Por eso, los conciertos tributo van mucho más allá de imitar a un artista o repetir sus grandes éxitos. Se han convertido en encuentros con la memoria, espacios donde los asistentes vuelven a cantar esas canciones que alguna vez fueron parte de su propia historia.

Con esa idea llega ‘Noche de Leyendas’, un espectáculo tributo que reunirá en un mismo escenario las grandes canciones de José José, Camilo Sesto y Raphael, tres voces que dejaron una huella en la música romántica en español y que continúan conquistando a diferentes generaciones.

El evento propone un recorrido por algunos de los temas más representativos de estos tres artistas, reconocidos por su influencia en la música en español.

José José, conocido como ‘El Príncipe de la Canción’, dejó una amplia trayectoria vinculada a la balada romántica; Camilo Sesto se consolidó como uno de los referentes de la canción melódica en español, mientras que Raphael ha mantenido una extensa carrera artística que lo convirtió en una de las voces más reconocidas de España y Latinoamérica.

Sus repertorios tienen en común temas que trascendieron su época y que continúan presentes en reuniones familiares, historias de amor y recuerdos personales. Por eso, ‘Noche de Leyendas’ plantea el concierto como algo más que un homenaje, es una oportunidad para reencontrarse con un repertorio que permanece vigente. Para mayor información puede consultar el siguiente link.

La cita será el sábado 24 de octubre de 2026, a las 8:00 p. m., en el Auditorio Zea Mays de Chía, ubicado en la cra. 8a #16-54.

Durante nueve días, el Teatro Colsubsidio reunirá a artistas de distintas generaciones y procedencias en el ‘Festival Internacional de Jazz 2026’. La improvisación, el intercambio y la creación colectiva serán protagonistas de una cartelera en la que el jazz hablará diferentes idiomas, con propuestas que pasan por el flamenco, las músicas afrocaribeñas, las sonoridades del Pacífico colombiano, el funk, el soul, los ritmos africanos y la tradición jazzística.

“Bogotá está en el foco de los artistas más importantes del mundo, ya es una parada obligada y eso resulta siendo un reto para los programadores y una ilusión muy grande para los espectadores”, contó Paulo Sánchez, gerente del Teatro Colsubsidio, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

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¡Los mejores del mundo! Seis fechas imperdibles

El Festival Internacional de Jazz tendrá lugar del 9 al 17 de septiembre y reunirá seis propuestas que muestran distintas generaciones, trayectorias y maneras de entender el género.

1. Al Di Meola- 9 de septiembre: Uno de los guitarristas más influyentes del jazz contemporáneo. Con más de cinco décadas de trayectoria, ha construido un lenguaje propio en el que convergen el jazz fusión, el rock, el flamenco, el tango y las músicas del mundo. Esta será su primera presentación en Colombia con su banda.

2. Skokiaan Brass Band - 10 de septiembre: Desde Francia llega esta agrupación inspirada en el espíritu de las calles de Nueva Orleans. Su propuesta combina la tradición de las brass bands con second line, funk, soul, ritmos afrocaribeños y highlife africano.

3. David Sánchez Quartet - 11 de septiembre: Ganador de un Grammy y un Latin Grammy, el saxofonista puertorriqueño es una de las figuras del jazz latino contemporáneo. Su música conecta el jazz moderno con las raíces afrocaribeñas, una búsqueda que también lo llevó a investigar las tradiciones musicales de San Basilio de Palenque y Palomino.

- Sant Andreu Jazz Band - 12 de septiembre: El proyecto nacido en Barcelona se ha convertido en un referente internacional de formación musical y práctica jazzística. Bajo la dirección de Joan Chamorro, varias generaciones de jóvenes músicos han encontrado allí un espacio para aprender, tocar y crecer sobre el escenario.

- Harlinson Lozano Quinteto & Figaro’s Jazz Club - 16 de septiembre: Una alianza entre Colombia y Cuba que pone en diálogo la improvisación contemporánea con las músicas afrocolombianas, el Pacífico, el currulao y el latin jazz. La presentación también marcará el estreno en Bogotá de ‘Redbone’, el más reciente trabajo de Harlinson Lozano.

- Chano Domínguez, Javier Colina & Guillermo McGill - 17 de septiembre: Tres referentes de la escena europea que volverán a encontrarse después de más de dos décadas. Su propuesta explora la relación entre jazz y flamenco, conjugando improvisación, tradición y libertad creativa.

