa.

El espectáculo se desarrollará en un formato teatral, con una estética cuidadosamente diseñada y una escenografía que acompaña el concepto del álbum. Lanzado el 24 de octubre, ‘Femme Fatale’ reúne 14 canciones que retratan a una “mujer fatal” desde la libertad, la independencia y la confianza, sin dejar de lado la complejidad y el peso simbólico de una figura imponente e intimidante.

Este trabajo marca un hito en la carrera de Mon Laferte al ser su primer disco con el sello Sony Music, que lo define como una propuesta “arriesgada, oscura y poética”. Además, surge en un momento de exploración artística para la cantante, quien ha incursionado en la pintura y el teatro, ampliando los límites de su lenguaje creativo.

Considerado por la artista como uno de sus discos más personales, ‘Femme Fatale’ recorre experiencias íntimas y dolorosas a través de una fusión sonora que va del pop latino al jazz, con guiños a la balada, el rock alternativo y el bolero, géneros que han sido constantes en su obra.

El proyecto incluye colaboraciones con Natalia Lafourcade, Silvana Estrada y Nathy Peluso, además del sencillo ‘Otra noche de llorar’, nominado a Latin Grammy en la categoría Canción del Año.

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La gira ‘Femme Fatale’ promete ser una velada poderosa y sin filtros, en la que Mon Laferte recorrerá tanto los himnos que han marcado su trayectoria.

La cita será el 7 de mayo de 2026, a las 7:00 p. m., en el Movistar Arena, escenario que acogerá una noche cargada de emociones.

Fausto Moreno es un artista que recorre el reggae, el afrobeat y los ritmos caribeños para hablar de la vida, los errores y las lecciones como un lenguaje universal. Criado entre boleros y guitarras, el músico estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ contando sobre la fusión de lo bohemio con beats urbanos en un sonido que une a ambos países.

Desde 2016 ha estado moviendo su música entre bares y festivales guiado por la guitarra y el sonido tradicional, aunque siempre con una mirada inquieta a la nueva onda. Para el 2019 nació el proyecto ‘Fausto Moreno’ con ‘Orgánico, La Tierra es Nuestra’, un álbum de 11 canciones que bailan entre el afrobeat, dancehall y reggae con colaboraciones importantes como Demphra de La Factoría. Ahí su esencia bohemia chocó con ritmos globales, marcando un antes y después en su música.

Panamá, puente cultural, absorbe vallenato colombiano, dancehall jamaiquino y comida venezolana, un mix que le ha servido en su proyecto para explorar la sensibilidad de lo latino e inyectarlo en cada melodía. “Me he empapado de su cultura. Encuentro ecos caribeños en el Pacífico colombiano y celebro la escena dancehall del sur”, contó Fausto.

El álbum ‘Mi Afroesencia’ es una oda a la voz de su madre. Habla de la resiliencia, de la conexión con lo divino, el progreso y las caídas. Es un viaje sonoro donde mezcla los sonidos del Caribe con cortes “picantes” que llevan al romance. “Más que baile, es un mensaje. Es un disco perfecto para reflexionar en la playa o mover el cuerpo”, concluyó el cantautor.

En el país, esta figura dejó de ser vista únicamente como quien anima una fiesta para convertirse en un profesional que debe dominar técnica, criterio artístico y gestión de proyecto. El crecimiento del entretenimiento ha aumentado las demandas para aquellos que buscan vivir de este oficio, impulsando una transición del aprendizaje empírico hacia procesos académicos estructurados.

David Nájera, CEO de DNA Music, habló en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, sobre esta transformación y el lugar que hoy ocupan los artistas colombianos en circuitos internacionales.

“El DJ pasó de ser una imagen secundaria. Por muchos años, los únicos que tenían visibilidad eran los de radio y estábamos lejos de imaginar que llenarían estadios y serían protagonistas de grandes tarimas. Hoy Colombia tiene un papel destacado dentro del panorama musical global”.

En ese mismo sentido, resaltó cómo el trabajo de generaciones anteriores abrió camino para el reconocimiento actual. “Los artistas colombianos recogen lo que sembraron quienes estuvieron antes. Ahora vemos representantes del país en escenarios como Tomorrowland, EDC, Ultra Music Festival o Coachella, que son referentes mundiales, y allí participan como protagonistas”.

