En lo más profundo de los manglares una voz se levanta, el eco de los ancestros y el rugido del empoderamiento femenino habita entre las aguas que dan vida al Pacífico colombiano. Allí no se ha confirmado la existencia de sirenas, pero sí de unos seres casi mágicos: las cantaoras que mantienen vivo su legado musical generación tras generación.

Una de ellas es Nidia Góngora, cantora, sabedora, investigadora y guardiana de la tradición, quien ha dedicado su vida a preservar los cantos que narran lo que las comunidades han vivido, llorado y celebrado. Se dedicaba a la docencia, pero la dejó por la música, inició como cofundadora y directora vocal de Canalón de Timbiquí y se convirtió en un faro cultural que visibiliza la riqueza espiritual y musical del litoral.

“Siempre en cualquier momento de la vida volvemos a la esencia, a la raíz, reconociendo desde cada lugar los aportes que permiten tejer relaciones y comunidades. Siento que la música es la herramienta para expresar un lenguaje universal, y aprovechó su fuerza para recordarle al mundo que necesitamos reconocernos, visibilizar miradas diversas y conectarnos con la humanidad y la naturaleza”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Durante este 2025, Nidia presentó ‘Pacífico Maravilla’ su primer álbum como solista, compuesto por 11 canciones en las que continúa integrando las sonoridades de marimba, cununos y bombos con elementos de soul, funk y electrónica tropical.

‘En los Manglares’, ‘Tu Corazón’, ‘Todo en Vida’, ‘Marejada’, ‘Insistencia’ y ‘Mi Sábalo’ son algunos de los títulos que acompañan este proyecto. Una historia que abrió un nuevo capítulo durante noviembre en el Teatro Colón donde trece de sus canciones, incluyendo repertorio de Canalón, piezas de su álbum ‘Pacífico Maravilla’ y colaboraciones como su participación en Canticuentos (Latin Grammy 2025), fueron interpretadas junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la dirección de Tatiana Pérez-Hernández y con arreglos de Jesús David Caro.

El recorrido artístico de Góngora ha fluido entre la raíz y lo contemporáneo, colaborando con proyectos que amplían el universo afrocolombiano como Ondatrópica, La Pacifican Power, Herencia de Timbiquí, AleKuma, Bahía y Orishas. 

Paralelo a su carrera, lidera en Cali la Fundación Escuela Canalón y proyectos como Arrullo en el Barrio, enfocados en la formación, la memoria y el fortalecimiento comunitario en el oriente de la ciudad. Su música ya está disponible en todas las plataformas.

Desde tierras alemanas, a cientos de kilómetros de Suramérica y con el anhelo de las tradiciones y costumbres bogotanas, los integrantes de Radio Jaguar exploran sonidos extranjeros para mezclaros con los ritmos colombianos con el fin de conquistar corazones más allá de los límites, de esta manera nació el sencillo ‘Somos del mundo’.

“Estamos en un momento de exclusión hacia los latinoamericanos, donde los países endurecen los permisos para cruzar sus fronteras, esto nos motivó a que escribiéramos sobre el tema. Es una forma amigable de hablar de ello, pues debemos vernos reflejados en los otros, somos iguales, vivimos en el mismo planeta y hay que tener empatía”, dijo a LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Sergio Acosta, líder de la banda. 

El sencillo combina folk global, pop, electrónica e instrumentos latinos como la marimba de chonto y las gaitas; contiene versos en español e inglés, y cuenta con la colaboración de Jules Barrow, artista europea reconocida por fusionar emociones en su música como vulnerabilidad y fuerza, introspección y celebración. 

El propósito es alcanzar a todos los públicos, sin importar la lengua, por ese motivo el grupo realizará una gira por Europa y espera llegar a Colombia entre el mes de agosto y septiembre de 2026. El objetivo es generar conciencia sobre la unidad de culturas, tal como dice la letra: “Mismo sentir, misma energía, aunque tu lengua no sea la mía. Mismo latir, la misma esencia, somos del mundo más allá de una creencia”.

