“Una producción infamemente peligrosa filmada al estilo guerrilla (¡un ejemplo temprano de un largo hecho con video HD!) en las feroces calles colombianas. El debut en español de Barbet Schroeder, crudo y visceral, observa la guerra del narco a través de una sorprendente historia de amor imposible.” Así reseña la plataforma, la producción francesa.  La película se estrenó en el país el 24 de noviembre de 2000 bajó una lluvia de críticas que estaban por formar un huracán, un buen ejemplo de ello lo hizo el escritor y periodista colombiano Germán Santamaría, director de la Revista Diners, que pidió "sabotear y ojalá prohibir" la exhibición de la producción, que calificó de "siniestra y truculenta" contra Medellín y "contra todo lo colombiano".

Aunque, la cinta en Venecia recibió una ovación y la Medalla de Oro de la Presidencia del Senado en ese Festival, la prensa no propiamente fue un comité de aplausos, es más la reseña de Irene Bignardi decía: “Es tan paradójico y excesivo lo que cuenta Schroeder, tan evidente y deliberadamente objetiva la evaluación moral, tan distante el estilo de la narración, que el espectador termina por reír”. 

Los programas de radio matinales, la televisión colombiana en sus transmisiones de opinión fueron duramente críticos con el largometraje, en su momento se entendió como censura y un peligroso discurso de los medios de comunicación que evidenciaban su manera conservadora. 

Aunque, las opiniones fueron descaradamente moralistas, también logró que ese tipo de debates le dieran más publicidad a la producción visual y además evidenciará la fuerza del cine que hoy parece intrascendente.  ‘La Virgen de los Sicarios’ es junto al ‘Desbarrancadero’ las mejores novelas de Fernando Vallejo como es habitual en sus relatos, es él el protagonista, sus libros son escritos en primera persona y no hay más voces en su mayoría de historias. 

Vallejo hizo el guion, lo que le obligó a darle voz a los dos sicarios que lo acompañan, su novela habla de amor, lo polémico es que el protagonista es un hombre mayor y los amantes son adolescentes, la diferencia de edad, el amor gay, la violencia, el lenguaje explicito fueron los elementos perfectos para que muchos pusieran el grito en el cielo. 

Es una maravilla la actuación de Germán Jaramillo que interpreta a Fernando Vallejo, también hay que resaltar a los actores naturales: Anderson Ballesteros y Juan David Restrepo. 

El libro como el filme abordan con maestría el drama, la actualidad del país, el romance y el humor, eso sí, los efectos no son los mejores, pero es una gran producción que desde hoy podemos ver gracias a la plataforma de Mubi. 

Posiblemente ‘Kimitachi wa Do Ikiru ka’ podría ser la última cinta del aclamado director de animación japonés Hayao Miyazaki, la cual se estrenará el 14 de julio de 2023.

El director nipón Hayao Miyazaki es reconocido en la industria del anime por dirigir clásicos como ‘Mi vecino Totoro’ (1988), ‘El viaje de Chihiro’ (2001), ‘El increíble castillo vagabundo’ (2004) y otras del Studio Ghibli. <iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/YgO6g_gHtaE" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>

“’Hayao Miyazaki’, sin duda, dará brillo a la industria del anime japonés en 2023 con el estreno de su última película, su probable despedida definitiva. Un brillo que nos recuerda que se apaga una generación que ya va quedando atrás”, explica a EFE Álvaro López Martín, autor del blog Generación Ghibli —referente en español sobre el estudio— y de libros como ‘Mi vecino Miyazaki’ (2014).

El póster de la cinta, muestra una criatura fantástica similar a un ave, elementos conocidos en el cine del afamado director, bajo la tendencia de mezclar la fantasía con el mundo real.

No se han compartido más detalles al respecto, sin embargo, se sabe que ‘How Do You Live’ está basada en el libro homónimo de 1937 del escritor Genzaburo Yoshino. Esta obra cuenta la historia de un chico de 15 años que se embarca en un viaje de autodescubrimiento que le ayudará a conocer el significado de la vida. El protagonista será asistido por las memorias y consejos de su tío a través de un diario.

La producción empezó en 2016 y tenía planeado estrenarse a la par de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, no obstante, sufrió retrasos debido a la pandemia de COVID-19. Toshio Suzuki, productor general del proyecto, contó que Miyazaki planea dedicar la producción a su nieto para que este lo recuerde una vez muera.

