En el marco de la conmemoración del mes del sida, Colombia cumple 40 años de luchar contra el virus y la enfermedad. Durante este tiempo se ha pasado por mementos de negacionismo, activismo, creación de nuevas tecnologías e historias que han transformado el abordaje de los nuevos casos. Parte de estas experiencias está plasmada en el escrito ‘La escuela del VIH’.

“Es la matriz de la infectología, hablamos desde los orígenes hasta los desafíos actuales. No es un texto de medicina, es un relato histórico de cómo llegó la infección al mundo y a Colombia. Todo inició en 1908 en las islas de África, tenemos documentos que registran que el virus se presentaba en primates y el contagio se dio no por relaciones sexuales, sino por actividades de cacería donde hubo contacto con heridas abiertas”, dijo su autor Carlos Eduardo Pérez, jefe del Servicio de Infectología de la Clínica Marly y líder del Instituto Méderi de Enfermedades Infecciosas y Medicina Tropical.

La obra consta de tres partes: La primera habla acerca de esos inicios, la llegada a Colombia y su evolución. La segunda aborda situaciones como el negacionismo y cómo desde la medicina se enfrentaron retos como el desarrollo de patologías, la creación de nuevo medicamentos para tratarla y su alcance a la población infantil. Y la tercera es una reflexión sobre la dignificación de las personas y la visión a futuro. 

“Los casos en el mundo nos enseñaron a respetar y a oír a los pacientes. El VIH nos ayudó a comprender la diversidad sexual, más allá de tratar la enfermedad, nos permitió entender que debemos dejar a un lado la discriminación y el estigma, y nos deja como lección que nadie está exento de tenerlo y que todos somos susceptibles”, expresó Pérez.

En este escrito se plasma las experiencias del infectólogo y su cercanía con los portadores del virus. Para estructurar su conocimiento y lograr comunicarlo en un lenguaje comprensible a todos los lectores, su narración contó con la colaboración de los periodistas Amira Abultaif y Carlos Dáguer, de esta manera el relato evidencia “las historias de una epidemia que transformó los derechos y la medicina en Colombia”. ‘La escuela del VIH’, es de editorial Planeta.

En este #DíaMundialDelSida, recordamos que la historia del VIH también es una historia de resistencia y cambio. El libro “La Escuela del VIH” del @cperezd nos muestra cómo una realidad tan dura logró transformar a toda una sociedad.

Hoy, más que nunca, seguimos aprendiendo,… pic.twitter.com/xNDqun0pz6

— InfectoWeb (@InfectoWeb) December 1, 2025

La invitación está dirigida a agrupaciones de danza y música de todo Colombia que desarrollen la práctica del bambuco desde sus territorios, promoviendo los aires, estilos y expresiones propias de cada región.

Además de las propuestas escénicas, el Festival abre un espacio fundamental para la investigación en danza y música alrededor del bambuco, reconociendo procesos que aporten a la preservación, proyección y resignificación de este patrimonio vivo en los distintos contextos culturales del país.

Convocatoria Departamental – Cundinamarca

De manera paralela, se abre la Convocatoria Departamental del Bambuco Cundinamarqués, dirigida a bailarinas de folclor colombiano del departamento de Cundinamarca que cuenten con cualidades escénicas, culturales y de liderazgo propias de una Reina del Folclor.

Este proceso permitirá elegir a la Reina del Bambuco Cundinamarqués, quien será embajadora de la tradición, la danza y la identidad cultural del Departamento, representando el compromiso con la salvaguardia del folclor.

Las fechas, requisitos y el enlace oficial de inscripción serán publicados próximamente a través de las redes sociales de La Fundación Artística Colombia Viva y Tradición, por lo que invita a los interesados a mantenerse atentos a los canales oficiales.

Con esta convocatoria, el evento reafirma su apuesta por un país que baila, canta e investiga el bambuco desde sus raíces, fortaleciendo la memoria cultural y el diálogo entre tradición, creación e identidad territorial.

La Navidad en Villa de Leyva tendrá este año una puesta poco común. El Pueblo de Belén llegará con un pesebre en vivo que ocupará más de 10.000 metros cuadrados y permitirá a los visitantes recorrer una ruta de aproximadamente una hora y veinte minutos, atravesando distintas estaciones que recrean pasajes del Antiguo y Nuevo Testamento. El proyecto busca ofrecer una experiencia organizada, didáctica y accesible para familias y visitantes de todas las edades.

