El 40°. Festival Nacional de la Música Colombiana, se realizará hasta el 23 de marzo y este año conmemora cuatro décadas de historia exaltando la tradición de la música andina colombiana.

El evento reunirá a artistas, compositores, estudiantes y amantes de la música en distintos escenarios de la Capital Musical de Colombia, consolidando a la ciudad como epicentro cultural del país.

LAUD 90.4 FM ESTÉREO estuvo presente durante el lanzamiento, y esto dijo Johana Ximena Aranda, alcaldesa de Ibagué, ‘tenemos previsto un espectáculo musical y gastronómico. Así que los esperamos con extraordinarios artistas, un homenaje a los grandes de la música colombiana, vamos a tener un abreboca de lo que serán cuarenta años de historia, de legado y de mostrar por qué somos la capital musical de Colombia”.

Más de 20 eventos para celebrar la música

La programación oficial incluye más de 20 actividades culturales, académicas y musicales que se desarrollarán en diferentes escenarios emblemáticos. El Festival es organizado por la Fundación Musical de Colombia, con el apoyo de entidades públicas, privadas y académicas que hacen posible esta gran celebración cultural.

Música en toda la ciudad

La programación se extenderá a diferentes puntos de Ibagué con conciertos gratuitos y actividades culturales. Entre ellos, presentaciones en parques, centros comerciales y espacios públicos, así como talleres especializados en instrumentos tradicionales como el tiple.

El 21 de marzo, en el marco del Día Nacional de la Música Colombiana, se llevará a cabo un acto simbólico en el Cementerio Central San Bonifacio en homenaje a los maestros Garzón y Collazos.

Gran cierre con artistas nacionales

El Festival culminará el 22 de marzo con el Concierto de Premiación y Clausura, que contará con la participación de artistas de reconocimiento nacional como Yuri Buenaventura, Puerto Candelaria y la Majestuosa Banda de Baranoa.

Homenaje a las mujeres de la música colombiana

Esta versión tendrá como eje central el reconocimiento a las mujeres de la música colombiana, destacando su talento, trayectoria y aporte a la preservación de las tradiciones sonoras del país.

La presidenta de la Fundación Musical de Colombia, Doris Morera de Castro, destacó la importancia de este homenaje: “Este año rendimos homenaje a la mujer de la música colombiana. Escogimos 15 mujeres poderosas que han luchado por nuestra música. Ellas serán las grandes protagonistas de este Festival”.

De esta manera Ibagué se convierte en un escenario vivo donde la música, la cultura y la tradición se encuentran para celebrar 40 años de historia. El Festival Nacional de la Música Colombiana reafirma así su papel como uno de los principales espacios de difusión y preservación del patrimonio musical colombiano.

Durante la jornada, el público podrá disfrutar de la participación especial de Burning Caravan, agrupación que ha llevado su estilo único a escenarios de Colombia y el mundo. Su propuesta fusiona rock, música balcánica y gitana, jazz y ritmos latinoamericanos, en un espectáculo cargado de teatralidad y energía.

Se suma también Sergio Arias & Malalma, propuesta fundada en 2007 que ha trazado su propio camino bajo la corriente del Latin Trip o electrocumbé. Liderado por Sergio Arias, reconocido por su paso en Sidestepper, este proyecto multidisciplinario mezcla funk, rock y electrónica con la raíz de la champeta y los ritmos afrocolombianos. Más que música, ofrece una reflexión sonora sobre el alma humana y el contexto social contemporáneo.

La energía latina alternativa llegará con La Reforma, agrupación que fusiona cumbia, vallenato y champeta con elementos urbanos y pop contemporáneo, donde más allá del ritmo, la banda se proyecta como un movimiento creativo que comunica mensajes de esperanza y transformación cultural mediante una narrativa artística e innovadora.

La tarde se enriquecerá con la propuesta experimental de Juan Sin Cabeza, que cruza la canción de autor y la música contemporánea. Para esta ocasión, ampliará su dimensión tímbrica con vientos y percusiones, prometiendo una experiencia de escucha profunda e intensidad física.

