¿Qué pasaría si un Mundial no se definiera con goles, sino con partituras? Esta es la nueva apuesta de la Orquesta Sinfónica de Bogotá que busca transformar el Teatro Cassia en un innovador estadio donde cada país debutará con las obras que marcan su identidad musical.

Al estilo de un torneo internacional, el público recorrerá un mapa sonoro que unirá a Colombia, España, Alemania, Brasil, Argentina y Francia, en una celebración donde el arte y el deporte hablan el mismo idioma: La emoción colectiva.

'El Gran Concierto Mundialista', abrirá con ‘Zadok the Priest’, de Georg Friedrich Händel, una obra que inspiró el emblemático himno de la UEFA Champions League y que será la encargada de crear el ambiente solemne de la gran final.

“¿Qué tal que el campeón de la copa sea Lucho Bermúdez? Puede pasar, porque esta vez los que compiten son los compositores. No vamos a tener a Messi, a Lamine Yamal o a Bellingham, pero vamos a disfrutar a los músicos de la orquesta jugando los partidos…y será el público quien decida”, afirmó el director de orquesta, Luis Felipe Calero, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El recorrido continuará con piezas que representan la esencia de cada nación: ‘Colombia Tierra Querida’, de Lucho Bermúdez; ‘La vida breve’, de Manuel de Falla; la ‘Quinta Sinfonía’, de Beethoven; ‘Dança Brasileira’, de Camargo Guarnieri; las danzas de ‘Estancia’, de Alberto Ginastera; y el tradicional ‘Can-Can’, de Jacques Offenbach.

Uno de los momentos más esperados será ‘Half-Time’, del compositor checo Bohuslav Martinů, considerada una de las pocas obras sinfónicas inspiradas directamente en un partido de fútbol. De hecho, fue escrita tras presenciar un encuentro en Estados Unidos y recrea el pulso del juego, la energía de las tribunas y la euforia que despierta el deporte más popular del planeta.

"El Mundial es una burbujita donde todo pasa a un segundo plano. Nos reúne, nos emociona y hace que personas que nunca se habían hablado terminen celebrando juntas un gol. Eso mismo queremos transmitir con este concierto, es la oportunidad perfecta para descubrir que la música clásica también sabe jugar”, agregó el director.

La experiencia también será visual, todos los músicos subirán al escenario con las camisetas de distintas selecciones, mientras el director asumirá el papel de comentarista deportivo.

Además, el cierre estará a cargo de la inédita ‘Gran Suite Mundialista’, del compositor Andrés Montero, un arreglo orquestal que reúne himnos inolvidables como ‘La Copa de la Vida’, de Ricky Martin, y ‘Waka Waka’, de Shakira, entre otros clásicos que han acompañado la historia del torneo.

La cita será el domingo 26 de julio, a las 11:00 a.m., en el Teatro Cassia.

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Su voz ha estado presente en novelas, comerciales, producciones de televisión y cientos de canciones, aunque su nombre permaneció durante años lejos de los reflectores. Durante Por más de cuatro décadas, Mayra Bibiana Briceño construyó una carrera tras bambalinas; este año, por primera vez, decidió que la historia que quería cantar era la suya.

El resultado es ‘Romance’, su primer álbum de música romántica en español: Ocho canciones que nacen de una experiencia muy distinta a la ficción. No hablan de un amor imaginado, sino de una relación construida durante por más de tres décadas junto a su esposo y productor musical Fernando, con quien también dio vida a este proyecto.

"Fue liberador, durante años escribí para personajes, historias y marcas; esta vez no había un guion. Era volver a empezar, encontrar mi propia voz y hablar desde mi experiencia para tocar el corazón de la gente y demostrar que todavía vale la pena creer en el amor", contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Mayra comenzó su carrera cuando apenas tenía 15 años, una noche cantó en un bar de Bogotá y fue escuchada por el productor Jaime Valencia. Al día siguiente ya estaba grabando en un estudio, experiencia que marcaría un nuevo rumbo.