Para conocer más información puede visitar el siguiente enlace

La propuesta del cantautor caribeño se articula alrededor de las músicas de raíz afrocolombiana, la memoria del territorio y las experiencias vinculadas con la identidad del Caribe. Estos elementos atraviesan ‘Canto Cimarrón’, su tercer disco de estudio, compuesto por once canciones que recorren distintos paisajes y tradiciones de la región.

El álbum plantea un recorrido que parte de la Sierra Nevada de Santa Marta, sigue el curso del río Magdalena y llega hasta el mar Caribe, con una conexión particular con San Basilio de Palenque y la figura de Benkos Biohó. En este trayecto convergen referencias al son palenquero, la nueva trova cubana y la canción de autor latinoamericana, elementos que hacen parte de una propuesta que denomina “Afrotrova”.

El proyecto construye un territorio sonoro en el que la tradición y las experiencias contemporáneas se encuentran. Las composiciones abordan asuntos como la identidad afro, la libertad, la memoria, el territorio y la relación con la naturaleza.

El concepto de cimarronaje funciona como uno de los ejes del álbum. Históricamente asociado con las personas esclavizadas que escapaban de la esclavitud para buscar su libertad, el término es retomado por Bantú como una idea relacionada con la resistencia y la autonomía artística.

Desde esta perspectiva, la propuesta también cuestiona algunas dinámicas de la industria musical contemporánea, particularmente la presión por responder a los algoritmos, las plataformas de streaming y las estrategias de posicionamiento. El concepto de una música “cimarrona” se relaciona así con la intención de conservar una identidad propia frente a las exigencias comerciales.

La construcción partió de un proceso de composición desarrollado durante varios años. Cerca de treinta canciones fueron escritas entre 2017 y 2023, de las cuales once fueron seleccionadas para integrar el repertorio. La elección respondió a la necesidad de que las piezas compartieran una relación narrativa y contribuyeran al recorrido planteado por el disco.

La naturaleza también ocupa un lugar central en el proceso creativo. Su presencia atraviesa la obra de Mulato Bantú desde sus trabajos anteriores y aparece vinculada con la manera en que el compositor entiende su relación con el territorio y con las experiencias que alimentan sus canciones.

La producción estuvo a cargo Bantú y Nacho Nieto. El proceso se desarrolló desde una dinámica colaborativa que permitió incorporar diferentes perspectivas a los arreglos y a la construcción sonora del repertorio. La grabación y mezcla se realizaron en los estudios Jambo Récords, en Barranquilla, mientras que la masterización estuvo a cargo del ingeniero Camilo Silva, en Bogotá.

La propuesta también ha encontrado espacios de circulación fuera de Colombia. La canción ‘Benkos’, incluida en el repertorio fue seleccionada por Putumayo World Music, hecho que contribuyó a ampliar la presencia de la música del artista en circuitos internacionales. Su obra ha despertado interés en mercados y escenarios de países como Francia, Alemania, España, Australia, Argentina y Costa Rica.

Esta circulación internacional se relaciona además con uno de los objetivos de la propuesta: Establecer vínculos con África. Más allá de los principales circuitos musicales europeos o norteamericanos, contemplando la posibilidad de llevar su música a países como Camerún y Nigeria, en una búsqueda de conexión con los territorios vinculados históricamente con las raíces africanas de las músicas afrocolombianas.

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En el ámbito local, la relación con las comunidades también hace parte de la experiencia artística. Proyectos y encuentros desarrollados en barrios de Bogotá, como ‘Renacer de Techo’, en la localidad de Kennedy, han permitido vincular la música con procesos comunitarios y con experiencias compartidas junto a habitantes de distintos sectores de la ciudad.

presenta ‘Sol de Lluvia’, es un álbum de diez canciones que explora diferentes formas de relacionarse con las emociones. El proyecto reúne elementos de la canción de autor, el pop, el rock y otras sonoridades latinoamericanas, a través de una propuesta construida desde la experiencia personal y el trabajo colaborativo.

El disco continúa el recorrido iniciado con ‘Niebla’, producción en la que el artista había profundizado en experiencias relacionadas con el dolor y la pérdida. En ‘Sol de Lluvia’, esa mirada se transforma en una búsqueda de luz dentro de momentos difíciles, sin dejar de lado emociones como la tristeza, el deseo, el duelo y el enamoramiento.