Música para reconocerse en la diferencia

El ‘Tortazo Ecléctico’ es, en esencia, una invitación a celebrar la diversidad sonora y a disfrutar la música como un espacio de encuentro.

Lugar: Teatro al aire libre La Media Torta Fecha: Domingo 22 de febrero de 2026 Hora: 2:00 p. m.

Entrada libre hasta completar aforo.

El Planetario de Bogotá presenta French Touch, una función inmersiva sonora llena de ritmo, luces y nostalgia. corrientes más influyentes de la música electrónica: el french house. Una experiencia que revive el auge de la electrónica francesa que, durante los años 90 y 2000, marcó una época con sonidos filtrados, bases funk y un espíritu elegante y experimental.

El show La presentación tendrá lugar en la cúpula 360° del Planetario, el público vivirá una experiencia envolvente donde la música, el diseño visual y el ritmo se fusionan en una auténtica fiesta sensorial. La selección curada de artistas y tracks icónicos, desde Daft Punk hasta Cassius y Justice, lo que permitirá transportar a los asistentes a un viaje sonoro cargado de luces y energía.

Fechas y horarios

· Fechas: 10, 17 y 24 de febrero de 2026

· Hora: 5:00 p. m.

Tenga en cuenta que, el show French Touch incluye visuales de ritmo acelerado, imágenes de movimiento rápido y sonidos de alto impacto. Estas características pueden causar incomodidad en personas con sensibilidad visual o auditiva, y provocar mareos, vértigo o migrañas fotosensibles.

Se recomienda que quienes tengan antecedentes de epilepsia fotosensible o alta sensibilidad a estímulos visuales y sonoros deben informar antes de ingresar al evento.

De esta manera, los capitalinos podrán seguir contando con el acceso a la cultura, la innovación y las experiencias que inspiran a la ciudadanía.

Para mayor información puede vivistra el siguiente link.

El reconocido cantautor español Diego El Cigala regresará al país en mayo de 2026 para conmemorar el aniversario de ‘Lágrimas Negras’, el álbum que marcó un hito en la fusión del flamenco con la música afrolatina y que lo consagró como una de las voces más influyentes del flamenco contemporáneo.

La gira nacional rendirá homenaje al histórico trabajo grabado junto al pianista cubano Bebo Valdés, publicado originalmente en 2003 y considerado hoy una obra fundamental de la música iberoamericana. Más de dos décadas después de su lanzamiento, ‘Lágrimas Negras’ mantiene una vigencia indiscutible, respaldada por la crítica internacional y por el entusiasmo del público en recientes presentaciones del artista en escenarios europeos, donde ha sido recibido con ovaciones y llenos totales.

Un homenaje a una obra esencial de la música en español

El viernes 15 de mayo de 2026 en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Diego El Cigala ofrecerá un repertorio centrado en las canciones que dieron vida a ‘Lágrimas Negras’, acompañado por una banda de primer nivel. Con su voz profunda y expresiva, el artista propone un recorrido musical cargado de emoción, elegancia y raíz, que reafirma la vigencia de un espectáculo pensado para celebrar una obra que transformó la música en español.

Esta gira será una oportunidad única para que el público colombiano reviva uno de los álbumes más influyentes de las últimas décadas y se reencuentre con un artista que ha sabido tender puentes entre tradiciones musicales y generaciones.

Con este aviso, junio de 2026 deja de ser un mes sin espectáculos y se consolida como una de las temporadas más atractivas para los amantes de la música en vivo.

Una publicación compartida de Páramo Presenta (@paramopresenta)

Un recorrido por los clásicos y nuevas canciones

La cita será el próximo viernes 12 de junio en el Movistar Arena, allí el público celebrará los grandes clásicos de su carrera, como ‘El amor después del amor’ y ‘Mariposa Tecknicolor’, junto a canciones de su etapa creativa más reciente. La promesa es un viaje musical por lo que muchos consideran la banda sonora de varias generaciones.

