Durante el cubrimiento especial de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, Andresito contó en el programa ‘Amantes del círculo Polar’ cómo la carranga ha estado presente en su vida desde muy pequeño y cómo, con el paso de los años, entendió que podía llevar esas raíces campesinas a nuevos públicos. Para él, este género no es solamente música para generaciones mayores, sino una expresión cultural que hoy también está siendo descubierta y valorada por jóvenes que encuentran en sus letras identidad, humor y cercanía con la tierra.

El artista también habló sobre la importancia de mantener vivo el aprendizaje de la música tradicional, especialmente en las nuevas generaciones, ya que, sin esperarlo, las redes sociales, principalmente TikTok, se convirtieron en esa gran plataforma que permitió que una de sus canciones se volviera viral. Ese impacto ha despertado el interés de muchos jóvenes y estudiantes por consumir este género musical a pesar de las diferentes olas musicales actuales.

Más allá de los escenarios y las plataformas, Andresito Paz continúa uniendo su vida con el campo. Entre conciertos, grabaciones y giras de medios, también debe dividir su tiempo con la finca, los cultivos y el trabajo agrícola que continúa haciendo parte de su día a día. Esa autenticidad, precisamente, ha sido una de las características que más ha conectado con el público que hoy sigue su proyecto musical.

Durante la entrevista también presentó ‘Vivo Contento’, una canción que se convirtió en fenómeno digital y que ha impulsado aún más su nombre dentro de la nueva ola de la carranga. Además, habló sobre el lanzamiento de ‘Ya tengo mi corazoncito’, un tema que mantiene ese espíritu campesino y romántico que caracteriza su propuesta artística.

Andresito Paz invitó a los seguidores a descubrir más de su música y a disfrutar la entrevista completa a través del canal de YouTube @LAUD ESTEREO en el programa ‘Música y Músicos de Colombia’ donde conocerán más de su historia.

La colaboración reúne el rock mexicano y el metal ibérico en una reinterpretación con un sonido más pesado y contemporáneo. Las guitarras adquieren mayor fuerza, la base rítmica gana contundencia y la voz de José Andrëa aporta un matiz dramático que amplía el carácter de la canción sin perder la esencia que la convirtió en un clásico del rock en español.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Luis Álvarez contó que la colaboración con José Andrea nació de la amistad que han construido a lo largo de los años en festivales y conciertos. “Le invité, le mostré la canción y le gustó mucho. Participó de muy buena manera y le puso el sello de José Andrea”, recordó el músico mexicano.

Formada en 1989 en Ciudad de México, El Haragán y CIA se consolidó como una de las bandas más representativas del rock mexicano. Con más de 11 millones de discos vendidos, su catálogo incluye canciones como ‘Él No Lo Mató’, ‘Muñequita Sintética’, ‘A Esa Gran Velocidad’ y ‘Juan el Descuartizador’.

La agrupación ha mantenido una actividad constante en escenarios y estudios de grabación. “Un músico nunca debe retirarse. Hay que seguir tocando, haciendo canciones y lanzando música”, afirmó Luis Álvarez.

Con esta nueva versión, El Haragán y Cía reafirma la vigencia de un proyecto que, después de más de tres décadas de trayectoria, continúa explorando nuevas sonoridades y colaboraciones sin apartarse de la identidad que lo convirtió en referente del rock latinoamericano.

Un 24 de diciembre de 1995, mientras el mundo celebraba la Nochebuena, en Uruguay nacía una historia que marcaría el rock latinoamericano. Esa noche, una banda emergente se abría paso para quedar grabada en la memoria de la música: La Vela Puerca.

Sebastián ‘El Enano’ Teysera, Nicolás ‘Mandril’ Lieutier y Sebastián ‘Cebolla’ Cebreiro, acababan de ganar el concurso ‘Generación 96’, organizado por el programa ‘Control Remoto’ de Canal 10. El premio era una guitarra, un amplificador y 80 horas de estudio que se convertirían en el punto de partida de su primer disco.

“Este tipo era muy testarudo (El Enano). Cuando ninguno veía posible vivir de esto, él ya estaba convencido. De a poco nos fue contagiando y cuando te dicen que es imposible, más ganas dan de pelearla. Así, entre amigos, nos enamoramos de esas primeras canciones y entendimos que había algo muy preciado que solo podíamos hacerlo crecer”, contó ‘Cebolla’ en entrevista exclusiva con LAUD 90.4FM ESTÉREO.

