En el corazón de la comuna de San Miguel, en Santiago de Chile, perduran los latidos de la historia de tres jóvenes que crecieron en medio de la represión política y las drásticas transformaciones de su país. Consternados por ese contexto, encontraron en la música una manera de desahogo y decidieron formar una banda de rock en español, sin imaginar que se convertiría en una de las grandes leyendas del continente.

Como dicta el dicho, al mal tiempo buena cara, en uno de los momentos más dolorosos para los chilenos surgieron ‘Los Prisioneros’, un sello que convirtió la incertidumbre en canciones. Invitaron a su gente a tomar el ‘Tren al sur', a encontrarse en la pista con ‘El baile de los que sobran’ y hasta a corear una plegaria incómoda de desalojo con ‘Por qué no se van’.

“Chile tuvo una riqueza cultural enorme, marcada por figuras como Violeta Parra y Víctor Jara, y por un movimiento intelectual muy potente en los años 60 y 70. Todo eso se quebró con la dictadura, que dejó una oscuridad profunda en el arte y el pensamiento. A mí me tocó crecer en ese contexto, en medio de la represión, viendo cómo la cultura resistía desde lo oculto y cómo la gente empezaba, poco a poco, a volver a alzar la voz”, contó Miguel Tapia, fundador de Los Prisioneros en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un legado que sigue vigente!

Miguel Tapia es el menor de siete hermanos, creció rodeado de canciones y una mezcla única de música: Vallenatos, folclore latinoamericano, The Beatles y hasta Rafael, que conformaban su banda sonora diaria entre discos y cassettes.

Su sueño siempre fue formar una banda y, aunque hoy ya no comparte escenario con los miembros originales, presenta al mundo una gira que no solo apela a la nostalgia, sino que reafirma la vigencia de su mensaje.

“Nosotros éramos tres jóvenes de barrio que queríamos crear canciones populares y ser escuchados, sin pensar en lo social. Pero el entorno nos atravesó: La cesantía, el cierre de fábricas, la represión en la calle. Sin darnos cuenta, empezamos a escribir sobre lo que vivíamos y ahí nació una forma distinta de hacer música, más conectada con la realidad de la gente”, agregó el artista.

En esta nueva etapa, Miguel asume la voz principal del proyecto, acompañado por una banda de alto nivel. Entre sus filas se destaca Coti Badilla, pieza clave en la historia en vivo del grupo, y un relevo generacional que marca el presente: Su hijo, Amaru Tapia, quien debuta en la batería y lleva el legado familiar al escenario.

Tras convocar a más de 60.000 personas en Colombia, la gira internacional continúa su recorrido y llegará a Bogotá el próximo 17 de julio, como parte del ‘Concierto de Conciertos’, y a Cartagena el 16 de agosto. El tour también se extenderá por Europa en septiembre y continuará en Ecuador en octubre.

“Un abrazo grande para todos, para la gente de la Universidad Distrital, mi admiración total. Yo no pasé por ahí, pero hoy volver desde la música y el reconocimiento tiene un valor enorme. Gracias por escuchar, por conectarse con esta historia que ha llevado la música chilena por el mundo”, puntualizó el artista en entrevista exclusiva con LAUD 90.4FM ESTÉREO.

El legado del Joe Arroyo vuelve a sonar de una manera distinta. Sus canciones, arraigadas en la memoria colectiva del país, dejan de lado la estructura salsera tradicional para encontrarse con la fuerza de la agrupación de Samacá. Más que un homenaje, el proyecto ‘Arroyo Sinfónico’ propone un viaje para descubrir sonidos diferentes en las letras que ya forman parte de la historia nacional.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Julio César Maldonado, productor de este encuentro, explicó que la iniciativa nace del interés por la experimentación: “Cuando ya tienes cerca de 60 músicos haciendo sonar un tema, la profundidad de lo que se escucha es totalmente diferente; el color y la fuerza cambian por completo”, señaló al describir la energía que aporta el conjunto boyacense a este modelo artístico.