De esta manera, Fito Páez reafirma su estrecho vínculo con los asistentes colombianos y promete una noche inolvidable que marcará la agenda cultural de 2026.

‘Cocotera’ es descrita por sus creadores como un refugio sonoro: La paz de un mar tranquilo, la sombra en un día de sol, el instante en el que el cuerpo se relaja y el alma encuentra su lugar. La ‘Cocotera’ es planta, fruto, sombra y aire, pero también representa una energía femenina sostenida en la naturaleza, asociada al cuidado, la calma y el alimento.

“Es una narración estática de un instante presente, donde encuentras el mar calmo y la sombra de la cocotera, que también puede ser alguien que te ofrece un coco refrescante. Mezclamos músicas que nos inspiran de las costas de Colombia, Brasil y Argentina. De ahí venimos y hacia ahí vamos”, explicaron los artistas. La composición es una invitación a soltar el ritmo acelerado de la ciudad, dejar atrás el peso cotidiano y permitir que el cuerpo y el alma encuentren su propio compás, como si se tratara de tenderse en la arena sin prisa ni artificios.

El proyecto nació de una necesidad artística compartida. Oye Sebas y Alan Da Silva, cohabitantes de un circuito creativo en constante movimiento y con Barcelona como ciudad de residencia, comenzaron a reunirse para conversar, cocinar y crear, encontrando en la playa el escenario común desde donde contar sus historias y construir “otra” idea de tropicalidad.

“Tanto el lugar de donde venimos como aquel en el que vivimos tienen a la playa como fundamento, como espacio de permanencia, memoria y recuerdo. En ese escenario surge una añoranza frutal que no encontramos en Barcelona, y así nace ‘Cocotera’: una energía femenina e híbrida, que puede ser mujer o puede ser árbol”, señalaron.

Además, agregaron “Hoy pareciera que la música debe sonar siempre espectacular. ‘Cocotera’ no es el caso: decidimos que suene real, cercana y emotiva, dándole lugar a la canción y a su esencia”.

Para sus creadores, es una canción ideal para el fin de la tarde, aunque muchos oyentes la han percibido como un tema matinal: Relajado, sutil y con la dosis justa de energía positiva para comenzar el día.

El lyric video acompaña esta propuesta desde un lenguaje visual igualmente minimalista. La letra aparece en primer plano junto a una musa inspiradora: Una madre, una mujer afrodescendiente, la naturaleza misma. 

“Creemos que esta canción genera un impacto positivo en quienes la escuchan y la bailan. Así como su creación fue una fuente de alegría para nosotros, queremos que esté disponible para cualquiera que necesite un instante de música y un sorbo de calma”, concluyen Oye Sebas y Alan Da Silva, quienes esperan que ‘Cocotera’ no solo se comparta como canción, sino como un sentir capaz de abrir nuevos caminos musicales y emocionales.

Tras una etapa en la que estuvo escribiendo y actuando en eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y sumido en la experiencia de la paternidad, Rushwell canalizó esos momentos de crecimiento humano y artístico en ‘Bitácora’, su quinto trabajo de estudio, que se presenta como un diario musical de pensamientos y vivencias. 

‘Bitácora’ explora temas complejos como la depresión, el miedo, la soledad y la frustración con el sistema, combinando influencias de bandas clásicas del rock latinoamericano como Poligamia, Enanitos Verdes y Pedro Aznar, junto con ecos de grupos como Dio y Foo Fighters. 

“Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma”, comentó Rushwell sobre su proyecto. 

Musicalmente, el álbum es una oda al rock latinoamericano de los años 80 y 90, con una producción más madura que en trabajos anteriores y una composición que satisface plenamente al artista. 

