La Orquesta Filarmónica SAYCO interpretó un repertorio que reunió canciones representativas de distintas regiones y géneros musicales. Entre las obras incluidas estuvieron ‘Colombia Tierra Querida’, ‘Toitico Bien Empacao’, ‘Alma Tumaqueña’, ‘Luna Sanjuanera’, ‘Noches de Boca Grande’, ‘Obsesión’, ‘Traicionera’, ‘Señora y Sombra Perdida’.

El programa también contempló homenajes como Escalona, Nuestro José A. Morales y Villamil Vive, además de piezas instrumentales y musicales como ‘Fantasía Tropical’ y ‘Fantasía Llanera’. De esta manera, el encuentro rindió tributo a las melodías que han acompañado a distintas generaciones y reflejó la riqueza cultural y sonora de Colombia.

La jornada comenzó con una muestra de tradición y folclor a cargo de Nikoyembe y la agrupación infantil instrumental y vocal El Convite. Posteriormente, el concierto central contó con la participación de artistas de diferentes trayectorias y estilos musicales.

Entre los intérpretes anunciados estuvieron Katie James, Francy, el Trío Los Románticos, Roberto Calderón, Rafael Manjarrez, Walter Silva, Rita Fernández, Azael Cuesta, Peter Manjarrés, Sergio Amaris, Checo Acosta y Maía, entre otros.

La dirección musical estuvo a cargo del maestro Raúl Rosero Polo, compositor, arreglista y director de orquesta con trayectoria nacional e internacional. La presentación fue conducida por la periodista Rossy Lemos y el presentador Carlos Calero.

Más allá del espectáculo artístico, el concierto conmemoró los 80 años de gestión del derecho de autor de SAYCO y destacó la labor de quienes han convertido historias, emociones y tradiciones en canciones que permanecen en la memoria colectiva.

La celebración contó con la participación de representantes institucionales, integrantes de la industria musical, compositores, sociedades de gestión colectiva y medios de comunicación. Durante los actos protocolarios, el presidente de SAYCO,

La apertura de la noche conmemorativa Rafael Manjarrez Mendoza, y el gerente general, César Ahumada, participaron en la apertura de la noche conmemorativa.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Ahumada destacó el alcance internacional de la entidad y su labor en la protección de los derechos de autor: “SAYCO cuenta con 109 convenios internacionales que permiten recaudar regalías por el uso de las obras de sus asociados en el exterior. Además, gestionamos los derechos de autor derivados de eventos en vivo, emisiones de radio y televisión, así como de plataformas digitales”

El encuentro también puso de relieve la importancia de proteger los derechos de autor y reconocer el valor del trabajo creativo para preservar y fortalecer la cultura musical colombiana.

Con esta celebración, SAYCO reafirmó su compromiso con la protección de los derechos de autor y el reconocimiento de los compositores colombianos. El Concierto Filarmónico SAYCO 80 Años se planteó como un espacio de encuentro entre generaciones, géneros y regiones, alrededor de las canciones que forman parte de la identidad cultural de Colombia.

El tango está más vivo que nunca y su música continúa conquistando nuevas generaciones. Esta vez, Colombia será escenario de un viaje sonoro por la obra de Astor Piazzolla, el compositor y bandoneonista argentino que transformó este género al mezclar sus raíces tradicionales con nuevos sonidos y llevarlo a escenarios de todo el mundo.

El encargado de traer ese legado será el Quinteto Astor Piazzolla, una agrupación con más de 25 años de trayectoria que llegará al país, para reencontrarse con el público a través de algunas de las composiciones más emblemáticas del maestro argentino.

“Tratamos de hacer esa música de una manera muy respetuosa con su legado, pero también poniendo nuestra impronta, nuestras herramientas y nuestra personalidad, para que tenga un sonido especial y poder llegar al corazón de la gente, que es lo que más importa a fin de cuentas”, dijo Matías Feigin, pianista del Quinteto Astor Piazzolla, a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Un homenaje a un músico que cambió la historia del tango

La música de Piazzolla rompió esquemas y demostró que el tango podía explorar nuevos caminos sin perder su esencia. Su propuesta, conocida como Nuevo Tango, combinó la tradición argentina con elementos de la música clásica y el jazz, conquistando a varias generaciones más allá de las fronteras de su país.