El corazón de este trabajo está en el departamento de Boyacá. Allí, la banda municipal se ha convertido en un espacio donde niños y jóvenes descubren en el arte una herramienta de cambio. Para quienes lideran el proceso, la práctica instrumental representa un camino de oportunidades: “Las bandas sinfónicas en el país son una opción para muchos chicos; aprenden música, aprenden a leer y encuentran un rumbo. Nosotros creemos que la cultura es la mejor opción para transformar realidades”, afirmó el invitado.

Este recorrido cuenta con antecedentes sólidos en la unión de lo académico y lo popular. Antes de abordar el universo del Joe, el equipo exploró con éxito repertorios dedicados a Soda Stereo y Queen, demostrando que los ensambles de esta naturaleza pueden conectar con audiencias diversas: “Lo que van a encontrar es una revisión de los temas clásicos, con arreglos especiales, pero con toda la energía de estos jóvenes músicos”, aseguró Maldonado.

En esta propuesta, el reto principal ha sido cuidar el ritmo original mientras se construye un ambiente renovado. Para mantener esa esencia intacta, el montaje cuenta con la participación de Dinkol Arroyo, hijo del artista, quien se une a los instrumentistas para vincular el pasado con el presente de esta herencia.

La presentación será este sábado 18 de abril en el Teatro Cafam de Bogotá. Más allá de lo que ocurra en el escenario, el impacto real permanece en la trayectoria de los participantes: “Hemos visto chicos que empezaron con nosotros y hoy están en la Banda Sinfónica Nacional. Eso demuestra que estos espacios sí transforman vidas”, concluyó el productor.

Desde las majestuosas montañas colombianas un eco se levanta: Letras, melodías y acordes que se armonizan con la naturaleza para contar una historia de migración, resiliencia, amor y sobre todo música.

En el año 88, una pequeña irlandesa de 2 años de edad, llegó junto a su madre a Icononzo, Tolima. Enamoradas de la riqueza del trópico, emprendieron una nueva vida marcada por fiestas de folk, country y violín, que se mezclaban con la tradición de sus vecinos colombianos al son del tiple, guitarra, bambucos y pasillos.

“Mi mamá había creado una pequeña comunidad con la idea de ser autosostenibles; que todo lo que consumiéramos saliera de nuestro propio huerto. Pero en Irlanda los inviernos son muy duros, así que empezó a preguntarse si no tendría más sentido hacerlo en el trópico. Vino a conocer Colombia, le encantó… y aquí nos quedamos”, contó Katie James en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.  

Así comenzó la historia de Katie James, quien más adelante sería desplazada por el conflicto armado colombiano. Recorrió territorios como el Huila, llegó a Bogotá para estudiar y en medio de ese camino de constante trasegar, terminó encontrando en la música colombiana su verdadero hogar.

Hoy en día completa más de 20 años de carrera artística, cuenta con 5 álbumes publicados y con su guitarra ha recorrido escenarios de más de 15 países en Europa, Norte, Centro y Sur América.

“Crecí en una mezcla cultural que marcó profundamente mi música. Con el tiempo, siento que mi alma es cada vez más colombiana. En algunas canciones aún aparecen matices de country y sonidos irlandeses, pero hoy me reconozco como una cantautora con influencias muy claras del folclor latinoamericano”, agregó la artista.

Él sí más verdadero: Una decisión bajo la corteza de James

Hace unos meses, en pleno vuelo desde Bucaramanga, Katie le dio vida a una canción que se convertiría en su nueva etapa artística. Inspirada en una reflexión sobre el amor que llega sin afán, que se construye con el tiempo y que, precisamente por eso, está hecho para quedarse. 

Con un potente bolero clásico y al lado de guitarras, bongó y contrabajo nace ‘El sí más verdadero’, una canción con la que la artista dio a conocer su promesa de matrimonio.

El lanzamiento hace parte de ‘Bajo mi corteza’, un álbum compuesto por diez canciones originales, donde conviven el bolero, la zamba argentina, las tonadas llaneras, el tango, la cumbia y el vallenato. El resultado es un proyecto diverso, emotivo y profundamente honesto que se consolida como su trabajo más alegre hasta la fecha.