‘Bitácora’ ofrece una mezcla diversa de estilos dentro del rock en español, con temas que van desde un sonido pegajoso hasta composiciones más introspectivas:

•    ‘Cinema del ayer’– rock pegajoso •    ‘Alguien más’– rock melódico cargado de frustración •    ‘Tu nombre’ – versión rock de un clásico de Nek •    ‘Destino final' – manifiesto honesto de la vida •    'Espiral' – canto desesperado por el cambio •    ‘Me da igual’ – retrato sonoro de la actualidad •    ‘No podrás’ – hit de Cristian Castro reinterpretado en hard rock •    ‘Hijos del Microchip’ – crítica a las nuevas generaciones •    ‘Sin oxígeno’ – grito de ayuda con beats noventeros •    ‘Fin de la transmisión’ – pieza técnica de inconformidad musical 

Rushwell ve en ‘Bitácora’ un recordatorio de que la música sigue viva y continúa alimentando las esperanzas de artistas y oyentes por igual. Su intención es mantener la autenticidad y el espíritu del rock en español frente a un panorama musical cada vez más dominado por tendencias digitales y producciones artificiales. 

Presentación íntima en Bogotá

Para celebrar el lanzamiento, J. Rushwell realizará un evento privado en Bogotá el 20 de febrero de 2026, un show íntimo donde presentará parte de su repertorio solista junto a las nuevas canciones de ‘Bitácora’ ante amigos, prensa y agentes de la industria. Tras este concierto, continuará buscando oportunidades para llevar su música en vivo y compartir su obra con más público. 

De esta manera, ‘Bitácora’ es una propuesta auténtica de rock en español, ideal para quienes buscan una conexión personal con la música a través de letras profundas y guitarras que laten con fuerza emocional.

‘Mr. Barz’ es un disco que habla del propio artista, de su forma de ver el mundo y de las emociones que atraviesan al ser humano: El amor, el deseo, la soledad y los demonios internos. El álbum nació de la necesidad de hacer música sincera, sin máscaras, con canciones que lo muestran tal como es y que reflejan su madurez artística tras diez años de carrera.

“Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer reales los sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente”, comentó William Barz.

Musicalmente, ‘Mr. Barz’ es un álbum donde el indie pop se fusiona con el R&B y el soul, bajo una producción minimalista, pero profundamente cálida. Beats de texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk y sintetizadores atmosféricos construyen una narrativa emocional coherente y envolvente.

“En este trabajo regresé al principio, a donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin DeGraw, Mac Miller y Rex Orange County. Además, hubo una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum: poesía antológica de autores como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos”, agregó el barranquillero.

Canciones que cuentan historias

El álbum se abre con ‘Dura Dú Dú’, un opening potente cargado de flow. ‘Fresh’ es cien por ciento Barz, mientras que ‘Dime que sientes’ combina música y poesía. ‘Solo’ es un groove honesto que conecta, y ‘Por cuarta vez’ se convierte en la joya del disco: El focus track y la primera canción compuesta para este proyecto, hace ocho años.

En ‘Modo avión’, William Barz le recuerda al rock que sigue presente en su esencia, aportando energía y fuerza. ‘Las horas’ es poesía pura; ‘Poker Face’, una historia cantada que brilla por su valor literario y musical; ‘Blowjob’ explora el deseo, el pecado y el atrevimiento; y ‘Los trucos’ cierra el álbum como una escena final de película, un collage emocional que retrata múltiples situaciones complejas.

De cara al 2026, William Barz planea duplicar los lanzamientos realizados en 2025, con la publicación de al menos 20 canciones nuevas, consolidando su independencia creativa y su apuesta por una música libre y auténtica.

“Es importante que las personas se den la oportunidad de escuchar Mr. Barz porque es un proyecto honesto y eso pesa. Estoy seguro de que, al reproducirlo, la gente se identificará con mínimo una canción. No es un álbum hecho para agradar, sino para desahogar el alma”, enfatizó el artista.

Antes del lanzamiento del disco, Ariel Tobo dio a conocer los sencillos ‘El Viaje’, ‘Hasta el Final’, ‘Tu Silencio’ y ‘Tu Silencio’ (versión acústica), piezas que anticiparon el tono emocional y narrativo del proyecto.