Con una mezcla de punk rock, ska y folclore uruguayo, dieron vida a clásicos como ‘El Viejo’, ‘Vuelan palos’, ‘Alta magia’ y ‘Mi semilla’. Desde el inicio, su apuesta fue llevar las historias del Cono Sur a escenarios internacionales, sin perder de vista su esencia y ese principio que los ha acompañado siempre: Vivir cada etapa y cada momento.

“Que todo vaya para un lado y nosotros sintamos seguir otro camino también motiva. Habla de ser consciente y terco con lo que a uno le hace feliz. No me veo cumpliendo las reglas de la industria actual, porque no me encuentro ahí; sería traicionarme. Y ya sabemos que la peor mentira es la que uno se dice a sí mismo. Hoy tenemos un rol nuevo, que no forzamos, simplemente se dio”, agregó ‘Enano’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡De los bares de Montevideo a los escenarios más importantes del mundo!

Para celebrar tres décadas de amistad y música, La Vela Puerca salió de gira y recorre ciudades como Santiago de Chile, Málaga, Barcelona, Mallorca y Madrid. Bogotá se suma como una de las pocas paradas en Latinoamérica con un gran concierto este 23 de abril en Bonfire.

Con canciones como ‘Zafar’, ‘Va a Escampar’ y ‘Llenos de Magia’, la banda ha convertido sus shows en verdaderos coros multitudinarios alrededor del mundo. Hoy, esos temas regresan, canciones que abrigan, que se cantan a todo pulmón y que en cada presentación vuelven a cobrar vida.

En el programa ‘Música y Músicos de Colombia’ el artista recordó cómo nació su conexión con la música romántica y cómo las canciones clásicas terminaron convirtiéndose en parte fundamental de su identidad artística. Más allá de su paso por un reality de televisión, el cantante ha trabajado en construir una propuesta propia, mezclando técnica vocal y sensibilidad.

Manuel José habló sobre el momento que vive actualmente su carrera, marcada por presentaciones dentro y fuera del país, especialmente en México, donde ha logrado consolidar un gran público. Además, destacó que su intención siempre ha sido respetar la música romántica, pero también acercarla a nuevas generaciones que hoy vuelven a conectarse con letras apasionadas

Uno de los temas más importante fue el concierto que realizará el próximo 16 de mayo en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán junto a Ángela Carrasco. El espectáculo promete reunir grandes clásicos de la balada en una noche especial donde se mezclarán generaciones, historias y canciones que han marcado a miles de personas en Iberoamérica.

Antes de su concierto, Ángela Carrasco conversó con La Verdadera Alternativa de la Radio sobre la emoción de reencontrarse con el público y la vigencia de la música romántica en una noche especial dedicada a las madres.

El concierto además es un homenaje musical para las madres, con una velada pensada para quienes disfrutan de las canciones que permanecen en el tiempo. El artista aseguró que el público podrá encontrarse con un show cargado de sentimiento, interpretación y recuerdos, en una noche donde la música romántica será la gran protagonista.

Si quiere conocer más de este artista y su próximo evento, lo invitamos a que reviva la entrevista completa en nuestro canal de YouTube @LAUD ESTÉREO en el programa ‘Música y Músicos de Colombia’.

Nacida en Cuba y radicada en México, su recorrido personal y artístico ha estado marcado por el tránsito entre territorios y culturas. Esa experiencia se refleja en una obra que integra elementos de la trova, la música tradicional mexicana y otros sonidos de América Latina. así lo manifestó Leiden por su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar.

Además, la formación de Leiden en sociología atraviesa su manera de entender la música y la creación. Sus composiciones combinan lo emocional con reflexiones sobre el entorno social, en diálogo con una tradición latinoamericana que entiende el arte como una herramienta de pensamiento y memoria. “Creo en lo latinoamericano como una región que tiene una identidad… que tiene que ver también con lo social”, afirmó.

De manera paralela, la artista ha desarrollado procesos de creación colectiva junto a comunidades en situación de vulnerabilidad. Entre ellos, talleres de composición con mujeres privadas de la libertad y personas migrantes, espacios donde la canción testimonial funciona como una forma de narrar experiencias y construir relatos comunes. Estas iniciativas se integran a su proyecto artístico como una extensión de su trabajo creativo y social.

Su recorrido también incluye una participación activa dentro de la industria musical, tanto desde la composición como desde la gestión cultural. A lo largo de su carrera ha impulsado espacios orientados a la visibilización de las mujeres en la música y ha sido reconocida en distintos circuitos internacionales. En ese contexto, plantea una mirada crítica sobre el funcionamiento del sector: “El hecho de que haya personas más conocidas que otras no tiene que ver con el talento”, concluyó la artista.

