Tras una etapa en la que estuvo escribiendo y actuando en eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y sumido en la experiencia de la paternidad, Rushwell canalizó esos momentos de crecimiento humano y artístico en ‘Bitácora’, su quinto trabajo de estudio, que se presenta como un diario musical de pensamientos y vivencias. 

‘Bitácora’ explora temas complejos como la depresión, el miedo, la soledad y la frustración con el sistema, combinando influencias de bandas clásicas del rock latinoamericano como Poligamia, Enanitos Verdes y Pedro Aznar, junto con ecos de grupos como Dio y Foo Fighters. 

“Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma”, comentó Rushwell sobre su proyecto. 

Musicalmente, el álbum es una oda al rock latinoamericano de los años 80 y 90, con una producción más madura que en trabajos anteriores y una composición que satisface plenamente al artista. 

‘Bitácora’ ofrece una mezcla diversa de estilos dentro del rock en español, con temas que van desde un sonido pegajoso hasta composiciones más introspectivas:

•    ‘Cinema del ayer’– rock pegajoso •    ‘Alguien más’– rock melódico cargado de frustración •    ‘Tu nombre’ – versión rock de un clásico de Nek •    ‘Destino final' – manifiesto honesto de la vida •    'Espiral' – canto desesperado por el cambio •    ‘Me da igual’ – retrato sonoro de la actualidad •    ‘No podrás’ – hit de Cristian Castro reinterpretado en hard rock •    ‘Hijos del Microchip’ – crítica a las nuevas generaciones •    ‘Sin oxígeno’ – grito de ayuda con beats noventeros •    ‘Fin de la transmisión’ – pieza técnica de inconformidad musical 

Rushwell ve en ‘Bitácora’ un recordatorio de que la música sigue viva y continúa alimentando las esperanzas de artistas y oyentes por igual. Su intención es mantener la autenticidad y el espíritu del rock en español frente a un panorama musical cada vez más dominado por tendencias digitales y producciones artificiales. 

Presentación íntima en Bogotá

Para celebrar el lanzamiento, J. Rushwell realizará un evento privado en Bogotá el 20 de febrero de 2026, un show íntimo donde presentará parte de su repertorio solista junto a las nuevas canciones de ‘Bitácora’ ante amigos, prensa y agentes de la industria. Tras este concierto, continuará buscando oportunidades para llevar su música en vivo y compartir su obra con más público. 

De esta manera, ‘Bitácora’ es una propuesta auténtica de rock en español, ideal para quienes buscan una conexión personal con la música a través de letras profundas y guitarras que laten con fuerza emocional.

‘Mr. Barz’ es un disco que habla del propio artista, de su forma de ver el mundo y de las emociones que atraviesan al ser humano: El amor, el deseo, la soledad y los demonios internos. El álbum nació de la necesidad de hacer música sincera, sin máscaras, con canciones que lo muestran tal como es y que reflejan su madurez artística tras diez años de carrera.

“Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer reales los sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente”, comentó William Barz.

Musicalmente, ‘Mr. Barz’ es un álbum donde el indie pop se fusiona con el R&B y el soul, bajo una producción minimalista, pero profundamente cálida. Beats de texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk y sintetizadores atmosféricos construyen una narrativa emocional coherente y envolvente.

“En este trabajo regresé al principio, a donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin DeGraw, Mac Miller y Rex Orange County. Además, hubo una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum: poesía antológica de autores como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos”, agregó el barranquillero.

Canciones que cuentan historias

El álbum se abre con ‘Dura Dú Dú’, un opening potente cargado de flow. ‘Fresh’ es cien por ciento Barz, mientras que ‘Dime que sientes’ combina música y poesía. ‘Solo’ es un groove honesto que conecta, y ‘Por cuarta vez’ se convierte en la joya del disco: El focus track y la primera canción compuesta para este proyecto, hace ocho años.

En ‘Modo avión’, William Barz le recuerda al rock que sigue presente en su esencia, aportando energía y fuerza. ‘Las horas’ es poesía pura; ‘Poker Face’, una historia cantada que brilla por su valor literario y musical; ‘Blowjob’ explora el deseo, el pecado y el atrevimiento; y ‘Los trucos’ cierra el álbum como una escena final de película, un collage emocional que retrata múltiples situaciones complejas.

De cara al 2026, William Barz planea duplicar los lanzamientos realizados en 2025, con la publicación de al menos 20 canciones nuevas, consolidando su independencia creativa y su apuesta por una música libre y auténtica.