Origen de Radio Jaguar

La banda fue creada hace un año y está integrada por los colombianos Niko Cabrera, Kasius Martínez y Sergio Acosta, pertenecientes también a Doctor Krápula. Los artistas hacen parte de las dos agrupaciones, pero Radio Jaguar es un proyecto que estudia sonidos más ancestrales, tradicionales y con fusiones.

El nombre tiene dos significados, según compartió Acosta, uno es el que proviene de la palabra ‘radio’ que se vincula a la difusión, y el otro es ‘jaguar’ que es el felino emblema de la región. 

Los tres músicos que están asentados en Alemania, iniciaron la banda en ese país, pero la esencia colombiana se mantiene y la proyección para conquistar audiencias nacionales e internacionales, es la prioridad, por tal razón entre sus planes está crear nuevas mezclas y sonoridades. 

Vea la entrevista completa en este video:

¿Alguna vez te han dejado en visto? Esa mezcla de incertidumbre, expectativa y silencio fue la chispa creativa detrás de ‘Sigo Esperando’, el nuevo sencillo de Los Hermanos Aicardi, que transforma una situación común en una canción alegre, bailable y llena del sabor tropical que caracteriza a la agrupación. Los Aicardi toman el ya popular “me dejó en visto” y lo convierten en un relato para cantar, bailar y hasta reírse del desamor. Con su estilo alegre y festivo, logran unir alegría, despecho y tradición en una sola canción, ideal para las fiestas de fin de año y esas noches donde el corazón, aunque herido sigue “en línea”.

Escrita y producida por Gianni y Rodolfo Aicardi, la canción le pone sonidos tropicales a una de las experiencias más comunes entre jóvenes y adultos: el ghosting.

“Queríamos tomarlo con humor, con ritmo, y convertir ese sentimiento en una historia tropical que conecte con la gente”, cuenta Gianni.

Con este lanzamiento, Los Hermanos Aicardi continúan honrando la herencia musical de su padre, el legendario Rodolfo Aicardi, una de las figuras más importantes de la música tropical en Colombia. Su propuesta mantiene viva una tradición que ha acompañado a generaciones: desde la cumbia festiva hasta las baladas y boleros cargados de poesía y sentimiento.

La agrupación busca que la Historia Aicardi siga siendo imparable, llevando su identidad musical a nuevas audiencias sin perder la esencia que los ha convertido en referentes de la cultura popular colombiana.

Los Hermanos Aicardi: tradición con nueva energía

Formada por Gianni y Rodolfo Aicardi, la agrupación recoge las vivencias, emociones y ritmos que han marcado a los colombianos. Su misión es preservar y renovar un legado musical que combina alegría, identidad y sentimiento.

“En mi cabeza la música siempre ha sido lo más importante, pero mi vida cambió cuando descubrí que la guitarra era mi alma gemela”, afirma Rodolfo Aicardi, cantante, guitarrista y director musical. “Cuando hablo de música, todo cambia de color y se llena de vida. Ahora solo quiero seguir dándole vida a este legado familiar”.

‘Skardio Latino’ reunirá en Bogotá a bandas de reggae, ska y fusiones caribeñas, incluyendo a Jahbafana desde Caracas. El Festival busca acercar al público a sonidos que muchos han escuchado sin saber su origen, mientras conecta artistas de varios países y propuestas emergentes.

El ‘Festival Skardio Latino’ ha crecido como un espacio donde las personas pueden entender qué hay detrás de géneros como el ska, el reggae, el dancehall y otras fusiones caribeñas. Mauro Satori, productor del evento, lo explicó sin rodeos: “todos hemos escuchado estas músicas sin saber cómo se llaman, sin conocer que vienen de las Antillas y del Caribe”. Esto convierte a este encuentro en una oportunidad para quienes quieren ampliar su panorama musical sin necesidad de ser expertos.