Santiago Mejía estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de Humano en Tránsito y el proceso creativo detrás de su nueva producción, la cual El proyecto comenzó como un ejercicio personal de composición, a partir de canciones que el músico escribía desde su adolescencia como una forma de procesar aquello que estaba sintiendo. Con el tiempo, esas composiciones dejaron el ámbito privado y se convirtieron en una plataforma para desarrollar su faceta como cantautor.

El tránsito hacia ese papel también significó un cambio en su relación con la música. Después de iniciar su recorrido como baterista, Mejía pasó a ocupar el frente del escenario y a asumir directamente la voz de sus canciones. Este proceso representó una forma de exposición personal que el propio artista relaciona con la dec

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‘Sol de Lluvia’ toma su nombre de una imagen asociada con Bogotá y sus cambios de clima. La ciudad aparece como parte del contexto emocional del álbum, a través de una mirada sobre sus contrastes, su diversidad y las distintas experiencias que pueden convivir en ella. La propuesta busca que esa relación con el territorio también pueda reconocerse en los temas.

Entre las canciones se encuentra ‘Sin voz’, una composición que tiene una relación particular con la memoria de su abuela. El músico había registrado en su teléfono conversaciones en las que ella relataba episodios de su vida, pero el dispositivo fue robado y la grabación se perdió. La experiencia terminó vinculándose con una canción que aborda la ausencia y la dificultad de conservar aquello que forma parte de la memoria.

La dimensión colectiva también se extiende al componente audiovisual de Humano en Tránsito. El proyecto ha desarrollado piezas visuales y videoclips que amplían el universo de las canciones y complementan su propuesta musical, con trabajos realizados en diferentes espacios de Bogotá.

Santiago Mejía explicó que ‘Sol de Lluvia’ parte de una relación directa con las emociones y de la necesidad de no evadirlas. “Si la vida nunca te toca, nunca te rasguña, nunca te pone de rodillas, pues no estás viviendo”, señaló el músico, al referirse a la importancia de atravesar también los momentos difíciles como parte de la experiencia humana.

El encuentro se realizará en un ecoparque ubicado a aproximadamente una hora de Bogotá, un escenario que combina bosque, río, piscina, zonas de camping, cabañas, alimentación saludable y feria artesanal. La propuesta busca que el público no solo asista a conciertos, sino que viva una experiencia alrededor de la música, el territorio y el bienestar.

Uno de los grandes invitados de esta edición será Nadishana, músico y compositor originario de Siberia reconocido por su dominio de más de 200 instrumentos de diferentes culturas. El artista tendrá su primera presentación en Colombia durante el festival, el domingo 27 de septiembre. Además, ofrecerá el 23 de septiembre una masterclass de handpan en Bogotá.

La programación internacional también contará con Till Sunday Pirate, proyecto solista del músico portugués Renato Oliveira, quien combina el sonido del didgeridoo con elementos de la música electrónica. A ellos se suman propuestas nacionales como Bandejas Espaciales, Pedro Bombo, Fluido Cósmico y Daniel Michel, cada una con búsquedas sonoras que pasan por la psicodelia latinoamericana, la música andina, los polirritmos y la electrónica.

El evento también tendrá espacios dedicados a la danza, las tradiciones de diferentes culturas. Entre las actividades anunciadas están una ofrenda de agua, hielo y cristales liderada por Anthar Kharana, una ceremonia de chicha a cargo de la abuela Mati, un taller de danza Odissi de la India dirigido por Ana Vélez y un taller de danza africana con La Gran Chócolo.

La programación oficial incluye además actividades como Qigong, danza gitana artística y espacios de exploración corporal y cultural.

Con ‘Fuerza Vital’, la edición 2026 propone nuevamente salir de los escenarios convencionales y encontrarse con la música en medio de la naturaleza. Una opción para quienes buscan un plan diferente cerca de Bogotá y quieren descubrir sonidos que cruzan fronteras, culturas y generaciones.

Para mayor información puede ingresar a la página web del evento.

Lugar: San Francisco, Cundinamarca

Fecha: 25, 26 y 27 de septiembre de 2026

El tiempo puede cambiar la escena musical, transformar las formas de escuchar canciones y abrir espacio para nuevas generaciones. Sin embargo, hay bandas cuyos temas permanecen vinculadas a una época y terminan convirtiéndose en parte de la memoria.