Esta será la primera película de Miyazaki en diez años, desde el estreno de Kaze Tachinu (The Wind Rises) en 2013.

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Lo mejor de la animación japonesa.

El observatorio de Danza de Bogotá, MassDanza, es una entidad que trabaja para condensar el ver, sentir y entender la danza, un proyecto de investigación permanente de este sector cultural en términos cuantitativos.

El quehacer de la danza, en el imaginario colectivo, se sujetó a la ejecución majestuosa de las técnicas corporales y de movimiento, al compás de los sonidos o los silencios, en el marco de escenarios espectaculares, las luces y los aplausos. Sin embargo, el ejercicio de la danza, en un mundo como el de hoy, trasciende las fronteras de lo espectacular, es transmisora de saberes, objeto de estudio, sujeto de intercambio, herramienta para la transformación, un medio de comunicación, una acción política, entre otras. 

Consecuente con esto, la Fundación Integrando Fronteras, parte de su programa ‘Investigación para las Artes’, en 2012 creó ‘MASSDANZA, Observatorio de Danza’, con el objetivo de visibilizar la danza con otras miradas en el contexto actual.

En su anterior trabajo que trató de una investigación y diagnóstico del estado de la danza antes y después de la pandemia y los desafíos que vienen para este sector académico y cultural. 

En esta ocasión el reto es distinto y su título refleja la intención de la investigación: ‘El estado del arte de la danza en Bogotá 2.0.  La danza desde otras miradas’. Un escrito que expone un diagnóstico actualizado del sector de la danza en Bogotá, que en sí mismo, formula nuevas preguntas y propone nuevos procesos de rastreo y estudio, que se seguirán adelantando a partir de  la entidad y que resultó del trabajo colaborativo de varios equipos de recopilación de información y análisis interesados en el campo.

El texto pretende contribuir a dar respuesta a las preguntas ¿Cuáles son las dinámicas de la danza hoy? y ¿Cómo se ha transformado el campo en los últimos años? De manera que se pueda actualizar la información compilada en el Estado del Arte del Área de Danza en Bogotá D.C., (Beltrán Pinzón & Salcedo Ortíz, 2006), un documento que sirvió de base para el reconocimiento de los diferentes agentes de la danza en la ciudad. 

Sheyla Yurivilca Aguilar, Coordinadora General de Massdanza - Observatorio de Danza. Dijo sobre esta publicación “Esperamos que este documento incentive nuevas maneras de entender el campo de la danza en la ciudad y sirva como instrumento para la planeación de proyectos asertivos para y desde esta disciplina de las artes escénicas” 

Aquí puede descargar el libro. 

Isabel Ramírez Ocampo, más conocida como ‘La Muchacha’, empuña en esta oportunidad el lápiz para dibujar. Producto de la mezcla de la música y el arte, fue editado por  Laguna Libros y de Cardumen el libro ‘la muchacha’,  una bitácora que reúne las letras de sus canciones e ilustraciones. Un texto que le da voz a la inconformidad de la juventud.

Y es que como ilustradora Isabel ha usado el seudónimo de “La Dibujadora” con los que ha participado en proyectos como Punto y Raya: La memoria embolatada, una iniciativa de popup art con apoyo de Temblores ONG donde, a través de las ilustraciones hechas en vivo por Sara Agustina y La Muchacha, donde se buscó retratar a diferentes víctimas de la violencia colombiana. En 2022 realizó la ilustración de la portada del sencillo Síganme los buenos, de la banda Aterciopelados y Bomba Estéreo.

Así mismo en sus canciones ha tratado temas como las ejecuciones extrajudiciales conocidas como los Falsos Positivos, el acoso sexual hacia las mujeres o la minería en los páramos de Colombia.

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Sin duda, una selección de 10 largometrajes es algo muy limitado para compartir y resumir un año de cine, más cuando las plataformas han hecho que los estrenos sumen en número, así que muchas se nos quedan sin nombrar y como es habitual en nuestro conteo dejamos por fuera las obras que protagonizaron los premios Óscar porque en varias ocasiones reflejan lo mejor del año anterior, además, de la visibilidad que ya obtuvieron. Por esa razón resaltamos un par de joyas: ‘Flee’ y ‘C’mon C’mon’. 