Verónica Linares nació en México y creció entre la grabadora de su abuela y un repertorio de canciones románticas marcadas por la ranchera. Desde los 8 años, emprendió un camino que la llevó a la televisión y la radio, y con el tiempo, empezó a dar vida en escena a artistas como Alicia Villarreal, Rocío Dúrcal, Paquita la del Barrio, Paulina Rubio y Laura León. Un recorrido que hoy la consolida como uno de los referentes del tributo a nivel mundial.

En 2025, la artista visitó Bogotá y Medellín con un gran homenaje filarmónico a Rocío Dúrcal. El evento aclamado por el público ahora regresa al Teatro Jorge Eliécer Gaitán con un repertorio que también rinde tributo a la inolvidable Ana Gabriel.

“Desde muy pequeña, mi familia descubrió mi don para cantar. Empecé interpretando a la reina de la balada ranchera, una voz única que sigue viva en la memoria y en sus canciones. Siempre ha sido un ícono para mí y llevarla al escenario es algo maravilloso. Mi mamá también fue clave en ese camino, me ponía sus discos y me enseñaba canción por canción. La primera que aprendí fue ‘Amor eterno’”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Una serenata diferente para celebrar a mamá! ‘La gata bajo la lluvia’, ‘Amor eterno’, ‘Quién como tú’, o ‘Simplemente amigos’ son algunos de los temas que serán interpretados durante el ‘Homenaje Sinfónico a las Madres’, una producción que estará a cargo de 50 músicos de la ‘Filarmónica Metropolitana Distrito Capital – La Metro’.

“Mi primera vez en Bogotá, en el teatro, fue una experiencia maravillosa. Escuchar las canciones de Rocío con la sinfónica, tal como suenan en el disco, fue impactante. Desde el primer ensayo sentí una energía muy fuerte, como una vibración que me recorría. Ya en el escenario, el público se entregó por completo y coreó cada canción. Salí con una emoción inmensa, eufórica, como si apenas estuviera empezando. Fue realmente inolvidable”, destacó la vocalista.

La dirección musical estará a cargo del maestro Alejandro Vásquez Mejía, con arreglos de Álex Zuluaga. El concierto recorre canciones que han marcado la memoria musical latinoamericana a través de nuevas orquestaciones que abren paso a una lectura instrumental más amplia, cargada de matices y mayor fuerza expresiva. Además, el cambio de vestuario de Verónica se convierte en uno de los momentos más aclamados de la noche.

La cita será el próximo sábado 9 de mayo a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Para conocer más información visite el siguiente link.

En agosto de 2021, el corazón de la ciudad fue testigo del nacimiento del ‘Top Show Colombo’, una plataforma que llegó a rendirle homenaje a la diversidad sonora del país. Más de 775 artistas se inscribieron a su primera convocatoria y cerca de 4.000 personas conectaron con esta escena que pedía espacio, volumen y visibilidad.

Desde entonces, el proyecto suma diversas ediciones que han atravesado lo urbano, lo folk, lo afro y las voces femeninas. En su sexta entrega ‘Unlabeled- #SinEtiquetas’, el arte se presenta como un escenario de transformación social y pone el foco en la comunidad LGBTQ+, abriendo oportunidades a voces que aún enfrentan estereotipos y altos índices de violencia.

“Unlabeled es un lugar para encontrarnos, celebrarnos y reconocernos sin moldes ni fronteras. En Colombia, la homofobia, la lesbofobia y la transfobia siguen siendo formas de violencia simbólica y real que incluso cuestan vidas, solo por expresar una identidad de género u orientación sexual”, explicó Maricela Vélez, directora cultural del Centro Colombo Americano, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La gran cuota de artistas nacionales e internacionales

La nómina reúne 18 agrupaciones de Argentina, Ecuador, México, Chile y distintas regiones de Colombia. Por primera vez, el Festival suma una apuesta internacional con nombres como Kudai, La Bruja de Texcoco, Kumbia Queers, Johann Vera y Amelie Weinhöfer, artistas que, desde distintos géneros, celebran la diversidad y las identidades.

“Nací en Buenos Aires y crecí cerca de donde Carlos Gardel dio sus primeras actuaciones. En Colombia haré un viaje musical que va del maestro hasta Astor Piazzolla. Como mujer trans, he tenido que diversificar mi propuesta para vivir de la música, he cantado en varios idiomas y, en esta ocasión, presentaré un repertorio en inglés y francés”, contó Amelie, una mujer trans que ha recorrido el mundo con su guitarra y el tango argentino.