Ese vínculo explica, en buena medida, el regreso de Rey Gordiflón a los escenarios y el encuentro de la agrupación colombiana con Todos Tus Muertos, una de las bandas argentinas que marcó la escena latinoamericana de rock, punk y reggae.

La historia de Rey Gordiflón está ligada a la escena alternativa colombiana de finales de los años noventa y comienzos de los 2000. Desde Medellín, la banda construyó una identidad alrededor del ska punk, el rock y el reggae, con canciones que encontraron eco entre una generación que buscaba nuevas formas de expresión y pertenencia.

Juan Antonio Murillo, conocido como Juan Astronauta, integrante de Rey Gordiflón, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando sobre lo que representa esta nueva etapa.

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Para el músico, la experiencia vivida en los inicios del grupo fue la escuela donde aprendió buena parte de lo que posteriormente llevaría a otros proyectos. Por eso, el regreso no representa únicamente la recuperación de un repertorio, sino también el reencuentro con una parte esencial de su historia.

“El primer amor nunca se olvida y el cariño de las personas con Rey es increíble”, señaló Murillo al describir la emoción de retomar el proyecto. “Volver a la tarima con la banda y sentir que la gente todavía está conectada con esas canciones, con esa época que nos marcó tanto, es como una alegría infinita”.

La decisión de volver a tocar juntos estuvo relacionada, además, con una demanda que permaneció por varios años entre quienes habían acompañado a la agrupación. Uno de los momentos que terminó impulsando el reencuentro fue cuando una canción de Rey Gordiflón comenzó a sonar durante un festival en la playa. Al reconocer a Juan entre el público, varias personas levantaron sus bebidas y cantaron el tema mientras lo miraban.

“Eso hizo algo impresionante dentro de mí”, recordó el artista sobre aquel episodio. “Fue muy fuerte”. La escena terminó convirtiéndose en la señal del vínculo que todavía existía entre la obra y sus oyentes.

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Aquel momento resume una de las características de las reuniones de agrupaciones que marcaron época: La música funciona como un mecanismo de memoria. A diferencia del consumo actual en plataformas digitales, marcado por una oferta masiva e inmediata, aquellas letras quedaron fijadas en momentos específicos de la vida diaria.

“En esa época éramos personas que no teníamos la sobresaturación de música que hay ahora (…) Entonces las canciones se quedaron ahí, marcaron una etapa. Volver a ellas significa recordar cuando salías del colegio, estabas en la universidad o te parabas con tus amigos a escuchar un cassette”, mencionó el artista.

Pero la permanencia de esas composiciones va más allá de quienes las escucharon originalmente. En sus recientes presentaciones, Murillo ha encontrado a jóvenes y adolescentes coreando las canciones de la banda, confirmando que el mensaje ha logrado traspasar las fronteras generacionales. “Ver niños de 12 o 15 años cantando a todo pulmón me parece muy hermoso. Ahí se demuestra cómo las canciones pueden llegar a ser infinitas, y ese es el legado más bonito de la música”.

En ese contexto aparece Todos Tus Muertos. La agrupación argentina, liderada por Fidel Nadal, desarrolló una propuesta que integró reggae, punk, ska y hip hop en español, convirtiéndose en una referencia de la música alternativa latinoamericana. Compartir con la banda bonaerense representa para el grupo colombiano un hito de gran responsabilidad.

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El encuentro entre ambas agrupaciones permite conectar dos momentos clave de la música independiente del continente: Por un lado, las cuatro décadas de recorrido de Todos Tus Muertos; por el otro, el regreso de Rey Gordiflón a Bogotá, una ciudad fundamental en la trayectoria de la banda y a la que no volvían desde hace varios años.

“Para nosotros es un gran honor volver a Bogotá. Como Rey Gordiflón no vamos hace muchos años, así que es una alegría infinita reencontrarnos con nuestro público en un escenario de este formato”, concluyó Murillo.

La cita está programada para el viernes 2 de octubre en Lourdes Music Hall, en Bogotá. Rey Gordiflón repasará junto a su público capitalino los clásicos que marcaron a una generación, en una noche que reunirá la trayectoria de dos agrupaciones fundamentales para entender el rock alternativo de la región.

