Con una carrera dedicada a preservar y llevar la música tradicional colombiana a escenarios de todo el mundo, Martina Camargo continúa demostrando que el folclor también puede dialogar con las emociones del presente. Esta vez lo hace con ‘Gritan los Corazones’, una obra inspirada en el ambiente mundialista que utiliza el fútbol como un lenguaje capaz de conectar culturas, generaciones e historias alrededor de un mismo sentimiento.

Durante la entrevista, la artista habló de la inspiración detrás del lanzamiento y de cómo la música, al igual que el deporte, tiene la capacidad de derribar fronteras. Para Martina, el balón y las canciones comparten algo esencial: Ambos despiertan emociones que pueden convertirse en un mensaje de paz, respeto y esperanza para el mundo.

La colaboración con Chaco marcó otro de los momentos destacados del lanzamiento. El productor compartió cómo fue construir una propuesta que mezcla los sonidos tradicionales del Caribe colombiano con una producción contemporánea. Martina, por su parte, no dudó en expresar la admiración que siente por él y aseguró que trabajar juntos ha sido un honor y un verdadero placer, una conexión artística que quedó reflejada en cada detalle de la canción.

La entrevista completa con Martina Camargo y Chaco ya está disponible en el canal de YouTube, donde compartieron más detalles sobre este lanzamiento que une tradición, fútbol y un mensaje de paz.

Desde algún lugar del multiverso llega un viajero dispuesto a cuestionar la sociedad a través del sonido. Con su icónico traje azul, gafas plateadas y una estética retrofuturista inspirada en la ciencia ficción, Swami Castro tiene como objetivo trascender los formatos tradicionales para convertir cada canción en una historia y cada concierto en una experiencia inmersiva.

Entre las calles de Nueva York y Nueva Jersey, el cantautor independiente encontró la identidad musical con la que hoy busca conquistar al público. En ese camino nació el ‘Latin Dancing Rock’, una fórmula que abre un nuevo portal llamado ‘6 razones para no amar’.

“Soy un nómada interdimensional que busca información en lugares donde han pasado cosas, la convierto en canciones para ayudar a las personas y ayudarme a mí mismo a superar esto que llamamos vida. El que se queda con lo que le dicen y no investiga, está viviendo la historia de alguien más”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este disco no busca definir qué es el amor, sino mostrar todo aquello con lo que suele confundirse. A través de seis canciones, plantea una especie de "manual" para que el oyente descubra si realmente está construyendo un vínculo genuino o simplemente viviendo una relación pasajera.

La idea surgió de una pregunta que Swami se hizo desde niño: ¿Qué es realmente el amor? Con el paso de los años, esa inquietud se convirtió en el eje conceptual de este álbum que explora el autoengaño, la soledad y las contradicciones humanas. El recorrido inicia con ‘Bye Bye Corazón’ y continúa con canciones como ‘Terriblemente Bien’, ‘Corazón Amnésico’ y ‘Daño Colateral’.

"Uno normalmente se da cuenta de que ama a alguien cuando ya salió de eso y piensa: 'Ahí sí había algo que valía la pena y no lo valoré'. Si estás siguiendo alguna de estas seis razones, déjame decirte que no estás amando; la estás pasando rico, pero no es amor”, agregó el músico.

Actualmente, este piloto retro-futurista, recorre Latinoamérica con la gira ‘Volvería a Empezar’, una travesía que busca llevar al público más allá del concierto convencional y sumergirlo en un portal de luces neón, efectos glitch y referencias retrofuturistas.

La cuenta regresiva comenzó. Bogotá volverá a convertirse en la pista de baile más grande de Colombia con el regreso de Monumentum: Bogotá Distrito Rave 2026, el festival gratuito de música electrónica que celebrará su quinta edición el próximo 25 de julio, consolidándose como uno de los encuentros más importantes para la escena electrónica nacional.