Por su parte, la cuota nacional llega con Aguas Ardientes, La Ramona, Mayra Sánchez, Asael Cuesta, La Morena del Chicamocha, LoMaasBello, Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, Yela Quim, Lady Arias, Dolores te Canta, Flor de Lava y Lola Mento, en una muestra que recorre distintos sonidos y territorios del país.

¡Los imperdibles de la agenda!

En total, son cinco eventos en escenarios emblemáticos que completan la programación, todas gratuitos bajo el lema “porque la música, cuando se vive sin etiquetas, se convierte en un acto de libertad”.

Además, la actividad contará con una agenda pedagógica en distintos puntos de la ciudad, destacando el barrio Santa Fe, con conversatorios, encuentros comunitarios y espacios de reflexión que buscan incidir, desde las artes, en las discusiones sobre derechos culturales y políticas públicas para artistas LGBTIQ+. Estas son algunas de las fechas:

- Miércoles 6 de mayo en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán:

Apertura de puertas: 5:00 p.m.

Artistas: La Ramona, Lady Arias, LoMaasBello, Dolores te Canta

- Sábado 9 de mayo en el Parque de los Hippies: Apertura: 3:00 p.m. Artistas: Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, La Morena del Chicamocha y Lola Mento.

- Miércoles 13 de mayo en el Centro Colombo Americano

Apertura de puertas: 6:30 p.m.

Artistas: Amelie Weinhöfer y Yela Quim

- Jueves 14 de mayo en el Centro Colombo Americano Apertura de puertas: 6:30 p.m. Artistas: Asael Cuesta y Flor de Lava

Para conocer más información visite el siguiente link.

La agrupación se abre paso en la escena con una mezcla de rock y sonoridades latinas, articulando un discurso ligado a la exploración personal y a la continuidad de los procesos creativos. Desde su formación en Bogotá, el dúo ha ido consolidando un enfoque que conecta experiencia, identidad y búsqueda artística. “Queríamos más, volver a tocar, volver a tener un público”, explicó Andreas en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nombre del grupo funciona también como una declaración de principios. Más que una idea asociada a lo material, se plantea como una búsqueda abierta; insistir, explorar y no conformarse. Esta premisa se traslada a su sencillo debut, ‘Quiero Más’, un tema que marca el punto de partida conceptual de su trabajo.

La construcción del proyecto responde a ese mismo impulso. Herrera convocó inicialmente a distintos músicos, pero el proceso fue decantándose hasta consolidarse como una dupla. “Nos dimos cuenta de que nosotros queríamos más (…) y quedamos solo los dos”, señaló el artista.

En lo sonoro, la propuesta se sostiene sobre una base de rock que incorpora elementos de la música latina, especialmente de la salsa. Más que una fusión deliberada, esta mezcla responde a las trayectorias de sus integrantes. Andreas, formado en Alemania y con experiencia en música latina en Europa, encontró en Latinoamérica un espacio para profundizar en estos lenguajes, mientras que Herrera ha desarrollado su camino entre el teatro musical y la escena rock.

El proceso creativo se construye desde esa dualidad. Por un lado, una exploración intuitiva que expande ideas; por otro, una estructura que permite organizarlas y llevarlas a una forma concreta. “Yo quiero, yo quiero, yo quiero”, describe Herrera sobre su manera de componer, mientras Andreas complementa ese impulso con una mirada más técnica. Esta dinámica se traduce en canciones que avanzan progresivamente tanto en lo rítmico como en lo instrumental.

Además del trabajo central de sus integrantes, el dúo suma colaboraciones con músicos invitados en distintas etapas de producción, integrando aportes que van desde la interpretación hasta la construcción de arreglos.

Más allá de lo musical, la iniciativa se articula alrededor de un mensaje que cuestiona las ideas tradicionales sobre el tiempo y el desarrollo personal. “Los sueños no tienen fecha de vencimiento” es uno de los ejes que atraviesa su discurso. Desde su experiencia, Herrera plantea la necesidad de insistir incluso en momentos en los que socialmente se asume un límite. “Me vi con 40 años y pensé ¿ya se acabó?, y decidí intentarlo igual”, señaló.

Esta línea se extiende a otras composiciones como ‘50 Millones’, una canción que parte de una premisa económica para desarrollar una reflexión sobre el deseo, la migración y las posibilidades de transformación. A través de la ironía, el tema plantea una mirada que va de lo individual a lo colectivo.