‘Jet Lag’ nació de un proceso largo y honesto. Las canciones fueron compuestas en distintas etapas de la vida del artista y, aunque parten de emociones diversas, juntas construyen una sola historia: La de sentirse desfasado, pero en constante reconstrucción.

“El concepto se basa en esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento”, explicó Ariel Tobo.

El proyecto aborda la confusión y la búsqueda personal como estados válidos del ser humano. Su mensaje central es claro: Está bien no estar bien, detenerse y realinearse también hace parte del camino. No hay viaje sin turbulencias.

Musicalmente, ‘Jet Lag’ es un recorrido por las influencias que han marcado al cantautor: Rock, blues, funk, pop alternativo, junto a matices íntimos y acústicos. Guitarras protagónicas, riffs con slide, líneas de bajo cargadas de emoción, baterías sólidas y sintetizadores nocturnos construyen una atmósfera de carretera y madrugada. Es un disco orgánico, pero con una sensibilidad moderna.

“La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida”, afirmó el artista, influenciado por sonidos de jazz, blues, rock, salsa y pop, y referentes como John Mayer, Gary Clark Jr., Jorge Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.

La canción que da nombre al álbum fue escrita en medio de una crisis, entre el insomnio y el ruido mental. Combina rock alternativo con elementos del blues y transmite agotamiento, y vulnerabilidad. Su letra habla de sentirse atrapado dentro de uno mismo y de la necesidad de encontrar una señal o un refugio.

De cara al futuro, Ariel Tobo proyecta para 2026 una gira nacional, la gestión de fechas internacionales especialmente en México, nuevas colaboraciones, el fortalecimiento de su comunidad digital y el inicio de la preproducción de un nuevo proyecto musical, sin perder la esencia de ‘Jet Lag’.

En el marco de su reunión anual del Comité Intergubernamental celebrada este año en Nueva Delhi, el anuncio hace parte de un grupo de diez expresiones latinoamericanas que ingresan a la prestigiosa lista, reafirmando la diversidad y vitalidad del patrimonio cultural vivo de la región.

El son cubano, género musical que ha marcado profundamente la identidad de Cuba y de América Latina, fue destacado por su valor histórico, social y artístico. Esta práctica musical, revitalizada a nivel global a finales de los años noventa gracias al proyecto Buena Vista Social Club, continúa siendo un símbolo de memoria, resistencia cultural y transmisión intergeneracional.

Durante la misma sesión, la Unesco reconoció otras expresiones musicales del continente como el joropo de Venezuela, el cuarteto de Córdoba (Argentina) y la Sarawja de Moquegua (Perú), una manifestación que integra música y danza aymara. Asimismo, se incluyeron celebraciones de profundo arraigo religioso y comunitario, como la Fiesta de la Virgen de Guadalupe en Sucre (Bolivia) y la representación de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo en Iztapalapa (México).

Uno de los hitos de esta edición fue la inclusión, por primera vez, de una manifestación de El Salvador en la lista del Patrimonio Cultural Inmaterial: La Cofradía de las flores y las palmas de Panchimalco, celebración de raíces indígenas y coloniales vinculada a la veneración de la Virgen María, que combina rituales, música, danza y gastronomía tradicional.

Chile, por su parte, sumó un nuevo reconocimiento con la inscripción del circo de tradición familiar, mientras que Paraguay y Panamá figuran entre los países cuyas prácticas fueron incluidas en la lista de patrimonio que requiere medidas urgentes de salvaguardia, como la artesanía ancestral ñai’ũpo y los procesos de construcción de la casa quincha.

Con estas decisiones, la Unesco refuerza su compromiso con la protección del patrimonio cultural inmaterial, entendido como tradiciones orales, artes escénicas, rituales y saberes que siguen vivos en las comunidades. El organismo además recordó que las 788 prácticas de 150 países ya forman parte de sus listas de Patrimonio Cultural Inmaterial, consolidando un mapa diverso del legado cultural de la humanidad.