Guillermo Valencia, creador del proyecto, explicó que esta edición amplía el formato presentado en otras ciudades del país. “El año pasado estuvimos en siete mil metros cuadrados, esta vez pasamos a diez mil metros y a treinta y seis estaciones”, señaló durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’. El recorrido incluye casas escenográficas, talleres tradicionales como carpintería y alfarería, y espacios que representan la vida cotidiana en tiempos bíblicos.

Uno de los puntos más llamativos del montaje es la presencia de más de 30 actores profesionales, quienes interpretan personajes como Moisés, José, María, los Reyes Magos y Poncio Pilato. Según Valencia, “en cada estación vas a encontrar actores caracterizados, dando una experiencia con un mensaje claro, con respeto y con un poco de humor”. Cada escena dura entre tres y diez minutos y combina relato, interacción y enseñanza.

El recorrido inicia con el personaje de Moisés, interpretado por Brian Nieves, quien explicó que su estación introduce a los visitantes de forma pedagógica. “A través de un juego enseñamos los mandamientos, no como religión, sino como una guía de vida”, afirmó. La propuesta busca que el público observe y participe activamente en cada escena.

Además del componente teatral, El Pueblo de Belén incluye una granja real con más de 30 especies animales y figuras en fibra de vidrio, como camellos y ovejas, integradas al recorrido. Valencia destacó que el Arca de Noé permitirá a los visitantes ingresar, tomarse fotografías y observar el montaje desde un mirador, acompañado por un sistema de iluminación con más de 12.000 metros lineales de luces.

El proyecto, desarrollado por MV Producciones, es una iniciativa privada que ha requerido varios meses de preparación y la generación de más de 200 empleos directos. “Esto no es un evento de un solo día, aquí trabajamos durante 37 días continuos”, dijo Valencia. El Pueblo de Belén funcionará hasta el 7 de enero de 2026, convirtiéndose en una de las principales actividades culturales y turísticas de la temporada navideña en Villa de Leyva.

El cine colombiano no solo se ve en salas: también se comparte, se conversa y se construye en comunidad. Esa es la base de La Ruta del Jaguar, un proyecto que recorrerá distintos territorios del país con funciones al aire libre, talleres y espacios de diálogo alrededor del cine independiente. La iniciativa busca ampliar el acceso a producciones nacionales y acercar los procesos creativos a públicos diversos.

La Ruta del Jaguar es un proyecto de DOC:CO, organización que desde 2018 trabaja en la distribución y promoción del cine independiente colombiano. Su directora, Consuelo Castillo, explicó que esta nueva edición retoma el recorrido tras una pausa de dos años y será posible gracias a la financiación privada y al aval de Cocrea. “La idea es poder compartir todo el conocimiento que hemos construido durante cinco años trabajando en distribución”, señaló en ‘Amantes del Círculo Polar’.

El recorrido contempla 12 funciones, con cuatro películas diferentes, acompañadas de charlas de reflexión, crítica e intercambio de perspectivas. Además, incluye talleres especializados en producción, distribución y circulación audiovisual. Castillo detalló que no se trata solo de mostrar películas: “Muchas veces la gente únicamente ve la cinta, pero no se da cuenta de todo lo que hay detrás. Queremos compartir eso con las regiones”.

Las primeras paradas de La Ruta del Jaguar serán Aguazul (Casanare) y Honda (Tolima), donde se realizarán proyecciones al aire libre y encuentros formativos con directores, productores y equipos creativos. “Vamos a estar cinco personas haciendo talleres, compartiendo cómo se hace producción y distribución, y mostrando cine colombiano en espacios abiertos”, explicó Castillo, resaltando el trabajo directo con las comunidades.

Uno de los aspectos más significativos del proyecto es su relación con los públicos. Según Castillo, muchas personas conocen poco del cine colombiano actual, pese a que se producen entre 60 y 70 películas al año. “Lo más bonito es cuando la gente las ve y dice: no puedo creer que este sea el cine que se hace en Colombia y que no lo conozcamos”, afirmó. Para ella, estas historias conectan porque son cercanas a la vida cotidiana de las regiones. El nombre del proyecto no es casual. El jaguar, símbolo central de la iniciativa, representa la fuerza para moverse en un entorno complejo. “El jaguar nos ha enseñado cómo vivir en la jungla”, dijo Castillo, refiriéndose a los retos de sostener una empresa cultural liderada por mujeres dentro de la industria audiovisual. Con este espíritu, La Ruta del Jaguar propone que el cine sea una herramienta de encuentro, reflexión y circulación cultural en los territorios.