Uno de los invitados principales es Jahbafana, una banda venezolana que llega por primera vez a Bogotá. Su vocalista, Goyo Mijares, contó el origen del nombre, un dato curioso es: “La Habana significa muchachitos en zulú, y lo unimos con ‘Jah’, que en la cultura rastafari es un nombre de Dios”. Para quienes apenas se acercan a este género, esta historia permite entender cómo la música insular mezcla lenguajes, culturas e influencias que se cruzan entre África, el Caribe y Latinoamérica.

El Festival también funciona como una ventana para conocer el trabajo de artistas independientes que no siempre entran en los grandes circuitos. Satori lo explicó con sinceridad: “nos tocó armarnos nuestra propia carpa, porque la industria es dura y muchos no tienen espacios para sonar”. Para los asistentes, esto significa tener acceso a propuestas nuevas, diversas y hechas desde lugares donde la música es más pasión que negocio.

Además del cartel internacional, ele encuentro incluye agrupaciones nacionales como Batracios, Desorden Social, La Casa de Juana, Muiska y Atrapamoskas Club, muchas de ellas reconocidas dentro de escenas locales específicas. Para una persona joven que quiere conocer música distinta, esta mezcla permite comparar estilos y descubrir bandas con trayectorias que quizá no aparecen en medios masivos. Como dijo Mauro: “algunos artistas no son emergentes, solo es la primera vez que nos visitan en Bogotá”, lo que amplía el mapa musical de la ciudad.

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Goyo también habló sobre lo que ofrecerán en el escenario: “Va a ser un recorrido por casi 30 años de música, incluyendo temas nuevos que aún no salen”. Para los asistentes, esto significa escuchar tanto clásicos como canciones inéditas. Además, mencionó que el público siempre les pide ‘Volar’, su canción más emblemática, lo cual ayuda a quienes no conocen la banda a empezar por un punto de referencia claro.

Finalmente, ‘Skardio Latino’ no solo promueve conciertos; también trabaja como una red que conecta festivales de varios países, sellos independientes y proyectos autogestionados. Esto permite que artistas de diferentes regiones tengan circulación y que Bogotá reciba propuestas que usualmente no llegan a escenarios comerciales. Como cerró Mauro, la invitación es sencilla: “síganlos, escúchenlos, y quizá descubran que ya conocían esta música sin saberlo”.

La cita es este 29 de noviembre a partir de las 12:00 del mediodía en la Calle 39B No. 21-54 / Parkway.

Con más de 16 años de experiencia y después de conformar la banda ‘Los Makenzy’, el cantante colombiano Nicolás Triana ha iniciado su camino como solista y muestra de ello su lanzamiento de ‘Alunar’, su más reciente trabajo discográfico en el que acompañado de una impresionante sensibilidad, la maravilla de los astros y su propia identidad, presenta 10 canciones llenas de poesía y momentos personales.

El proyecto llega tras algunos años de silencio creativo, en el que en palabras del artista, aprovechó el tiempo para encontrarse y enfocarse en este nuevo disco. En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Triana entregó detalles de esta incursión creativa.

“Mi banda terminó hace tres años y en este tiempo entré en un proceso personal, de silencio, de enfocarme en mi estado mental (...) Fue un momento de enfrentarme conmigo mismo. Me he dado cuenta de muchas cosas en ese camino, por ejemplo, que es necesario el silencio para poder saber qué quieres decir y qué es lo que realmente quieres transmitir”, aseguró.

En ese sentido, criticó la producción musical “desechable”, y a la industria que pide publicar y publicar sin que haya un trabajo profundo detrás.

“A veces los artistas no tenemos espacios ni siquiera de pensar qué es lo que queremos expresar porque siempre estamos como en una rueda de ratón donde te exigen una canción cada 15 días y así mismo se escucha: canciones desechables. El proceso personal no se refleja, entonces no hay realmente un mensaje. Hay un mercado, pero no hay profundidad, no hay una reflexión detrás de cada tema”, agregó.

‘Alunar’ presenta títulos profundamente personales con los que Nicolás Triana le cantó a su círculo más cercano. Así aparecen canciones como ‘Maíz y barro’, ‘Atar de ser’, ‘Eclipse de Anamar’, ‘Preludio para no hablar’, ‘Cometas’, y ‘Carita Sol’, entre otras.