Otros títulos dignos de recomendar que estuvieron cerca de quedar en la gran elección son: ‘Dog’, ‘Petit Maman’, ‘Hasta los huesos’, ‘X’, ‘El hombre del norte’, ‘El menú’ y otras que seguramente por descuido o por gusto no hacen parte de esta muestra que cuenta con 13 largometrajes. Así que aquí les presentamos  nuestra selección con una breve referencia de la cinta. 

10. ‘El Buen Patrón’ dirigida por Fernando León de Aranoa

Un poema de la infamia, la mirada desde otra perspectiva que nos dio en ‘Los lunes al sol’ (2002) con el mismo protagonista Javier Bardem que evidencia su maestría en su labor, en aquel entonces era un desempleado con dignidad y ahora es un infame patrón. 

10. ‘Top Gun’ dirigida por Joseph Kosinski, Tony Scott

La grandeza de Tom Cruise, uno de esos dinosaurios que hace cine para dinosaurios y que paradójicamente no ha dejado de cosechar éxitos, en esta ocasión podemos decir que hizo el estreno más importante del año con una cinta que estuvo a la altura de su magnitud. 

9. ‘Madres Paralelas’ dirigida por Pedro Almodóvar 

Lo de siempre con el director español, su destreza en la que conjuga una buena historia con una bella estética, tiene un elemento novedoso, la memoria, esa construcción tan necesaria para nunca olvidar. 

9. ‘Crimes of the Future’ dirigida por David Cronenberg

Con el reparto parece que no hay mucho más que agregar: Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart, pero detrás de cámaras está uno de los grandes genios del séptimo arte de los últimos 40 años, David Cronenberg nos trae una truculenta historia de ciencia ficción con una sensualidad original y sombría. 

8. ‘Elvis’ dirigida por Baz Luhrmann

Excitante, brillante y dinámica. Ante la banda sonora y la rapidez de la narración es fácil olvidar el reloj y disfrutar de unos de los talentos más importantes de la música de todos los tiempos. 

7. ‘Red’ dirigida por Domee Shi

Una obra hermosa, sensible que describe con brillantez la adolescencia femenina, aborda con ingenio el tema de la menstruación. Debería ser obligatoria, sobre todo para los padres. 

6. ‘The Batman’ dirigida por Matt Reeves 

Bien librado salió Robert Pattinson en la encarnación del superhéroe. Realista, oscura, una buena cinta que le devolvió la dignidad al señor Díaz luego de ese mal experimento con Ben Affleck. 

6. ‘Un héroe’ dirigido por Asghar Farhadi

Te confronta, te derrumba los estereotipos y nos ayuda a entender qué pasa por el pensamiento del pueblo de Irán. A Farhadi siempre gracias por su labor y compromiso.

5. ‘Los Reyes del Mundo’ dirigido por Laura Mora

Somos unos espías, pero no juzgamos, entendemos, nos emocionamos, descubrimos, Laura Mora nos muestra en su trabajo la mirada de los adolescentes en una demoledora película de carretera.

4. ‘Argentina, 1985’ dirigida por Santiago Mitre

Nunca más.

3. ‘Todo en todas partes al mismo tiempo’ dirigida por: Dan Kwan, Daniel Scheinert 

Maravillosa, la gran sorpresa del año, una cinta de ciencia ficción que juega con el ingenio del multiverso y la filosófica, un sello de Marvel, pero aquí sí nos sorprendemos, una absoluta maravilla. 

2. ‘La peor persona del mundo’ dirigida por Joachim Trier

Estupendo trabajo que cuenta la historia de Julie, la peor persona del mundo que es simplemente un estado de ánimo, además de una expresión, no un ataque, ni un juicio de valor. Romántica, realista y con unos toques de fantasía que la ponen en lo más alto de este año que vimos en las salas de cine, un deleite audiovisual. 

1.‘Licorice Pizza’ dirigida por Paul Thomas Anderson

Con una pareja de desconocidos el director retrata los años 70 con sensibilidad, una cinta de amor y de adolescencia, una bella postal hecha cine. 

La actriz ha trabajado incansablemente por mejorar y sacar a delante el cine colombiano, una labor que desarrolla desde la dirección del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. Es por eso y teniendo en cuenta su labor y el gran reconocimiento actoral con el que cuenta, que la junta directiva de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas decidió elegir a Natalia Reyes como su presidenta para el periodo 2023-2025.

La intérprete de 35 años será la sucesora del actor Juan Ángel, que estuvo en la posición durante el período 2021-2022. Natalia Reyes será la persona más joven en estar en ese cargo en los 13 años de la creación de la Academia Colombiana.