Uno de los aspectos más significativos del proyecto es su relación con los públicos. Según Castillo, muchas personas conocen poco del cine colombiano actual, pese a que se producen entre 60 y 70 películas al año. “Lo más bonito es cuando la gente las ve y dice: no puedo creer que este sea el cine que se hace en Colombia y que no lo conozcamos”, afirmó. Para ella, estas historias conectan porque son cercanas a la vida cotidiana de las regiones.

El nombre del proyecto no es casual. El jaguar, símbolo central de la iniciativa, representa la fuerza para moverse en un entorno complejo. “El jaguar nos ha enseñado cómo vivir en la jungla”, dijo Castillo, refiriéndose a los retos de sostener una empresa cultural liderada por mujeres dentro de la industria audiovisual. Con este espíritu, La Ruta del Jaguar propone que el cine sea una herramienta de encuentro, reflexión y circulación cultural en los territorios.

Colombia volverá a transformarse en un escenario abierto con una nueva edición del Festival Internacional de Artes Vivas (FIAV). Durante esos días, teatros, plazas, parques y espacios no convencionales acogerán expresiones de teatro, danza, música, circo, performance, clown, teatro gestual y narración oral, en una programación que busca ampliar el acceso y el encuentro con las artes escénicas.

El lanzamiento de esta segunda edición se realizó en la plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, con una intervención artística que reunió tamboreras, bailarines, actores y el Coro Nacional de Colombia. Este acto marcó oficialmente el inicio del camino hacia el FIAV 2026, un proyecto liderado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, la Alcaldía Mayor de Bogotá, la Cámara de Comercio de Bogotá y aliados del sector cultural.

Uno de los anuncios más relevantes es la definición de las regiones invitadas de honor. En 2026, la Comunidad de Madrid será la región internacional invitada, mientras que el Caribe colombiano ocupará un lugar central como región nacional invitada. Esta decisión permitirá un diálogo entre creaciones locales e internacionales, destacando la diversidad de lenguajes, ritmos e historias que conforman la escena artística del país.

El componente internacional incluirá obras provenientes de España, Canadá, China, Argentina y Rusia, con producciones de gran formato y compañías de alto reconocimiento. El curador internacional del festival, Octavio Arbeláez, explicó en ‘Amantes del Círculo Polar’, que el proceso de selección implica revisar cientos de propuestas para garantizar una programación sólida y coherente: Se eligen aquellas obras que dialogan con el eje conceptual del FIAV y permiten que el público acceda a referentes clave de la escena contemporánea mundial.

En cuanto a la participación colombiana, el FIAV 2026 contará con 41 obras distritales y 30 espectáculos nacionales, seleccionados mediante invitaciones públicas y convocatorias abiertas. Para el actor Johan Velandia, este enfoque convierte al Festival en una verdadera plataforma de encuentro: Una oportunidad para que las compañías locales y nacionales circulen, se conecten con programadores y fortalezcan su proyección dentro y fuera del país.

Además, el evento mantendrá su apuesta por el acceso gratuito, con presentaciones en espacios públicos y funciones dirigidas a estudiantes del sector público. A esto se suman la agenda académica y el Mercado FIAV Bogotá, un espacio que facilitará encuentros entre artistas y programadores para promover la circulación de obras, crear redes y abrir nuevas oportunidades. Con esta estructura, el FIAV 2026 se proyecta como uno de las actividades de artes vivas más importantes de Colombia y Latinoamérica.

Un diálogo entre el presente y el futuro se entreteje en las salas del Museo Nacional. Lo que antiguamente fue una cárcel, hoy en día se convierte en un lugar donde la historia no se guarda: se respira. En el marco de su bicentenario, llega ‘Inspirar, Conmover y Convocar’, una exposición que rinde homenaje a la memoria, diversidad y construcción colectiva del país.

Desde el pasado 12 de diciembre y hasta marzo del 2026, esta muestra invita al público a recorrer el poder transformador de las colecciones de este recinto, reuniendo piezas fundacionales nunca antes exhibidas juntas y destacando el papel de la ciudadanía como protagonista en la construcción del relato Nacional. 

