Hay voces que no solo transmiten melodías; su verdadero poder está en guardar la memoria de un territorio. Marta Gómez y Susana Baca han dedicado décadas de sus vidas a impulsar la música de raíz desde Colombia y Perú, conquistando nuevos públicos al lado de las historias, los ritmos y el eco de sus ancestros.

Su lugar como referentes del folclor es cada vez más visible y ahora regresan con ‘Dentro de mi piel’, una canción que habla de identidad, memoria y poesía. Una historia que comenzó a componerse en 2015, cuando ambas artistas compartieron escenario junto a Pedro Aznar en ‘Festejo de Color’, composición de Nano Stern que reunió a artistas músicos de Argentina, Colombia y Perú. Once años después, vuelven a cruzar sus caminos, pero esta vez para poner sus propias voces al servicio de las mujeres y los territorios que las habitan.

“Yo le mandé la canción que compuse para ella, pensando en lo que nosotras como cantoras podemos ofrecer, el dolor, la esperanza, la ternura. Su respuesta fue: ‘Quiero que vengas a Perú, a estar conmigo un fin de semana’. Allí compartimos con sus músicos, creamos y grabamos durante esos tres días. Fue un regalo para mi vida”, contó la maestra Marta Gómez, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Marta Gómez nació en Girardot y creció en Cali, rodeada de los sonidos del Pacífico, bambucos y zambas argentinas. Aunque en su adolescencia se inclinó por el pop y las baladas, fue durante sus años de estudio en Estados Unidos, lejos de Colombia, cuando volvió a mirar esas raíces con otros ojos. La distancia despertó en ella una conexión más profunda que hoy la convierte en una de las voces “maternales” de Colombia.

“Yo no me siento triste de que el folclor nos haya llegado un poquito tarde; al contrario, me gusta porque todavía estamos descubriéndolo y nos faltan muchos territorios por conocer. Me encantan las fusiones que surgen de ahí. Siempre habrá alguien que haga algo maravilloso y nuevas generaciones que lo transformen y le den otros caminos”, destacó la artista.

“Y yo soy entera mi sombra y mi luz, y yo cargo sola mi canto, mi llanto y mi cruz... y ese canto es guía y camino, mi norte y mi sur”. Este es uno de los versos más emotivos de la canción. Porque, así como la piel es el órgano más grande del cuerpo, un dato que muchas veces pasa desapercibido, ‘Dentro de mi piel’ deja una invitación a descubrir todo aquello que habita en cada persona. 

Las imágenes que acompañan el lanzamiento fueron registradas durante la visita de Gómez a Perú y llevan al videoclip parte de la cercanía y la complicidad que acompañaron la creación de esta magistral obra.

Este nuevo lanzamiento constituye un ejercicio de indagación cultural que explora la cosmovisión del sur andino-amazónico colombiano, conectando los saberes tradicionales de Nariño y el Putumayo con los lenguajes de la producción independiente actual.

El concepto del EP surge del encuentro entre las palabras Inga Sinchi, que significa fuerza, y el término Raimi, que puede traducirse en fiesta o celebración. Una propuesta donde la ritualidad de las montañas se traslada a la creación artística. A través de sus seis sencillos, la producción teje un diálogo directo entre instrumentos propios de las comunidades originarias y elementos contemporáneos como la guitarra eléctrica, el bajo, los sintetizadores y la batería.

En su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Olimpo Herrera Jacanamijoy, director de la agrupación, enfatizó el valor patrimonial que sustenta esta búsqueda artística: "Más allá de plantear géneros musicales, es decirnos que nosotros tenemos mucha riqueza cultural y sonora. Como colombianos podemos decir: Somos y tenemos esta música y esta variedad". Bajo esta premisa, la banda trasciende la mera mezcla de estilos para proponer un punto de encuentro entre las prácticas comunitarias y las dinámicas del mercado musical.

Estructuralmente, este trabajo musical plantea un recorrido narrativo dividido en tres ejes conceptuales que representan el tránsito del pensamiento indígena: Cabildo (el arraigo a la comunidad), Pueblo (la vivencia de las festividades locales) y Ciudad (la adaptación y el diálogo dentro del entorno urbano). Esta arquitectura sonora busca desmontar la concepción del legado nativo como una expresión estática o distante.