“Es importante que las personas se den la oportunidad de escuchar Mr. Barz porque es un proyecto honesto y eso pesa. Estoy seguro de que, al reproducirlo, la gente se identificará con mínimo una canción. No es un álbum hecho para agradar, sino para desahogar el alma”, enfatizó el artista.

Antes del lanzamiento del disco, Ariel Tobo dio a conocer los sencillos ‘El Viaje’, ‘Hasta el Final’, ‘Tu Silencio’ y ‘Tu Silencio’ (versión acústica), piezas que anticiparon el tono emocional y narrativo del proyecto.

‘Jet Lag’ nació de un proceso largo y honesto. Las canciones fueron compuestas en distintas etapas de la vida del artista y, aunque parten de emociones diversas, juntas construyen una sola historia: La de sentirse desfasado, pero en constante reconstrucción.

“El concepto se basa en esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento”, explicó Ariel Tobo.

El proyecto aborda la confusión y la búsqueda personal como estados válidos del ser humano. Su mensaje central es claro: Está bien no estar bien, detenerse y realinearse también hace parte del camino. No hay viaje sin turbulencias.

Musicalmente, ‘Jet Lag’ es un recorrido por las influencias que han marcado al cantautor: Rock, blues, funk, pop alternativo, junto a matices íntimos y acústicos. Guitarras protagónicas, riffs con slide, líneas de bajo cargadas de emoción, baterías sólidas y sintetizadores nocturnos construyen una atmósfera de carretera y madrugada. Es un disco orgánico, pero con una sensibilidad moderna.

“La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida”, afirmó el artista, influenciado por sonidos de jazz, blues, rock, salsa y pop, y referentes como John Mayer, Gary Clark Jr., Jorge Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.

La canción que da nombre al álbum fue escrita en medio de una crisis, entre el insomnio y el ruido mental. Combina rock alternativo con elementos del blues y transmite agotamiento, y vulnerabilidad. Su letra habla de sentirse atrapado dentro de uno mismo y de la necesidad de encontrar una señal o un refugio.

De cara al futuro, Ariel Tobo proyecta para 2026 una gira nacional, la gestión de fechas internacionales especialmente en México, nuevas colaboraciones, el fortalecimiento de su comunidad digital y el inicio de la preproducción de un nuevo proyecto musical, sin perder la esencia de ‘Jet Lag’.

En el marco de su reunión anual del Comité Intergubernamental celebrada este año en Nueva Delhi, el anuncio hace parte de un grupo de diez expresiones latinoamericanas que ingresan a la prestigiosa lista, reafirmando la diversidad y vitalidad del patrimonio cultural vivo de la región.

El son cubano, género musical que ha marcado profundamente la identidad de Cuba y de América Latina, fue destacado por su valor histórico, social y artístico. Esta práctica musical, revitalizada a nivel global a finales de los años noventa gracias al proyecto Buena Vista Social Club, continúa siendo un símbolo de memoria, resistencia cultural y transmisión intergeneracional.

Durante la misma sesión, la Unesco reconoció otras expresiones musicales del continente como el joropo de Venezuela, el cuarteto de Córdoba (Argentina) y la Sarawja de Moquegua (Perú), una manifestación que integra música y danza aymara. Asimismo, se incluyeron celebraciones de profundo arraigo religioso y comunitario, como la Fiesta de la Virgen de Guadalupe en Sucre (Bolivia) y la representación de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo en Iztapalapa (México).

Uno de los hitos de esta edición fue la inclusión, por primera vez, de una manifestación de El Salvador en la lista del Patrimonio Cultural Inmaterial: La Cofradía de las flores y las palmas de Panchimalco, celebración de raíces indígenas y coloniales vinculada a la veneración de la Virgen María, que combina rituales, música, danza y gastronomía tradicional.

Chile, por su parte, sumó un nuevo reconocimiento con la inscripción del circo de tradición familiar, mientras que Paraguay y Panamá figuran entre los países cuyas prácticas fueron incluidas en la lista de patrimonio que requiere medidas urgentes de salvaguardia, como la artesanía ancestral ñai’ũpo y los procesos de construcción de la casa quincha.

Con estas decisiones, la Unesco refuerza su compromiso con la protección del patrimonio cultural inmaterial, entendido como tradiciones orales, artes escénicas, rituales y saberes que siguen vivos en las comunidades. El organismo además recordó que las 788 prácticas de 150 países ya forman parte de sus listas de Patrimonio Cultural Inmaterial, consolidando un mapa diverso del legado cultural de la humanidad.