Desde la 1:00 p. m. hasta las 9:00 p. m., la histórica Plaza de Bolívar cambiará por completo su ambiente para recibir a miles de amantes del techno, house y otros sonidos electrónicos en una jornada que promete música, arte, cultura y una puesta en escena de gran formato. El ingreso será libre hasta completar el aforo y estará habilitado únicamente para mayores de edad.

Más que un festival, Monumentum se ha convertido en un símbolo del crecimiento de la cultura electrónica de la ciudad. Lo que comenzó como una apuesta por abrir espacios para este género musical hoy reúne a artistas de talla internacional, talentos locales, colectivos independientes y una comunidad que cada año demuestra que la música electrónica también hace parte de la identidad cultural de la ciudad.

La edición 2026 también contará con experiencias culturales, zonas de bienestar, emprendimientos creativos y actividades enfocadas en promover la convivencia y el respeto entre los asistentes. La iniciativa es liderada por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) y hace parte de la estrategia que busca fortalecer el centro de Bogotá como un escenario para las grandes manifestaciones culturales.

Uno de los aspectos que más expectativa ha generado este año es la convocatoria para descubrir al nuevo talento bogotano que tendrá la oportunidad de abrir el evento, una iniciativa que busca impulsar a los DJs emergentes y darles visibilidad ante miles de espectadores.

Con esta nueva edición, Monumentum reafirma el papel de Bogotá como un referente latinoamericano de los eventos musicales gratuitos. Así como Rock al Parque revolucionó la escena del rock durante décadas, este encuentro busca consolidar a la capital como un destino obligado para la música electrónica y la cultura rave.

Quienes planeen asistir deberán llegar con anticipación, ya que el ingreso será por orden de llegada hasta completar aforo. Además, las autoridades recomendaron utilizar transporte público, hidratarse constantemente y seguir las indicaciones del personal logístico para disfrutar de una experiencia segura.

La agrupación bogotana No Futuro presentó ‘Punk de Terapia’, su primer álbum de estudio. El trabajo reúne aborda temas como la salud mental, la incapacidad de amar, el sentimiento de insuficiencia y las contradicciones emocionales que atraviesan la vida cotidiana, sin abandonar la fuerza y la crudeza propias del género.

A diferencia de la tradición del punk centrado en la crítica política y social, el disco dirige la mirada hacia el mundo interior. Canciones como ‘Pésimo Servicio’ retratan la frustración de no lograr conectar con los demás pese al esfuerzo, mientras que otras composiciones recorren procesos de ansiedad, vulnerabilidad y crecimiento personal. Además, incorpora momentos de experimentación sonora, entre ellos un bolero llevado al lenguaje del punk, ampliando los límites de la propuesta musical.

Milo Escorcia y Hesner Durán estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde explicaron que este álbum nació a partir de procesos personales y de la importancia que ambos le otorgan a la terapia psicológica. "Decidimos crear música en los sentimientos y en la terapia que hemos venido trabajando", dijo Escorcia al referirse al origen de esta puesta sonora.

Durán señaló que el propósito del proyecto no es presentar la música como sustituto de un proceso terapéutico, sino convertirla en un espacio de expresión. "Cuando tú lo puedes expresar lo empiezas a entender", afirmó, al explicar que el punk les permite exteriorizar de manera directa aquello que muchas veces permanece guardado.

Las canciones parten de experiencias personales de ambos integrantes, aunque sin convertirse en relatos autobiográficos. Según explicó la banda, cada composición transforma vivencias, conversaciones y emociones en historias abiertas a distintas interpretaciones. Entre ellas sobresale ‘Suficiente’, la pieza que cierra el álbum y que, de acuerdo con Durán, representa el momento en que una persona logra reconocerse como suficiente después de atravesar un proceso de crecimiento emocional.

El proyecto también refleja la filosofía ‘Do It Yourself’ que ha acompañado a la agrupación desde sus inicios. Las baterías fueron grabadas en Baltika Records entre 2023 y 2026, mientras que las voces, bajos, guitarras y demás arreglos se registraron en el estudio casero de Hesner Durán, quien además estuvo a cargo de la edición, mezcla y masterización del disco. La portada fue ilustrada por una artista anónima de 16 años y la banda desarrolló un ecosistema digital propio donde los oyentes pueden consultar las letras, los créditos, fotografías del proceso creativo y otros contenidos relacionados con la producción.