"Nuestras músicas propias no son folklore, son músicas vivas del hoy. Por eso pueden entrar en diálogo con otro tipo de sonoridades perfectamente", contó Andrés Cuervo, segunda voz del proyecto. De esta manera, el disco se reafirma como una manifestación vigente que mantiene como núcleo la tulpa o fogón tradicional, espacio donde el pensamiento colectivo y la celebración se transforman en canciones.

De esta manera, ‘Sinchi Raimy’ trasciende el formato de un lanzamiento convencional y se consolida como el resultado de un proyecto pedagógico y social. La producción discográfica ya se encuentra disponible en las principales plataformas de reproducción streaming.

El proyecto musical ‘Aquiestoy’, liderado por el músico, compositor y productor estadounidense Carlos Snaider, presenta una propuesta que conecta distintas experiencias culturales y musicales a través de la identidad, el territorio y el desplazamiento. Esta búsqueda se desarrolla en ‘Daño Choca’, sencillo que hace parte de ‘Til We Dissolve’, su segundo álbum de estudio.

La canción se articula desde una combinación de guitarras eléctricas, sintetizadores y elementos rítmicos que dialogan con el latin jazz, el hip-hop y las tradiciones musicales del Caribe. El trabajo se compone doce canciones compuesto durante aproximadamente dos años, en el que Snaider asumió la escritura de las letras y las armonías, además de participar en la interpretación de varios de los instrumentos.

‘Daño Choca’ también plantea una reflexión alrededor de la idea de la isla. El agua, las fronteras y el movimiento aparecen como elementos que atraviesan la propuesta, mientras la figura de una persona aislada funciona como punto de partida para hablar sobre la manera en que las identidades se construyen y se relacionan con otros territorios. En este contexto, Snaider resume la imagen central de la canción con una frase: “Yo soy una isla”.

El concepto está relacionado con el recorrido personal del músico. Su padre es ecuatoriano y su madre puertorriqueña, mientras que parte de su infancia transcurrió en Quito, ciudad donde aprendió español. Posteriormente, su relación con el idioma continuó en Nueva York, en contacto con comunidades puertorriqueñas y dominicanas. Esta experiencia terminó convirtiendo el español en una herramienta para recuperar vínculos con sus raíces y conectar diferentes momentos de su historia.

La música se convierte así en un espacio para reunir geografías que en su trayectoria han permanecido conectadas. Nueva York, Los Ángeles, Ecuador y Puerto Rico aparecen como referentes dentro de una propuesta que alterna entre el inglés y el español y que entiende el lenguaje como una forma de acercamiento entre distintas culturas.

El fútbol también ocupa un lugar dentro de este relato. Snaider creció practicándolo y llegó a desempeñarse como arquero en su etapa escolar. Esta experiencia aparece representada en el universo audiovisual de ‘Daño Choca’, donde un balón atraviesa un río como una imagen asociada al juego, la infancia y el movimiento.

Su formación académica amplió posteriormente esta exploración. Durante sus estudios en Harvard profundizó en la historia sociocultural afroestadounidense y en las raíces africanas y caribeñas del jazz, además de aproximarse a la composición, los arreglos y la improvisación. La salsa también se convirtió en una referencia importante dentro de este proceso y en una vía para acercarse a su herencia familiar.

El proyecto, conformado por Mauricio Ramírez, Hugo Velásquez y Gilia Andrea Jiménez, nació en las montañas del Carmen de Viboral, Antioquia, a partir de experiencias relacionadas con la música, la educación y la naturaleza.

El grupo reúne diferentes recorridos personales. Mauricio Ramírez, encargado de escribir las letras y componer la música, tiene experiencia en la apicultura y el trabajo con cultivos, mientras Gilia Andrea Jiménez se desempeña como docente de música para niños. Desde estos contextos surge una propuesta que incorpora en sus canciones temas relacionados con la preservación del medio ambiente, la fauna, la flora y el cuidado personal.

Esta búsqueda se encuentra en ‘Titilán Tilán’, un sencillo que combina sonidos de la carranga y el reggae. La canción parte de una exploración sonora que busca llevar una tradición musical colombiana hacia públicos más jóvenes, sin desligarla de otras influencias contemporáneas.