Una travesía sonora que fluye entre cumbia, currulao y bullerengue da vida a la más reciente propuesta de Urpi Barco. Se trata de una pieza artística que sitúa la ancestralidad y las narrativas de género en el epicentro de su universo musical.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la cantautora reflexionó sobre los desafíos de encabezar procesos creativos: “Ser cabeza de proyecto nunca es fácil… como mujer a veces tienes que demostrar que lo haces bien, a veces no nos creen”.

Con la participación de doce invitadas, ‘Golondrina’ se consolida como una creación colectiva donde convergen instrumentos tradicionales, armonías contemporáneas y exploraciones vocales: “El unirme con otras compañeras que también están en este camino ha sido poderoso”, aseguró sobre este tejido de talentos.

La esencia de la obra parte de un lugar íntimo. El tema homónimo es un tributo a su madre, quien dejó su hogar siendo joven para perseguir una vocación artística: “Quise hacer un homenaje a ella y a todas las que han tenido que dejar cosas atrás para seguir sus sueños”, explicó Barco.

Ese recorrido también se adentra en la herencia de sus ancestras. En Kencha Colibrí, la intérprete explora su origen muisca a través de una pieza construida junto al Cabildo Indígena de Suba para recuperar sonoridades de una lengua en reconstrucción: “Es un proceso en el que me hice muchas preguntas por mis raíces”, señaló.

Asimismo, la artista replantea el concepto del jazz, alejándolo de visiones elitistas para acercarlo a las expresiones populares: “A veces pensamos que es una música muy cerrada, pero si vamos al origen, es la expresión de un pueblo”, sostuvo, destacando el vínculo entre la improvisación y los relatos comunitarios atravesados por la herencia africana.

La dimensión social del proyecto se refleja en piezas como ‘Niña Pies de Sal’, inspirada en una fotografía sobre la explotación infantil en México: “Compuse esa canción justamente para visibilizar el trabajo infantil”, reafirmó, vinculando su arte con la reflexión crítica.

Tras tres años de maduración, este lanzamiento representa la culminación de una búsqueda estética profunda: “Fue mucha emoción contenida, porque es ver materializar los sueños”, concluyó. El concierto no solo recorrerá su nueva música, sino que será una celebración del territorio narrado desde la diversidad y la voz femenina.

La tierra de Delicias, en Chihuahua, vio nacer a Hugo ‘Poyo’ Segovia, un trovador lagunero que hizo de los caminos su canción y ha llevado su música a distintos continentes.

Un hombre soñador que descubrió su gran pasión al lado de una modesta guitarra acústica michoacana y los cancioneros que le compraba su abuela. Allí comenzó un viaje que hoy suma dos décadas de trayectoria y abre un nuevo capítulo con ‘Onirismo’, su más reciente trabajo de estudio.

“Me interesa escribir sobre emociones complejas como el desamor, la tristeza o la soledad, pero con una mirada distinta, sin victimizar y buscando que quien escuche se identifique. A veces compongo sin vivirlo y luego la vida me alcanza, como si las canciones también fueran para mí. Esa sensibilidad está marcada por el indie mexicano, que ha definido mi forma de construir música desde lo independiente”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Alegrías, hazañas, veinte años de trayectoria y un camino por recorrer!

El artista ha consolidado su sonido a través de una sofisticada mezcla de indie pop con tintes de funk, jazz y ritmos latinos. En su carrera, ha compartido con públicos de escenarios emblemáticos y festivales internacionales como ‘SXSW’ en Austin, ‘Zapal’ en Saltillo, ‘Cielo Mágico’ en Monterrey y distintos encuentros culturales entre Colombia y Perú.

“Hoy mi música es más diversa, pasé de lo acústico a un formato de banda completa, donde experimento con ritmos latinos como el mariachi o la cumbia. Los viajes y el contacto con otras culturas han transformado mi sonido y me permito no encasillarme. Ahora parto de lo que me hace sentir y ahí empiezo a componer”, agregó Segovia.

Onirismo: Un viaje por los sueños y la consciencia humana

La palabra ‘Onirismo’ parte de un estado de alteración de la conciencia donde surgen fantasías similares a los sueños y se diluye el sentido de la realidad. Este concepto le da vida al más reciente EP del cantautor, una experiencia sensorial que se revelará canción por canción a lo largo del año, acompañada de sus respectivos materiales visuales.

Hugo se reconoce en el escenario por su dinamismo, se da tiempo para bromear y compartir las historias detrás de sus canciones. Con esa esencia, y en la celebración de sus 20 años de trayectoria, adelanta una gira que se extiende hasta noviembre por Latinoamérica y Europa.