¡Un viaje por las regiones colombianas!

Como parte del lanzamiento, la artista emprenderá una gira por Colombia, donde presentará en vivo su nuevo repertorio y fortalecerá la cercanía que define su propuesta. 

Bogotá será una de las paradas centrales con un concierto el próximo 9 de mayo en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Asimismo, visitará ciudades como Honda, Bucaramanga, Medellín y Caicedonia. Para conocer más detalles visite el siguiente link.

Desde Engativá, en el barrio Garcés Navas, nace una propuesta que le pone ritmo y palabra a la vida cotidiana. Se trata de Los Letristas, una agrupación que busca irrumpir en la escena del rap colombiano y marcar una identidad clara dentro del género con influencias como el jazz, el boom bap, el reggae y la salsa.

Su historia comienza en 2022, cuando Edward López, los hermanos Santiago ‘Mítico’ y Daniel Parra ‘Alcatraz’, junto a Cristian Esparragoza ‘DJ Cspa’, se unen para mezclar las melodías de su localidad con relatos íntimos y personales.

“No partimos de una canción en específico, sino de un ambiente que dejamos fluir en el momento. A veces llegamos con una idea de ritmo o estilo, otras simplemente exploramos y vemos qué surge. Se vuelve casi un ritual: Desde la creación instrumental hasta la escritura y el encuentro final con el público. Es una dinámica que hemos construido para que la música aparezca de forma natural”, contó DJ Cspa en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su música habla desde las crudas historias del barrio y una mirada crítica de la realidad que se transforma en letras introspectivas, coros memorables y una propuesta contestataria que dialoga con su entorno. A esto se suma una fusión sonora que cruza el hip hop con el son latino.

“Este género se construye desde el lugar donde uno crece, y en nuestro caso, todo nace de esas vivencias. Por eso apostamos por una escritura clara y directa, donde abordamos lo afectivo, lo cotidiano y también lo social, dejando una postura frente a distintas situaciones. La intención es que cada tema conecte con quien escucha y refleje lo que somos como proyecto”, agregó ‘Alcatraz’.

Con temas como ‘El barrio está caliente’, ‘Déjà Vu’ y ‘Barrio Latino’ han recorrido diferentes ciudades del país. Ahora, se preparan para el lanzamiento de ‘Cantaré’, un nuevo sencillo que marca el camino hacia su primer álbum de estudio, proyectado para 2027.

En el 69, el famoso cuarteto de Liverpool marcó un nuevo legado musical con su lanzamiento ‘Abbey Road’, el álbum de rock progresivo que conserva grandes éxitos como ‘Something’, ‘Come Together’, ‘Here Comes the Sun’ y ‘Oh! Darling’.

Canciones que han inspirado al aclamado y virtuoso director Guy Braunstein, quien ha recorrido las orquestas sinfónicas más importantes del mundo con su fiel compañero: El violín. El próximo 12 de abril llegará a la capital colombiana con un repertorio que promete reunir un siglo de música en un formato innovador que conecta lo clásico con lo contemporáneo.

“Reconocido por su capacidad de cruzar géneros y replantear el repertorio, el maestro de música se adentra en este icónico álbum para transformarlo en una obra sinfónica. Su ‘Abbey Road Concerto’, concebido junto a la directora Alondra de la Parra y la Orquesta Filarmónica Real de Lieja y publicado en 2024, propone una lectura continua del álbum a través del violín y la orquesta”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento del concierto.

Con la dirección del maestro Yeruham Scharovsky y con la participación especial de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, este concierto se presenta bajo el sello ‘Cuando The Beatles encontraron a Tchaikovsky’. Una propuesta única que se complementa con la ‘Sinfonía n.º 4’ del compositor ruso y combina la melancolía con el encanto de instrumentos como el oboe y el fagot.

“Braunstein, invitado de honor, ha sido solista con orquestas como la Filarmónica de Berlín, la Boston Symphony Orchestra, la Tonhalle-Orchester Zürich y la Philharmonia Orchestra de Londres. Además, ha colaborado con figuras como Daniel Barenboim, Zubin Mehta y Martha Argerich. Su trabajo abarca tanto el repertorio tradicional como la creación y el arreglo, proponiendo nuevas lecturas de las obras”, agregó el comunicado.

