Las guitarras y los sintetizadores, el pop y la electrónica, se entremezclan en una sensibilidad profunda e innovadora al lado de Mousix. Un compositor y multiinstrumentista colombiano que construye su identidad sonora a partir de paisajes que dialogan con diversas emociones y una energía fresca.

Con sus más recientes cuatro sencillos ha superado las 250 mil reproducciones en plataformas digitales y su pulso electrónico moderno vuelve a ser tendencia gracias a ‘Moments’, una canción que irrumpe en un mundo donde el amor suele medirse por la inmediatez y las expectativas.

“’Moments’ trata sobre la belleza de no tener un plan. Vivimos en un mundo que nos presiona para definirlo todo al instante. Yo quería capturar esa magia que sucede cuando simplemente dejas que las cosas fluyan. Es sobre encontrar esa sensación de libertad y esperanza en la conexión con otra persona, sin guiones, solo siendo reales”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Con un videoclip filmado entre las calles de Nueva York y una terraza en West New York bañada por el atardecer, este sencillo busca ser un recordatorio de que las conexiones auténticas continúan existiendo.

La producción sigue a una pareja durante una cita que se mueve entre cafés, paseos y miradas, en una narrativa que refleja la esencia del sencillo: nada está planeado, todo fluye.

El trabajo cuenta con la participación de Alou Productions en Melbourne, Australia y hace parte del más reciente EP de Mouxis, proyecto por ciclos que espera ser presentado en su totalidad durante los próximos meses.

El show Lado A – Lado B de la banda Nadie llega a Bogotá como una oportunidad para observar el cambio sonoro y la transformación del punk colombiano en los últimos 30 años. Además, de mostrar la evolución de su música, su forma de trabajar y su relación con el público. 

En ‘Amantes del Círculo Polar’ en conversación con el vocalista Julián Velásquez recordó que la historia de la banda empezó en el colegio, en 1994, cuando ensayaban “en el departamento de alguno, molestando a los vecinos”, porque casi no existían salas de ensayo en Bogotá. Esa anécdota evidencia cómo funcionaban antes las bandas emergentes y cómo la escena ha cambiado: hoy existen más espacios, más rutas técnicas y una forma distinta de producir música. “Antes pegábamos unos afiches y ya… ahora hay que invertir y hacer marketing”, explicó, resaltando que comprender estos procesos también hace parte de crecer como músicos. 

Igualmente, el sonido del punk local ha tenido un cambio profundo. Julián lo resumió así: “El punk medallo era mucho más de garage, guitarras desafinadas y mucho alcohol en el escenario”. Con la llegada de nuevas generaciones, incluyendo Nadie, ese estilo se transformó hacia una propuesta más técnica y organizada, influenciada por el hardcore californiano y el ska. Para quienes siguen la escena rockera, este recorrido permite entender por qué el género ya no se define solo por la rebeldía, sino también por el trabajo musical detrás. 

Asimismo, la banda ha vivido pausas y reorganizaciones, algo común en proyectos de larga trayectoria. Después del 2017, la salida de integrantes, los cambios de país y la necesidad de sostener la vida laboral llevaron a Julián a replantear su ritmo de trabajo. Él mismo lo contó sin rodeos: “yo necesitaba tener un espacio para instalar mis negocios, porque no podía estar en todo al tiempo”. Este tipo de ajustes revela la realidad detrás de las bandas independientes, donde sostener el proyecto implica equilibrar creación, economía y vida personal. 

La gira actual ha sido un punto clave para medir cómo se conectan hoy las audiencias con esos sonidos que nacieron hace tres décadas. Según la banda, los asistentes “han recibido el nuevo sonido con oídos abiertos”, destacando la energía de una formación renovada y el impacto de comenzar los conciertos con “10 temas seguidos sin parar”. Esta respuesta del público demuestra que, incluso dentro de géneros intensos como el punk, la puesta en escena y la claridad técnica influyen en la experiencia del oyente. 