El quinteto que lleva su nombre conserva esa esencia y mantiene vigente su repertorio. Su trayectoria internacional incluye presentaciones en América, Europa, Australia y Asia, además de dos importantes reconocimientos: Los Latin Grammy a Mejor Álbum de Tango en 2019 y 2023.

La agrupación está integrada por Pablo Mainetti, en el bandoneón; Matías Feigin, en el piano; Serdar Geldymuradov, en el violín; Armando de La Vega, en la guitarra, y Cristian Basto, en el contrabajo. Bajo la dirección musical de Julián Vat, los cinco músicos se unen para revivir las composiciones de Piazzolla con una interpretación que conecta distintas épocas y emociones.

‘Le Grand Tango’: un recorrido entre la pasión y la nostalgia

El corazón del espectáculo será ‘Le Grand Tango’, una obra que Piazzolla dedicó en 1982 al reconocido violonchelista Mstislav Rostropóvich. Ahora, adaptada por el quinteto, la pieza da nombre a su más reciente proyecto discográfico y a esta gira internacional.

El repertorio también incluirá composiciones que muestran las diferentes facetas del artista. Desde la energía de ‘Presto’ y la intensidad de ‘Escualo’, hasta la melancolía de ‘Soledad y Oblivion’, el concierto promete un recorrido por los contrastes que hacen única su música.

A estas piezas se suman ‘Luna’, una obra menos habitual dentro de su repertorio, además de clásicos como ‘Zita’, ‘Milonga loca’ y ‘Verano porteño’.

El cierre estará a cargo de ‘Adiós Nonino’, una de las composiciones más reconocidas y emotivas de Piazzolla, que reúne la fuerza y la nostalgia características de su universo musical.

Una música que sigue conquistando generaciones

Más que interpretar grandes clásicos, el Quinteto Astor Piazzolla también trabaja para recuperar obras menos conocidas del compositor y acercarlas a nuevos públicos. Su propuesta busca demostrar que estas composiciones siguen teniendo mucho que decir, incluso décadas después de haber sido creadas.

Con ‘Le Grand Tango’, los espectadores colombianos tendrán la oportunidad de descubrir o reencontrarse con una música que desafió las convenciones y cambió para siempre la historia del tango.

Una invitación a dejarse llevar por el sonido del bandoneón, la fuerza de los instrumentos y las emociones de un género que, gracias al legado de Piazzolla, continúa cruzando fronteras y encontrando nuevas formas de sorprender.

Los bogotanos podrán vivir dos jornadas de música, talento y cultura con el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha, que se realizará los próximos 26 y 27 de septiembre de 2026.

Bajo la consigna ‘El eco de una ciudad que marcha en grande’, el encuentro será con entrada libre para la ciudadanía y se desarrollará entre las 9:00 a. m. y las 4:00 p. m. Durante cada jornada, las bandas ganadoras tendrán presentaciones de 20 minutos, en las que mostrarán sus propuestas musicales y escénicas.

La realización de este evento hace parte de las acciones de fortalecimiento de un sector que tiene una importante presencia en la historia cultural de la capital.

A través de la Beca LEP, la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte destina $ 450 millones en estímulos para apoyar la circulación y el fortalecimiento cultural.

De esta manera, las bandas de marcha han comenzado a ocupar un espacio cada vez más visible dentro de la oferta y las políticas culturales de Bogotá.

De los desfiles a los grandes escenarios

Durante años, las bandas de marcha fueron relacionadas principalmente con actos cívicos, desfiles militares o actividades escolares. Sin embargo, estas agrupaciones han evolucionado y actualmente combinan diferentes expresiones artísticas.

Sus espectáculos incorporan música, coreografías, baile, vestuario y elementos escénicos, mientras que sus repertorios incluyen composiciones tradicionales como arreglos de músicas contemporáneas y sonidos característicos de diferentes regiones.