La decisión responde a una concepción de la tradición como una característica que puede permanecer vigente al establecer nuevas conexiones con el presente. “Nosotros consideramos que las tradiciones no han de ser elementos que están lejanos, sino que estas pueden ser parte del presente”, explicó Gilia Andrea Jiménez en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El sencillo también aborda la voluntad y la determinación de actividades cotidianas. La letra relaciona los pequeños hábitos, las decisiones y el compromiso diario con la construcción de metas y sueños. En este sentido, el tema plantea que alcanzar un objetivo no depende únicamente de imaginarlo, sino de los cambios que permiten avanzar hacia él. “Las pequeñas acciones, los pequeños hábitos, las pequeñas decisiones y el compromiso diario con cualquier cosa, con cualquier meta, con cualquier sueño, es el que realmente nos va llevando por ese camino”, concluyó Jiménez.

El nombre ‘Titilán Tilán’ hace parte de esta búsqueda por construir un lenguaje cercano a las infancias. La expresión juega con la sonoridad de las palabras y con la posibilidad de que sean fáciles de pronunciar y recordar, mientras evoca el sonido de unas campanas. Este recurso combina una intención pedagógica con una exploración artística dentro de la canción.

La propuesta de Canparaní no está dirigida exclusivamente a los niños. El trabajo plantea una experiencia familiar en la que padres, madres, tíos, abuelos y otros integrantes puedan compartir las canciones con los más pequeños. La agrupación propone que los adultos también hagan parte del entorno musical de las infancias y que la música pueda convertirse en un espacio de encuentro entre diferentes edades.

La naturaleza y las tradiciones campesinas también hacen parte del repertorio. Entre las canciones que acompañan el proceso se encuentra ‘Chachafruto’, una composición que toma como referencia los mercados campesinos y la flora tradicional, y que plantea una invitación a conocer, sembrar y preservar esta especie, además de apoyar los espacios de comercialización de productos del campo.

“De Castilla pal mundo”, una frase que bien podría resumir la historia de Vestigios. En 2014, un grupo de amigos de este barrio bogotano comenzó a reunirse alrededor de la música y, con el paso de los años, fue consolidando una identidad marcada por la fuerza y los sonidos estridentes. Una década después, aquellas primeras canciones dieron paso a presentaciones en diferentes escenarios del país y a ‘Grietas’, su primer álbum de estudio, publicado en 2017.

Sin embargo, la pandemia marcó un punto de quiebre. Algunos integrantes tomaron otros caminos y, después de ese periodo, el baterista y vocalista Fernando ‘Fercho’ Real y el bajista ‘Juanelo’ decidieron seguir su “loco sueño”. De ese momento, nació ‘PHÁSMA’, un segundo trabajo discográfico, lanzado el 8 de junio de 2026 y concebido como una nueva etapa de evolución y madurez.

“Este disco retrata distintas vivencias a través de las pesadillas. No hablamos únicamente del desamor, sino de aquello que hemos atravesado y que permanece de alguna manera. Queríamos llevar a la música lo que se siente en esos momentos, con sus diferentes formas: Los ciclos, el miedo, la pérdida y la atrición”, explicó ‘Fercho’ Real, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Dentro del EP destacan títulos como ‘Culpa’, ‘Moiras’ y ‘Phasma’, la primera nació de una pesadilla que el baterista tuvo años atrás y que terminó convertida en canción; la segunda toma su nombre de las figuras de la mitología griega vinculadas con el destino; y la tercera parte del término ‘phásma’, asociado con apariciones, fantasmas o ilusiones.

La incorporación del vocalista Rick Buitrago permitió ampliar el registro vocal con guturales, growls y voces melódicas, mientras que la producción y el trabajo instrumental buscaron darle mayor profundidad a cada composición.

“Nos tocó dejar atrás esas ideas del rockstar de barrio. Ya no estamos en la banda solo con los amigos, también estamos con socios, con personas que están caminando al lado de uno y que tienen un norte. Esa madurez que nos han traído la edad, las experiencias dentro de la escena y nuestra propia vida nos ha ayudado a soltar muchas cosas y avanzar hacia este sonido más maduro”, puntualizó el artista.