No Futuro presenta esta producción independiente que convierte el punk en un espacio para hablar de emociones, salud mental y procesos personales, manteniendo el espíritu de explorar nuevas formas de entender la catarsis y la vulnerabilidad humana.

El músico puertorriqueño continúa ampliando el universo de ‘Más Allá’, su primer álbum de proyección internacional, con el lanzamiento del videoclip de ‘Voy detrás de ti’, una de las canciones que abre el disco y que reúne el concepto que atraviesa toda la producción. La pieza audiovisual reconstruye el recorrido del artista a partir de imágenes de conciertos, giras y anteriores videoclips, para ofrecer una nueva lectura sobre la búsqueda y la identidad latinoamericana.

El video está construido con fragmentos de ‘La Fe’, ‘Desde el más allá’, ‘Continuar’, ‘Dime’, ‘Esfera’, ‘Hey tú’ y ‘Mía’, además de registros de presentaciones y recorridos promocionales realizados en Bogotá, Bolivia, México, Nueva York, Miami y Puerto Rico. En lugar de desarrollar una historia lineal, la producción reorganiza esos momentos para convertirlos en un retrato emocional del camino recorrido por el artista durante la internacionalización del trabajo.

Danny Fraticelli estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde contó cómo ha sido el proceso de creación de este nuevo trabajo discográfico y lo que significa este disco en su carrera musical.

"(Voy detrás de ti) Es cuando vas en pos de algo o de alguien. En este caso detrás de este amor, pero también puede ser motivador en la vida para lograr cosas", señaló Fretti. Según indicó, el tema fue elegido para abrir tanto el álbum como sus presentaciones en vivo por la energía que transmite.

El artista también contó que el videoclip reúne algunos de los momentos que marcaron la gira de promoción de ‘Más Allá’, proceso que considera fundamental para la expansión internacional del proyecto. "Ha sido la punta de lanza para internacionalizar el álbum. De verdad que lo atesoro mucho", afirmó.

Más allá del lanzamiento audiovisual, explicó que esta producción recoge una búsqueda personal relacionada con los lazos entre los países latinoamericanos. "Puerto Rico es parte de Latinoamérica y la unión de todos los que hablamos español. Este álbum lleva mucho de esa vulnerabilidad de nosotros los latinoamericanos, pero al mismo tiempo presenta ese tema de unión y conexión con la fuerza del rock", comentó.

Con más de 25 años de trayectoria, Fraticelli ha construido una propuesta del hard rock en español que inició en la agrupación ‘Materia Prima’ y consolidó posteriormente su carrera como solista. Un reto grande dentro del contexto en el que está la música en Puerto Rico debido al predominio de otros sonidos en la isla.

"Me he dado cuenta de que el momento histórico es perfecto. Hay personas esperando volver a escuchar rock latinoamericano, rock en su idioma. Pasa en Puerto Rico, pasa en Bogotá y pasa en los demás países que he visitado", concluyó el artista.

‘Love Is All I Have’, el reciente trabajo musical de la artista llega acompañado de un videoclip cinematográfico y del anuncio oficial de su próximo proyecto, ‘Room 12’, que verá la luz el 2 de septiembre de 2026.

El nuevo tema mantiene el sello que convirtió a LP en una de las voces más reconocibles del pop alternativo: Una interpretación intensa, letras honestas y una mezcla de folk, rock y pop que conecta con quienes han vivido el desamor, pero también con aquellos que buscan volver a empezar. La canción fue escrita junto al productor Mike Del Rio y explora el crecimiento personal después de una ruptura, demostrando que incluso las despedidas pueden convertirse en inspiración.

El videoclip, dirigido por Zack Mizurik, acompaña esa carga emocional con una propuesta visual elegante. LP recorre una finca rodeada de paisajes naturales y escenarios imponentes, reforzando el mensaje de introspección y libertad que transmite la canción.