Ante el nombramiento la actriz  dijo “Me siento muy honrada por la elección de mis compañeros y por la confianza que han depositado en mí. Asumo el compromiso con este sector que me apasiona y que tiene muchos logros por conquistar”.

Entre sus principales retos según la Academia están "el fortalecimiento de los Premios Macondo, el fomento de la paridad y la inclusión en la industria, el impulso de la formación en el sector audiovisual y la atracción de nuevos miembros en todas las especialidades y más espectadores en las salas colombianas". Reyes es una de las más importantes actrices colombianas, egresada de The Lee Strasberg Theatre and Film Institute de Nueva York. Entre las producciones nacionales en las que ha participado figuran 'Lady, la vendedora de rosas' y 'El Comandante'. En cine es recordada por su actuación en 'Pájaros de verano' y 'Terminator: Dark Fate'.

Otras películas o programas en las que ha estado son: ‘Pickpockets: maestros del robo’, ‘En la ruta del narco’, ‘Sumergible’, ‘Tomorrow before After’, entre otros roles.

Hace años Piedad Bonnett en un conversatorio en el que hablaba de literatura romántica confesaba que le costaba demasiado que sus personajes comieran o tuvieran sexo, es decir compartir y describir esos específicos momentos, después de esas palabras cada vez que leo una novela descubro que las mejores descripciones son las que no son especificas en las acciones. 

Así que el morbo de ver a un grupo selecto de comensales no me causaba interés, excepto por una de ellas, Anya Taylor-Joy  y por el jefe de la cocina, el sorprendente Ralph Fiennes. Les confieso que fue mucho más de lo que esperaba, porque un banquete de ricos, la verdad la expectativa no es tan grande, pero realmente ‘El menú’ es una producción exquisita, muy original y sin duda es una experiencia que trasciende como el sabor de las mejores hamburguesas, perdón por la comida rápida ante tanto glamour.

Creo que ya lo dije todo, aunque quede la sensación que es poco, la cinta es en esencia sencilla, un grupo de ricos va a una cena inolvidable, no sobra decir que es algo exclusivo en una isla desconectada. 

Los clientes son variados, deportistas ricos en una mesa, una periodista que es una certera crítica de comida con su acompañante, unos viejos millonarios sin ninguna cualidad especial, un actor reconocido de cine con su pareja y un amante del trabajo de Julian Slowik (Ralph Finnes) Tyler (Nicholas Hoult), un joven que recibió una cancelación de último momento de su novia y se vio obligado a contratar a una compañera, Margot Mills (Anya Taylor-joy) la única diferente del grupo, algo así como un mosco en leche, fue por accidente y no siente admiración por el chef, no hace parte de la clase alta, ni busca reconocimiento en las redes sociales, está por la plata. 

La presentación de los personajes se hace a lo largo de la historia, los giros de guion son admirables y no crean que estamos ante una cinta pasiva en el comedor, hay algunas escenas en la isla que refrescan, en general es una propuesta que coquetea con la acción, en la que se impone la comedia que es brillante y en un tono menor podríamos decir que cumple con algunos elementos de terror. 

Los actores son brillantes, sorprendentes, los ya mencionados nos despiertan amor, odio y una incertidumbre por descubrir quiénes son en realidad, el resto del reparto no se queda atrás son unos desgraciados encantadores y esto es de lo más fantástico porque reducen a su mínima expresión a esos supuestos ganadores en la vida que son admirados por millones, pero por dentro están llenos de inseguridades y claro que causa placer cuando se burlan de la clase esnob.

‘El menú’ en esencia es un gran largometraje seguramente no ganará grandes premios, no obstante si cumple con ese bello arte de entretener mientras hace una mirada crítica y mordaz a la sociedad en general, por sus escenas violentas no es tan recomendada para niños, sin embargo seguro que a todos les encantará esta propuesta dirigida por Mark Mylod.  

David Manzur, nació en Neira, Caldas. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York y en el Instituto Pratt de la misma ciudad. A los 24 años realizó su primera exposición individual en el Museo Nacional de Colombia. 