En colegios públicos y privados de Bogotá, las bandas de marcha se han convertido en espacios de formación musical y cultural. Para muchos estudiantes, hacen parte de sus primeras experiencias en el mundo de las artes.

Es por eso que el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha busca precisamente mostrar esa transformación y acercar al público a las nuevas propuestas.

Los grupos escolares que participarán en esta edición fueron seleccionadas mediante diferentes procesos encabezados por la Mesa Distrital de Bandas de Marcha.

Un encuentro con nuevos ritmos y propuestas escénicas

El público que asista al Palacio de los Deportes encontrará una propuesta diferente a la imagen tradicional de una banda de marcha.

Además de los repertorios clásicos, los participantes interpretarán músicas contemporáneas y sonidos representativos de distintas regiones, acompañados por propuestas coreográficas y escénicas.

Las presentaciones no estarán limitadas al formato de desfile. Cada banda tendrá la posibilidad de desarrollar una puesta en escena que combine música, movimiento, baile y vestuario para contar una historia.

Así, el encuentro se convierte también en una oportunidad para conocer la creatividad de los músicos y artistas que hacen parte de este sector en Bogotá.

Feria de emprendimientos y entrada gratuita

La programación contará además con una feria de emprendimientos en la que los asistentes podrán encontrar productos y elementos relacionados con el universo de las bandas de marcha.

Con 30 bandas de marcha, 18 agrupaciones ganadoras de estímulos y 12 bandas escolares, el segundo Encuentro Distrital de Bandas de Marcha busca consolidar un espacio para reconocer el talento, la formación artística y la evolución de este sector en la capital.

La cita es el 26 y 27 de septiembre de 2026, de 9:00 a. m. a 4:00 p. m., en el Palacio de los Deportes de Bogotá. La entrada es libre.

La Pambelé, Radio Bembé y Mar Caribe harán parte de esta jornada gratuita, que se realizará el 27 de septiembre como antesala de Salsa al Parque 2026.

El Tortazo Salsa hace parte de las jornadas temáticas que desarrolla La Media Torta y en esta ocasión, la programación busca mostrar diferentes maneras de vivir la salsa, combinando presentaciones en vivo con la selección musical de coleccionistas y conocedores del vinilo.

Entre las agrupaciones participantes está La Pambelé, orquesta bogotana que toma como referencia la salsa dura y los sonidos de las décadas de los sesenta y setenta, incorporando ritmos contemporáneos a su trayectoria. 

También estará Radio Bembé, agrupación consolidada en la escena salsera capitalina, cuyo formato recoge elementos de la salsa de vieja guardia y los lleva a un formato de directo caracterizado por la descarga. Sus canciones abordan situaciones sociales y cotidianas desde el humor, la sátira y la crítica, características que hacen parte de su identidad artística.

Por otro lado, Mar Caribe llegará al Tortazo como una de las propuestas actuales de la escena salsera bogotana. Su participación, tras ser ganadora de la Beca LEP 2026, se suma al propósito de abrir espacios para agrupaciones que exploran nuevas perspectivas dentro del género.

El vinilo también será protagonista

La jornada tendrá un componente especial con la participación de Dirty Salsa, Rollergal y Gina Reyes, tres selectores que estarán a cargo de una programación musical en vinilo.

Asimismo, el Tortazo Salsa amplía la experiencia más allá de los conciertos y pone en escena otras formas de acercarse a la cultura salsera, como la selección musical, el coleccionismo y la escucha en formato físico.

De esta manera, el público podrá recorrer diferentes sonoridades durante una misma jornada y acercarse tanto a agrupaciones emergentes como a propuestas que mantienen viva la tradición de la salsa en Bogotá. Además, El evento funcionará como antesala de la edición número 27 de Salsa al Parque, que se realizará los días 28 y 29 de noviembre de 2026.

La cita será el domingo 27 de septiembre, desde la 1:00 p. m., en el Teatro al Aire Libre La Media Torta. La entrada será gratuita para mayores de 14 años, hasta completar aforo. Tenga en cuenta que el evento no es pet friendly.