El lanzamiento también marca el inicio de una nueva etapa para la artista, que este año recorre Europa, Reino Unido y Norteamérica con una gira mundial que celebra el décimo aniversario de ‘Lost On You’, el disco que la catapultó al reconocimiento internacional. En estos conciertos, además de interpretar el álbum completo que la convirtió en un fenómeno global, LP presenta por primera vez canciones de ‘Room 12’.

Aunque muchas personas la conocieron gracias al éxito de ‘Lost On You’, la trayectoria de LP va mucho más allá. Antes de consolidarse como solista, escribió canciones para artistas como Rihanna, Cher, Christina Aguilera, Backstreet Boys,Rita Ora, Leona Lewis y Céline Dion, demostrando que su talento también ha dejado huella detrás de escena.

Con ‘Love Is All I Have’, LP demuestra que sigue apostándole a la vulnerabilidad como su mayor fortaleza artística. Mientras sus seguidores esperan la llegada de ‘Room 12’, el nuevo sencillo confirma que la artista continúa reinventándose sin perder la esencia que la convirtió en una de las voces más auténticas de la escena musical internacional.

La banda colombiana Río Arriba presentó su primer álbum, que lleva el mismo nombre de la agrupación. Una producción que reúne ritmos tradicionales del Caribe colombiano con influencias del jazz, el pop y el rock para construir una propuesta donde la identidad del territorio y la conciencia ambiental ocupan un lugar central.

El trabajo discográfico fue producido en Groove Studios gracias a la Beca de Creación Artística del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y al proceso creativo que la agrupación desarrolló durante más de seis años. A través de canciones como ‘Ciudad de Fuego’, ‘Río Arriba’ y ‘Turpial’, el proyecto convierte la fauna, la flora y los paisajes del Caribe en el punto de partida de historias que dialogan con la memoria, la cotidianidad y la protección de los ecosistemas.

Mary Ángel y Jesús Vergara estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron acerca del proceso creativo del disco y explicaron que la propuesta nació de la necesidad de representar el Caribe colombiano desde una mirada contemporánea, sin perder los elementos que hacen parte de su tradición musical y cultural. 

La producción reúne instrumentos tradicionales como la tambora, el tambor alegre y la gaita con sintetizadores, guitarras y recursos propios del jazz y el pop. Esa búsqueda también se refleja en la experimentación sonora, que conserva detalles de la interpretación, como respiraciones y texturas de los instrumentos, para mantener el carácter humano de las grabaciones.

Las historias que atraviesan el trabajo, Mary Ángel explicó que varias de las composiciones parten de la fauna del Caribe colombiano para construir metáforas de la experiencia humana. “Turpial nació mientras atravesaba una situación muy fuerte de salud mental", periodo en el que observaba diariamente a estas aves desde la ventana de su casa y les pedía "ayúdame a entender qué es lo que tengo que hacer", una vivencia que terminó convirtiéndose en el punto de partida de la canción. Asimismo, dijo que ‘Río Arriba’ utiliza el recorrido del bocachico por el río Magdalena para reflexionar sobre los desafíos que enfrenta la especie y cómo esa travesía también representa las dificultades por las que pasan las personas.

El álbum contó con la participación de músicos invitados como Rodrigo Villalón, Mingo Sánchez, William Guzmán y Edward Rodríguez. La producción estuvo a cargo de Harbey Marín como coproductor, ingeniero de grabación, mezcla y master, acompañado por José Pupo, Daniel Ruíz y Daniel Silva en la ingeniería de grabación.

La historia de Río Arriba comenzó en la universidad, cuando sus integrantes se reunieron para participar en una presentación y, posteriormente, en la Serie Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Desde entonces, la agrupación ha consolidado una trayectoria que incluye presentaciones en escenarios como el Festival Ajazzgo, el Teatro Adolfo Mejía de Cartagena y el Festival Internacional de Jazz de Villa de Leyva, consolidando una propuesta que conecta la tradición musical del Caribe colombiano con nuevas formas de exploración sonora.