“A través de estas colecciones, resguardadas por la nación, narrando la trayectoria del Museo y de la historia del país desde una mirada plural, que conecta pasado, presente y futuro. Fundado en 1823 y abierto al público el 4 de julio de 1824, el Museo Nacional presenta aquí piezas que dialogan no solo con la memoria histórica, sino con el patrimonio contemporáneo”, explicó Julio Quiroga, investigador de la curaduría de historia del museo en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Tres secciones para entender la nación

La exposición se organiza en tres grandes ejes que permiten comprender la diversidad de voces que conforman el patrimonio colombiano:

●    Guardar lo que eres: Reúne pinturas, retratos, especímenes botánicos, acuarelas y objetos científicos que muestran cómo el país empezó a pensarse a sí mismo en el siglo XIX. Estas piezas dialogan con colecciones contemporáneas, evidenciando continuidades, rupturas y nuevas formas de representación de la identidad nacional.

-    Superar la desventura: Propone un espacio de reflexión acerca del conflicto, la resiliencia y la capacidad colectiva de transformar el dolor en aprendizaje. Banderas, expedientes, leyes, fotografías y documentos emblemáticos narran los desafíos que han marcado la historia republicana y abren preguntas sobre la memoria, la verdad y la construcción de paz.

-    Celebrar la vida: Exalta la vitalidad del territorio colombiano a través de textiles, máscaras, piezas arqueológicas y obras que evocan la diversidad cultural del país. Aquí, la vida cotidiana, las tradiciones y los saberes ancestrales se presentan como fuerzas que sostienen y renuevan la identidad nacional.

El recorrido se complementa con una experiencia audiovisual inmersiva proyectada sobre telas suspendidas, un paisaje sonoro envolvente y estaciones participativas. El público podrá interactuar con museos de otros territorios, explorar réplicas táctiles con textos en tinta y braille, y crear una postal como memoria tangible de su visita. 

Vale la pena resaltar que la convocatoria pública reunió a 45 participantes de 12 departamentos, cada uno invitado a exhibir un objeto emblemático de su propio museo. Para conocer más detalles puede visitar en el siguiente link.

Bogotá avanza en el reconocimiento de su diversidad cultural con la aprobación del Festival Carranguero de Bogotá. La iniciativa fue avalada por la Comisión del Plan y Ordenamiento Territorial del Concejo de Bogotá y es promovida por el concejal David Saavedra.

La decisión marca un hito para miles de capitalinos que conservan raíces campesinas y boyacenses, al institucionalizar un festival anual dedicado a la música carranguera y a las tradiciones rurales de Boyacá, una herencia cultural profundamente arraigada en la historia social de la ciudad.

El Festival Carranguero se proyecta como un espacio ciudadano de encuentro artístico y cultural, abierto no solo a las comunidades de origen boyacense, sino a toda la ciudadanía interesada en conectar con las múltiples identidades que conviven en Bogotá. Su creación busca fortalecer el sentido de pertenencia, el diálogo intergeneracional y el reconocimiento de las expresiones culturales campesinas como parte viva de la capital.

Además de la música, el evento será una plataforma de visibilización cultural y económica, que permitirá promover talentos locales, tradiciones, gastronomía y productos agrícolas provenientes de Boyacá, consolidando vínculos entre Bogotá y las regiones, aportando al desarrollo cultural y productivo.

El concejal David Saavedra celebró la aprobación y señaló que “este Festival es un homenaje a nuestras raíces, un puente que une generaciones, culturas y regiones en una sola Bogotá. Queremos que la carranga, símbolo de paz, arraigo y comunidad, suene fuerte en cada rincón de la ciudad”.

Con esta decisión, la Administración Distrital, en articulación con organizaciones culturales y comunitarias, queda mandatada para poner en marcha los mecanismos necesarios que permitan realizar la primera edición del Festival Carranguero de Bogotá en 2026, consolidando así un nuevo espacio de celebración de la cultura campesina en la agenda cultural de la ciudad. 

Cuando se habla de historias familiares, casi siempre hay un abuelo detrás de una anécdota que deja más preguntas que respuestas. Ese es el punto de partida de ‘Los abuelos cuentan’, un texto que reúne relatos escritos por abuelos de distintos oficios y estilos de vida. La compiladora, María Inés Pantoja, explica que el valor del proyecto está en cómo esas narraciones conectan a las familias con conocimientos que no suelen aparecer normalmente en los libros. “Estos cuentos son orgánicos”, contados por ellos con sus palabras, con sus inventos, con sus alucinaciones, con sus personajes”, aseguró la invitada en ‘Amantes del Círculo Polar’.