El trabajo reúne cinco canciones: ‘CANDY’, ‘Almas Sin Color’, ‘Siempre Te Voy A Cuidar’, ‘Paraíso De Tu Piel’ y ‘Atardecer’. Las tres primeras ya habían sido presentadas como sencillos, mientras que el lanzamiento del EP incorpora las dos restantes y el video oficial de ‘Paraíso De Tu Piel’.

Aunque los temas no fueron concebidas inicialmente como partes de una misma obra, con el tiempo empezaron a revelar un vínculo. La búsqueda de un lenguaje propio, la diferencia entre una pasión pasajera y aquello que permanece y la relación entre crear y encontrar reconocimiento terminaron convirtiéndose en el hilo conductor del EP.

“’En Busca De La Luz’ significa perseguir el sentimiento de hacer lo que te apasiona sin importar lo que pase en el mundo y también, es una búsqueda constante por un estado de lucidez”, explicó Beltri en ‘Amantes del Círculo Polar’.

De tocar en una banda a buscar su propia voz

Antes de embarcarse en su proyecto solista, Beltri fue guitarrista y compositor de Lxs Parker, agrupación bogotana de rock más pesado fundada en 2020. Con ellos tuvo la oportunidad de desarrollar una propuesta escénica y una forma de entender la construcción conceptual de las piezas musicales, además de presentarse en escenarios como Relevant Music Hall, Ace of Spades y Ozzy Bar.

Ahora, con ‘En Busca de la Luz’, las guitarras ocupan un lugar central. Sus canciones se mueven entre melodías y momentos de mayor intensidad, con influencias que pasan por nombres como Gustavo Cerati, Zoé y Bandalos Chinos. pero sin plantear esas referencias

Del 26 al 29 de agosto, la capital será escenario de la segunda edición del Festival Orígenes – Sonidos y Saberes Ancestrales, un encuentro que reunirá artistas de diferentes países y en donde el público podrá disfrutar de la música, los instrumentos, los cantos y las expresiones culturales de pueblos originarios.

La programación llegará al Planetario de Bogotá, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, los Escenarios Móviles y el Teatro al Aire Libre La Media Torta, con una propuesta que conecta territorios, generaciones y distintas formas de creación.

Desde las músicas tradicionales hasta el rock, el rap, la electrónica y las fusiones contemporáneas, el evento mostrará cómo los sonidos de los pueblos originarios continúan dialogando con el presente. Más que una mirada al pasado, el Festival Orígenes propone escuchar unas tradiciones vivas que se transforman, cruzan fronteras y encuentran nuevas maneras de relacionarse con las generaciones actuales.

Cuatro días de música y encuentro

La programación comenzará el miércoles 26 de agosto, a las 7:00 p. m., en el Planetario de Bogotá, con la presentación de Djuena Tikuna (Brasil), una de las principales voces de la música indígena de la Amazonía, y La Tulpa Raymi (Colombia), laboratorio sonoro andino amazónico que explora el encuentro entre músicas indígenas, rock y sonidos contemporáneos.

El jueves 27 de agosto, a las 8:00 p. m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, será el turno de Sara Curruchich (Guatemala), cantautora indígena que interpreta sus canciones en kaqchikel y español y combina folk, rock y tradición maya kaqchikel. La acompañará Humazapas (Ecuador), agrupación de jóvenes kichwas que integra música, danza y elementos audiovisuales para compartir la cosmovisión y las tradiciones de sus comunidades.

La programación continuará el viernes 28 de agosto, a las 6:00 p. m., en la Plaza de Lourdes, donde los Escenarios Móviles presentarán a Alwa (Bolivia), rapera chola vinculada con sus raíces aymaras; Jatun Mama (Ecuador), dúo de música electrónica kichwa que reinterpreta instrumentos y sonoridades andinas; y Ukamau (Colombia), agrupación de música andina latinoamericana que revitaliza cantos, instrumentos y sonidos tradicionales de los Andes.