De hecho, según reveló antes los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, ‘Carita Sol’ es una composición cuyos acordes nacieron en un hospital cuando su hijo estaba internado. Por otro lado, ‘Maiz y barro’ fue una canción dedicada a un amigo víctima de los abusos policiales durante el Paro Nacional.

Este nuevo disco de Nicolás Triana ya está disponible en todas las plataformas musicales. Una invitación para sumergirse en esta fusión del rock, los ritmos colombianos y unas letras profundamente reflexivas.

Con canciones como ‘Pa’ que te muevas’ y ‘No sé mañana’, el cantante bogotano Checho Sasa ha construido una carrera sobre ritmos que evocan playa, brisa caliente, gaitas y sensualidad. Desde su debut en 2020, ha experimentado con elementos del reggae, la champeta, el afrobeat, el dancehall y la música nigeriana, hasta moldear un estilo que conversa con las tendencias del pop urbano sin perder su raíz colombiana. Una identidad sonora que ahora se reafirma con ‘Pa qué’, su más reciente trabajo sonoro.

Se trata de un EP que entiende la música como una razón para celebrar la identidad caribeña de Sasa que incluso trasciende a la escena internacional. El resultado son seis temas que funcionan como un viaje musical por distintas formas de sentir, amar y bailar.

En ‘Pa Qué?’ esa unión muestra una nueva madurez gracias al trabajo de Cfelo, encargado de la producción, mezcla y masterización. Su rol fue decisivo para dotar al EP de una identidad cohesionada, colorida y con la energía que caracteriza al artista. Las grabaciones se realizaron en Yoshy Records, La Colmena y Capital Latino, tres espacios que han visto crecer la escena alternativa y urbana de Bogotá.

Antes de lanzar el EP completo, Checho Sasa presentó una trilogía de sencillos que marcaron el tono del proyecto, de los cuales habló ante los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO. Se trata de ‘Pa’ que te muevas’, una invitación directa al baile, estrenada con videoclip, ‘Cuando tú no estás’, en colaboración con Nami y Dani Monti, que explora un lado más emotivo y ‘No sé mañana’, junto al panameño Kandall, una pieza cargada de vibra latina y caribeña.

Estos lanzamientos prepararon el terreno para lo que sería el universo completo de ‘Pa Qué?’. El EP se estrena con tres temas adicionales que le dan cierre y profundidad al proyecto: ‘El Ritmo del Corazón’, ‘Quisiera’ ft. Dani Monti, y ‘Pa´ vivir’.

La portada del álbum, realizada por la artista bogotana Presencia Fugaz, refuerza la estética del proyecto con un estilo visual vibrante y contemporáneo. Con “Pa Qué?”, Checho Sasa consolida un sonido que combina tradición y modernidad, Caribe e influencia que rompe fronteras. Su propuesta refresca la escena y demuestra que el Latin Pop colombiano continúa expandiéndose a partir de lo local, reinterpretando ritmos propios y encontrando nuevas formas de contar la vida.

Gary Jacob es conocido en la industria por ser productor del ‘Festival Abbey Road On The River’, uno de los más importantes de Estados Unidos. En su tarima durante 25 años ha destacado a ClassicStone como uno de los shows más relevantes de la programación, una banda con corazón colombiano que rinde tributo al legendario cuarteto de LiverPool.

Ovacionados por la crítica y el público, aterrizan en Colombia con un nuevo espectáculo ‘All We Need is Love’. Durante una hora y media, los espectadores vivirán una historia de amor entre dos personas que se encuentran, se pierden y se reencuentran a través de las canciones más emblemáticas de The Beatles.