El proceso nació de una escena muy cotidiana: Una noche en la que Pantoja debía dormir a su nieto sin poder encender la luz. Improvisó un cuento sobre una hormiga y, al día siguiente, él le pidió que continuara la historia. Ese momento la llevó a pensar en “cuántos abuelos en el mundo estarían inventando un cuento para sus nietos”. Lo que parecía una curiosidad terminó convirtiéndose en un ejercicio masivo de memoria colectiva: Más de 80 personas, desde científicos hasta recicladores, enviaron relatos inspirados en experiencias reales o en personajes fantásticos.

Las historias tienen algo en común: enseñan desde la simplicidad. En LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Pantoja resaltó que muchos cuentos hablan de resiliencia, del manejo de la frustración y de la importancia del diálogo. “A volver a conversar, a volver a mirarse a los ojos, a volver a sentir la palabra”. Estos relatos muestran como situaciones tan básicas como perder un partido o afrontar un error pueden convertirse en lecciones sobre autocontrol, convivencia y empatía.

También aparece un componente de identidad cultural que conecta a los lectores con su entorno. En varios relatos, los abuelos hablan de oficios tradicionales, juegos que hoy parecen lejanos o recuerdos de la vida en el campo. Pantoja mencionó que su propia abuela le contaba “historias alucinantes… de los árboles que se conversaban por la noche”. Esa mezcla entre fantasía y memoria permite que cada cuento sea una puerta hacia formas distintas de entender el mundo.

Entre los relatos más llamativos está el de la “pelota chismosa” del futbolista Willington Ortiz, donde una vieja pelota de trapo cuenta la historia de quienes han jugado con ella; o la historia del vigilante Dagoberto Zorro, que usa un cuento para responder a sus nietos por qué llevan ese apellido y cómo convertirlo en orgullo familiar. Sobre ese caso, Pantoja relató: “Los nietos lo molestaban por el apellido Zorro… y él escribió una historia basada en la familia de los zorros, para calmar un poco el bullying”.

Además del valor narrativo, el proyecto tiene un propósito social. Ninguna regalía va para la compiladora. Por el contrario, se destinan a dos fundaciones que trabajan con niños: SANAR, que acompaña a 2.800 menores con diagnóstico de cáncer, y DEBRA Colombia, que atiende a niños con “piel de mariposa”, una enfermedad huérfana. En palabras de Pantoja: “Sería injusto que las regalías las recibiera yo… estos cuentos los escribieron ellos”.

Finalmente, ‘Los abuelos cuentan’ funciona como una excusa para que familias enteras se reencuentren con la lectura. El libro propone algo sencillo pero valioso: Recordar que antes de las pantallas, muchas cosas se aprendían escuchando. Y aunque los tiempos cambien, los cuentos: Los que nacen en casa, sin grandes pretensiones, siguen siendo una forma poderosa de construir memoria.

¿Es la hoja de coca una droga peligrosa? Esta pregunta fue abordada recientemente por la Universidad de Harvard en un artículo publicado en la revista científica Science, donde se planteó la necesidad de retirar este recurso natural de la lista de drogas peligrosas.

Un debate que hoy trasciende las políticas públicas y se convierte en musa de inspiración para el séptimo arte. Así nace ‘Tinta Dulce’, un cortometraje que sigue el camino de mujeres artesanas de distintas regiones de Colombia, quienes encontraron en la hoja de coca no solo un pigmento natural, sino una forma de resignificar su historia y fortalecer sus comunidades.

“La hoja de coca está profundamente estigmatizada. En 2021 nos encontramos con un libro de la diseñadora Martha Sastre, quien ha trabajado la tintura con hoja de coca sobre seda. A partir de ahí empezamos a investigar y a trabajar en el Cauca, y nos dimos cuenta de que esta práctica también existe en la Amazonía, entre pueblos aymaras en Bolivia y en comunidades nasa del Cauca. Ese hallazgo nos devolvió a una práctica ancestral”, explicó Mónica Suárez, una de las líderes del proyecto, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El cortometraje acompaña a artesanas de Curití, en Santander; Guacamayas, en Boyacá; y Sutatausa, en Cundinamarca, quienes integraron la tintorería con hoja de coca a sus oficios tradicionales. A través de fibras, textiles y saberes heredados, estas mujeres han buscado transformar una relación históricamente marcada por prejuicios en una oportunidad de progreso económico, creativo y colectivo.

La producción audiovisual, realizada por la productora La Vuelta al Día y el estudio de diseño Ginger Blonde, recoge las experiencias de las artesanas que han sido acompañadas por el proyecto ‘Tinta Dulce’, que es un referente de cómo la relación de las personas con la hoja de coca puede ser transformada si se utiliza como pigmento natural para la moda, el arte y los oficios artesanales.