El cierre será el sábado 29 de agosto, desde las 2:00 p. m., en el Teatro al Aire Libre La Media Torta, con Grupo Putumayo, Koede, Namuiwan – Colectivo MUKSU, Pachakuti, Hamac Caziim (México) y Atzil / Jatun Mama DJ Set (Ecuador).

Esta última jornada reunirá distintas generaciones y territorios alrededor de las músicas indígenas de Colombia, los sonidos del pueblo Comcáac y las nuevas exploraciones electrónicas de la música kichwa.

Una agenda para escuchar, conversar y compartir saberes

El Festival también contará con la Semana Académica y Cultural, que se desarrollará del 24 al 28 de agosto en alianza con el Colectivo Memorias Originarias MUKSU. Esta programación ampliará el encuentro musical con conversatorios, muestras audiovisuales, espacios de oralitura, prácticas de armonización y escenarios para la transmisión de saberes.

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La agenda comenzará el 24 de agosto con la apertura y compartir del Festival Orígenes en la Casa Cultural Pacha Wasi.

El 25 de agosto, la Sala Gaitán recibirá el Encuentro de Oralitura Sonora, dedicado a la poesía, la danza y la música de los pueblos Ēberā Eyabida, Iku, Misak y Wayúu.

El 26 de agosto, la Terraza del Planetario Distrital será escenario del Pagamento a la Madre Tierra – Sonidos y Saberes Ancestrales, un espacio colectivo de armonización y reconocimiento de los saberes y prácticas espirituales de los pueblos originarios.

El 27 de agosto, en el auditorio Centro Ático de la Pontificia Universidad Javeriana, se realizará la Muestra Audiovisual y Conversatorio: Saberes y Sonidos de los pueblos originarios de Colombia, Bolivia y Guatemala. El encuentro incluirá además espacios de diálogo sobre las memorias y expresiones culturales de los pueblos Ēberā Dobidá, Muysca, Wayúu, Kichwa y Misak.

La agenda cierra el 28 de agosto en la Casa de Poesía Silva con El Latido de los Pueblos Originarios: Oralitura, Música de Medicina y Pintura Corporal de los Pueblos Inga y Tubü Hummürimassa, un encuentro alrededor de la palabra, el cuerpo, el sonido y el territorio.

Como parte de esta programación también habrá espacios para la circulación de emprendimientos de los pueblos Yanakuna, Kamëntsá, Ikʉ, Ēberā Pusabida, Muysca de Suba, Kichwa y pueblo de los Pastos, con artesanías, productos y saberes que complementarán la experiencia del festival.

Una celebración de saberes vivos

Con su segunda edición, el Festival Orígenes reafirma que las músicas y los saberes ancestrales están vivos. Durante cuatro días, Bogotá será punto de encuentro para escuchar esas voces y reconocer en ellas una memoria que no permanece quieta, sino que continúa creando, transformándose y conectando territorios.

Toda la programación del Festival Orígenes 2026 será de entrada libre hasta completar aforo.

Para mayor información consulte el siguiente enlace.

La banda de pop rock latino, originaria de Duitama (Boyacá), continúa consolidando su propuesta artística con un tema que trasciende lo musical para convertirse en un mensaje de reflexión sobre la identidad nacional. Inspirada en la resiliencia del país, 'Vivamos en Paz' nace como una respuesta esperanzadora frente a las dificultades que han marcado la historia de Colombia.

“Siento que en este momento se necesita menos polarización, más amor, que las cosas se hagan con el corazón. Y esa es la invitación que les hacemos con ‘Vivamos en Paz’. Es nuestro sueño, siempre he escuchado que cualquier niño, al que le preguntan, "¿Tú qué sueñas para tu país, ¿Tú qué sueñas para Colombia?" responden que quieren paz, armonía y un mejor país, y básicamente quisimos mostrar un pedacito de Colombia en el videoclip. Afirmó uno de los integrantes en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una cumbia con identidad colombiana

Musicalmente, el sencillo toma la cumbia como base principal, un género representativo de la identidad latinoamericana, al que se suman elementos contemporáneos de producción para ofrecer un sonido fresco y cercano a públicos de diferentes generaciones.

