Hace diez años, Santiago de la Fuente preparaba su salida de Venezuela rumbo a España. En su maleta no solo llevaba sueños de migrante, sino también la idea de crear un trabajo musical que traspasara fronteras. Junto a Mikel, decidió componer cuatro canciones, sin imaginar que aquel EP, titulado ‘El Mar’, marcaría el inicio de una historia que, una década después, se convertiría en su proyecto de vida.

Así nació Anakena, agrupación cuyo nombre está inspirado en una isla chilena. Su propuesta musical se fundamenta en los sonidos del Caribe, que se mezclan con una visión moderna y fresca del pop latino. Hoy, la agrupación acumula más de 50 millones de reproducciones en plataformas digitales y ha llevado su música a escenarios de 13 países y 27 ciudades.

“Cuando encontramos el concepto de pop caribeño, entendimos que esto era lo que nos definía: Tomar diferentes géneros y la energía del Caribe, llevarlos a un lenguaje más universal y seguir explorando esa identidad. Todavía estamos descubriendo qué significa para nosotros, mientras buscamos conquistar el viejo continente con nuestros sonidos”, contó Santiago en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un reencuentro con las olas!

“Llegué a este mundo solo, sin nadie con quien contar, me sentía atrapado en un hoyo más profundo que el fondo del mar… en eso llegaste tú”. Esta es una de las frases de ‘Sofía’, uno de los temas que hace parte de ‘El Mar: 10 años después’, el lanzamiento con el que la agrupación revisita las canciones de su primer trabajo discográfico, publicado originalmente en septiembre de 2016.

Esta nueva entrega reúne versiones en vivo y acústicas, grabadas en mayo de 2026, durante la más reciente gira de la banda por España. La sesión tuvo lugar en Comeback Studios, como parte de un proyecto audiovisual que busca visibilizar el trabajo de músicos y agrupaciones de Iberoamérica.

“Una de las particularidades, es que incorporamos interludios y partes instrumentales que surgieron después de tocarlas más de 150 veces. Para grabarlas, quisimos recuperar esa magia de antes: Guitarra, sofá, pana y ya. Hay algo de esa espontaneidad que a veces es imposible captar en la computadora y que explica por qué estas canciones siguen conectando con la gente”, puntualizó el artista.

Anakena planea cerrar el año con un sencillo nuevo y se prepara para el ambicioso proyecto que tienen para su cuarto álbum.

Cuando la mente hace ruido, el rock encuentra la señal. En 2025, después de pasar por diferentes proyectos y encontrar dificultades para abrirse espacio en el circuito de bares, tres músicos bogotanos decidieron cambiar de rumbo. Lo que comenzó como una banda de covers tomó otro camino, crear e interpretar sus propias canciones.

Así nació Señal Débil o Inexistente, un power trío integrado por Santiago Muñoz, en la guitarra y voz; Stveen Puentes en la batería, y Julio Jácome, en el bajo. El nombre surgió de una situación cotidiana que terminó dándole identidad al proyecto.

“Yo estaba viendo un televisor que no tenía señal HDMI y apareció un aviso que decía “Señal débil o inexistente”. Hice una conexión porque venimos de muchos intentos de hacer música, lanzar canciones, videos y tocar en vivo, pero sentíamos que no trascendía. Me gustó mucho ese nombre era muy acorde con lo que estamos haciendo y con la intención de volver a empezar”, contó Santiago en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Con influencias del rock alternativo y el grunge, la agrupación construye un sonido marcado por la energía, la rabia y la rebeldía. Esa identidad está presente en ‘A veces’, su primer sencillo original, una canción que retrata los cambios de ánimo y las contradicciones que pueden aparecer incluso en situaciones aparentemente sencillas.

“Uno se puede sentir mal por algo que para alguien es muy sencillo, pero para uno significa el mundo. Simplemente, traté de poner eso en canciones. Si una persona conecta con nuestra música y puede ayudar en algún momento, es algo muy bonito”, agregaron los integrantes de la banda.

A este lanzamiento se suma ‘Si hago todo mal’, una segunda composición que aborda estas inquietudes desde una perspectiva irónica y profunda. Ambas canciones harán parte de su primer EP, junto a ‘Rito’, tema que la banda presentará el próximo 12 de diciembre de 2016 en Templo Sound.

