Más que un estreno, esta es una reafirmación de identidad para una de las familias más influyentes en la historia de la salsa colombiana.

La interpretación está a cargo de Adalberto Manyoma, director del proyecto y heredero de esta tradición musical, quien nos contó en ‘Música y Músicos de Colombia’ que la pieza exalta el orgullo por las raíces africanas desde la fuerza rítmica de la salsa caleña, manteniendo la esencia clásica del género e integrando sonidos que reflejan la profunda influencia de la música cubana en su propuesta.

La grabación se realizó entre Cali, La Habana y Medellín, con la participación de músicos que han integrado orquestas como la de Isaac Delgado y Los Van Van. El videoclip se rodó en Varadero el 30 de agosto, en medio de su participación en el Festival Varadero Josone, uno de los encuentros musicales más importantes de la isla.

Durante la entrevista Manyoma también resaltó que presentarse en la Feria de Cali ha sido uno de los momentos más significativos en su trayectoria, así como el reconocimiento obtenido con el Premio Internacional Cubadisco 2023 en La Habana, logros que han fortalecido su proyección fuera del país y han sido el puente cultural entre Colombia y Cuba.

Con ‘Negro por Excelencia’, la agrupación no solo honra la memoria de Wilson “Saoko” Manyoma, sino que demuestra que su camino continúa con identidad propia, dejando huella en la salsa colombiana y consolidando su presencia más allá de las fronteras. 

La agrupación colombiana lanza un proyecto sonoro que convierte la tristeza en energía lírica. Una mezcla de rock clásico con AOR moderno, indagando contrastes como la luz y la oscuridad, el sueño y la realidad o la pérdida y la renovación, elementos que estarán presentes en escena el próximo 28 de febrero junto a una de las leyendas de la música: ‘FM’. Harold Waller y Fabio Barrera estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' hablando sobre los desafíos que conlleva mantener vigente este género en Latinoamérica.

Counterline nace del sueño de su vocalista y líder Harold Waller, quien aspira a revolucionar el rock melódico rompiendo el estereotipo de voces duras y carrasposas. Propone en cambio una voz potente y lírica que destila emoción cruda, fusionando melodic hard rock, power ballads y guitarras sinfónicasapara narrar pérdidas, rupturas y transformaciones personales.

La banda construye un espacio donde las emociones se transmutan en fuerza propulsora dando, así como resultado la conexión entre la crudeza de la realidad con la vulnerabilidad de la conciencia.

El álbum ‘II’, editado por Lions Pride Music, despliega temas de resiliencia donde la melancolía sirve de puente hacia la superación cotidiana. "Es el disco más personal que hemos hecho. Queríamos algo poderoso, pero profundamente humano, que hablara a la mente y al corazón", afirmó Waller.

‘FM’, referente del AOR con clásicos como ‘That Girl’ e ‘I Belong to the Night’, recorre Latinoamérica con un set nostálgico que mantiene vivo el rock melódico por cuatro décadas.

Counterline, por su parte, lanza el sencillo ‘Find Me’, antesala de su tercer álbum previsto para finales de 2026 con Lions Pride Music. "A través de nuestra música queremos llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar", concluyó Waller.

La banda prepara nuevos proyectos discográficos que profundizarán en emociones universales y vías de superación a través del melodic hard rock.

La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

Más que un musical, la propuesta muestra cómo un ritmo que muchos asocian con fiesta y nostalgia puede sostener tensión, emoción y romance cuando la historia se desarrolla entre un cuerpo médico, una jefa estricta y un paciente que llega a cambiarlo todo.

Durante la entrevista, ambas coincidieron en algo muy claro, aunque son jóvenes, este género siempre ha estado presente en sus vidas, “La música nunca se pone vieja” afirmaron, recordando cómo el merengue ha acompañado a generaciones enteras y sigue conectando públicos sin importar la edad. Para ellas, este proyecto demuestra que el ritmo puede sentirse igual de vigente sobre un escenario.

Entre los mayores desafíos del montaje está mantener la intensidad del merengue mientras se construyen personajes con profundidad. Actuar y bailar al mismo tiempo implica una exigencia física y emocional que va más allá de la coreografía. Aquí el ritmo no adorna, sino que ayuda a contar la historia y a marcar el pulso en cada escena.

Asimismo, resaltaron el liderazgo de Yacko Márquez, director y creador del proyecto, quien impulsó una propuesta que equilibra risa, emoción y romance en un formato íntimo, pensado para conectar con el público desde la memoria musical y la experiencia del teatro en vivo.

‘La Ventanita’ se presenta en el Bar Restaurante ‘WOW’, con funciones los viernes y sábados a las 7:00 p.m., en un formato cercano que permite vivir la experiencia a pocos pasos del escenario.