Desde hace tres décadas Bosa se ha caracterizado por tener uno de los festivales del rock más emblemático entre las localidades de Bogotá, que, si bien comenzó como un evento independiente liderado por los colectivos locales, al pasar el tiempo se adhirió, sin dejar la esencia, a su festival hermano: Rock al Parque. Sin embargo, previo a este, el sector de Bosa-Porvenir se vestirá de música, historias y creación este domingo 28 de junio.

Se trata de ‘Bosa: La escena del Rock’, que celebra 30 años de resistencia, allí confluirán los amantes del género y los apasionados del metal, más bandas distritales e invitados nacionales. “Desde que se creó luchamos para preservarlo, hemos autogestionado los recursos para realizarlo, no hemos parado, ni siquiera en pandemia, por eso la resistencia, además es de resaltar que en la localidad hay un ecosistema alrededor de estos ritmos”, dijo a LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Laura Daniela Patiño, coordinadora del Festival desde ‘La Mesa Local del Rock y Metal’.

El evento fue fundado por la Corporación Intillapa, y cuenta con la colaboración de ‘La Mesa Local’ y ‘FunviRock’, colectivos conformados en los barrios. Para esta oportunidad es impulsado también por la Alcaldía Local de Bosa: “Desde el sector cultura le apostamos a esta iniciativa y contamos con una articulación con Idartes y la Secretaría de Desarrollo Económico”, manifestó por su parte, Daniela Agudelo, coordinadora desde la Alcaldía Local.  

Bandas locales

En total serán ocho bandas locales las que estarán escena, las cuales fueron ganadoras de la convocatoria del Festival donde se presentaron cerca de 30 agrupaciones. Las elegidas son:

Además, estarán dos bandas nacionales, dos Distritales y una invitada especial, a la fecha las confirmadas son: 

•    Dark Wisdom (Distrital) •    Anomia (Cartagena) •    Luciferian (Nacional)

El encuentro contará con la presencia de 50 emprendimientos de la localidad que ofrecerán sus productos alrededor de la cultura del rock de la mano de ilustradores, diseñadores, creadores y artistas. 

El Festival se llevará a cabo en el ‘Parque Metropolitano El Porvenir’ el 28 de junio, de 12:00 m. a 9:00 p.m.

Vea la entrevista completa en este video:

‘Q-Artango’ es la más reciente producción discográfica del bandoneonista y compositor colombiano Giovanni Parra junto al Cuarteto Q-Arte. El álbum presenta un diálogo entre el bandoneón y el cuarteto de cuerdas, incorporando elementos del tango, la música de cámara y sonoridades provenientes de la tradición andina colombiana.

Giovanni Parra habló sobre el proceso detrás de ‘Q-Artango’, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, asimismo recordó que buena parte de su formación artística estuvo marcada por los años que pasó en Buenos Aires, ciudad en la que profundizó en el estudio del bandoneón y el tango. 

Bajo la coproducción musical de Alejandro Sánchez-Samper, el trabajo discográfico presenta una sonoridad que transita entre la tradición y la exploración contemporánea. Aunque parte de elementos asociados al tango, también incorpora recursos propios de la música de cámara y referencias a géneros colombianos como el bambuco y el pasillo.

El repertorio está compuesto por diez obras, nueve de ellas escritas y arregladas por Parra. Entre las piezas se encuentran ‘Tangoni’, ‘Don Gordon’, ‘Astor’, ‘Bambuquilia’ e ‘Ivansillo’, además de adaptaciones de trabajos anteriores como ‘Milonguín’ y ‘Bogotá-Buenos Aires’. El recorrido concluye con ‘Q-Artango’, composición que da nombre al álbum y que fue creada especialmente para este formato instrumental.

En la construcción sonora del proyecto, el Cuarteto Q-Arte desempeña un papel fundamental. Integrado por Santiago Medina, Liz Ángela García, Sandra Arango y Diego García, el ensamble establece un intercambio constante con el bandoneón, distribuyendo las líneas melódicas entre todos los instrumentos y alejándose de las jerarquías habituales dentro del cuarteto de cuerdas.