Desde entonces trabajó como corista de artistas como Amparo Sandino, Aura Cristina Geithner y Marcelo Cezán; compuso música para producciones de Caracol y RCN, prestó su voz a cientos de comerciales y desarrolló distintos proyectos musicales. Eso sí, siempre con un libreto que debía seguir.

Pero con ‘Romance’ ocurrió todo lo contrario, la inspiración llegó de manera inesperada. Mientras Fernando improvisaba una progresión de jazz, ambos descubrieron un sonido que los llevó al bolero, la bossa nova y las baladas clásicas. Sin proponérselo, comenzaron a construir un universo musical donde cada canción representa una etapa distinta de las relaciones: El enamoramiento, la conquista, la serenidad, la ilusión y la permanencia.

"No queríamos contar un cuento perfecto. Queríamos mostrar que el amor también se construye con conversaciones, aprendizajes y decisiones diarias. Si estas canciones logran que alguien vuelva a creer en el amor, entonces todo habrá valido la pena", agregó Mayra.

Con ‘Romance’, la cantautora colombiana abre una nueva puerta en su carrera musical y convierte los 33 años de matrimonio y la familia que construyeron con sus cuatro hijos, en un símbolo para recordar que, incluso en tiempos acelerados, todavía existen canciones capaces de detener el ruido y hacer que el amor vuelva a escucharse.

En 1968, en la escena underground de Londres, nació una banda destinada a cambiar la historia del rock. La fuerza de su sonido, que fusiona el blues y el folk, junto con el virtuosismo de Jimmy Page en la guitarra y la inconfundible voz de Robert Plant, convirtió el nombre de Led Zeppelin en una auténtica leyenda.

Hoy casi seis décadas después sus letras vuelven a ser protagonistas, esta vez desde el Teatro Jorge Eliécer Gaitán en un formato sinfónico con más de 50 músicos que darán vida a un repertorio que ha marcado generaciones, reinterpretando clásicos como ‘Stairway to Heaven’, ‘Kashmir’, ‘Whole Lotta Love’ e ‘Immigrant Song’.

"Cada arreglo orquestal amplifica la grandeza de las composiciones de Led Zeppelin y las lleva a un nuevo nivel. La fuerza del rock se encuentra con la riqueza de una orquesta sinfónica para crear una experiencia inmersiva, donde guitarras, percusión y cuerdas se funden en un espectáculo que celebra el legado de una de las bandas más influyentes de la historia", resaltó el comunicado oficial de lanzamiento. INSERTAR ENTREVISTA: PENDIENTE LINK

La dirección musical de 'Led Zeppelin Sinfónico' estará a cargo del maestro Alejandro Vásquez Mejía, con orquestaciones de Álex Zuluaga. El espectáculo contará, además, con la participación especial de la Filarmónica Metropolitana Distrito Capital – 'La Metro', agrupación fundada en Bogotá en 2024. Desde su debut, logró dos funciones con boletería agotada y reunió a más de 3.300 asistentes, posicionándose rápidamente como una de las propuestas sinfónicas de mayor acogida entre el público capitalino.

“Esta producción reúne dos universos musicales nacidos en tradiciones diferentes para crear un lenguaje común que conecta con el público y confirma que la experiencia sinfónica puede ser tan poderosa y emocionante como el rock”, agregó el documento.

Asimismo, habrá un debut especial de la banda The Joint, ampliamente reconocida por su auténtico tributo al mítico cuarteto británico. La cita será de única función el próximo 17 de julio a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Para

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Durante más de 15 años, María Isabel Saavedra construyó su camino entre el periodismo y la dirección del Teatro Patria. Hasta que un inesperado encuentro con el maestro mexicano Armando Manzanero cambió el rumbo de su historia, él descubrió en sus letras un gran potencial y la impulsó a tomar una decisión definitiva: Dejar atrás los escenarios desde la gestión para convertirse en protagonista de una etapa rodeada de acordes, versos y canciones.