Finalmente, esta presentación en Bogotá se vuelve un punto de encuentro entre distintas generaciones del punk colombiano. La banda recuerda con fuerza la época de la Avenida 19 llena de tiendas de discos, los videoclips que marcaron ruta cuando el género casi no producía audiovisuales, y las giras que los llevaron a compartir escenario con Misfits y Ataque 77. Recuperar ese pasado en un formato actual permite conectar a oyentes jóvenes con la historia del punk local y, al mismo tiempo, entender por qué este género sigue renovándose sin perder su carácter crítico.

Nadie iniciará la preproducción de su nuevo disco 'Veneno' y lanzará una serie de sencillos durante el segundo semestre del año.

La energía del Caribe colombiano electrizó algunos de los escenarios más vibrantes de Europa con Papayebrass, la brass band originaria de Santo Tomás, Atlántico, que desde 2016 ha puesto en alto el legado de las tradicionales papayeras mientras lo mezcla con influencias de jazz, funk, hip-hop, electrónica y una extensa paleta de ritmos ribereños. 

Se trata de un trabajo musical que, siguiendo los pasos de grandes referentes como el maestro Pacho Galán, se ha propuesto mezclar diversos sonidos del Caribe Colombiano y rescatar el formato big band. En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Isaac Navarro, trompetista, fundador y director de esta agrupación, quien contó mayores detalles sobre su creación y los principales logros en los escenarios internacionales.

“‘Papayebrass’ nace de una inquietud que prevalece en el Atlántico: El afán del músico de hacer fusiones. La inspiración más grande que tenemos la tenemos muy cerca: el maestro Pacho Galán, Lucho Bermúdez, el maestro Julio Ojito, la Banda 20 de Julio de Repelón… Todos estos grandes maestros que siempre fusionaron”, reveló Navarro sobre sus principales influencias. 

La historia de la agrupación tomasina es ejemplo de tradición y ganas de romper fronteras. Bajo la sombra de un viejo árbol de mango, en Santo Tomás, nació la idea de crear una propuesta que preservara la esencia de las bandas de viento tradicionales del Caribe y la grandeza de las orquestas de los años cincuenta. Allí, ocho músicos: Siete de instrumentos de viento y un baterista, decidieron dar forma a un proyecto que uniera tradición y modernidad.

“Yo ya tenía el nombre en mente, pensando siempre como en las fusiones, y le comenté a un compañero que tenía esta idea, la de desarrollar música de instrumentos de viento, hacer un formato parecido al de las papayeras pero dándole un toque internacional. De ahí arranca Papayebras, la fusión de la Papayera y la Brass Band Norteamericana”, acotó su director.

La gira por Europa no fue solo una serie de conciertos: Si no un viaje creativo que incluyó dos residencias fundamentales para la evolución de la banda. La primera tuvo lugar en Londres, en los estudios de The Midi Music Company, donde trabajaron junto a Ahnansé, músico, productor y líder del colectivo Steam Down, para componer y coproducir nuevas piezas. La segunda residencia fue escénica, en los espacios de La Fabra i Coats en Barcelona, de la mano de la compañía catalana Dans In Vitro, con quienes exploraron nuevas formas de movimiento y puesta en escena.

En estos ocho años, Papayebrass ha pisado escenarios esenciales de Colombia, incluyendo el Carnaval Internacional de las Artes de Barranquilla, Jazz al Parque en Bogotá y el BUM Sessions, que ganaron en 2023. Su música ha viajado además al Bogotá Music Market (BOmm), TEDx Barranquilla y diversos festivales a nivel nacional.

Ahora, cerrando el 2025, la banda vuelve a casa con un sonido más maduro, una visión internacional y el mismo impulso que los vio nacer bajo aquel árbol de mango: celebrar el latido vivo de la música del Caribe colombiano y la importancia de la fusión para la construcción de identidad musical.

