La cantautora presentó su más reciente proyecto musical, un recorrido sonoro que transforma la vulnerabilidad en fuerza emocional. Fusiona el rock de los años 2000 con elementos contemporáneos como el bolero y el punk que le han permitido explorar el duelo, la identidad y el empoderamiento. Sophie Angel, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, contando sobre su nuevo lanzamiento y los retos en su carrera profesional.

Este proyecto surge del sueño de una adolescente de 14 años que aspiraba a triunfar en la música y revolucionar la industria del rock, rompiendo el estereotipo de que los vocalistas deben tener una voz dura y carrasposa. En su lugar, la artista propuso una voz fuerte y dulce que refleja crudeza emocional juntando el pop rock, el punk rock, la power ballad, el nü-metal y el bolero para analizar situaciones como pérdidas, rupturas y adversidades.

Como artista independiente, busca crear un espacio donde las personas se puedan expresar sin ningún tipo de juzgamiento o señalamiento, liberando cargas emocionales que se han estado normalizando por la rapidez de la sociedad en la que nos encontramos. Su música está diseñada para momentos de vulnerabilidad, cuando las emociones superan la razón, valorándose para avanzar con mayor determinación.

La cantante presenta una trilogía: ‘You Said Goodbye’, ‘Mi Refugio’ y ‘Nada es temporal’, tres canciones con un mensaje de fuerza donde las emociones actúan como puentes hacia el siguiente paso en la vida cotidiana. ‘You Said Goodbye’, es una canción que fusiona el bolero y el rock sinfónico para narrar el duelo de la muerte, evolucionando del vacío a la resiliencia con recuerdos positivos.

Por otro lado, ‘Mi Refugio’ es un tema que celebra el amor incondicional, una melodía que estuvo inspirada en sus mascotas Tokyo y Lancy. Un power ballad que contrasta dulzura y distorsión para evocar la cercanía de estos seres que pueden llegar a transformar.

Y por último está ‘Nada es temporal’, un track que contiene la rudeza del punk rock con violín como protagonista, promueve el empoderamiento al rechazar límites impuestos por críticas externas.

“A través de mis composiciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida”, contó la artista.

Sophie Angel presentará un álbum de nueve canciones en inglés para inicios de 2027 y un EP de cinco en español en el segundo trimestre de este año, ambos centrados en emociones compartidas y formas de superación.

Este lanzamiento de la agrupación paisa, explora la libertad mental y el criterio propio en un mundo de presiones, como adelanto de su EP homónimo. La banda formada en 2024 por Juan José Pacheco en la batería, Mauricio Gutiérrez en el bajo y Juan Pablo Palacio en la voz y la guitarra, transforma la catarsis post-pandemia en riffs con una carga de compromiso social. Palacio, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro.

Esta nueva canción se presenta como un cuestionamiento de las influencias que se han impuesto a lo largo de la historia, y asimismo, celebra el juicio personal. Es un tema que abre el camino a EP debut ‘TrasArder’, un proyecto discográfico que promete fusionar la nostalgia de los 2000 con sonidos actuales, un rock crudo que incomodará y activará, alejándose de fórmulas tradicionales del género y priorizará la autenticidad y potencia en vivo de la agrupación.

El trabajo viene acompañado de un videoclip dirigido por Johan Alsate, quien visualiza el mensaje de la banda mediante la figura de una bruja mística que seduce e hipnotiza a los integrantes, culminando en su transformación a figuras enmascaradas sin identidad. Esta alegoría teatral subraya la pérdida de criterio bajo manipulación de la seducción, reforzando el llamado a la resistencia personal.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. “Queríamos hablar de tener un criterio [...] no dejándose llevar por diferentes temas que pueden pasar; mira todo lo que puedes escoger, tenés una chispa interior que te hace original”, concluyó Juan Pablo Palacio.