Hasta el 21 de diciembre, el Centro Nacional de las Artes (CNA) se convierte en el epicentro de las celebraciones de fin de año con la segunda edición de Diciembre Biocultural, una programación que reúne referentes de la música latinoamericana y destacadas agrupaciones colombianas en una agenda que conecta territorio, memoria, ecosistema y creación artística.

Durante estos días, el público podrá disfrutar de conciertos, danza, recorridos urbanos y una feria de emprendimientos culturales, en distintos escenarios como el Teatro Colón, la Plazoleta del CNA, la Sala Delia Zapata y espacios públicos del centro histórico de Bogotá.

Invitados internacionales y grandes homenajes

Entre los invitados internacionales se destacan Los Mirlos de Perú, quienes llegarán al Teatro Colón con su inconfundible cumbia amazónica, resultado de más de cinco décadas de historia musical que combina guitarras eléctricas, ritmos selváticos y melodías ribereñas.

También estará Los Melódicos de Venezuela, una de las orquestas más emblemáticas de la música tropical latinoamericana, que celebra 70 años de trayectoria con un repertorio clásico del maestro Renato Capriles, interpretado por una big band dirigida por Iliana Capriles.

Uno de los momentos centrales de la programación será ‘Maestro Lucho por Adriana Lucía’, un homenaje a Lucho Bermúdez en formato de big band, con cerca de treinta artistas en escena, en el que la cantautora cordobesa regresa al Teatro Colón para rendir tributo a uno de los grandes pilares de la música colombiana.

Voces y sonidos del país

La programación nacional reúne expresiones musicales de distintas regiones del país. Desde Medellín llega la Orquesta La Pascasia, con un repertorio tropical que dialoga entre piezas inéditas y estilos del siglo XX. Desde Cali, la orquesta Son Mujeres pondrá la salsa en la plazoleta del CNA.

El Caribe estará representado por la pickotera Mily Iriarte, una de las voces femeninas más fuertes del universo picotero, y por Monosóniko, proyecto barranquillero que mezcla herencias afrocaribeñas con tecnologías populares del sonido.

Desde Nariño, Lucio Feuillet y la Murga Bailando Bailando ofrecerán un recorrido musical que inicia en la plaza del Chorro de Quevedo y culmina en la Plazoleta del CNA, llevando a Bogotá la sensibilidad andina del sur del país.

Los Rolling Ruanas siguen marcando la historia de la música colombiana. Tras más de una década explorando, reinventando y dignificando la tradición campesina andina, el grupo bogotano celebra su recorrido con un show que reúne lo mejor de su esencia: carranga contemporánea, fusiones latinoamericanas y sonidos del mundo.

Desde su nacimiento en 2014 en Bogotá, la banda integrada por Juan Diego Moreno, Fer Cely, Luis Guillermo González y Jorge Mario Vinasco, ha transformado la manera en que se percibe la música campesina. Su propuesta se caracteriza por el humor, la sensibilidad y la inteligencia creativa, elementos con los que han logrado alejarse de estereotipos y llevar esta tradición a escenarios internacionales.

Un concierto que recorre su legado musical

El nuevo espectáculo presentará un viaje por su trayectoria, combinando repertorio navideño, sus éxitos más reconocidos como ‘Ruanas On’, ‘Sangre Caliente’, ‘Chicken Wings’ y ‘Mario Miguel’, además de versiones únicas de clásicos del rock como ‘Paint It Black’, ‘I Was Made for Lovin’ You’ y ‘Toxicity’.

Una propuesta vibrante y poderosa que demuestra cómo Los Rolling Ruanas continúan expandiendo las fronteras de la música colombiana.

Detalles del evento

•    Fecha: 6 de diciembre •    Hora: 6:00 p. m. •    Lugar: Teatro Libre de Chapinero •    Dirección: Calle 62 No. 9A-65 •    Más información: teatrolibre.com

De esta manera, Los Rolling Ruanas celebran su historia invitando al público a vivir una noche llena de tradición, fiesta y renovación musical. ¡Un evento para cerrar el año con orgullo colombiano!

¿Alguna vez te han dejado en visto? Esa mezcla de incertidumbre, expectativa y silencio fue la chispa creativa detrás de ‘Sigo Esperando’, el nuevo sencillo de Los Hermanos Aicardi, que transforma una situación común en una canción alegre, bailable y llena del sabor tropical que caracteriza a la agrupación. Los Aicardi toman el ya popular “me dejó en visto” y lo convierten en un relato para cantar, bailar y hasta reírse del desamor. Con su estilo alegre y festivo, logran unir alegría, despecho y tradición en una sola canción, ideal para las fiestas de fin de año y esas noches donde el corazón, aunque herido sigue “en línea”.