A lo largo de los años, gran parte de quienes se dedicaban a mezclar música aprendieron de manera autodidacta. La práctica constante y la intuición bastaban para abrirse camino en bares o eventos pequeños. Sin embargo, la sofisticación tecnológica de los equipos, la digitalización y la expansión de plataformas especializadas han transformado el perfil requerido. Hoy se exige dominio de software, estructura sonora, lectura de audiencias y construcción de identidad artística.

Sobre la importancia de la preparación académica, Nájera explicó. “Hoy en día la formación se vuelve clave para el artista como profesional. La educación acorta distancias. El empirismo es una vía válida, pero formarse de manera adecuada

significa exponerse a distintos equipos y tecnologías, con diversas características y funcionalidades, que permiten desarrollar habilidades con mayor calidad”.

Además, señaló que el proceso formativo no se limita a la técnica. “La preparación también fortalece la manera de relacionarse, la importancia de estar expuesto al networking, la asistencia a eventos, el conocimiento en marketing, la construcción de un plan de negocio y la promoción de la carrera. Ser artista es una de las formas más puras de emprendimiento”.

Finalmente, subrayó que el reconocimiento en la actualidad exige ampliar competencias más allá de la cabina.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

El 14 de febrero, Día de San Valentín, tres agrupaciones explorarán el amor, el desamor, el despecho y la esperanza desde la escena independiente latinoamericana. El productor Diego Carreño, estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando del neobolero chileno, del tango rock argentino y la salsa caleña que se reunirán en un relato emocional que conecta generaciones y países.

La noche estará centrada en la leyenda musical Macha y El Bloque Depresivo, encabezados por Aldo Asenjo, quienes llegan tras dos sold out en el Estadio Nacional de Chile ante 60.000 personas, hazaña comparable a Los Prisioneros o Víctor Jara, según Carreño. Su neobolero ofrece una nueva visión de la poesía musical en la que se atreve a versionar a Bad Bunny, a Maroon 5 y clásicos latinoamericanos que trascienden a lo largo de los años. La agrupación fusiona elementos del vals peruano y del bolero en un son que se presta para llorar y bailar al mismo tiempo.

Pero antes del cierre final, Julieta Laso llega desde Buenos Aires, Argentina, ella será la encargada de iniciar la presentación con tango del arrabal. Laso es recocida por su voz recia que rescata los sonidos latinoamericanos alimentados desde la ciudad porteña. Formada en Colombia junto a Petronila Martínez, la cantautora emerge como figura clave del Cono Sur, estableciendo un tono íntimo y salvaje.

La noche no se quedará ahí, pues Colombia hará presencia en este evento con Jacobo Vélez y La Mambanegra, agrupación caleña que aportará salsa–hip hop con elementos del funk, la timba y ritmos caribeños. Su energía clausura la velada, equilibrando melancolía previa con esperanza vital, como explicó Carreño: “Es la alegría que sigue al desamor. Es un anti San Valentín para celebrar rupturas y segundas oportunidades”.

El show iniciará a las 8:00 p.m. en el Bar Calle Trece, en Los Sauces de las Américas en la ciudad de Bogotá. Las boletas se podrán conseguir en la página Web de Latino Power o en la taquilla.

En ‘Música y Músicos de Colombia’, la artista habló del respeto profundo que siente por este género, al que reconoce como una parte esencial de su formación y de su camino artístico. Para ella, acercarse al bambuco implica estudiarlo, valorarlo y honrarlo, pero también abrirles espacio a nuevas formas de creación y a la manera en la que hoy se vive y se aprecia la música.

Asimismo, el sencillo ‘Lo que soy’ tiene un peso importante en el plano visual. El videoclip fue grabado en el Teatro Colón de Bogotá, un escenario clave en la historia cultural del país, por donde han pasado grandes artistas y producciones. En el video, las flores aparecen como una imagen de renacer y del trabajo constante, una idea que la artista comparte y desarrolla durante su visita a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

A lo largo de la charla, Sara María también compartió cómo su formación en música y comunicación han influido en su manera de crear y de pensar la tradición. Desde esa doble mirada, se refirió al bambuco no como un género del pasado, sino como un legado vivo que sigue contando historias y conectando con nuevas generaciones.