Actualmente, preparan un videoclip y una propuesta visual alrededor de ‘PHÁSMA’, con la intención de llevar este universo a nuevos escenarios y públicos a nivel internacional.

En 1995, en Quilmes, Argentina, un grupo de músicos comenzaba a darle forma a una banda que, tres décadas después, seguiría saltando entre el rock, el ska, el punk, el reggae y el cuarteto. Su nombre es Kapanga y este 2026 celebran 30 años con más de 8 discos de estudio, 2 producciones en vivo y una película.

La agrupación pasó de los primeros demos y escenarios de su barrio a tocar en estadios como Luna Park y Obras, girar por Latinoamérica y Europa, y convertirse en una de las bandas más reconocidas de la música popular de su país.

“En este camino aprendimos a grabar discos, montar conciertos y giras, formar familias y atravesar todo tipo de momentos. La música nos salvó cuando éramos jóvenes y hoy, de adultos, vuelve a darnos fuerzas. Por eso, la reflexión que me ha dejado esta carrera, es sin duda, que la música es la cura”, contó Miguel de Luna Campos ‘Maikel’, cofundador y guitarrista de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El salto de artistas locales a fenómeno internacional comenzó al escuchar al público corear una de sus canciones en una cancha de fútbol: “Dijimos: Esto es la popularidad”, recuerda Maikel.

Aunque el guitarrista tuvo que hacer un receso de los escenarios para atender su salud, los ensayos, la ovación y, sobre todo, su pasión por la música en el gran elixir de su vida. Hoy, miles de kilómetros recorridos más allá de Quilmes, Kapanga presenta un nuevo álbum que revisita sus comienzos y celebra el legado que quiere dejar a nuevas generaciones.

El proyecto reúne algunas de las canciones más representativas de su historia junto a artistas de distintas generaciones y escenas. Entre los encuentros están ‘El Mono Relojero’ con Damas Gratis, ‘La Crudita’ con Los Caligaris y Los Estrambóticos, ‘Desearía’ con Bándalos Chinos y ‘No me sueltes’ con Milo J, registrada en vivo durante el concierto por los 30 años de la banda en el Estadio Obras. El trabajo también contará con invitados como La Mona Jiménez y Guillermo Bonetto, de Los Cafres.

“En el caso de Milo, su mamá era nuestra fan y nos contó que, cuando estaba embarazada de él, venía a vernos con una remera de Kapanga. Él se crio escuchando nuestras canciones, entre muchas otras. Eso es un regalo que te da la música”, agregó el artista.

El álbum de colaboraciones, ya mezclado, llegará en octubre de 2026 y reunirá estas nuevas versiones de sus más grandes himnos. Además, los argentinos preparan un nuevo disco de canciones inéditas, previsto para el 2027.

Si hay canciones que llegan con pinta de convertirse en la banda sonora de una temporada, ‘Sola’ de SER tiene todos los ingredientes. La agrupación presenta una nueva versión en vivo de este tema junto a Demián “DMIX” Marcelino, compositor y guitarrista de Los Cafres, en una colaboración que cruza el pop, el reggae y ese espíritu festivo que caracteriza a SER.

‘La Vida Baila Live Session’ es un proyecto audiovisual que se está revelando canción por canción y que tendrá su lanzamiento completo hacia finales de 2026.

El álbum no busca ser simplemente otro registro de concierto. SER apostó por una experiencia mucho más cercana: La sesión fue grabada en Buenos Aires con cinco cámaras en mano, mientras el público se ubicó entre los músicos.

El resultado es una propuesta audiovisual que busca transmitir esa sensación de estar en medio del escenario, compartiendo la música de cerca y capturando la energía de una presentación íntima, pero al mismo tiempo llena de fiesta.

La dirección estuvo a cargo de Diego Latorre, ganador de un Premio Gardel, mientras que la producción artística fue realizada por Diego “Chapa” Blanco, de Los Pericos. Y la colaboración no termina en DMIX. En ‘Sola’ también participan Willy Rangone, de Los Cafres, en la trompeta, y Fapeto, de Choque Urbano, en la percusión, sumando nuevas texturas a esta versión en vivo.

La banda argentina llega a este nuevo lanzamiento después de presentar ‘Loco tu forma de SER’ (en vivo), una versión en vivo y de ritmo acelerado del clásico de Los Auténticos Decadentes.