La agrupación explicó que el propósito fue lograr un tema cuyo mensaje pudiera conectar desde la primera escucha.

Un homenaje audiovisual a Colombia

El lanzamiento está acompañado por un videoclip grabado en Duitama, Boyacá, que conmemora los elementos que unen a los colombianos. A través de imágenes cargadas de identidad, esperanza y orgullo nacional, el video invita a dejar atrás las divisiones y reconocer aquello que fortalece al país como una sola nación.

Una colaboración que apuesta por el futuro

Para UBanda, la participación de Requilates fue determinante en la construcción del sencillo. La banda destaca el talento y la autenticidad de sus integrantes: Richardson, Morkamilett, Ishi y Luciana, artistas que, aseguran, representan a una nueva generación con grandes capacidades creativas.

Según los músicos boyacenses, el aporte artístico y emocional del grupo santandereano fortaleció el mensaje de la canción y permitió ampliar su alcance entre diferentes públicos.

Un mensaje que invita a reflexionar

Más allá del contexto deportivo, 'Vivamos en Paz' busca convertirse en la banda sonora de aquellos momentos en los que es necesario recordar el valor de la solidaridad, el respeto y la esperanza. Es una pieza pensada para compartir en familia, durante un viaje o en espacios de reflexión.

Un proyecto que sigue creciendo

El sencillo hace parte de la visión artística que UBanda ha venido desarrollando durante los últimos años, centrada en las historias humanas, la identidad colombiana y los mensajes positivos. La portada del lanzamiento también refleja estos valores, representando la diversidad y el deseo colectivo de construir un mejor país para las nuevas generaciones.

La agrupación anunció que 2026 será un año de importantes proyectos, con nuevas canciones, colaboraciones y producciones audiovisuales, además de presentaciones en diferentes escenarios del país.

La agrupación banda colombiana de rock alternativo presenta ‘Dualidad’, una producción que reúne años de trabajo creativo y que refleja la evolución musical de un grupo una agrupación que ha convertido las emociones y las experiencias personales en el eje central de su propuesta artística.

Nacida en 2013 en Madrid, Cundinamarca, Discordia fue fundada por cinco amigos que compartían la pasión por la música desde la época escolar, con los años se consolidó como una banda que busca conectar con el público a través de letras honestas, capaces de representar sentimientos universales y convertirse en la voz de quienes encuentran en sus canciones un espacio de identificación.

Más allá del significado tradicional de la palabra "discordia", la banda se centra en aquello que ocurre después del conflicto: Las emociones, los aprendizajes y las transformaciones que nacen tras enfrentar momentos difíciles. Esa visión es precisamente la que da vida a ‘Dualidad’, un disco que explora las diferentes perspectivas de una misma experiencia.

En esta primera entrega, correspondiente al Lado A del álbum, la banda desarrolla historias que transitan entre la luz y la oscuridad, abordando temas como el desamor, las luchas sociales y los conflictos internos que forman parte de la vida cotidiana.

Musicalmente, ‘Dualidad’ mantiene como base el rock alternativo, pero incorpora riffs inspirados en el hardcore, gritos y una marcada intensidad sonora que convive con elementos electrónicos, aportando frescura y dinamismo a cada composición. El resultado es un álbum que equilibra fuerza, melodía y experimentación.

“Yo diría que lo más bacano ha sido la base personal, cada uno lo ha hecho muy bien, porque cuando grabamos los primeros temas, en el primer álbum regrabamos muchas cosas, ahí hicimos el ejercicio de grabar en la casa de la abuela de Nico, y aunque no era un nivel muy alto, sonaba la batería, el quiquique a la hora de golpear el bombo y había muchas cosas técnicas que no se lograban, inclusive yo también cantaba muy diferente y con el tiempo eso mejoró. Hoy en día, después de mucho, se logra sentir una madurez y un concepto frente al álbum mucho más elaborado, manifestó Steven Buitrago, en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Las influencias musicales que dieron forma al proyecto son diversas. En el sonido de Discordia convergen referencias internacionales como Bring Me the Horizon y Turnstile, junto a clásicos que han marcado el gusto personal de sus integrantes, como Soda Stereo y The Beatles.