El álbum ‘Vestido de movimiento’, del cantautor bogotano Sebastián Castaño, reúne nueve canciones que exploran emociones cotidianas como la culpa, el miedo, la paciencia y la imaginación. El artista utiliza influencias familiares, experiencias personales y un enfoque reflexivo para crear un recorrido sonoro que invita a pensar y a observar el presente con más atención. Según él, cada tema nace de una pregunta concreta sobre la vida y de un interés por construir música que realmente aporte algo al oyente.

Una de las primeras claves para comprender este trabajo está en el origen musical del artista. Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Sebastián recordó que creció rodeado de guitarras y serenatas: “En mi casa siempre se escuchó música por todo lado”, contó, explicando que ese ambiente lo llevó a reconectarse con el arte en la adolescencia y a estudiar formalmente canto y guitarra. Este punto resulta útil para cualquier persona interesada en la creación: La influencia inicial no siempre marca un camino fijo, pero sí abre puertas a una sensibilidad que después se transforma en propuestas más complejas.

El trabajo también aporta una mirada interesante sobre cómo la música puede relacionarse con el bienestar emocional. Sebastián lo explicó así: “la gente que escucha la música se merece todo el respeto del mundo, por eso cada mensaje debía tener una palabra y una filosofía detrás”. Esta visión permite entender por qué sus letras no buscan únicamente dar una explicación, sino plantear ideas que ayuden a detener la mente y a reconocer emociones difíciles de procesar en la vida diaria. La música aparece entonces como un espacio para organizar pensamientos, más que como un refugio pasajero. 

En varias canciones, el artista transforma vivencias personales en reflexiones que pueden conectar con cualquier oyente. ‘Caminar sobre el mar’, por ejemplo, nace de una experiencia relacionada con el miedo y la vulnerabilidad. Sebastián aseguró que la frase central surgió al preguntarse si era posible “perder esos temores y caminar sobre el mar”, una metáfora que le permitió convertir una situación traumática en una composición que analiza la reacción humana ante el temor. Este tipo de procesos ilustra cómo la creación artística puede convertirse en una herramienta para resignificar emociones y darles un lugar más consciente. 

Otra pieza que aporta una perspectiva valiosa es ‘Pensamiento Fugaz’, inspirada en una frase del escritor Kurt Vonnegut sobre la importancia de notar esos momentos simples que confirman que seguimos vivos. Sebastián dijo que buscó crear “una canción que le diera un tiempo al oyente”, una pausa que permitiera respirar y reconocer lo que está pasando ahora. Este enfoque resulta especialmente útil en un entorno donde la atención se fragmenta con facilidad; la música se presenta aquí como un recordatorio para ralentizar y observar. 

En cuanto a la estructura de ‘Vestido de movimiento’ no sigue las duraciones comunes de la industria actual. Algunas canciones superan los siete minutos porque, según el artista, “la historia necesitaba ese tiempo y más corto no funcionaba”. Estas decisiones muestran un interés por priorizar el contenido sobre las fórmulas, algo que resulta atractivo para quienes buscan experiencias sonoras que salgan de lo habitual y permitan una inmersión más profunda. Además, los instrumentos acústicos y la presencia de madera en la producción fortalecen el carácter naturalista del proyecto. 

Finalmente, el viaje del disco culmina con una reflexión sobre la imaginación como herramienta para proyectar una vida posible. Sebastián lo expresó así: “si no puedo ver el sol, lo quiero imaginar”, una frase que sintetiza su intención de motivar al oyente a construir sus propias imágenes internas, incluso en momentos de incertidumbre. Esta perspectiva convierte el proyecto en un acompañamiento más que en un simple repertorio musical: un espacio para pensar, sentir y reconstruir la relación con uno mismo desde la curiosidad.