La cantante bonaerense Blue, expande los límites del dark pop latino con el lanzamiento de su sencillo ‘Ven y dime’, un proyecto introspectivo que explora la dualidad emocional en las relaciones afectivas y anticipa los conceptos de su próximo álbum ‘Estoy Blue’. Este trabajo, surgido de un proceso creativo terapéutico donde transforma sus experiencias personales en letras cargadas de vulnerabilidad y fortaleza. La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro y lo que representa en su carrera musical.

Este primer adelanto nace como un acto combativo donde la dualidad emocional se manifiesta en la tensión de relaciones pasajeras, aquellas en las que los sentimientos permanecen atados y no se asumen con claridad. Fue compuesta inicialmente con guitarra en el estudio a partir de una experiencia personal, y brotó como un ejercicio introspectivo con un claro componente terapéutico, aunque generó dudas en la artista por su intensa carga emocional justo antes del lanzamiento.

Blue integra referentes latinoamericanos y anglosajones en un sonido ecléctico que abarca el dark pop, el pop alternativo, el synthwave, el R&B, el soul y trap, alejándose de estereotipos que se han radicado en el cono sur dando paso a una su autenticidad y profundidad emocional.

“Componer es mi terapia; en cada canción habita una dualidad constante: lo que siento, lo que escribo, lo que ya pasó y lo que está por venir, convirtiendo mi mundo interior en melodías que abrazan la vulnerabilidad, la fe y la fuerza, proyectando una autenticidad que conecta de forma real con mi audiencia”, concluyó la artista.

Hace más de diez años, un artista malagueño pisó por primera vez suelo colombiano, la incertidumbre y una mente llena de sueños lo acompañaban. En su viaje, dos músicos y un cuaderno con múltiples canciones que serían testigos del primer concierto internacional de ‘El Kanka’.

Definir a Juan Gómez Canca, no es tarea fácil, a grosso modo se puede hablar de un cantautor alternativo y de espíritu underground, una voz que conversa en cada canción, español y profundo, pero sobre todo, un gran compositor de susurros.

“Creo que Colombia es el país que más he visitado después del mío. Hace más de diez años vine por primera vez. Aún no era tan conocido y apenas llevaba mi segundo disco cuando un colombiano, medio loco y muy insistente, me escribió para decirme que aquí escuchaban mi música y que podíamos organizar un concierto”, recordó ‘El Kanka’ en una entrevista exclusiva con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Su conexión con el público inició con un grupo de 300 bogotanos llenos de lágrimas cantando sus canciones y como telonero de Monsieur Periné en una de sus giras. En este 2026, acumula millones de reproducciones en plataformas y se prepara para uno de sus más ambiciosos tours.

Todo esto gracias a ‘La Calma’, su nuevo álbum de estudio, inspirado en historias donde la vida diaria, el amor, la amistad y las emociones contemporáneas se convierten en ironía, reflexión y poesía.

“Llevo muchos años componiendo y no me interesa acomodar palabras solo para que suenen bien. Esta vez, las propias canciones me guiaron hacia un lugar inesperado. Quería hablar de ojalás, de anhelos y de un mundo mejor, sin embargo la calma apareció casi sin buscarla y terminó convirtiéndose en el centro de todo: Esa necesidad de hallar paz y aprender a detenernos un momento fue la que, sin planearlo, dio forma a este trabajo discográfico”, agregó el artista.

Un disco que abraza lo simple

‘La Calma’ no solo llegará a plataformas digitales, también estará disponible en CD y vinilo para los amantes de la nostalgia. Así se compone su tracklist:

- ‘La Calma’: Una reflexión sobre la necesidad de serenidad en el contexto actual.

- ‘La Apuesta’: Una rumba con influencia brasileña centrada en el amor cotidiano.

- ‘Los Compadres’: Dedicada a la amistad y el paso del tiempo.

- ‘Pensando en ti’: Bolero con elementos de ska que aborda la nostalgia en pareja.

- ‘Ansiedad’: Canción que explora uno de los temas más recurrentes de la salud mental actual.

‘Limpieza general’: Una declaración doméstica.

- ‘He dicho que no’: Sobre la dificultad de poner límites, con referencias musicales tradicionales.