Este concierto marca la apertura de Alemania como país invitado en la programación de este año del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. La cita es este fin de semana a las 5:00 p. m. Para más información, visite el siguiente enlace.

El Coro Nacional de Colombia se adentra en un territorio inédito con ‘The Sound of the Soul’, un concierto que marca su primera incursión en los Negro Spirituals y el gospel. Estas tradiciones, nacidas en contextos de opresión, están profundamente ligadas a la espiritualidad y la resistencia. La cita será a las 8:00 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

La directora musical Diana Carolina Cifuentes, habló en LAUD 90.4 FM ESTÉREO sobre esta apuesta que confronta a los integrantes con nuevas formas de entender el canto compartido: “Dentro de la literatura coral hay una gran paleta de estilos y este es un género que no habíamos abordado. Está ligado a las iglesias norteamericanas, pero también es la raíz de sonoridades actuales, incluso del hip-hop”.

El montaje supone un quiebre con la tradición sinfónica habitual. En esta ocasión, la agrupación se presentará junto a una banda de guitarra, batería, bajo y piano, buscando acercarse a otras texturas sonoras: “Pasamos de la orquesta a un formato más popular, haciendo una propuesta más cercana a la gente”, señaló.

Sin embargo, el eje de la presentación no es únicamente estético, sino histórico. Los cantos espirituales, explicó la directora, nacieron como una herramienta de comunicación para personas esclavizadas: “Eran expresiones de dolor, pero también una manera de sentirse libres. Muchas veces las letras eran códigos en los que se citaban pasajes bíblicos, pero en realidad coordinaban escapes o buscaban alcanzar la libertad”.

Esa doble lectura convierte al repertorio en una experiencia que trasciende lo dogmático: “Es algo que conecta con el espíritu. No se necesita entender el idioma para sentirlo; hay una energía en el ritmo que nos mueve”, afirmó la maestra.

El reto ha sido también técnico y corporal. La interpretación del gospel exige romper con los parámetros de la academia vocal, incorporando recursos expresivos distintos: “El uso de la voz cambia completamente y además, el coro va a bailar. No es lo mismo cantar estático que hacerlo mientras el cuerpo se desplaza; eso implica otro nivel de exigencia”, aseguró Cifuentes.

Finalmente, la directora extendió una invitación abierta a todo tipo de público: “No se trata únicamente de la lírica. El color de las armonías genera una vivencia que cualquier persona puede disfrutar”, concluyó. Con este proyecto, el Coro Nacional no solo amplía su horizonte artístico, sino que demuestra su capacidad para reinventarse y conectar con audiencias diversas.

Directamente desde Kingston, Jamaica, la agrupación fundada en 1964 regresa al país con un show que hace parte de su gira internacional, con la que celebran más de seis décadas de historia musical. Será una oportunidad única para experimentar en vivo el sonido de una banda que no solo marcó una época, sino que literalmente ayudó a crear el ska.

Considerados los pioneros del ska jamaicano, The Skatalites sentaron las bases de géneros que hoy son parte fundamental de la música caribeña, como el Rocksteady y el Reggae. Su propuesta mezcló influencias del jazz, el rhythm and blues y ritmos afrocaribeños, creando un sonido fresco que rápidamente se expandió por el mundo.

Desde sus inicios, la banda reunió a músicos virtuosos provenientes de escenas de jazz y R&B, consolidando un estilo poderoso con secciones de vientos y una energía contagiosa que definió el espíritu del ska.

Entre sus canciones más icónicas destacan clásicos como ‘Guns of Navarone’, ‘Eastern Standard Time’ y ‘Freedom Sound’, temas que se convirtieron en verdaderos himnos dentro de la cultura ska a nivel internacional.

El concierto en Bogotá promete una experiencia especial para todos sus fanáticos. En un formato cercano, el público podrá disfrutar de un recorrido por las canciones que marcaron el nacimiento del ska y que influyeron en generaciones de bandas alrededor del mundo.