“Hemos creado una puesta en escena que fusiona concierto y teatro a partir del icónico álbum ‘Love’. Con una propuesta visual de alto impacto, una narrativa profundamente emocional y la interpretación en vivo de Classicstone (reconocida como la mejor banda tributo a The Beatles en Latinoamérica), este show promete convertirse en una experiencia única e irrepetible”, contó Sebastián Sero, director del montaje en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Cada escena cobra vida con un diseño visual de gran nivel, mientras la música completa la experiencia con un repertorio basado en clásicos como ‘Get Back’, ‘I Want to Hold Your Hand’, ‘Drive My Car’, ‘Something’, ‘Yesterday’, ‘Strawberry Fields Forever’, ‘Lucy in the Sky with Diamonds’, ‘Come Together’, ‘Hey Jude’ y ‘All You Need Is Love’.

“Aunque los fanáticos de The Beatles encontrarán múltiples guiños y referencias, concebimos esta puesta en escena para emocionar a todas las generaciones. La fuerza visual, la excelencia musical y una narrativa universal hacen de este show una experiencia imperdible para grandes y pequeños, especialmente para quienes crecieron con esta música y hoy desean reencontrarse con ella”, agregó el director.

La cita será de única función el próximo miércoles 3 de diciembre a las 7:00 p.m. en el Teatro Astor Plaza, ubicado en la Calle 67 No. 11 - 58. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

Un narrador, interpretado por John Alex Toro, guía el relato desde una radio antigua que conecta el pasado mítico, el presente humano y un futuro distópico donde los androides buscan reconstruir aquello que alguna vez nos definió: sensibilidad, empatía y esperanza.

Con una princesa enamorada, una hechicera, la luna y el sol como fuerzas cósmicas y un universo donde fragmentos del libreto se interpretan en “idioma androidiano”, esta ópera busca fusionar una estética minimalista, coreografías híbridas y un diseño visual que expande la experiencia a un territorio inmersivo.

“La ópera ‘El Príncipe Tulicio en el mundo de los Androides’ parte de una leyenda ancestral africana que viajó en la memoria de las comunidades afrodescendientes y se transformó en el Pacífico colombiano, donde fue preservada por un campesino de Guapi. En esta región, el mito emparentado con relatos universales como ‘La Princesa y el Sapo’ o ‘La Bella y la Bestia’, adoptó la figura del Caimán encantado, conocido acá como Tulicio”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

La obra reúne cerca de 30 artistas en escena y su elenco está encabezado por el contratenor brasileño Rodrigo Ferreira, la soprano colombiana Ana María Villamizar, el actor John Alex Toro, el Coro de la Ópera de Colombia y un ensamble instrumental integrado por docentes del Conservatorio de Música de la UNAL junto a destacados solistas nacionales.

La concepción visual está a cargo de Diego Aguilar, Carlos Franklin y el laboratorio Tecnopoéticas, mientras que el diseño sonoro lo integran Harold Vásquez, Román Carvajal y Carlos Prieto. La máscara carnavalera del maestro nariñense Javier Lasso aporta un puente simbólico entre lo ritual y lo futurista. La producción también reúne un dispositivo escénico que combina pantallas gigantes que entran y salen como teatrinos, proyecciones inmersivas, elementos robóticos y un diseño sonoro cuadrafónico que envuelve al público desde un laboratorio futurista, donde los músicos actúan como científicos que manipulan fragmentos de memoria humana.

La ópera electroacústica concebida por el compositor caleño Harold Vásquez, llegará el próximo 27 y 28 de noviembre a las 7:00 p.m. al Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia. La invitación es abierta al público hasta completar aforo.

A pocos días de finalizar el 2025, Bogotá se prepara para uno de los encuentros más significativos del punk reciente: la llegada de Shonen Knife y Destroy Boys, dos bandas que representan diversas etapas del género, pero que comparten la misma esencia rebelde y creativa. El próximo 7 de diciembre el público colombiano será testigo de un concierto que no solo marca el debut de ambas agrupaciones en el país, sino que también refleja el momento de renovación y consolidación que vive la escena alternativa local.