- ‘Pasitos Benditos’: Una historia personal del artista.

- ‘Las ganas’: Con guiños a la canción de autor clásica española.

- ‘Le pasa solo al resto’: Propone una mirada distinta sobre la muerte.

Cultura Profética llega con ‘Bendito Vicio’, una canción que explora la relación entre el deseo, el hábito y la contradicción. En esta nueva entrega, la banda puertorriqueña se acerca a la realidad humana desde un lugar menos declarativo y más contemplativo, invitando a observar los vínculos invisibles que se tejen entre placer y desgaste.

El sencillo fusiona el reggae característico de la banda con elementos poéticos y texturas introspectivas, donde la voz principal de Willy Rodríguez guía el sonido del grupo. El video oficial, dirigido con un enfoque en la memoria y el paso del tiempo, alterna escenas contemporáneas con tintes de los años 90, reforzando un tema de nostalgia y ciclos vitales.

En la letra, el vicio se plantea como metáfora del ciclo emocional que impulsa y, al mismo tiempo, limita. No se juzga ni se glorifica: Se trata de un retrato que se contiene, un ejercicio de observación sobre la fragilidad del deseo y su poder para conducir lo cotidiano.

Más que reafirmar su legado, ‘Bendito Vicio’ busca una pausa. Cultura Profética se ha mostrado en los últimos años como un grupo que entiende el paso del tiempo, no solo en su evolución sonora, sino que ve este tránsito una oportunidad para pensar desde la madurez los impulsos que alguna vez fueron rebeldía.

La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra

simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

Durante la jornada, el público podrá disfrutar de la participación especial de Burning Caravan, agrupación que ha llevado su estilo único a escenarios de Colombia y el mundo. Su propuesta fusiona rock, música balcánica y gitana, jazz y ritmos latinoamericanos, en un espectáculo cargado de teatralidad y energía.

Se suma también Sergio Arias & Malalma, propuesta fundada en 2007 que ha trazado su propio camino bajo la corriente del Latin Trip o electrocumbé. Liderado por Sergio Arias, reconocido por su paso en Sidestepper, este proyecto multidisciplinario mezcla funk, rock y electrónica con la raíz de la champeta y los ritmos afrocolombianos. Más que música, ofrece una reflexión sonora sobre el alma humana y el contexto social contemporáneo.

La energía latina alternativa llegará con La Reforma, agrupación que fusiona cumbia, vallenato y champeta con elementos urbanos y pop contemporáneo, donde más allá del ritmo, la banda se proyecta como un movimiento creativo que comunica mensajes de esperanza y transformación cultural mediante una narrativa artística e innovadora.

La tarde se enriquecerá con la propuesta experimental de Juan Sin Cabeza, que cruza la canción de autor y la música contemporánea. Para esta ocasión, ampliará su dimensión tímbrica con vientos y percusiones, prometiendo una experiencia de escucha profunda e intensidad física.

Música para reconocerse en la diferencia

El ‘Tortazo Ecléctico’ es, en esencia, una invitación a celebrar la diversidad sonora y a disfrutar la música como un espacio de encuentro.

Lugar: Teatro al aire libre La Media Torta Fecha: Domingo 22 de febrero de 2026 Hora: 2:00 p. m.

Entrada libre hasta completar aforo.

En ‘Música y Músicos de Colombia’ Anica explicó que el disco nace de experiencias personales que necesitaban convertirse en música. Es por eso que el nombre no es casual, ‘PLASMA’ representa energía en constante movimiento y transformación, una idea que sostiene tanto el concepto del álbum como su construcción sonora. Más que una colección de canciones, es una obra pensada como un recorrido emocional y creativo.

El álbum se sostiene sobre una base de rock y pop, pero se expande hacía sonidos latinoamericanos que le permiten encontrar la identidad que buscaba para este trabajo. Esa mezcla no pretende encasillarse en un género fijo, refleja la diversidad cultural que inspira a la cantautora y que termina dando coherencia a cada una de las once canciones dentro de un mismo universo sonoro.