Desde 1993, DJ Mad Pee ha recorrido Nueva York tras las huellas de los productores y artistas que transformaron el hip hop y llevaron su influencia a la industria musical mundial.

Apasionado por los sintetizadores, las letras conscientes y el sonido de Queensbridge, este artista venezolano ha construido una trayectoria ligada a las raíces del género y su desarrollo en Latinoamérica.

Durante una visita a los cinco boroughs o distritos de Nueva York, Mad Pee conoció a DJ Kool Herc, pionero del hip hop. De manera espontánea, este lo llevó por el Bronx y compartió con él anécdotas y memorias de una cultura que inspiraría su proyecto más ambicioso: ‘The Masterpiece’.

“Como inmigrante, el reto ha sido reinventar un sonido que creé en Venezuela, a partir de nuestra propuesta folclórica, conservando su esencia y transformándola a través del boom bap. Hoy, el sonido de Queens es el que realmente me define”, destacó el DJ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘41ST Side Tales’: La puerta de entrada a una nueva etapa

Uno de los temas que define el universo del álbum reúne a Lil Supa y PNO, integrante de Tres Coronas. Creado en noviembre de 2025 y publicado el 6 de febrero de 2026, la canción toma como referencia las producciones de Havoc, de Mobb Deep, y recoge influencias musicales de Minnie Riperton y Stevie Wonder para recrear la atmósfera de Queens durante la época dorada del género.

El videoclip se rodó en Brooklyn, Nueva York, en Santa Salsa, espacio de HASE, pionero del movimiento venezolano, y en las calles aledañas.

‘The Masterpiece’ está pensado como una experiencia sonora que se disfruta de principio a fin, siguiendo la secuencia elegida por su creador. En plataformas digitales, el trabajo reúne 22 canciones, mientras que su edición en vinilo se presenta en dos entregas: Parte I y Parte II.

En el corazón de San Cristóbal, corregimiento de Medellín, hay una montaña que La Suzy llama “mágica”. Allí, entre guitarras, tiples y el sonido de la naturaleza, creció una artista cuya historia ha estado ligada a la música desde pequeña.

Durante dos décadas, ha recorrido escenarios de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Vivió en Los Ángeles y participó en proyectos musicales junto a figuras como Gloria Trevi, Ricardo Arjona y Estados Alterados. Sin embargo, detrás de las giras también hubo un desgaste físico que la obligó a detenerse, dos cirugías marcaron un punto de inflexión y la llevaron a replantear su rumbo profesional.

“La primera vez que vi instrumentos, me enloquecí, salté directamente encima de ellos y desde ahí empecé a estudiar. Nunca me he podido apartar, todos los días duermo con mi guitarra y siempre estoy cazando letras y melodías. Ahora, hacer mi propia música es lo más fácil y provechoso para mí, porque antes intenté muchas veces trabajar con otras personas sin llegar realmente al sonido que tenía en mi mente”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Este amor’: El primer paso hacia su propia voz

Con la nostalgia sonora de los años setenta, ‘Este amor’ combina matices del soul y el blues para explorar las relaciones humanas, donde las diferencias y las visiones opuestas también pueden encontrarse en torno a un mismo propósito.

La Suzy demuestra su versatilidad al componer, cantar y producir el tema, además de grabar las guitarras, baterías, percusiones, pianos, órganos y bajos. La producción se realizó en La Finca Estudio, en Santa Elena, corregimiento ubicado al oriente de Medellín.

“Yo iba a lanzar una canción de rock and roll, ya teníamos el video listo, pero mi mamá falleció. Alcancé a mostrársela y le gustó mucho; me dijo que tenía algo especial. Después, sentí que me decía: ‘Mija, empiece con esa canción’. Entonces detuve todo y decidí grabar con esa carga emotiva, como una forma de liberar lo que llevaba dentro”, agregó la cantautora.

La masterización estuvo a cargo de Dave Kutch en Estados Unidos. El ingeniero, nominado en 14 ocasiones a los premios Grammy, ha trabajado con artistas como Alicia Keys, The Weeknd, Billie Eilish, Ozzy Osbourne, Juanes, Calvin Harris y Justin Timberlake, entre otros.

Ahora La Suzy, espera seguir incursionando en el poder femenino a través del rock, blues y soul en español, sostenido por una interpretación vocal poderosa y una producción que privilegia lo analógico sobre lo digital.