Después de tres décadas componiendo éxitos que han pasado por cientos de intérpretes en América Latina, Saavedra presenta ‘Manual de Vuelo para una Cantora’, una producción profundamente personal que recoge las historias, preguntas, afectos y convicciones que han acompañado su trayectoria. Un recorrido donde convergen el amor, la despedida, la amistad, la diversidad, la memoria, la dignidad y la resistencia.

“Me di la libertad de escribirle a lo que me provoca: A mi país, a los duelos de los amores imposibles, al despecho que siempre me ha caracterizado, a las mujeres que han acompañado mi vida, al amor presente y también a las preguntas que nos plantea este tiempo”, contó la cantautora en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El álbum recorre distintas emociones y territorios sonoros. Cada canción abre una conversación sobre la memoria, los vínculos y la identidad:

- ‘El latido del cantor’: Una reflexión acerca de la creación en tiempos de Inteligencia Artificial, que reivindica esa conexión única que aparece cuando una canción lleva consigo las experiencias, recuerdos y emociones de quien le da vida.

“La IA no reemplaza el alma humana, pero es una herramienta maravillosa para potenciar la creatividad, lo importante es qué hacemos con esas posibilidades que ya llegaron. El primer paso es el autoconocimiento, después el amor propio, ser auténticos y decir aquello que nos nace y que puede aportar a la sensibilidad de los demás”, agregó la artista.

- ‘El país que me habita’: Vuelve sobre la memoria cultural colombiana y las raíces del Valle del Cauca, una canción donde se reflexiona la identidad, el sentido de pertenencia y las múltiples formas de habitar un mismo territorio.

- ‘El ángel de tu guarda’: Nace desde la ausencia y el recuerdo. La canción está dedicada a Bárbara Intriago, artista chilena y amiga cercana de Saavedra, como una forma de mantener vivos sus sueños y la huella que dejó en quienes la acompañaron.

- ‘Hermanas’: Un homenaje a las mujeres que han marcado su camino, artistas, amigas y lideresas que representan la fuerza colectiva, la solidaridad y la capacidad de levantarse frente a las adversidades.

- ‘Pa quererme bien’: Mezcla sonidos urbanos con las raíces del Pacífico colombiano para celebrar la diversidad, las

La percusión, la voz y la experimentación convergen en un mismo lugar: La mente de Thaissa, una mujer que creció rodeada de las melodías de su padre, dio sus primeros pasos como cantante y, con el tiempo, encontró en los tambores una extensión de su propio cuerpo.

Como ella misma lo dice, “ser la vecina ruidosa” hace parte de su cotidianidad. Su identidad musical no responde a un único género; el rock, el neo-soul, el R&B, el hip hop y la electrónica se entrelazan para dar forma a un proyecto homónimo que, durante cuatro años, revelará un universo sonoro compuesto por cuatro actos bajo el concepto de ‘Temperamento’.

“Una artista no está hecha de un solo sonido. Está construida por las canciones que escuchó en su infancia, los instrumentos que aprendió a dominar y las influencias que encontró en el camino. Todo nació a partir del ritmo. Por ejemplo, tengo una guitarra al frente, que es un instrumento armónico, pero yo decido abordarla desde su lado rítmico. Al final, todo es un juego, y eso es lo que más me gusta”, contó Thaissa en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Temperamento’: Una ambiciosa tetralogía sonora

Desde este 2026 hasta el próximo 2029, el proyecto de la cantautora estará dividido en cuatro capítulos: ‘Palabra’, ‘Surco’, ‘Bramido’ y ‘Alteridad’, entregas que compartirán un mismo universo creativo, pero recorrerán diferentes géneros.

El primer volumen, ‘Palabra’, se construye con la fuerza de las letras y la intención del mensaje. Allí aparecen temas que exploran el amor, el desamor y las emociones humanas con una mirada íntima, mientras que los siguientes capítulos buscan transitar por otros territorios: El hip hop, los sonidos electrónicos, el rock y una búsqueda más experimental.

“Con estos cuatro EP quiero recoger todas esas músicas diferentes que hacen parte de mí, que me rodean y que disfruto. Dije: ‘metamos todo en un mismo lugar, construyamos una estética que abrace esas diferencias y que sea parte del universo del disco’. Si uno quiere intentar hacer cosas nuevas, hay que atreverse; no tener miedo ni desconfiar de lo que uno puede crear”, puntualizó la artista.