Grabado en Bogotá y dirigido creativamente por ella misma, el proceso en estudio marcó el rumbo definitivo del disco. Desde los primeros sencillos hasta el cierre con ‘Volver a Empezar’, el trabajo evidencia una búsqueda consciente por escribirle al ser humano en toda su complejidad, entendiendo la música como un espacio para transformar lo vivido en creación.

Ritmos, relatos y paisajes sonoros que nacen en la Sabana se mezclan con el canto de los ríos del oriente colombiano. El próximo 21 de febrero, el turno será para la localidad de Suba se convertirá en el escenario espacio principal para el concierto ‘Caleidoscopio Sonoro – Músicas del Llano’. Una apuesta de los Escenarios Móviles del Instituto Distrital de las Artes.

“‘Caleidoscopio Sonoro’ es una franja dedicada a los amantes de la música en todas sus formas, que ofrece una variedad de géneros y estilos que reflejan la riqueza cultural y musical de Bogotá. Desde lo tradicional hasta lo contemporáneo, esta franja amplifica las voces de artistas locales y consolida la música como un puente de conexión en la ciudad”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Hablemos de la programación!

En tarima, el arpa, el golpe y el zapateo serán protagonistas en gracias a un repertorio que mezcla tradición y nuevas formas de interpretar la herencia llanera. Todo esto, gracias a dos propuestas distintas:

- Canapiare: Agrupación que explora los cantos y sonoridades del Llano desde una interpretación sensible y profundamente arraigada en la tradición.

- Sankofa Trío: Un proyecto que fusiona instrumentos tradicionales con búsquedas contemporáneas y exploraciones experimentales, expandiendo los límites del joropo.

La cita será a las 3:00 p. m. en la plazoleta externa del Portal de TransMilenio Suba (Avenida Ciudad de Cali con Avenida Suba), con entrada libre para toda la familia.

Después de más de cinco décadas recorriendo lugares alrededor del mundo, el cantautor panameño Rubén Blades anunció que comenzará el cierre de su etapa en los escenarios. La decisión no surge como un retiro abrupto, sino como un proceso consciente que busca poner pausa al ritmo exigente de los conciertos sin alejarse completamente de la música.

El anuncio marca un antes y un después en la música latinoamericana. Durante años, sus presentaciones han sido espacios de encuentro entre generaciones que han encontrado en sus canciones relatos cercanos a la vida cotidiana, historias urbanas y reflexiones sociales que trascendieron el baile para convertirse en memoria colectiva.

El artista explicó que el desgaste físico que conlleva las giras influyó en la decisión de reducir gradualmente sus presentaciones en vivo. La intención, según ha señalado, es retirarse de los escenarios mientras aún conserva la energía y la calidad interpretativa que han caracterizado sus conciertos.

El proceso se extenderá hasta aproximadamente 2027, periodo en el que continuará realizando presentaciones junto a la ‘Roberto Delgado Big Band’, agrupación con la que ha desarrollado una de las etapas más sólidas de su trayectoria reciente. Más que una despedida, se trata de una serie de encuentros finales con el público que ha acompañado su carrera durante décadas.

Aunque dejará el ritmo constante de sus presentaciones, Blades ha dejado claro que no abandonará la creación musical. La composición, la grabación y los proyectos culturales seguirán formando parte de su vida artística, ahora desde un ritmo más pausado y cercano a su entorno personal en Panamá.

Desde finales del siglo pasado, su obra transformó la manera de entender la salsa. Canciones llenas de personajes comunes, barrios, conflictos sociales y dilemas humanos ampliaron el alcance del género y lo acercaron a la crónica latinoamericana. Sus letras acompañaron celebraciones, despedidas y momentos

de la vida real, convirtiéndose en parte de la experiencia emocional de varias generaciones.

El anuncio de su retiro de los escenarios no es un cierre definitivo, sino el paso natural de un artista que decide cambiar el ritmo sin abandonar el camino. Mientras las giras llegan lentamente a su final, su música continúa habitando la memoria colectiva.