La presencia conjunta de Shonen Knife, referente histórico del punk-pop japonés, y Destroy Boys, voz cruda y fresca del punk estadounidense contemporáneo, constituye un acontecimiento excepcional. Para una ciudad como Bogotá, que ha construido una identidad cultural marcada por festivales musicales de gran convocatoria y una sólida comunidad underground, este tipo de eventos funcionan como puentes entre generaciones, geografías y estéticas.

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En una escena donde el diálogo entre lo clásico y lo emergente es cada vez más valorado, la presentación ofrece una oportunidad para comprender cómo el punk se ha transformado sin perder su espíritu confrontativo y lúdico.

Desde su formación en Osaka en 1981, Shonen Knife ha trascendido fronteras con un estilo que mezcla ritmos veloces y una estética colorida que en su momento desafió los moldes del punk tradicional. Su visita a Colombia es sin duda un reconocimiento a un público que ha seguido su legado desde la distancia y que ahora podrá vivirlo en vivo.

Por su parte, Destroy Boys llega desde Sacramento, California, como una de las propuestas más potentes de la nueva ola del punk. En pocos años han construido un discurso que conecta con sensibilidades actuales: identidad, relaciones, rabia, vulnerabilidad y resistencia. Su sonido crudo y directo, sumado a la intensidad de sus presentaciones, los ha convertido en un referente para jóvenes que buscan nuevas formas de expresión dentro del rock alternativo.

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Esta visita a Bogotá también habla de la apertura del mercado local hacia bandas emergentes internacionales, consolidando a la capital como un epicentro mundial de cultura y oportunidades.

Reunir a Shonen Knife y Destroy Boys en una misma noche no es solo un concierto: es un encuentro que reafirma el interés de la ciudad por mantener viva una escena diversa, dinámica y receptiva a la escena mundial. Para músicos locales, gestores culturales y seguidores del punk, el evento es una oportunidad de observar cómo conviven los legados históricos con las nuevas narrativas del género. Para mayor información puede ingresar al siguiente link. 

El sabor y la tradición del tambor llamador, el guache y los instrumentos que le dan vida al bullerengue se han reunido una vez más encabezados por el maestro cantador Emilsen Pacheco. Gran representante del folclor nacional que con 45 años de trayectoria musical presenta ‘Aguanta el clavo’, un sencillo que levanta la voz comunitaria y reafirma la herencia afro del Caribe Colombiano.

Se trata de un proyecto en el que la voz y los sonidos del tambor se unen en torno a los cantos ancestrales. Esto, con el talento y la herencia artística que el maestro Emilsen Pacheco, desde su natal San Juan de Urabá ha protegido y exaltado a nivel nacional.

Convertido ya como uno de los principales representantes del folclor nacional, el también tamborero trae una composición cargada de identidad, ritmo y memoria en el que el espíritu comunitario y la dignidad del territorio resuena con cada golpe de tambor.

La canción se suma a un creciente repertorio cargado de simbolismo, historia e identidad, al igual que ‘Bulla’, uno de sus principales trabajos discográficos en el que destacan títulos como ‘Virgen de Guadalupe’, ‘Llora que llora’ y ‘Golpe fandango’.

Más recientemente, en 2024, también deleitó al folclor nacional con ‘Cuando el Negro canta el eco resuena’, y otras cuatro canciones que exaltaron la tradición y la herencia ancestral, poniendo de manifiesto el papel del bullerengue como un ritmo que le canta a Colombia desde la perspectiva de sus regiones.

A lo largo de su carrera, Emilsen Pacheco ha participado en festivales nacionales e internacionales, llevado el bullerengue a escenarios globales y formado a decenas de estudiantes en distintos países. Su labor pedagógica y artística ha sido fundamental para visibilizar y fortalecer las prácticas musicales afrocaribeñas, consolidándolo como un nombre imprescindible dentro del panorama cultural colombiano.

‘Aguanta el clavo’, demuestra que el bullerengue no solo se escucha: se siente, se vive y se defiende. Su nuevo lanzamiento es un recordatorio de que la música tradicional sigue siendo un territorio de resistencia, un puente claro entre el pasado y el presente.