Sobre SER

Desde su aparición en la escena argentina, SER ha construido una propuesta que mezcla pop, rock, reggae, ska y ritmos latinos, siempre con una fuerte apuesta por la energía de sus presentaciones en vivo.

La banda fue descubierta por Zeta Bosio, de Soda Stereo, y cuenta con producción de Diego “Chapa” Blanco. Su álbum ‘La Vida Baila’, lanzado en 2024, amplió esa mezcla de sonidos y colaboraciones. Entre ellas está el tema homónimo junto al colombiano Salo, una canción que conectó a Argentina y Colombia a través del pop latino y el tropipop.

Ahora, con ‘La Vida Baila Live Session’, SER lleva esa energía al formato en vivo y deja que cada canción revele un nuevo capítulo.

Corría la mitad de 1995 cuando un puñado de melómanos curiosos marcó un nuevo hito en la historia musical de Bogotá. El Parque de la Independencia fue testigo de aquel primer encuentro, que reunió a 23 agrupaciones entre el 4 y el 6 de noviembre. Así comenzó un festival que, tres décadas después, llega a su edición número 29, esta vez para explorar el diálogo entre el jazz y las músicas de América Latina.

El próximo 12 y 13 de septiembre, el Parque El Country, abrirá sus puertas para recibir a 17 agrupaciones entre invitados internacionales, artistas nacionales y proyectos distritales. Sus sonidos pondrán sobre el escenario una pregunta que atraviesa el regreso de este encuentro: ¿Qué ocurre cuando el jazz se fusiona con las músicas, los ritmos y las tradiciones de América Latina?

“Una parte fundamental del ‘Jazz al Parque’ ocurre antes de que comiencen los conciertos internacionales: Está en los músicos que llevan años construyendo la escena local, formando públicos, experimentando con sonidos y ampliando las fronteras de lo que puede ser este género en Bogotá. Este año, ocho proyectos distritales ocupan el lugar: Urpi Barco, Solange Prat, Masato, Maljazzviajante, Libardo Cardozo, fatsO, Dorado Kandua y Daniel González Rodríguez”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Un viaje sonoro por el mundo!

La programación será de entrada libre y tendrá entre sus nombres a figuras como:

- Arturo O’Farrill: Desde Nueva York llegará el pianista y compositor nacido en Ciudad de México e hijo del reconocido arreglista cubano Chico O’Farrill. Al frente de su Afro Latin Jazz Orchestra ha desarrollado una propuesta que conecta las raíces afrocubanas con el jazz contemporáneo, además de abordar temas como la memoria, la identidad y la diáspora.

- Cimafunk: Cuba estará representada por el proyecto liderado por Erik Alejandro Iglesias Rodríguez, quien parte de los ritmos afrocubanos para mezclarlos con funk, soul y sonidos contemporáneos. Su propuesta ha llegado a escenarios internacionales sin desprenderse de las raíces de la música de la isla.

- Iraida Noriega: Cantante con más de tres décadas de trayectoria y 21 producciones discográficas. Su trabajo conecta el jazz con la canción latinoamericana, la poesía y la improvisación, en una presentación que marcará su primer encuentro con el público colombiano.

- Uli Costa - AfroSambaJazz: Desde Brasil llegará una propuesta que recupera la relación entre las afro-sambas, el samba jazz de los años sesenta y setenta y la improvisación.

- ‘BALTA’: Uruguay estará presente con Facundo Balta, quien cruza la bossa nova, el bolero, el R&B, el trap y el candombe desde sus raíces afrouruguayas.

- Tlapalería Don Chuy: La programación internacional también incluye a esta agrupación, que define su sonido como una “afro-mexi-fiesta” y combina ritmos latinoamericanos con jazz, funk y afrobeat.

¡Colombia será protagonista!

La cuota nacional llegará desde Barranquilla y Medellín con Territorio Gauta y Madera Jazz. A ellos se suma Ricardo Gallo Cuarteto, que celebrará sus 20 años de trayectoria y presentará ‘Danzando sobre el polvo’, su sexto trabajo discográfico, en una jornada que también conmemora las dos décadas de ‘Los cerros testigos’, álbum inspirado en Bogotá.