Se ha caracterizado por el arte figurativo y abstracto, que desarrolló hasta los años 70. Posteriormente fue influenciado por el barroco español, el pintor, empezó una nueva etapa de su obra, donde resaltan, la naturaleza muerta, la transverberación de Santa Teresa, la figura e historia de San Sebastián y principalmente, la figura del caballo en diversas situaciones. Según estudiosos de sus cuadros, una de sus innovaciones fue incorporar en sus trabajos tejidos de hilos de nailon coloreados y haber llegado al dominio del mural, el retrato, el bodegón, el desnudo y el vestido.

Su obra ha evolucionado y ha obtenido reconocimientos, como el ‘Guggenheim’, en dos oportunidades, 1961 y 1962 y la Orden de Boyacá que fue entregada al artista en el 2019, entre otros. La Red Cultural del Banco de la República, alberga 21 de sus obras y los museos y galerías siempre abren las puertas para recibir al maestro Manzur. Ha realizado casi 100 exposiciones en diferentes galerías del mundo y muchas de sus obras adornan edificios en Estados Unidos, Argentina, Brasil, España, México y Venezuela, entre otros países. David Manzur, es considerado como uno de los artistas plásticos más importantes de Colombia, por eso al cumplir 70 años de vida artística, será homenajeado con varios eventos.

Se realizará un exquisito concierto denominado ‘Manzur 70 años’ el próximo 7 de enero, que estará a cargo del Coro de Cámara ‘Voci Del Mare’ y de la Sinfónica ‘Camerata Heroica’ de Cartagena, en la iglesia de la Inmaculada Concepción de Barichara, en el departamento de Santander, lugar donde ha vivido el pintor en los últimos años.

Por otra parte, la editorial ‘Skira’ publicará un libro en el que relata la vida del artista. Igualmente, la compañía colombiana Corona producirá una vajilla conmemorativa con una de las obras de Manzur y la diseñadora Lina Cantillo proyecta una colección basada en la obra del maestro. 

Nunca es tarde, me disculpo por escribir sobre esta producción audiovisual hasta ahora, cinco semanas después de su estreno, espero que cuando usted lea estas palabras todavía esté en la cartelera de cine de Bogotá.

Antes de hablar del argumento quiero compartir los reconocimientos obtenidos:

- Premio Mejor Largometraje de Ficción, Sección Screenings, Bogotá Audiovisual Market - BAM, Colombia, 2019.

- Ganador de la Beca de Música Original para Largometraje, IDARTES, Bogotá, Colombia, 2018.

De la historia no hay mucho que decir, no quiero dañar la experiencia, eso sí, debemos mencionar que fue ambientada con hechos históricos, los años 80 en el Centro de Bogotá con una atmosfera en la que la situación política del país está presente.

Son dos personajes principales, Salvador, un sastre reservado con cara triste que habla poco, su relación más cercana es con su prima y el hijo de ella, también con su mascota Laica a quien cuida y consiente. En el edificio donde está su oficina llega una nueva ascensorista, Isabel, que despierta su interés, una mujer muy distinta, alegre, cordial, siempre en búsqueda de una buena charla.

Esta bella historia de amor le hace un homenaje a las salas de cine, a ese plan ideal para el idilio de esos años, a los boleros, a la salsa, pero también a otros lugares como los cafés, bares y parques, aquí no caben los centros comerciales, esa Bogotá de nuestros padres, abuelos y en mi caso de mi niñez.

Pero, y este ‘pero’ debería ir en mayúsculas, estamos lejos de una comedia romántica o de un relato de amor tradicional, aquí lo fundamental y lo más valorado de la producción es que puede evidenciar el actuar humano con todo lo que pueda implicar, lo bello que somos y a la vez lo horribles, cobardes, rencorosos, soñadores y demás expresiones que se evidencian a lo largo de la trama.

A ratos da la sensación que no pasa nada y de repente pasa de todo y ya no hay nada que hacer, perdón si esto parece ambiguo, poco claro, pero no es fácil describir las sensaciones que se despiertan tras ver a ‘Salvador’.

Los actores son brillantes y de gran recorrido: Héctor García ‘Pecas’ (El Colombian Dream (2006); Satanás (2007); Yo soy otro (2008) y Fabiana Medina (La sargento Matacho (2015); La toma de la embajada (2000); El caso Colmenares (2020).

Lo mejor es la música, el gran Andrés Correa puso su talento y sus canciones, las cuales fueron transformadas y no pierden su esencia.