Thaissa dio a conocer esta nueva etapa en un concierto en Casa Kilelé, escenario en el que transformó las versiones de estudio con nuevos arreglos, una propuesta de percusión y bajo, además de la participación de invitados especiales.

Mientras el mundo observa la guerra a través de cifras, edificios destruidos y titulares, hace algunos meses un profesor palestino decidió responder de otra manera. Rodeado de niños desplazados por el conflicto, convirtió el incesante sonido de los drones militares en una canción improvisada. Aquella escena, grabada con un celular, terminó inspirando una de las producciones más recientes del dúo Cumbiáfrica.

Integrado por Lina Rojas y Leonardo Gómez Jattin, este proyecto nació en Colombia durante la pandemia con el lanzamiento de 'Morenita'. Poco después encontró un nuevo hogar en Sevilla, España, donde comenzó a tender puentes entre culturas al fusionar tamboras, bullerengue, músicas afrocolombianas y voces tradicionales con la fuerza del Latin House y el Afro House.

“España es una especie de eslabón perdido que conecta el mundo de Medio Oriente con Latinoamérica. Es una vía que genera mestizaje, comunicación e intercambio entre culturas. En Cumbiáfrica, cada canción parte de la curiosidad y del aprendizaje, ha sido una forma renovada de hacer lo que siempre nos ha gustado: Música tradicional colombiana”, contó Jattin en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su más reciente lanzamiento, 'Sheel Sheel (Drone Song)', toma como punto de partida una canción tradicional palestina sobre la lucha y el arraigo. Para escribir la versión en español, recopilaron testimonios de víctimas del conflicto en Gaza y los convirtieron en versos como "Somos olivos que no pueden desenterrar".

La producción mezcla sonidos del Arab House, un género de electrónica inspirado en los sonidos de Medio Oriente, con influencias del flamenco y la música latina. Además, el videoclip reúne imágenes de niños palestinos, bailarines de dabke, escenas grabadas en Sevilla y registros del colectivo ‘Gaza Birds Singing’, una escuela de música que trabaja con menores afectados por el conflicto y a la que el dúo asegura destinará el cien por ciento de las regalías generadas.

‘Batonga’: La segunda parada del viaje musical

Cumbiáfrica une por primera vez su universo sonoro con el de Angélique Kidjo, una de las voces más influyentes de la música africana y ganadora de cinco premios Grammy. Interpretada en fon, lengua originaria de Benín, y español, el tema revive uno de los clásicos de la artista desde una nueva propuesta que incorpora percusiones afro house, ritmos latinoamericanos y versos inéditos sobre la fuerza femenina.

La agenda de lanzamientos continuará durante los próximos meses con 'Alma Mía', inspirada en la champeta africana; 'La Escalera', una reinterpretación de la tradición musical del Pacífico colombiano con la marimba de chonta como protagonista; y 'Navegar', una propuesta de sonidos antillanos que cerrará esta nueva etapa creativa.

Desde algún lugar del multiverso llega un viajero dispuesto a cuestionar la sociedad a través del sonido. Con su icónico traje azul, gafas plateadas y una estética retrofuturista inspirada en la ciencia ficción, Swami Castro tiene como objetivo trascender los formatos tradicionales para convertir cada canción en una historia y cada concierto en una experiencia inmersiva.

Entre las calles de Nueva York y Nueva Jersey, el cantautor independiente encontró la identidad musical con la que hoy busca conquistar al público. En ese camino nació el ‘Latin Dancing Rock’, una fórmula que abre un nuevo portal llamado ‘6 razones para no amar’.

“Soy un nómada interdimensional que busca información en lugares donde han pasado cosas, la convierto en canciones para ayudar a las personas y ayudarme a mí mismo a superar esto que llamamos vida. El que se queda con lo que le dicen y no investiga, está viviendo la historia de alguien más”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este disco no busca definir qué es el amor, sino mostrar todo aquello con lo que suele confundirse. A través de seis canciones, plantea una especie de "manual" para que el oyente descubra si realmente está construyendo un vínculo genuino o simplemente viviendo una relación pasajera.