Escrita y producida por Gianni y Rodolfo Aicardi, la canción le pone sonidos tropicales a una de las experiencias más comunes entre jóvenes y adultos: el ghosting.

“Queríamos tomarlo con humor, con ritmo, y convertir ese sentimiento en una historia tropical que conecte con la gente”, cuenta Gianni.

Con este lanzamiento, Los Hermanos Aicardi continúan honrando la herencia musical de su padre, el legendario Rodolfo Aicardi, una de las figuras más importantes de la música tropical en Colombia. Su propuesta mantiene viva una tradición que ha acompañado a generaciones: desde la cumbia festiva hasta las baladas y boleros cargados de poesía y sentimiento.

La agrupación busca que la Historia Aicardi siga siendo imparable, llevando su identidad musical a nuevas audiencias sin perder la esencia que los ha convertido en referentes de la cultura popular colombiana.

Los Hermanos Aicardi: tradición con nueva energía

Formada por Gianni y Rodolfo Aicardi, la agrupación recoge las vivencias, emociones y ritmos que han marcado a los colombianos. Su misión es preservar y renovar un legado musical que combina alegría, identidad y sentimiento.

“En mi cabeza la música siempre ha sido lo más importante, pero mi vida cambió cuando descubrí que la guitarra era mi alma gemela”, afirma Rodolfo Aicardi, cantante, guitarrista y director musical. “Cuando hablo de música, todo cambia de color y se llena de vida. Ahora solo quiero seguir dándole vida a este legado familiar”.

El reconocido pianista, compositor y director Marcin Masecki, uno de los artistas más prolíficos de los últimos años, llega desde Polonia para protagonizar un viaje musical que conecta Mozart, el jazz y la música colombiana.

Este evento hace parte del Circuito Clásico de Compensar, una programación que durante los últimos diez meses ha llevado al público a los mejores recitales y presentaciones de música clásica, acercando el género de manera didáctica y renovadora. Marcin Masecki, reconocido por su capacidad para fusionar música clásica y popular, presentará un programa cuidadosamente diseñado que permite verlo en sus múltiples facetas.

La presentación promete ser una oportunidad irrepetible para experimentar cómo un solo músico puede transitar con naturalidad entre lenguajes y tradiciones, derribando fronteras entre lo académico y lo popular.

El Circuito Clásico se ha consolidado por ofrecer programas que no solo presentan obras de gran calidad, sino que explican, contextualizan y acercan a los asistentes a nuevas posibilidades sonoras. En esta ocasión, la conversación artística girará en torno al encuentro entre la música clásica, el jazz y la música colombiana, un espacio donde Masecki es maestro.

Marcin Masecki, es pianista, compositor y arreglista polaco, reconocido por su versatilidad y por desafiar los límites de lo tradicional. Formado desde temprana edad, es egresado de Berklee College of Music y ha construido una carrera sólida y diversa. Su obra, marcada por la improvisación y la mezcla de estilos, lo convierte en una de las voces más interesantes de la música polaca contemporánea.

La presentación contará con la participación de la Orquesta de Cámara de la Sinfónica de Bogotá (Fosbo), agrupación con una amplia trayectoria que ha sido residente del Teatro Cafam y ha realizado temporadas dedicadas a compositores como Beethoven, Mozart, Ravel, Rachmaninov, Britten y Gershwin. Además, la orquesta se ha destacado por integrar la música sinfónica con artistas populares como Il Divo, Juan Fernando Velasco, Ana y Jaime, Silva y Villalba, entre otros, consolidándose como una agrupación versátil y cercana al público. 

Una oportunidad única para ver a un artista polifacético en toda su dimensión, acompañado de una de las orquestas más importantes del país.

Detalles de evento:

Fecha: 21 de noviembre Hora: 7:00 pm Lugar: Circuito Clásico Compensar (sede Av. 68).

En el marco del Festival RealMix 0.5, la artista mexicana Vica Pacheco visita la ciudad por primera vez para compartir dos propuestas que expanden los límites del sonido, la materia y la imaginación.