César Heredia su director, dijo esto sobre su ópera prima "Salvador se origina de mis recuerdos de infancia. De mis días de vacaciones en la sastrería de mi abuelo y donde mi madre trabajaba con él cosiéndole a oficinistas de la zona. El taller quedaba en el centro de Bogotá, a pocas cuadras de la Plaza de Bolívar, del Palacio de Justicia. Mi memoria se permea de los olores, el bullicio del centro, la música y las voces radiales, los carros, los perifoneos, la cotidianidad de la época que encubría la violencia latente del país. El primer recuerdo que tengo de un hecho violento es la Toma y retoma del Palacio de Justicia en 1985. Sus imágenes retransmitidas por televisión nunca se me van a olvidar. El caos, el miedo, la posibilidad de que mi madre pudiera ser víctima de la situación por estar a tres cuadras del edificio, por vivir incluso a menos de diez calles de la zona; el riesgo de convertirse en víctima de un conflicto aparentemente ajeno, de una bala perdida, o de un Estado frenético y solapado".

Octavio Escobar es profesor universitario de Literatura y también es médico; ejerció por muchos años y conoció, a través de sus pacientes, diversas historias. Luego dejó de ejercer, aunque confiesa que lo hace solo para los amigos. Su encuentro con el universo literario se dio a muy temprana edad, él encontró en la escritura ese catalizador de emociones que le dan alimento. Su primera publicación la realizó con el cuento ‘El color del agua’ en 1993. A partir de allí sus entregas han sido más frecuentes y transitan entre el cuento, la novela y la poesía.

El escritor habló en ‘Amantes del Círculo Polar’ sobre el significado de la escritura en su vida y acerca de la segunda edición de ‘Manual de Hipocondría’, que además cuenta con elementos visuales que enaltecen la obra.

“Hubo un momento en el que volví a los hospitales, porque se vinieron las enfermedades de mis padres, que terminaron llevándolos a la tumba y entonces viví la experiencia de ser algo así como un acompañante informado. Me surgió la idea de contar estas vivencias que tienen que ver con la medicina desde varios puntos de vista y lo primero que intenté fue escribir mini cuentos, pensé también en una novela y la verdad no funcionaban las cosas y recordé que cuando muchacho había leído y escrito poesía. Escribí mi primer libro ‘Historias Clínicas’, que ganó el Premio de la Tertulia Literaria, hace unos años durante el Covid, luego fue surgiendo ‘Manual de Hipocondría’, que ganó el Premio de Palmas de Gran Canaria de Poesía”, nos cuenta Octavio Escobar.

‘Manual de Hipocondría’ nos acerca sutilmente y con dosis exactas, a la experiencia de ver la enfermedad, tratarla y padecerla. Así mismo describe, con maestría y algo de dolor, el contexto de este país en donde la guerra no cesa y los muertos se suman a los que dejan las enfermedades. El texto nos permite identificarnos y hasta sonreír tímidamente porque allí hemos caído, sin saberlo, en un universo de “mentiritas” que nos creemos.    

La trayectoria de Octavio Escobar es extensa, algunos de sus publicaciones son: ‘Las láminas más difíciles del álbum’ (1995, Premio Confamiliar del Atlántico de literatura juvenil), La posada del almirante Benbow (1997), De música ligera (1998, Premio Nacional de Literatura del Ministerio de Cultura) y Hotel en Shangri-Lá (2004, Premio Nacional de Literatura de la Universidad de Antioquia) y las novelas El último diario de Tony Flowers (1995), Saide (1995, Premio Crónica Negra Colombiana, traducida al italiano y al alemán), El álbum de Mónica Pont (2004, ganadora de la IX Bienal Nacional de Novela "José Eustasio Rivera"), 1851. Folletín de cabo roto (2007, Beca de Creación del Ministerio de Cultura), Destinos intermedios (2010), Cielo parcialmente nublado (2013), Después y antes de Dios (2014, XLV Premio Internacional de Novela Corta “Ciudad de Barbastro” y Premio Nacional de Novela del Ministerio de Cultura, 2016, traducida al francés), El mapa de Sara (2016) y una de las más recientes ‘Cada Oscura Tumba’, sobre los falsos positivos en Colombia. Cuentos suyos aparecen en Narradores del Siglo XXI. Cuatro cuentistas colombianos (FCE, 2005) y en antologías en español y otras lenguas. En Todos los cuentos el cuento (2007) compiló poéticas de cuento de quince escritores colombianos.

‘Manual de Hipocondría’ se puede adquirir en Matorral Librería en Bogotá o a través de la página en Instagram de la Editorial Verso Libre.