La idea surgió de una pregunta que Swami se hizo desde niño: ¿Qué es realmente el amor? Con el paso de los años, esa inquietud se convirtió en el eje conceptual de este álbum que explora el autoengaño, la soledad y las contradicciones humanas. El recorrido inicia con ‘Bye Bye Corazón’ y continúa con canciones como ‘Terriblemente Bien’, ‘Corazón Amnésico’ y ‘Daño Colateral’.

"Uno normalmente se da cuenta de que ama a alguien cuando ya salió de eso y piensa: 'Ahí sí había algo que valía la pena y no lo valoré'. Si estás siguiendo alguna de estas seis razones, déjame decirte que no estás amando; la estás pasando rico, pero no es amor”, agregó el músico.

Actualmente, este piloto retro-futurista, recorre Latinoamérica con la gira ‘Volvería a Empezar’, una travesía que busca llevar al público más allá del concierto convencional y sumergirlo en un portal de luces neón, efectos glitch y referencias retrofuturistas.

Existe una planta mágica que crece en la ciudad, sorprendentemente sobrevive al ruido y reverdece en medio del concreto. Su nombre es ‘Tensión Flora’ y representa un sueño musical nacido en 2023, que tiene como objetivo transformar las contradicciones de la vida urbana en melodías cargadas de honestidad, resiliencia y sensibilidad.

Desde Quito, Paulo López, Santiago Jarrín, José Álvarez ‘Simba’ y Keer Castillo han construido una propuesta que mezcla el pop-rock con influencias que van desde Fleetwood Mac y The Killers hasta Beck y Prince. Un proyecto que nace de la necesidad de contar su propia versión de las calles, las relaciones rotas y la constante ambivalencia entre lo que se siente y lo que se demuestra.

“Desde el inicio nos vimos impulsados a construir una hermandad que nos mantiene muy unidos fuera del escenario. Poner sobre la mesa lo que somos nos permitió comprendernos mejor, alinearnos en la composición y trabajar con las emociones más expuestas. Además, grabar, producir y presentarnos en vivo ha implicado sortear toques de queda y confrontar un entorno marcado por la inseguridad”, contó el guitarrista Santiago Jarrín en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una razón para quedarse: El cierre de una relación tóxica con ‘Tanta Miel’

En su más reciente sencillo, la banda aborda la sensación de querer irse, pero quedarse atrapado por aquello que resulta lo suficientemente “dulce” o atractivo para no soltar. Una exploración de la dependencia emocional y de vínculos que pueden volverse nocivos. 

Por medio de la canción presentan al público una profunda reflexión: El desprendimiento de todo aquello que aprisiona, no solo en el plano afectivo, sino también frente a estructuras sociales que pueden discriminar, criminalizar y ejercer violencia.

“‘Tanta Miel’ es ese momento en el que uno se engolosina con alguien o con algo y, aun sabiendo que no conviene, le cuesta mucho dejarlo. Es la historia de una ruptura atravesada por esa sensación de atracción que atrapa y confunde, como algo que parece muy hermoso al inicio, sin embargo, que con el tiempo termina rompiendo y fracturando por dentro”, agregó el vocalista Paulo López.

Esta producción abre paso al primer LP de Tensión Flora, un trabajo compuesto por seis canciones que abordan temas como la injusticia, la vida urbana y las relaciones humanas desde una mirada profundamente personal. A la lista se unen títulos como ‘Pa Probar’, ‘Baile de Miradas’ y ‘El Delito’.

La magia de las calles empedradas, el legado colonial y la imponente presencia del macizo de Iguaque vuelven a abrirse al mundo, esta vez al ritmo del ‘VillaJazz Fest’, un encuentro que, más allá de los conciertos, propone una pausa al ruido cotidiano para reconectar con la esencia, el arraigo y la relación con el territorio a través de los sonidos.