En 2021, un grupo de jóvenes osados y unidos por una misma pasión decidió convertir lo que consideraban un “caserío”, a las afueras de Bilbao, en la base de su primer estudio. Allí grabaron dos temas que, tiempo después, les abrirían las puertas para firmar su primer contrato oficial con un sello discográfico.

Así comenzó una ola que no ha dejado de crecer. En menos de cinco años, Ultraligera ha conseguido tres discos de oro y se ha consolidado como una de las bandas revelación del viejo continente. En 2023, lanzó ‘Pelo de foca’, su álbum debut, con el que agotó las entradas de su gira de salas por España, incluidas siete presentaciones consecutivas en La Riviera de Madrid.

“Nosotros teníamos dos sueños: Vivir de la música en nuestro país y llenar estadios. Ahora que lo hemos conseguido, queremos ir más allá. Somos grandes viajeros y pensamos que quedarse en un solo lugar es como ir dejando pasar la vida”, explicó Gisme, vocalista de Ultraligera, en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Desde esa mirada, Javier Gismero ‘Gisme’ (voz), Coque Fernández (guitarra), Mario Díez Llorente ‘Kash’ y Martín Aparicio (batería) construyen una propuesta de rock que pone las emociones en primer plano, sin renunciar a cuestionar lo que ocurre a su alrededor. La soledad, el deseo de libertad, la frustración y la búsqueda de conexiones más auténticas atraviesan la mayoría de sus letras.

Esta exploración continúa en ‘Lapsus’, su segundo LP, que acompaña una nueva etapa para la banda, marcada por cerca de 50 conciertos en los principales festivales de España y su primer recorrido profesional por Latinoamérica. La gira comenzará en Colombia y continuará por Venezuela, México, Chile y Argentina.

“Somos una generación que está sufriendo porque vemos cómo la vida pasa por delante y a veces es difícil tocarla. Ya no sabemos distinguir entre la Inteligencia Artificial y la realidad, las redes sociales está por encima de todo y queremos más oportunidades, sentir a nuestra manera y tener más libertad. Eso nos lo permite el rock: Aunque no es político, sí es emocional”, agregó el artista.

En su más reciente trabajo, Ultraligera también aborda temas como el consumo de sustancias, el miedo a amar, las rupturas y la locura, sin repetir la fórmula de su disco debut. El 4 de noviembre, la banda llegará al Teatro Astor Plaza de Bogotá para presentarse por primera vez ante el público capitalino.

Para conocer más detalles de la programación puede visitar el siguiente link.

“Hacer lo que le da la gana” podría ser uno de los lemas de vida de Karmen Cercós. Mientras algunos artistas cambian de género para adaptarse a la audiencia, ella irrumpe en nuevos territorios con su esencia. 

Su historia con la música comenzó en la infancia, entre los boleros que escuchaba junto a su abuelo. Años después, durante la adolescencia, su hermana le presentó el punk, el ska y otros sonidos jamaicanos, géneros en los que encontró una conexión directa con sus ideas políticas y sociales. A los 19 años fundó Skaparapid, proyecto que continúa activo y se convirtió en uno de los pilares de su recorrido artístico que completa más de tres décadas.

“Una de las corrientes con las que más me he identificado por mi reivindicación como feminista y antifascista es el punk, este me permitió desde un inicio expresar lo que me pedían el cuerpo, la mente y el corazón. En aquella época prácticamente no había mujeres en ese estilo. Vengo de una familia muy unida y religiosa, de los ‘Kikos’, dentro de la Iglesia católica, y yo soy la rebelde, la que está fuera de todo eso”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su personalidad se caracteriza por no seguir moldes, dentro de su propia familia se autoreconoce como la “oveja negra”, una mujer criada en un entorno estricto que decidió construir su propio camino. Libertad que también se refleja en su apariencia, como peluquera de profesión, ha experimentado con el cabello rapado, las rastas y las trenzas, hasta reencontrarse con su textura natural.

Un cambio que va más allá de las puntas y las capas; pues esta vez la acompaña en una nueva etapa artística junto a ‘Pecando de Cariñosa’, su primer trabajo en solitario, en el que retoma las canciones que marcaron su infancia y las entrelaza con sus propias vivencias.