A lo largo de más de 60 años, The Skatalites han mantenido vivo su legado a pesar de los cambios en su alineación, continuando con giras internacionales y presentaciones en importantes festivales.

Su impacto ha trascendido fronteras, inspirando escenas musicales en Europa, América Latina y Asia, y convirtiéndose en la base de múltiples corrientes del ska moderno.

Para quienes aman el ska o quieren descubrir de dónde nació este sonido lleno de energía, el show de The Skatalites es una oportunidad única de conectarse con la raíz de una de las corrientes musicales más influyentes del planeta.

La presentación será el próximo 17 de abril a las 8: 00 p.m. en el Lourdes Music Hall. Una noche cargada de historia, vientos poderosos y ritmo jamaicano que promete poner a bailar a Bogotá.

La artista se presentará el 15 de mayo de 2026 en el Movistar Arena con su ‘Cancionera Tour’, una gira internacional que recorrerá Europa, México, Sudamérica y Norteamérica con cerca de 65 conciertos.

En esta nueva etapa, Lafourcade apuesta por un formato mucho más cercano con sus seguidores. El espectáculo está pensado como una experiencia íntima en la que la artista compartirá historias, emociones y versiones especiales de sus canciones más queridas.

“Hace tiempo que vengo soñando con volver al escenario de una manera distinta, más cercana con mi público. Hoy mi deseo es compartir la intimidad que vivo con mis canciones en mi habitación, en mi casa, en mi universo personal o mi propia imaginación”, expresó la cantante al anunciar la gira.

Un viaje musical desde lo más personal

El ‘Cancionera Tour’ nace después del impacto de su álbum ‘De todas las flores’, un trabajo profundamente introspectivo que marcó su regreso a la composición original tras varios años dedicados a reinterpretar el cancionero latinoamericano. Ese proceso creativo, cargado de sensibilidad y reflexión, inspira el concepto de esta gira.

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A diferencia de los conciertos masivos llenos de grandes producciones, este tour prioriza la cercanía y la emoción. En escena, Lafourcade se presenta en un formato más reducido principalmente voz y guitarra que permite redescubrir su repertorio desde una perspectiva más cruda y honesta.

Durante el show, el público podrá escuchar nuevas versiones de sus canciones más emblemáticas y temas de su etapa más reciente, en un ambiente pensado para conectar directamente con la esencia de su música.

Una de las voces más importantes de Latinoamérica

Con una trayectoria que la ha consolidado como una de las artistas más influyentes de la música en español, Natalia Lafourcade ha construido una carrera marcada por la exploración sonora y el respeto por las raíces latinoamericanas. Canciones como ‘Hasta la raíz’, ‘Mi lugar’ y ‘Mi manera de querer’ se han convertido en himnos para varias generaciones.

Aunque el formato del concierto será más íntimo, la artista también estará acompañada por músicos de amplia trayectoria, lo que permitirá crear una puesta en escena delicada y envolvente.

El ‘Cancionera Tour’ no es solo una gira: Es una invitación a conocer a Natalia Lafourcade desde un lugar más humano, poético y esencial. En un momento de plena madurez artística, la cantante apuesta por la vulnerabilidad, el silencio y el encuentro directo con su público.

Bogotá tendrá el privilegio de vivir esa experiencia de cerca. Quienes asistan al concierto en el Movistar Arena no solo presenciarán un show musical, sino una conversación sonora íntima con una artista que nunca ha dejado de reinventarse.

La última vez que Lafourcade visitó el país fue en 2023, cuando presentó su gira inspirada en ‘De todas las flores’, dejando momentos memorables para sus seguidores colombianos. Ahora, tres años después, promete regresar con un espectáculo aún más cercano y emocional.

El adiós se vivirá el 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo MedPlus, escenario que se convertirá en el epicentro del último pogo, un encuentro masivo con los seguidores que los han acompañado durante generaciones.

El anuncio se conoció el pasado 4 de marzo de 2026, cuando el grupo liderado por Dilson Díaz confirmó que este concierto marcará el cierre definitivo de La Peste, como también la llaman sus fans. Más que la separación de una agrupación se trata del final de uno de los capítulos más influyentes del punk latinoamericano.