El anuncio, realizado a través de los canales oficiales del grupo, despertó gran expectativa entre los amantes del reggae, que desde varios años pedían una nueva presentación en la ciudad.

La visita hace parte del ‘Mañana vuelve a ser hoy Tour’, una gira internacional con la que la agrupación celebra su sólida conexión con el público latinoamericano y reafirma su lugar como una de las bandas más representativas del reggae en español.

El concierto será la oportunidad para revivir clásicos como ‘Sentimiento Original’, ‘Armonía de Amor’, ‘Felicidad y Verde, Amarillo y Rojo’, ‘Antonia’, entre otros temas que han acompañado a distintas generaciones y que se han convertido en himnos del género en el continente.

Con cada gira, Gondwana reafirma la fuerza de sus letras y la energía que caracteriza sus presentaciones en vivo. Su regreso a Bogotá, tras una prolongada espera, no solo fortalece el vínculo con su público local, sino que también confirma la vigencia del reggae como un punto de encuentro cultural para distintas generaciones que siguen sus mensajes de amor, conciencia social y espiritualidad a escenarios de todo el continente.

La cita será el próximo 18 de abril de 2026 en Lourdes Music Hall (Carrera 13 No. 64-56). Las puertas se abrirán a las 8:00 p. m. y el espectáculo comenzará a las 9:00 p. m.

Esta vez lo hace con Radio Guaripolo II, un show en el que el entrañable personaje toma el control de su propia emisora para desatar una nueva aventura sobre el escenario.

En esta puesta en escena, Guaripolo vuelve al aire acompañado por los personajes más recordados del noticiero: Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Juanín Juan Harry y Patana, entre otros. El espectáculo combina los grandes éxitos musicales que han marcado a varias generaciones con nuevas historias y ocurrencias que mantienen intacto el sello irreverente y satírico del programa.

El regreso se da en un momento clave para la agrupación. Tras su exitoso paso por el formato Tiny Desk Concert, que supera los 12 millones de reproducciones, y luego de su esperada participación en el Festival Estéreo Picnic, 31 Minutos aterriza en el Movistar Arena el próximo 23 de marzo de 2026.

La cita promete ser un encuentro inolvidable para fans de todas las edades, en el que la música, la sátira y el espíritu lúdico volverán a demostrar por qué 31 Minutos se mantiene como uno de los fenómenos culturales más queridos de Latinoamérica.

Esos sonidos viven en su cuerpo, en su sangre y en esa manera particular de abrazar la música andina desde una sensibilidad íntima y consciente.

Hacer música sin una gran estructura detrás también fue parte central de la charla. Su proyecto empezó resolviéndolo con lo que había: Amigos, redes cercanas y mucha convicción. Pero lejos de ser un camino cómodo, trabajar desde la independencia le ha exigido más disciplina y más compromiso. “Cuando todo depende de ti, no hay espacio para la improvisación irresponsable”, aseguró la artista.

Más que una carrera solitaria, su camino ha sido colectivo. Sentarse a trabajar con otros artistas, construir desde la confianza y exprimir cada recurso ha fortalecido una propuesta que entiende la música como comunidad.

También hubo un momento honesto sobre la dualidad que viven muchos creadores. Shagro Música es el sueño y el escenario. Pero detrás de ese nombre hay una mujer que sostiene otra vida, otro trabajo y otras responsabilidades. Esa tensión entre el arte y la cotidianidad no la frena, por el contrario, le da profundidad a su proceso creativo.

Durante la entrevista, la artista habló de la música como un sentimiento que cambia según el lugar y el momento. Cada escenario es distinto, cada escucha es única. Para Shagro Música, el arte no es un producto terminado, es una experiencia viva que se transforma con el territorio y con quienes la reciben.

Desde los tres años, cuando tomó por primera vez un violín en Manizales, Alejandra Torres entendió que su camino estaría profundamente marcado por la música. Lo que quizás no imaginaba era que esa decisión temprana la llevaría a convertirse en la primera latinoamericana en integrar la Orquesta Filarmónica de Viena, uno de los escenarios más prestigiosos del mundo clásico.

La artista nos habló en ‘Música y Músicos de Colombia’ más del proceso que del premio. Aunque recientemente fue reconocida como Mejor Artista Clásica en los World Entertainment Awards, insistió en que los galardones son consecuencia del trabajo constante, la disciplina y, sobre todo, la conexión emocional con su repertorio.