El álbum presenta seis canciones que exploran distintas emociones y estados de ánimo. ‘Mi sangre’ se destaca por su carácter contestatario y contundente; ‘Bajo las llamas’ despliega una energía explosiva; ‘No es amor’ ofrece una mirada nostálgica y vibrante; ‘Dispuesto a perder’ invita a la reflexión; ‘Alma’ combina euforia y melancolía; mientras que ‘Vacío’ cierra esta primera etapa con una propuesta potente y cargada de nostalgia.

La identidad visual del disco también hace parte del concepto. Tanto el nombre como la portada de ‘Dualidad’ representan las múltiples caras que puede tener una misma situación y los diferentes sentimientos que pueden coexistir en una persona. El arte busca reflejar ese estado emocional cambiante, en el que el amor, el desamor, la incertidumbre y la esperanza conviven como parte de la experiencia humana.

‘Dualidad’ está concebido en dos partes: Lado A y Lado B. La segunda entrega será publicada durante el segundo semestre del año, entre septiembre y octubre, y ampliará el universo sonoro del álbum con nuevas canciones que continuarán explorando las emociones, las vivencias y las experiencias que han definido el camino artístico de Discordia.

La entrevista completa a continuación:

Niche LS, quien presenta ‘Metamorfosis’, un trabajo discográfico que representa una nueva etapa en su carrera y que ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Oriundo de Caldas, Antioquia, Niche LS ha construido una sólida trayectoria dentro de la escena independiente, compartiendo escenario y estudio con figuras destacadas del rap nacional como Granuja, Oblivion’s Mighty Trash, Kei Linch, Mañas Ru Fino, Crudo Means Raw y Faker, entre otros. Ahora, el artista da un paso decisivo en su evolución musical con una obra que refleja crecimiento personal, madurez artística y una visión renovada de su propósito.

‘Metamorfosis’ surge como una compilación de canciones cargadas de experiencias, aprendizajes y emociones. A diferencia de su trabajo ‘La Sombra’, este nuevo proyecto se aleja parcialmente de los punchlines y los fraseos tradicionales para adentrarse en una narrativa mucho más introspectiva. El resultado es una propuesta que explora la vulnerabilidad, la esperanza y la búsqueda de un futuro que alguna vez pareció inalcanzable, pero que hoy se percibe cada vez más cercano gracias a la música.

El camino hacia este lanzamiento comenzó con ‘Qué Pasaría’, sencillo producido por Juan Sinatra, en el que Niche LS expone las tensiones que existen entre la ambición y la gratitud, entre el presente y el futuro, entre el deseo de alcanzar el éxito y las dificultades cotidianas que acompañan ese proceso.

La canción se desarrolla como un viaje íntimo donde el artista reflexiona sobre la posibilidad de compartir sus logros con su familia, mientras recuerda la realidad de las calles y los riesgos que muchas personas enfrentan diariamente para salir adelante. En este contexto, el dinero aparece más como una pregunta existencial que como un objetivo material: ¿Es una herramienta de transformación o un factor de corrupción?

A través de versos cargados de honestidad, Niche LS cuestiona el costo de los sueños, rescata lecciones aprendidas desde el dolor y convierte la resiliencia en uno de los pilares de su discurso artístico. Su mensaje es claro: Las heridas pueden sanar, el tiempo avanza y, aun en los momentos más oscuros, siempre existe la posibilidad de encontrar una nueva oportunidad.

Sin embargo, ‘Metamorfosis’ va más allá de la experiencia individual.Este se convierte en un manifiesto para quienes persiguen un propósito, especialmente para los artistas independientes que enfrentan los desafíos de construir una carrera en la música. Por medio de sus canciones, Niche LS demuestra que los obstáculos forman parte del camino, pero no definen el destino.

Con este lanzamiento, el artista antioqueño busca inspirar a nuevas generaciones de creadores y soñadores, recordándoles que los procesos difíciles también son espacios de crecimiento y que la perseverancia puede convertir metas aparentemente imposibles en realidades alcanzables.