Tenía pocos años de vida cuando recibió de su abuelo el legado de la música, así Letyos inició su pasión por el arte, un joven que aprendió a tocar guitarra y piano, a la vez que comenzó a realizar sus primeras composiciones. Sin embargo, la presión social sobre qué estudiar lo llevaron a buscar opciones de carreras diferentes a las artes y fue por ello que optó por ingresar a la Facultad de Ciencias y Educación de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

Cuando ya cursaba el segundo semestre decidió, paralelo a sus estudios, escribir una a una las 10 canciones que incluiría en su primer álbum. Así fue que, luego de cinco años, nació ‘Paren todo’: “En la universidad empecé a componer mis historias de vida, partí de una decepción amorosa y luego conté otras situaciones que enfrentaba, esto me condujo a dar un mensaje de al final de cada single: Hay que seguir adelante”, dijo Letyos en LAUD 90.4 FM ESTÉREO. 

Los temas fueron compuestos y producidos por el mismo artista en género pop, su inspiración fue la forma de narración de cantantes como Andrés Cepeda y Santiago Cruz. Los sencillos describen desde historias de amor y soledad, hasta casos del diario vivir y cómo escapar cuando la sociedad absorbe con sus presiones y etiquetas, de ahí el nombre del trabajo musical.   “Vi que en TikTok insistían con las cosas que se deben hacer antes de los 30 años, eso me saturó y escribí sobre lo que sentí para que me dejen vivir a mi manera, yo veo como haré mi camino. Esto se encaminó en el álbum y por eso se llama ‘Paren todo’”, describió.

Letyos contó de qué habla cada canción, sus nombres son:

•    ‘Como en las películas’ •    ‘Donde se quedó’ •    ‘La parada’ •    ‘Ella no era de aquí’ •    ‘Mi propio compás’ •    ‘Suéltame’ •    ‘Lo que no dijimos’ •    ‘Paren todo’ •    ‘Qué bonito habría sido’ •    ‘Puente invisible’

Escuche los temas, aquí. 

Lo que se viene para Sebastián Matiz, que es el nombre de cuna de Letyos es graduarse de la Licenciatura de Ciencias Sociales en el primer semestre de 2026, lanzar su próximo sencillo, del cual ya está la composición y promover su música en redes sociales y medios de comunicación. 

Ver la entrevista en este video

MCC 440 abre la puerta a un tema que muchos desconocen: cómo la música, sus frecuencias y sus letras pueden ayudar a regular emociones y fortalecer vínculos. El artista colombiano Samu Páramo lo explica desde su experiencia como musicoterapeuta y psicólogo en formación.

La llegada de MCC 440 no solo marca un lanzamiento musical, sino una invitación para entender de manera sencilla por qué ciertas canciones generan calma, energía o claridad mental. Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Samu Páramo habló de la frecuencia 440 Hz como un punto de encuentro universal en la música y explicó que este EP se construye desde la idea de “Mente, Corazón y Cuerpo a la misma sintonía”. Para los que nunca han explorado estos conceptos, abre una puerta clara a cómo vibra la música y por qué esa vibración puede transformar estados emocionales cotidianos.

Un aspecto que sorprende a quienes escuchan por primera vez su propuesta es que Samu no parte de un género específico, sino de la mezcla consciente. Él lo resume así: “la música siempre ha estado presente en la humanidad desde que tenemos historia” y cada instrumento nace de la naturaleza. Esta idea permite comprender por qué su proyecto combina vallenato, cumbia, rock, elementos acústicos y sonidos ambientales: no como una moda, sino como una forma de representar cómo la emoción humana se construye desde múltiples influencias.

La entrevista también dejó ver un detalle clave para el público joven: la relación entre música y salud mental. Samu lo explica sin misterio: “cuando yo tuve una excusa para estar solo durante la pandemia, descubrí mi propósito de vida… es salvar vidas con arte”. Desde esa experiencia personal comenzó a estudiar musicoterapia y hoy cursa psicología, integrando herramientas científicas a su forma de componer. Esto ofrece un ángulo distinto: entender que las canciones no únicamente entretienen, sino que pueden ayudar a identificar emociones, procesarlas y crear diálogos más honestos con quienes nos rodean.