Su más reciente producción discográfica, New Journeys, reúne sonatas de Mozart. Cada pieza lleva títulos como ‘Ascender’, ‘Traspasar’ y ‘Trascender’, nombres que nacen de tres grandes inspiraciones en su vida: Su maestro Mozart, el respaldo incondicional de sus padres y los recuerdos de chiquita. Más que un simple trabajo discográfico, el álbum refleja etapas, emociones y decisiones que han marcado su historia.

Además de continuar con sus próximos lanzamientos, Alejandra empieza a explorar un nuevo campo creativo con el lanzamiento de su podcast ‘Inspiración’, un espacio en el que compartirá aprendizajes y experiencias personales que han marcado su camino artístico, ampliando su voz más allá del escenario.

La música clásica, lejos de ser distante, se convierte en su lenguaje para hablar de memoria, familia y perseverancia, lo invitamos a ver la entrevista completa que tuvimos en ‘Música y Músicos de Colombia’ con la violinista Alejandra Torres en nuestro Facebook.

La cantautora presentó su más reciente proyecto musical, un recorrido sonoro que transforma la vulnerabilidad en fuerza emocional. Fusiona el rock de los años 2000 con elementos contemporáneos como el bolero y el punk que le han permitido explorar el duelo, la identidad y el empoderamiento. Sophie Angel, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, contando sobre su nuevo lanzamiento y los retos en su carrera profesional.

Este proyecto surge del sueño de una adolescente de 14 años que aspiraba a triunfar en la música y revolucionar la industria del rock, rompiendo el estereotipo de que los vocalistas deben tener una voz dura y carrasposa. En su lugar, la artista propuso una voz fuerte y dulce que refleja crudeza emocional juntando el pop rock, el punk rock, la power ballad, el nü-metal y el bolero para analizar situaciones como pérdidas, rupturas y adversidades.

Como artista independiente, busca crear un espacio donde las personas se puedan expresar sin ningún tipo de juzgamiento o señalamiento, liberando cargas emocionales que se han estado normalizando por la rapidez de la sociedad en la que nos encontramos. Su música está diseñada para momentos de vulnerabilidad, cuando las emociones superan la razón, valorándose para avanzar con mayor determinación.

La cantante presenta una trilogía: ‘You Said Goodbye’, ‘Mi Refugio’ y ‘Nada es temporal’, tres canciones con un mensaje de fuerza donde las emociones actúan como puentes hacia el siguiente paso en la vida cotidiana. ‘You Said Goodbye’, es una canción que fusiona el bolero y el rock sinfónico para narrar el duelo de la muerte, evolucionando del vacío a la resiliencia con recuerdos positivos.

Por otro lado, ‘Mi Refugio’ es un tema que celebra el amor incondicional, una melodía que estuvo inspirada en sus mascotas Tokyo y Lancy. Un power ballad que contrasta dulzura y distorsión para evocar la cercanía de estos seres que pueden llegar a transformar.

Y por último está ‘Nada es temporal’, un track que contiene la rudeza del punk rock con violín como protagonista, promueve el empoderamiento al rechazar límites impuestos por críticas externas.

“A través de mis composiciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida”, contó la artista.

Sophie Angel presentará un álbum de nueve canciones en inglés para inicios de 2027 y un EP de cinco en español en el segundo trimestre de este año, ambos centrados en emociones compartidas y formas de superación.

Este lanzamiento de la agrupación paisa, explora la libertad mental y el criterio propio en un mundo de presiones, como adelanto de su EP homónimo. La banda formada en 2024 por Juan José Pacheco en la batería, Mauricio Gutiérrez en el bajo y Juan Pablo Palacio en la voz y la guitarra, transforma la catarsis post-pandemia en riffs con una carga de compromiso social. Palacio, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro.

Esta nueva canción se presenta como un cuestionamiento de las influencias que se han impuesto a lo largo de la historia, y asimismo, celebra el juicio personal. Es un tema que abre el camino a EP debut ‘TrasArder’, un proyecto discográfico que promete fusionar la nostalgia de los 2000 con sonidos actuales, un rock crudo que incomodará y activará, alejándose de fórmulas tradicionales del género y priorizará la autenticidad y potencia en vivo de la agrupación.

El trabajo viene acompañado de un videoclip dirigido por Johan Alsate, quien visualiza el mensaje de la banda mediante la figura de una bruja mística que seduce e hipnotiza a los integrantes, culminando en su transformación a figuras enmascaradas sin identidad. Esta alegoría teatral subraya la pérdida de criterio bajo manipulación de la seducción, reforzando el llamado a la resistencia personal.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. “Queríamos hablar de tener un criterio [...] no dejándose llevar por diferentes temas que pueden pasar; mira todo lo que puedes escoger, tenés una chispa interior que te hace original”, concluyó Juan Pablo Palacio.