La película fue seleccionada para el ciclo de cine ‘Coca y Territorio: diálogos para nuevas narrativas’ en Chile y se proyectó el pasado 22 de noviembre en el Centro Ceremonial de Pueblos Originarios de Peñalolén, abriendo un diálogo sobre los usos ancestrales y culturales de la hoja de coca. 

La pieza audiovisual completa ya se encuentra disponible para todo público en YouTube. Para conocer más información del proyecto puede visitar el siguiente link.

Durante décadas, a los músicos independientes y alternativos se les ha repetido una frase contundente: O la música es un sacrificio permanente o el éxito está reservado solo para unos pocos. Entre esos dos extremos, miles de artistas han quedado a la deriva, sin herramientas claras para sostener su vocación en el tiempo.

Frente a ese panorama, el músico, productor y gestor cultural Frank Forero presenta una propuesta que desafía ambos mitos. Su nuevo libro ‘Industria de la Música: Desde la Inspiración hasta la Monetización’, ganador de la convocatoria de Estímulos del Ministerio de las Culturas 2025, plantea una necesidad tangible: El verdadero objetivo de un proyecto musical no es la fama inmediata, sino la sostenibilidad.

Más que prometer fórmulas de éxito, la obra propone construir carreras dignas, capaces de financiar la vida creativa a largo plazo y permitir que los artistas vivan de su trabajo sin renunciar a su identidad. Sobre ello estuvo hablando su autor, Frank Forero, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ en donde compartió esta faceta como escritor y su invaluable experiencia en Velo de Oza.

“Nace una historia cuando empiezo a soñar con música, nace Velo de Oza, que es una banda que no tiene ni un padrino político ni un padrino financiero. Es una agrupación que viene de chicos de clase media - baja, de una ciudad alejada como Tunja, y empezamos a lucharla y a soñar con música. Hemos hecho giras por Europa, participado en escenarios como Rock al Parque, Premios Shock, Premios Nuestra Tierra… Y aparte de eso estar cantando con Juanes, Carlos Vives, Aterciopelados, con los Petit Fellas, etc”, recordó.

Sin embargo, esta exitosa carrera comenzó desde los escenarios pequeños, muchas veces sin que siquiera hubiera un pago monetario para sus presentaciones. Razón por la cual explica que no basta únicamente el talento sino también el conocimiento y la estrategia para hacer de la música un plan sostenible.

“Antes de empezar a ser un trabajo serio era la banda que tocaba por cerveza, entonces era “¿Cuántas cervezas? No, venga, negociemos… échele 15 más”. Esa era la negociación (...) Pero cuando uno inicia a ver esto como proyecto, empieza a crecer. A veces el talento se queda estancado, primero porque hay una sobre oferta de música”, explicó Forero.  

En ese contexto, lejos de los manuales teóricos, el libro nace de la experiencia directa. Forero no escribe desde la distancia académica, sino a partir el recorrido de un músico que ha enfrentado contratos, giras, negociaciones y escenarios reales.

Su participación en Los Nuevos Canticuentos, álbum ganador del Latin Grammy 2025, junto a Juanes, confirma que el modelo que propone no pertenece al pasado ni a una élite inalcanzable: Es una metodología vigente, aplicada y replicable.

Uno de los mayores valores del libro es la mirada híbrida de su autor. Forero es MBA, especialista en Transformación Digital y Project Management, y ganador del Premio Nacional ASCOLFA 2025 a Egresado Distinguido Emprendedor–Empresario. Esa formación académica se cruza con su vida como músico independiente, dando lugar a un lenguaje claro, práctico y cercano.

“Escribí esta obra pensando en el músico con talento que se siente perdido en el negocio. No se trata solo de dinero, sino de dignidad y permanencia. De entender que un proyecto musical puede ser una empresa cultural sostenible, capaz de pagar las cuentas y financiar los sueños”, acotó el artista.

Organizado en seis capítulos, Industria de la Música recorre el camino completo de un proyecto artístico, con el nacimiento de una canción hasta su consolidación económica. El enfoque evita tecnicismos innecesarios y se centra en decisiones reales: Producción con estándares competitivos, construcción de identidad, estrategias de lanzamiento, promoción responsable y, finalmente, venta y gestión a largo plazo.

No se trata de fórmulas mágicas, sino de entender la industria para poder navegar en ella con conciencia y autonomía.