La cantautora adelantó, además, que este lanzamiento no será el único. ‘Lo que soy’ marca el punto de partida de lo que viene, con nuevas canciones y distintos proyectos que ya se están preparando, manteniendo una misma intención, seguir explorando el bambuco y los lenguajes tradicionales desde una sensibilidad cercana y actual.

La entrevista completa de Sara María De Los Ríos ya está disponible en nuestro canal de YouTube, una invitación para escuchar con calma y conocer estos nuevos sonidos del bambuco.

La composición emerge tras operativos federales en Twin Cities que terminaron en las muertes de Renée Good y Alex Pretti, incidentes que han desatado manifestaciones en todo el país americano. La canción surge en respuesta inmediata a uno de esos episodios, incorporando relatos de testigos y contrastes entre versiones oficiales y grabaciones públicas. Evoca memorias de víctimas a través de imágenes, fusionando lo particular con cuestionamientos estructurales sobre fuerza estatal.

Este nuevo himno llega al primer puesto de ‘Digital Song Sales’ gracias a 16.000 descargas durante su semana inicial, al tiempo que alcanza el puesto 20 en ‘Hot Rock & Alternative Songs’ mediante streams y rotaciones radiales. Acumula millones de reproducciones en plataformas digitales y domina tendencias en múltiples países, consolidándose como fenómeno transnacional en iTunes y YouTube. Este impulso refleja la vigencia de las ventas directas en un panorama dominado por el streaming.

Este tema comienza con una guitarra y una armónica, enalteciendo la estética sonora íntima característica de Springsteen, asimismo, va tomando fuerza con coros potentes que subrayan los reclamos sociales ante la injusticia de ICE. La música remite a baladas previas de su repertorio, actualizando fórmulas del folk contestatario con alusiones directas a políticas contemporáneas. Varios críticos han resaltado su herencia en himnos de los sesenta, adaptados a dinámicas virales de la era digital.

Esta canción debutó el 30 de enero en el recital benéfico organizado por Tom Morello, destinado a apoyar a allegados de las víctimas y defensores de Derechos Humanos. En tan poco tiempo ya ha generado debates que vinculan su mensaje a precedentes

musicales de protesta, desde Dylan hasta actos punk y folk modernos. ‘Streets of Minneapolis’ trasciende métricas comerciales para posicionarse como un canto en contra de las políticas de migración en la actual administración estadounidense.

El Planetario de Bogotá presenta French Touch, una función inmersiva sonora llena de ritmo, luces y nostalgia. corrientes más influyentes de la música electrónica: el french house. Una experiencia que revive el auge de la electrónica francesa que, durante los años 90 y 2000, marcó una época con sonidos filtrados, bases funk y un espíritu elegante y experimental.

El show La presentación tendrá lugar en la cúpula 360° del Planetario, el público vivirá una experiencia envolvente donde la música, el diseño visual y el ritmo se fusionan en una auténtica fiesta sensorial. La selección curada de artistas y tracks icónicos, desde Daft Punk hasta Cassius y Justice, lo que permitirá transportar a los asistentes a un viaje sonoro cargado de luces y energía.

Fechas y horarios

· Fechas: 10, 17 y 24 de febrero de 2026

· Hora: 5:00 p. m.

Tenga en cuenta que, el show French Touch incluye visuales de ritmo acelerado, imágenes de movimiento rápido y sonidos de alto impacto. Estas características pueden causar incomodidad en personas con sensibilidad visual o auditiva, y provocar mareos, vértigo o migrañas fotosensibles.

Se recomienda que quienes tengan antecedentes de epilepsia fotosensible o alta sensibilidad a estímulos visuales y sonoros deben informar antes de ingresar al evento.

De esta manera, los capitalinos podrán seguir contando con el acceso a la cultura, la innovación y las experiencias que inspiran a la ciudadanía.

Para mayor información puede vivistra el siguiente link.