La cita es el sábado 12 y domingo 13 de septiembre en el Parque El Country, ubicado en la avenida calle 127 #11D-90. Para conocer más información puede visitar el siguiente link

Después de cuatro décadas de ruido, inconformidad y canciones que acompañaron a varias generaciones, La Pestilencia abre el último capítulo de su historia con ‘Es Mi Calma’, una canción que cambia por un momento la rabia característica de la banda por una mirada más íntima hacia la ansiedad, la soledad y la necesidad de encontrar un respiro.

El tema, incluido en ‘Buen Provecho’, su último trabajo discográfico, ahora llega acompañado de un videoclip grabado en Bogotá y dirigido por Peloz ozico. El audiovisual lleva a las calles una historia sobre la vulnerabilidad y esas emociones que muchas veces se viven en silencio.

La propuesta visual pone en el centro a los fanáticos de la agrupación. Sus rostros, miradas y gestos construyen una especie de retrato colectivo en el que la incertidumbre y la necesidad de sentirse acompañado terminan conectando a diferentes personas.

Más que contar una historia de principio a fin, el videoclip busca transmitir una sensación: Cuando el ruido de afuera no se detiene, también hace falta encontrar un espacio para respirar. Y ahí está una de las novedades de esta última etapa de La Pestilencia.

El estreno llega mientras la banda se prepara para uno de los momentos más importantes de su trayectoria: ‘El Último Pogo de La Peste’, el concierto con el que La Pestilencia cerrará definitivamente su historia en los escenarios.

La cita será el 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo MedPlus de Bogotá, en un encuentro que reunirá a diferentes generaciones de seguidores para celebrar cuatro décadas de música, memoria y resistencia.

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El concierto también tendrá como protagonista a ‘Buen Provecho’, el álbum que acompaña esta última etapa de la agrupación. De esta manera, canciones nuevas y clásicos de su trayectoria harán parte de un cierre que busca reunir todo aquello que La Peste ha construido junto a su público.

La despedida no solo marca el final de una banda. También cierra un capítulo de la música colombiana: Desde sus comienzos en los años 80, La Pestilencia convirtió el punk y el rock en una forma de hablar acerca de la realidad del país y poner sobre la mesa temas que incomodaban.

 Hay lugares que terminan convirtiéndose en recuerdos. Para LP, muchas de esas historias ocurrieron en habitaciones de hotel, entre viajes, escenarios y momentos de pausa. De ahí nace ‘Room 12’, su esperado octavo álbum de estudio, estrenado el pasado 2 de septiembre.

La idea detrás del título va precisamente por ahí: Las habitaciones de hotel que LP ha conocido durante sus viajes se transformaron en espacios de reflexión, recuerdos y creatividad. Más que lugares de paso, se convirtieron en escenarios para reencontrarse consigo misma.

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El álbum recorre distintas emociones y experiencias alrededor del amor, el desamor, la identidad, la memoria y el autodescubrimiento. El resultado es un trabajo que combina su característica sensibilidad con sonidos que transitan entre el pop, el rock y otras influencias que hacen difícil encasillarlo en un solo género.

Junto con el álbum llegó ‘Don’t Stop’, una canción pop-rock construida alrededor de guitarras, palmas y una energía mucho más luminosa. El tema fue escrito por LP en compañía de Imad Royal y Chloe Angelides, compositora que ha trabajado con artistas como Lily Allen y Demi Lovato. Para LP, el tema representa una celebración de esos momentos en los que simplemente vale la pena disfrutar y dejar que las cosas fluyan.

El single se suma a los adelantos que ya habían abierto el camino hacia ‘Room 12’: ‘Shelly’, ‘Love Is All I Have’, ‘Best In Life’ y ‘Mi Corazón’.

De ‘Lost On You’ a una nueva etapa

Para LP, este lanzamiento llega en un momento especial de su carrera. La artista alcanzó reconocimiento mundial con ‘Lost On You’, canción que se convirtió en uno de sus mayores éxitos y que ahora cumple una década.

Precisamente, durante 2026 LP continúa con su gira mundial ‘All Is Not Lost’, en la que combina las canciones de ‘Room 12’ con una presentación especial de ‘Lost On You’ para celebrar sus diez años. El tour ya pasó por Norteamérica y contempla nuevas fechas internacionales.