La colaboración entre ambas partes surgió a partir de una invitación realizada por el Cuarteto Q-Arte para interpretar algunas composiciones de Parra. Lo que inicialmente contemplaba unas pocas obras terminó convirtiéndose en una producción completa centrada en su trabajo como compositor.

Tanto el cuarteto como el bandoneonista comparten una trayectoria vinculada a la exploración de nuevas posibilidades dentro de la música latinoamericana. Mientras Q-Arte ha desarrollado proyectos enfocados en la música contemporánea, la creación de repertorio y la formación de públicos, Parra ha consolidado una carrera dedicada al diálogo entre el tango, la música andina colombiana y los formatos de cámara.

‘Q-Artango’ se encuentra disponible en plataformas digitales y contará con edición física en formato CD.

Bogotá será el escenario del gran cierre de ‘Historias que Cantar’, la primera gira nacional del artista independiente Diego López, quien tendrá dos presentaciones especiales esta semana en el marco de las celebraciones por la diversidad y la inclusión en la capital. 

El recorrido, que llevó su música por ciudades como Medellín, Cali, Pereira, Armenia y Manizales, llegará a su punto culminante con una presentación en el Festival por la Igualdad de La Fuga el 26 de junio y, dos días después, con un concierto en la Plaza de Bolívar durante la conmemoración de los 30 años de la Marcha Distrital de la Igualdad. 

Lo que comenzó como una apuesta artística independiente se ha convertido en un proyecto que gana cada vez más fuerza dentro de la escena musical colombiana. Con ‘Historias que Cantar,’ Diego López ha conectado con el público a través de canciones que hablan del amor, la memoria, la pérdida, la esperanza, la diversidad y la resiliencia, temas que atraviesan experiencias cotidianas y generan una conexión emocional con quienes lo escuchan. 

La presentación en la Plaza de Bolívar tendrá un significado especial. Además de marcar el final de la gira, el artista será el encargado de cerrar una de las celebraciones ciudadanas más importantes del país, un evento que durante tres décadas ha promovido el respeto, la inclusión y la libertad de expresión. 

Uno de los elementos más llamativos de sus conciertos es la presencia de ‘La Secta’, un coro góspel conformado por cantantes con amplia experiencia coral, que acompaña al artista en varias de sus presentaciones y aporta una fuerza vocal poco común en la escena nacional. Este formato también quedó plasmado en las Soul Sessions, una serie de grabaciones en vivo que han sido bien recibidas por el público y que muestran una faceta más íntima y poderosa de su propuesta artística. El propio cantante define su estilo como “Soul Rock pa’ curarse el alma”, una fórmula con la que ha construido una identidad propia dentro del circuito independiente nacional. 

En los últimos años, la carrera de López ha tenido un crecimiento constante. Fue invitado como solista por la Orquesta Sinfónica de Bogotá, se presentó en escenarios emblemáticos como el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, participó en importantes mercados musicales del país y agotó varias fechas de sus primeras giras nacionales.

Además de las canciones que integran ‘Historias que Cantar’, el artista ha lanzado sencillos como ‘Ya No Queda Nada’, ‘Privilegio y Rabia’, temas que reflejan distintas facetas de su universo creativo, desde las historias de amor y desamor hasta reflexiones sobre la realidad social y la necesidad de dar voz a quienes suelen permanecer invisibilizados.

Estas presentaciones tendrán un significado especial no solo para el cantante, sino también para quienes han seguido su evolución artística. Más que el final de una gira, será la celebración de un proyecto musical que ha crecido desde la independencia, apostándole a la autenticidad, las emociones reales y el poder de las historias cantadas. Con miles de asistentes esperados en la Plaza de Bolívar, Diego López se prepara para vivir una de las noches más importantes de su carrera y confirmar por qué es una de las voces con mayor proyección de la música colombiana actual.

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