Las agrupaciones Katamarán y Teniente desarrollan una propuesta que busca conectar las identidades sonoras de Colombia y Guatemala. La colaboración combina la estructura del pop y el vallenato con sintetizadores, guitarras eléctricas y ritmos caribeños, en un proceso que encuentra su punto de encuentro en 'Nada Perdido', un sencillo que marca el inicio de una etapa compartida entre ambos proyectos.

El tema se articula como la carta de presentación de ‘Teniente’, una agrupación guatemalteca integrada por Carlos Peña, Juan Fernando Herrera y Sami Suárez. La agrupación reúne la experiencia previa de sus miembros en la producción discográfica, el canto y el circuito latinoamericano, acumulando más de tres años y medio de trabajo compositivo antes de hacer su debut. Los integrantes de la banda estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre la creación del sencillo y su paso por Colombia.

La canción nació a partir de un motivo melódico que permaneció guardado durante dos años, construido desde la sonoridad del acordeón y los aires del tropipop. El punto de inflexión se dio tras un encuentro en los Premios Estela en Guatemala, donde la afinidad con Julián Rey, vocalista de ‘Katamarán’, motivó la construcción del tema. “Desde hace mucho tiempo, en mi caso, yo he tenido cerca la música colombiana siempre por mi madre y mis abuelos”, explicó Juanfer Herrera sobre la cercanía cultural con el país.

La grabación del sencillo se dividió entre ambos países: Las maquetas iniciales y la mezcla final se trabajaron en Guatemala, mientras que los arreglos de acordeón, caja vallenata y voces secundarias se capturaron en Colombia. La producción audiovisual se realizó de forma paralela en Bogotá, recopilando momentos de la gira de medios y el recorrido de los músicos por la ciudad.

La relación entre géneros parte de una idea de integración cultural sin barreras de estilo. “Siempre involucrar elementos, texturas de la música enriquece la obra que uno esté haciendo... En la música ya no hay reglas”, señaló Sami Suárez acerca de la decisión de incorporar instrumentos tradicionales del Caribe dentro de una estructura pop.

El lanzamiento llega acompañado de una agenda de presentaciones en vivo en escenarios de Bogotá. Este sencillo abre una ruta de trabajo para la agrupación guatemalteca que contempla la publicación proyectada de ocho temas promocionales, un EP y un catálogo adicional de más de 15 canciones.

Vale Sua explora en este sencillo la tensión entre querer acercarse a una persona y el temor de repetir experiencias que no salieron bien. Una contradicción que también puede aparecer al tomar decisiones, comenzar un proyecto o perseguir un sueño sin saber qué va a pasar. 

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de la canción y la evolución que ha tenido su sonido. Después de transitar por una propuesta más cercana al pop y las baladas, Vale Sua encuentra ahora en las guitarras y las baterías una nueva manera de llevar sus temas al escenario.

La vulnerabilidad continúa siendo uno de los puntos de partida de su proceso creativo. Sus experiencias personales se convierten en canciones que buscan conectar con emociones compartidas, desde el enamoramiento hasta la tristeza, la rabia o la sensación de estar perdido.

Ese cambio también está relacionado con la experiencia en vivo. La respuesta del público durante su recorrido por diferentes ciudades del país le ha permitido encontrar nuevas formas de interpretar y construir sus composiciones, especialmente aquellas que buscan una conexión más directa entre quienes están en el escenario y quienes escuchan.

En esta búsqueda aparece Daniel Moreno, integrante de Piel Camaleón, como parte del proceso de construcción del nuevo sonido. La colaboración permitió incorporar una mayor presencia de guitarras y una energía cercana al rock, sin dejar de lado el carácter íntimo de las letras.

La canción termina convirtiendo una duda cotidiana en el punto de partida para hablar de los riesgos que acompañan cualquier decisión. Entre el miedo a equivocarse y las ganas de intentarlo, Vale Sua encuentra en esa contradicción una nueva manera de contar sus historias.

La capital ha sido uno de los principales escenarios para el desarrollo del hip hop en Colombia, con espacios y festivales que durante años han permitido que MC, DJ, bailarines y artistas urbanos encuentren públicos y construyan comunidad.

MADE4RAP nació precisamente de esa conexión entre quienes llevan años siguiendo el movimiento y quienes han encontrado en las nuevas propuestas una manera diferente de acercarse al género.