Bajo el lema ‘Volver al Origen’, la decimosexta edición del Festival presenta la ‘Ruta de los Sentidos’, una nueva experiencia que expande la música más allá de la Plaza Mayor. Hoteles, bares y restaurantes se convertirán en anfitriones e invitarán al público a disfrutar de una serie de aromas, sabores y conciertos íntimos.

“En esta oportunidad contamos con una franja académica muy interesante, además vamos a entregar unas becas de estudio. Se contará también con la participación de músicos de Colombia, México y Chile. La invitación es a aprovechar el puente festivo y descubrir un género que va más allá de lo tradicional”, contó Arián Cuervo, líder del evento en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este escenario reunirá agrupaciones como ‘La Pintana’ de Chile; la Big Band de la Universidad Sergio Arboleda; la Big Band del Teatro Colsubsidio-EMMAT y la Big Band EFAT de Tocancipá.

El concierto de inauguración tendrá lugar el viernes 26 de junio en el Claustro de San Francisco. La noche de apertura estará a cargo de Electrik Combo de Tunja y el quinteto del guitarrista chileno Felipe Duhart. A la lista, se suman artistas nacionales e internacionales como Irene Albarrán, Melei, Frailejón, Daliah y Byron Sánchez (BS4TO).

“La invitación más importante es para quienes todavía no conocen este género. Lo que hicieron los grandes maestros del jazz ya está escrito, pero nuestra mayor fortaleza está en los ensambles que traemos desde Colombia. Ahí es donde realmente podemos enriquecer este lenguaje y aportar algo distinto”, agregó Cuervo.

Previamente, los días 24 y 25 de junio, se desarrollará un Bootcamp de alta formación que abordará tres ejes fundamentales: Interpretación, producción e industria de la música. Además, la agenda académica y comunitaria se complementará con talleres de canto,

franjas didácticas para niños y jam sessions. Para conocer más información visite las redes sociales @villajazzfest.

Un universo de posibilidades melódicas, fuelles que se encuentran, dialogan y respiran juntos. Así nace ‘Fueyerías’, una palabra creada por el músico argentino Pablo Jaurena que evoca una reunión, un escenario de intercambio, búsqueda y juego entre bandoneonistas.

Bajo este concepto nace un álbum poco habitual que reúne dúos y sextetos en un repertorio que entrelaza historias, estilos y territorios. Grabado en ciudades como Buenos Aires, Córdoba, Medellín, París, Madrid y Tokio, el proyecto articula generaciones de músicos que van desde los 22 hasta los 90 años.

“Durante mucho tiempo crecí con la idea de que el tango era una música del pasado, hasta que logré correr ese velo y descubrí una riqueza inmensa. Ahí comenzó un enamoramiento absoluto con el bandoneón y desde entonces no me separé nunca más de él”, contó Jaurena en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La producción reúne a 31 bandoneonistas de cinco países y tres continentes, junto a tres invitados especiales en el contrabajo, para un total de 34 músicos. Hacer posible estos encuentros implicó un recorrido de más de 84.000 kilómetros y más de 34 vuelos durante dos años y medio.

Es así como el son de la milonga se mezcla con la añoranza y la pasión, dando vida a un repertorio que se despliega en tres grandes ejes: El rescate histórico de obras inéditas o ausentes de los estudios de grabación durante décadas; nuevas composiciones concebidas especialmente para este proyecto; y versiones renovadas de clásicos que, hasta ahora, no habían sido registrados.

“Hubo obras que esperaron más de medio siglo para volver a sonar. Me emociona profundamente que una de las composiciones del álbum esté dedicada a Colombia. ‘Paisaje Cafetero’ es un diálogo entre el bambuco colombiano y el folclore argentino, grabado junto a músicos de Bogotá y Medellín”, puntualizó el artista.

Con producción general de Pablo Jaurena y coproducción de Ignacio Varchausky, ‘Fueyerías’ también se destaca por su dimensión investigativa y pedagógica, consolidándose como material de referencia para futuras generaciones de músicos y estudiosos del género.