Uno de los momentos más ilustrativos de la conversación fue cuando Samu describió cómo compuso ‘Chocolate Caliente’. No lo hizo desde la inspiración romántica, sino desde una pregunta concreta: ¿qué necesita una persona cuando emocionalmente no está bien? Por eso incluyó pasos propios de primeros auxilios psicológicos. “Quiero conocerte desde lo más pequeño hasta lo más profundo… aunque no te entienda, te voy a apoyar”, dijo. Para los que buscan herramientas prácticas, esta explicación muestra cómo un tema puede transformarse en guía emocional cotidiana, más cercana a una conversación segura que a un discurso motivacional.

El EP también plantea una reflexión cultural relevante: el valor de las raíces colombianas. Al hablar de su versión de ‘Vivo en el Limbo’, Samu sostuvo que el reto no era copiar un clásico, sino preguntarse “cómo podemos seguir modernizando esto y hablar del vallenato”, desde una identidad más amplia. Esta perspectiva invita al lector a revisar su propia relación con la cultura local y a preguntarse cómo la música que consume moldea su sentido de pertenencia y su lenguaje emocional.

Finalmente, el concepto que atraviesa todo MCC 440 se resume en el carro imaginario con el que Samu recorre el país, un elemento simbólico que aparece en los videos y representa el viaje emocional de cada persona. “Estamos creando un parche de gente muy bacana que está llevando sus pasiones al servicio de la sociedad”, afirmó. Esto convierte al EP no solo en una propuesta sonora, sino en una experiencia educativa acerca de cómo la música puede acompañar procesos personales, fortalecer redes afectivas y abrir discusiones necesarias sobre bienestar.

Durante la entrevista, Six Lois explicó que este nuevo sencillo forma parte de un trabajo más ambicioso en el que decidió experimentar y fusionar distintos géneros musicales. “En este proyecto quisimos combinar desde el rock hasta el género urbano, explorando nuevas texturas y ritmos que nos permiten mostrar toda la versatilidad de nuestro estilo”, comentó el artista. Según él, esta mezcla no solo refleja su evolución musical, sino que también busca conectar con un público amplio, que pueda sentirse identificado con las diferentes influencias de la canción.

‘Noventas’ representa un paso importante en la carrera de Six Lois como solista. Con esta propuesta, el cantante espera consolidarse en la ciudad, y darse a conocer en un mercado musical competitivo, llevando su música a nuevos escenarios y público. “Es una idea muy personal y ambicioso. Queremos que la gente conozca quién es Six Lois y lo que hacemos, y creemos que Bogotá es un lugar clave para lograrlo”, señaló.

El sencillo se caracteriza por su energía nostálgica y sus letras que remiten a historias, recuerdos y emociones propias de los años 90, pero con un sonido fresco que combina la calidez del rock con los beats del género urbano, creando un equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo. Esta fusión refleja la intención del artista de no encasillarse en un solo estilo, sino de experimentar y ofrecer una propuesta única.

El músico invitó a todos sus seguidores a escuchar ‘Noventas’ en todas las plataformas digitales y a seguir de cerca esta nueva etapa de su carrera, que promete consolidar su presencia en la música nacional y abrirle las puertas a nuevos escenarios y colaboraciones.

Con este lanzamiento, Six Lois demostró su compromiso con la creatividad, la innovación musical y la conexión con su público, mientras se prepara para llevar su música más allá de la nostalgia de los ‘Noventas’ y consolidar su nombre en la escena capitalina y nacional.  

Los Rolling Ruanas siguen marcando la historia de la música colombiana. Tras más de una década explorando, reinventando y dignificando la tradición campesina andina, el grupo bogotano celebra su recorrido con un show que reúne lo mejor de su esencia: carranga contemporánea, fusiones latinoamericanas y sonidos del mundo.