La programación contará con nombres como No Rules Clan, Granuja, Oblivion’s Mighty Trash, N. Hardem, Luis7Lunes, Vic Deal, Maco Maat, Denzel L. Jackson e Isaac S.A., además de Rapp Gotti, artista proveniente de España. El cartel apuesta por reunir distintas generaciones y propuestas que hacen parte de la escena.

Durante el evento la música será protagonista, pero no es el único propósito de la jornada. MADE4RAP se vinculó con One Inversión Social para apoyar procesos de reconstrucción de hogares afectados. Los asistentes podrán sumarse a esta iniciativa mediante donaciones y la compra de productos creados especialmente para la campaña.

La cita será el sábado 29 de agosto en el Royal Center, ubicado en la carrera 13 #66-80, en Chapinero a las 7:00 p. m. El evento es para mayores de 18 años. Así que Bogotá ya tiene plan para quienes disfrutan de las rimas y los beats: Una oportunidad para escuchar diferentes propuestas y encontrarse con una cultura que lleva décadas convirtiendo las palabras en música.

​ La nueva edición reunirá a más de 60 agrupaciones nacionales e internacionales en el Parque Metropolitano Simón Bolívar, con una programación que transita por diferentes vertientes del rock y sus sonidos cercanos. Mon Laferte, Serú Girán, Apocalyptica, Rata Blanca, Editors, Ministry, Los Bunkers, Stratovarius, Algiers y Tokio Ska Paradise Orchestra hacen parte de los nombres anunciados, junto a una amplia representación de artistas distritales.

La programación también propone mirar hacia atrás sin quedarse únicamente en la nostalgia. La celebración de los 30 años incorpora artistas que han acompañado distintas etapas del evento y proyectos que representan las transformaciones que ha vivido la escena musical.

Para María Claudia Parias, directora del Instituto Distrital de las Artes, esta conmemoración permite reconocer una historia que supera los escenarios y las presentaciones musicales. Rock al Parque, explicó, también representa una construcción cultural de la ciudad y un espacio en el que diferentes generaciones han encontrado una forma de relacionarse con la música.

“Celebrar los 30 años es celebrar la memoria, la historia y la riqueza cultural de un festival”, señaló Parias al referirse a una trayectoria que ha convertido a Rock al Parque en uno de los encuentros musicales más representativos de Bogotá.

Esa memoria convive con una escena que continúa cambiando. El cartel reúne propuestas de distintas generaciones, procedencias y géneros, en una curaduría que busca mostrar que el rock no permanece estático y que sus fronteras también se han transformado con el tiempo.

Asimismo, el curador Héctor Mora ha explicado que la selección nace precisamente de ese diálogo entre pasado, presente y futuro. La agenda busca reunir artistas con diferentes trayectorias y sonidos, combinando nombres que hacen parte de la historia del festival con proyectos que representan nuevas búsquedas dentro de la música.

La apuesta curatorial también permite recorrer distintas formas de entender el rock. Metal, punk, ska, reggae, hardcore, indie y otras vertientes aparecen dentro de una programación que amplía el espectro sonoro de esta versión conmemorativa.

Además de la propuesta sonora, esta nueva edición introduce apuestas clave para expandir la experiencia del festival. Por primera vez, el Simón Bolívar albergará un cuarto escenario diseñado para dar mayor visibilidad y flujo a los diferentes proyectos alternativos y emergentes del cartel. Como complemento central de esta conmemoración, se presentará el libro oficial de los 30 años de Rock al Parque, una publicación editorial que compila fotografías inéditas, testimonios y memorias de tres décadas que han transformado la cultura musical de Bogotá.

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Desde 1995, Rock al Parque ha acompañado las transformaciones musicales y culturales de Bogotá. Sus escenarios han recibido artistas nacionales e internacionales y se han convertido en un punto de encuentro para públicos que, generación tras generación, han encontrado allí una forma de vivir la música.

En LAUD 90.4 FM ESTÉREO nos sumamos como medio aliado para llevar cada detalle de esta gran celebración. Acompañe nuestro cubrimiento especial sobre los artistas, las cuatro tarimas y las experiencias de este aniversario. La cita es este 10, 11 y 12 de octubre: Conéctese con nosotros a través de nuestro dial y en nuestras plataformas digitales.

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