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Desde su nacimiento en 1986 en Bogotá, La Pestilencia convirtió el punk en una herramienta de denuncia social dentro del rock colombiano. Sus letras directas y sin filtros hablaron de violencia, poder político, manipulación mediática y desigualdades sociales, temas que marcaron a varias generaciones de oyentes.

Con discos como ‘La muerte… un compromiso de todos’, ‘El amarillista’, ‘Balística’, ‘Productos desaparecidos’ y ‘Paranormal’, La Pestilencia construyó una identidad sonora que se volvió referencia dentro de la escena alternativa del país.

El desgaste natural de una carrera tan larga, sumado a la evolución personal y artística de sus integrantes, llevó a que el grupo decidiera cerrar este ciclo desde donde siempre se sintieron más vivos: El escenario.

El concierto de despedida también tendrá varias sorpresas. Entre ellas, la participación de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, además de otros artistas invitados que serán anunciados próximamente. Otra novedad será un “escenario B”, desde el cual la banda tocará parte de su repertorio para quienes estén más lejos de la tarima principal, buscando que nadie se quede sin sentir la energía del último pogo.

Además, como parte de este cierre, la agrupación prepara el lanzamiento de ‘Buen Provecho’, un nuevo trabajo del que se espera conocer un primer adelanto.

Para miles de seguidores del rock nacional, este concierto será mucho más que un show, será la oportunidad de despedir en vivo a un grupo que convirtió el punk en una forma de resistencia cultural.

Aunque La Pestilencia se despide, su legado seguirá vivo. Durante casi 40 años demostraron que el punk podía ser mucho más que ruido: Podía ser memoria, crítica y una voz incómoda frente a la realidad del país.

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‘Canto’ se presenta como la entrada a un universo conceptual en el que cada pieza se articula como una etapa dentro de un proceso de transformación personal. Con una sonoridad que cruza el jazz, el soul y el R&B, el sencillo retoma referentes de las décadas del 40 y 50 desde una sensibilidad contemporánea, construyendo una atmósfera íntima en la que la voz ocupa un lugar central.

El proyecto se organiza a partir de una lógica espacial. En ‘Hotel Amor’, cada tema corresponde a una habitación emocional, lo que permite recorrer distintos estados vinculados a la memoria, la identidad y la sanación. Lejos de una estructura lineal, el álbum se despliega como un tránsito fragmentado en el que cada lanzamiento abre una nueva puerta. 

Desde una dimensión introspectiva, ‘Canto’ introduce ese recorrido. La pieza aborda la vulnerabilidad, el cierre de ciclo y la posibilidad de reconstrucción, situando la voz como un punto de refugio. En ese sentido, la artista lo definió como “un grito de victoria personal”, en el que se despide de una versión pasada para entrar en un estado más consciente y en calma, durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, ‘Hotel Amor’ se construye a partir de influencias del jazz, el blues, el soul y el R&B, retomadas desde un lenguaje actual. Las composiciones, escritas por la artista, se caracterizan por interpretaciones vocales que priorizan la intensidad emocional y el vínculo directo con la experiencia personal.

El proyecto amplía su alcance más allá de la música. ‘Hotel Amor’ se desarrolla como un universo narrativo que integra elementos visuales, literarios y escénicos, incluyendo ilustraciones y relatos creados por la propia artista. Esta dimensión expandida articula una propuesta en la que las distintas disciplinas dialogan para construir una experiencia más amplia.

En su desarrollo temático, el proyecto recorre diferentes capas de la vivencias emocionales: Desde la confrontación con el pasado y el desapego, hasta la construcción de nuevas formas de relación y la búsqueda de equilibrio. Estas exploraciones se integran como parte de un proceso de transformación que atraviesa el conjunto del trabajo.

La producción está liderada por la artista junto a Mateo Camargo, quien también estuvo a cargo de la mezcla y el máster, consolidando una identidad musical que conecta sus raíces musicales con una exploración contemporánea.