Desde su nacimiento en 2014 en Bogotá, la banda integrada por Juan Diego Moreno, Fer Cely, Luis Guillermo González y Jorge Mario Vinasco, ha transformado la manera en que se percibe la música campesina. Su propuesta se caracteriza por el humor, la sensibilidad y la inteligencia creativa, elementos con los que han logrado alejarse de estereotipos y llevar esta tradición a escenarios internacionales.

Un concierto que recorre su legado musical

El nuevo espectáculo presentará un viaje por su trayectoria, combinando repertorio navideño, sus éxitos más reconocidos como ‘Ruanas On’, ‘Sangre Caliente’, ‘Chicken Wings’ y ‘Mario Miguel’, además de versiones únicas de clásicos del rock como ‘Paint It Black’, ‘I Was Made for Lovin’ You’ y ‘Toxicity’.

Una propuesta vibrante y poderosa que demuestra cómo Los Rolling Ruanas continúan expandiendo las fronteras de la música colombiana.

Detalles del evento

•    Fecha: 6 de diciembre •    Hora: 6:00 p. m. •    Lugar: Teatro Libre de Chapinero •    Dirección: Calle 62 No. 9A-65 •    Más información: teatrolibre.com

De esta manera, Los Rolling Ruanas celebran su historia invitando al público a vivir una noche llena de tradición, fiesta y renovación musical. ¡Un evento para cerrar el año con orgullo colombiano!

Cada vez es más evidente la manera en que la música popular colombiana se reinventa. Ejemplo de ello es Carranwest, un proyecto nacido en 2020 bajo la dirección del maestro Iván Darío Rodríguez García, que ha logrado abrirse camino en la escena musical con una propuesta fresca, arriesgada y transformadora de la tradición campesina a partir de su experiencia capitalina.

Desde su creación, Carranwest ha construido un sonido propio que parte de la carranga tradicional, género que ha narrado por décadas la vida del altiplano y sus costumbres, para cruzarlo con ritmos contemporáneos como el rock, el ska, la cumbia y la música electrónica. El resultado es una mezcla vibrante que respeta la esencia rural, pero conversa sin miedo las estéticas urbanas y modernas, logrando conectar con públicos de diversas generaciones.

Fue precisamente la cabina de LAUD 90.4 FM ESTÉREO la que recibió la energía y el talento de los integrantes de Carranwest quienes además de interpretar algunos de sus éxitos contaron el inicio de esta aventura artística que se gestó en el occidente de la ciudad.

“Quisimos, siguiendo la tendencia, mezclar las palabras tradicionales de la carranga y las palabras en inglés, también que hiciera una alusión al territorio de donde venimos porque ‘west’ en inglés es occidente y nosotros somos de las localidades de Bosa,Kennedy, Soacha, Timiza… hemos rondado por allá por todos esos caminos entonces dije ‘Carranwest’, suena loco”, reveló su fundador, el maestro Iván Darío Rodríguez.

Detrás de esta identidad sonora se encuentra un equipo de músicos que aportan experiencia y creatividad. Rodríguez, además de ser director, es guitarrista, compositor y voz líder del grupo. 

La genialidad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas también está presente en esta propuesta sonora con acompañamiento del maestro César Corredor, guitarrista clásico de la Academia Superior de Artes de Bogotá, ASAB.

Así mismo, dando solidez a esta propuesta sonora, la acompañan Jonatan Romero, percusionista autodidacta que aporta el pulso con percusión menor y octapad; y Julián Vargas, bajista también autodidacta, encargado de sostener la fuerza rítmica y los bajos.

“Hay un poquito de todo: la música clásica, el reggae, el rock, el ska, la salsa… y lo que quiere Carranwest es llevar un poquito de todos estos géneros y hacer un “calentadito” bien chévere, bien sabroso, pero con las cosas más importantes de cada género y por supuesto con el respeto que se merece la música tradicional colombiana”, agregó por su parte el percusionista Jhonatan Sampayo.