Pacheco presentará en el domo del Planetario de Bogotá Ita y Animacia o el manifiesto del aliento, una performance inmersiva donde sonido, imagen y escultura dialogan para revelar las vibraciones ocultas que habitan en cuerpos y objetos. La pieza invita a experimentar el sonido no solo como una onda audible, sino como una fuerza vital que atraviesa la materia y enlaza distintos mundos sensibles. Esto el 21 de noviembre.

Por otro lado, el 22 de noviembre, la artista dirigirá el taller Prótesis, Comunicaciones interespecie y creación de instrumentos de cerámica, un espacio práctico en el que las y los participantes podrán construir flautas y resonadores de barro concebidos como “prótesis”: extensiones del cuerpo que transforman la relación con el sonido y permiten imaginar nuevas formas de comunicación entre especies y materiales.

Originaria de Oaxaca y radicada en Bruselas, Vica Pacheco ha desarrollado una práctica que entrelaza cerámica, animación, instalación y composición sonora. Su obra nace del impulso por construir sus propios medios para producir y escuchar música: instrumentos híbridos, tecnologías arcaicas y contemporáneas, esculturas animadas y piezas audiovisuales que conforman una mitología personal guiada por el aliento.

La naturaleza atraviesa su trabajo como un territorio de exploración simbólica y material. Desde recetas y saberes culinarios entendidos como formas de transmisión, hasta estudios botánicos sobre la vibración o investigaciones de tecnologías prehispánicas como motores creativos, su obra abre preguntas acerca de cómo escuchamos y habitamos el mundo.

Para Pacheco, el sonido es un aliento que genera vida, comunica y transforma. Esa pulsación vital cruza tanto sus procesos de creación como su trayectoria, marcada por el diálogo entre el sur de México, la tradición oral y las experimentaciones tecnológicas que desarrolla en su trabajo musical y performático. Ita y Animacia o el manifiesto del aliento se presentará el viernes 21 de noviembre a las 7:30 pm en el domo del Planetario de Bogotá. La entrada es libre hasta completar aforo.

El taller Prótesis – Comunicaciones interespecie y creación de instrumentos de cerámica se realizará el sábado 22 de noviembre en Plataforma Bogotá. No tiene costo y requiere de inscripción. Si desea inscribirse, lo puede hacer a través del siguiente enlace.

Esta es una apuesta del Instituto Distrital de las Artes Idartes que reúne a artistas, colectivos, marcas tecnológicas y públicos de todas las edades en una plataforma que celebra la creación contemporánea.

Durante cinco días, los principales lugares culturales de la capital, entre ellos el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, el Planetario de Bogotá, La Media Torta, Teatro El Ensueño, Teatro El Parque y los Escenarios Móviles, recibirán una agenda diversa que incluye:

•    Conciertos de gran formato •    Performances audiovisuales •    Instalaciones inmersivas •    Muestras circenses con música en vivo •    Talleres infantiles •    Franja académica y encuentros formativos

Este nuevo festival es realizado por la Red de Escenarios Culturales de Idartes, y busca posicionar a Bogotá como un polo creativo del sur global, donde la música electrónica se entiende como un lenguaje vital del presente.

Además de su oferta artística, el encuentro presenta la agenda académica Resonancias 2025, un espacio de diálogo para artistas, gestores y colectivos que reflexionarán sobre los procesos colaborativos, las raíces territoriales y el potencial transformador del sonido.

Este espacio también explorará cómo las memorias rítmicas de América Latina están configurando un nuevo lenguaje global de la música electrónica. Siendo una apuesta ciudadana que reunirá a más de 7.000 personas. 

Con aliados como Pioneer, Ableton, Moog, Native Instruments, academias de música, medios especializados y gestores culturales, el Encuentro de Música Electrónica se proyecta como un escenario para la experimentación, la innovación y la construcción colectiva.

Programación destacada

19 de noviembre – 7:00 p. m. •    Gaitán al Aire – Bahía del Teatro Jorge Eliécer Gaitán

20 de noviembre – 7:00 p. m.

•    Planetario de Bogotá (Domo)

21 de noviembre

•    2:00 p. m. – La Media Torta •    7:00 p. m. – Teatro El Ensueño •    7:00 p. m. – Teatro Jorge Eliécer Gaitán

22 de noviembre

•    9:00 a. m. – Teatro El Parque •    7:00 p. m. – Teatro Jorge Eliécer Gaitán

23 de noviembre

•    9:00 a. m. – Teatro El Parque

El Encuentro de Música Electrónica llega para expandir los sentidos, activar el pensamiento y celebrar la creatividad de una ciudad que vibra, experimenta y produce nuevas formas de sentir el sonido.