Más que un álbum, ‘Metamorfosis’ es una declaración de principios. Una obra que reafirma el poder transformador de la música y que invita a creer en la capacidad humana de reinventarse, avanzar y conquistar nuevos horizontes.

Viviendo entre Colombia y España, Ospina construyó este proyecto como una bitácora musical de sus recorridos por distintas ciudades, experiencias y etapas de vida. Cada canción refleja una mirada personal sobre el paso del tiempo, los afectos, la distancia y los procesos creativos, acompañados por una propuesta sonora rica en matices, arreglos elaborados y una marcada identidad artística.

Un disco nacido de la introspección

La forma definitiva, surgió durante una residencia en 2025 desde un pueblo de Cataluña. Allí, trabajó en solitario y Ospina retomó composiciones que llevaban años esperando ser terminadas y asumió el desafío de desarrollar integralmente cada aspecto del trabajo álbum.

Producción, arreglos, interpretación instrumental, grabación de voces y dirección artística fueron parte de un proceso profundamente personal que definió el carácter íntimo y artesanal del disco. Posteriormente, esa base creativa se enriqueció con la participación de músicos invitados provenientes de diferentes países.

Un universo sonoro lleno de detalles

En ‘De paso’, el artista grabó gran parte de los instrumentos y todas las capas de coros, construyendo un entramado de armonías, texturas y contrapuntos que dan vida a cada canción.

Entre los elementos distintivos del álbum sobresale el sonido de un piano de pared con sordina, cuya utilización nació de las condiciones del estudio y terminó convirtiéndose en una de las características sonoras más particulares del proyecto. Además, por primera vez en su discografía, los recursos electrónicos, como secuencias y sintetizadores, adquieren un papel protagónico dentro de la propuesta musical.

“Para mí, hacer realizar este disco fue un proceso especial que también implicó enfrentar ciertos temores. La idea de grabar un álbum con mis propias canciones me paralizaba un poco, porque siempre le he tenido un profundo respeto al oficio del cantautor. Tengo amigos que son grandes cantautores y también admiro enormemente a referentes del género, como Jorge Drexler. Por eso, cuando pensé en la posibilidad de hacer un disco con canciones mías, sentía que estaba entrando en un territorio que conocía menos y en el que no me había movido tanto a lo largo de mi carrera”, manifestó el autor en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Trece canciones, múltiples paisajes musicales

Las canciones de este álbum, Cada composición recorre diversos universos sonoros y emocionales. Temas como ‘En contraluz’ comienzan como un vals para transformarse en una especie de joropo cinematográfico, mientras que ‘Susurro y aviso’ apuesta por una atmósfera introspectiva construida desde con la guitarra, el piano, el contrabajo y el chelo.

Por su parte, ‘Silencios en blanco’ representa una de las historias más particulares del disco: Inició su composición en Nueva York en 2015 y fue terminada diez años después. Asimismo, ‘Punto incesante’ aborda con humor los procesos creativos y las tensiones que acompañan el oficio artístico, mientras que ‘Para que brinden en mi ausencia’ reflexiona sobre la amistad, la distancia y los vínculos que sobreviven al paso del tiempo.

En contraste, ‘Bolero innecesario’ introduce una mirada irónica sobre las dinámicas de convivencia en pareja, demostrando la diversidad temática y narrativa que atraviesa el álbum.

Una red internacional de colaboradores

Aunque el proyecto nació desde la introspección, su alcance se amplió gracias a la participación de destacados músicos internacionales que grabaron sus aportes desde en diferentes lugares del mundo.

Entre ellos se encuentran el percusionista japonés Keita Ogawa, el contrabajista griego Petros Klampanis, los argentinos Silvina Moreno, Marcelo Woloski y Andrés Rotmistrovsky, el cuatrista venezolano Miguel Siso, el baterista venezolano Juan Berbín, la violonchelista catalana Marta Roma y el propio Michael League, quien además participa como bajista en una de las canciones.