La versatilidad musical de Carranwest se refleja también en su presencia en escenarios locales y regionales, donde la agrupación ha logrado consolidarse como un referente de la carranga fusión. Desde su debut en el Festival de la Papa en Corabastos, han recorrido una diversidad de eventos que celebran la identidad campesina y las expresiones populares del país. Su participación en el Festival Maestros Creadores les permitió compartir escenario con exponentes reconocidos; mientras que en el Festival del Guarapo conquistaron al público con su energía y letras que rescatan las raíces culturales del altiplano.

Su presentación más reciente, en el Festival Encuentros Boyacenses (2025), consolidó su conexión con el espíritu boyacense y su capacidad de dialogar con públicos diversos. Carranwest es más que una agrupación musical: es un puente entre la memoria campesina, la ciudad y las nuevas sonoridades del país. 

Un espectáculo que une la fuerza de la salsa con el sonido de una orquesta completa llegará a Bogotá el próximo 11 de diciembre de 2025, mostrando cómo la música de Willie Colón, Héctor Lavoe y Rubén Blades puede escucharse desde una mirada diferente.

La propuesta llamada Los Malos del Bronx reúne a dos protagonistas: la Filarmónica Metropolitana – Distrito Capital, bajo la dirección del maestro Alejandro Vásquez Mejía, y la agrupación Clan del Solar, reconocida por su trabajo con las raíces del género. 

Ellos serán los encargados de reinterpretar algunos de los himnos más importantes de este género. Como lo describe el comunicado oficial, la idea es combinar “el poder de la salsa con la elegancia de una orquesta filarmónica”. Una mezcla pensada para quienes quieren descubrir estos clásicos desde otra perspectiva. 

Durante la entrevista en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, el vocalista Julio Restrepo, de Son Havana, explicó por qué esta fusión tiene sentido musical y emocional. “Es darle otro nivel a esa salsa de barrio… ver estas canciones en otra dimensión, ya con una banda de casi 60 músicos en tarima”, afirmó al hablar del sonido que se escuchará en el escenario. También insistió en que la esencia del género no se perderá: “Si no se cuida esa parte salsera, esa parte de barrio, se mata la canción”, razón por la que la presencia del Clan del Solar es fundamental para mantener el carácter original. 

El evento se realizará en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, un escenario que ha acogido otros tributos filarmónicos y que ahora suma un montaje dedicado a tres figuras que definieron la identidad de la salsa en Latinoamérica. Restrepo dijo que el repertorio incluirá canciones tan reconocidas como ‘Idilio’, ‘El Cantante’, ‘Plástico’, ‘Periódico de Ayer’ y otras que el público ha bailado durante décadas. Para él, este concierto implica asumir una gran responsabilidad: “Son historias que la gente tiene muy interiorizadas y hay que interpretarlas con muchísimo respeto”. 

La fecha elegida, 11 de diciembre de 2025 a las 8:00 p.m., convierte la noche bogotana en un punto de encuentro entre generaciones. Quienes crecieron con estos artistas podrán escucharlos desde una nueva sonoridad, mientras que los más jóvenes podrán acercarse por primera vez a la historia de un género que nació como un fenómeno social en el Bronx de Nueva York. Como afirmó Restrepo, “la salsa fue más que un fenómeno musical, fue un fenómeno sociocultural”, una mezcla de migraciones, calle, memoria y comunidad. 

La razón detrás de este tributo es sencilla: mostrar que la música puede evolucionar sin perder su identidad y que los clásicos siguen teniendo algo que decir. La Filarmónica y Clan del Solar apuestan por un formato que no pretende reemplazar lo original, sino ampliar la forma de escucharlo. Para los asistentes, esto significa vivir una presentación donde la tradición y lo sinfónico se encuentran para contar una historia compartida entre ritmos de barrio y arreglos de gran formato.

Una cita ideal para quienes quieren entender por qué estas canciones siguen vivas y cómo pueden sonar distintas sin dejar de ser las mismas.