“Este disco tiene letras y temas reivindicativas, feministas y contra el amor tóxico. A mí nunca me ha gustado hacer las cosas de manera políticamente correcta; siempre me ha gustado tocar un poco los cojones, o los ovarios. Entonces, en el bolero hago lo mismo: No voy a hacer jamás uno supermega tradicional”, agregó la cantautora.

El álbum fusiona música andina, chacarera, chachachá y otros ritmos latinos, con colaboraciones de artistas como Dr. Shenka, de Panteón Rococó; Martín ‘Moska’ Lorenzo, de Los Auténticos Decadentes; Deals Olan, de Out of Control Army; Germán ‘Pecho’ Anzonátegui, de Las Manos de Filippi; además de Evelyn Cornejo y La Malinche. En 2026, el proyecto recibió el ‘Premio Talento Latino al Mejor Álbum de Neobolero’.

“Me he sentido fuerte, segura, empoderada, me he sentido mujer. He pasado de ser una niña y adolescente a sentirme, como digo a veces, una señora. Una señora que hace lo que le da la gana”, puntualizó Cercós.

La lírica vuelve a tomarse la capital colombiana hasta el próximo 4 de noviembre con una agenda que incluye conciertos, recitales y espectáculos en distintos espacios de la ciudad, todos con entrada libre hasta completar aforo. En total, se reunirán más de 200 artistas, promoviendo la conexión del talento colombiano con tradiciones escénicas de otras partes del mundo.

Uno de los principales atractivos será la participación de la Shanghai Jingju Theatre Company, que presentará ‘Lu Ming (El llamado de los ciervos)’, una obra de ópera de Pekín que tendrá dos funciones gratuitas: El 29 de octubre, a las 8:00 p.m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, y el 30 de octubre, a las 7:00 p.m., en el Teatro El Ensueño.

“El Jingju, conocido internacionalmente como ópera de Pekín, integra canto, actuación, música, movimiento y elementos visuales en un lenguaje escénico que combina tradición y virtuosismo. La participación de esta compañía permitirá al público bogotano acercarse a una expresión artística de gran relevancia en la cultura china”, destaca el comunicado oficial de lanzamiento.

La celebración también conmemora los 50 años de la Ópera de Colombia, con una gala el 17 de octubre, a las 6:00 p. m., en el Parque de la 93. Allí se presentarán la soprano María Paula Pataquiva y el barítono Santiago Alberto Barrios Grau, ganadores del ‘Premio Filarmónico de Canto’, junto al pianista Daniel Aguirre.

“Con 29 ediciones, continuamos abriendo espacios para el encuentro de la ciudadanía con la lírica y para la circulación de artistas y propuestas. En 2026, Bogotá es Ópera y la ciudad cruza fronteras a través de las voces, los repertorios y las historias que llegan a sus escenarios”, señala el documento.

El evento también promueve el talento local a través de las iniciativas de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, con la participación de ganadores del Premio de Canto Ciudad Lírica, el Premio Filarmónico de Canto, la Beca Ópera, Zarzuela y Opereta, y la Beca Filarmónica de Conciertos Didácticos.

Los recitales tendrán lugar en el Museo Casa Lleras y el Museo Nacional, mientras que otras presentaciones llegarán al Gimnasio Moderno y al Teatro El Ensueño. Todas las actividades son gratuitas, sujetas al aforo de cada espacio. Consulta la programación completa y los detalles de cada las presentaciones en el siguiente link.

Las puertas se cerraban, los pogos abundaban y miles de asistentes coreaban canciones como ‘Mi Buen Amor’ o ‘Reina Leona’. El segundo día de ‘Rock al Parque’ marcó un antes y un después en su historia con la asistencia récord de cerca de 275 mil personas, el equivalente a llenar ocho veces el Estadio El Campín.

Los géneros alternativos y la variedad de artistas fue uno de los puntos más destacados de la programación que por primera vez presentó cuatro escenarios: Plaza, Eco, Bio y como novedad el BBC.

“Esta edición demuestra que el rock sigue vivo en Bogotá y que tiene presencia en todas las localidades de la ciudad. Los festivales locales son fundamentales para garantizar la continuidad de este movimiento. Además, el comportamiento del público fue ejemplar y no tuvimos ningún inconveniente de gravedad”, explicó María Claudia Parias, directora del Instituto Distrital de las Artes- IDARTES, en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Las 13 hectáreas del Parque Metropolitano Simón Bolívar recibieron 83 agrupaciones y 584 músicos, con un repertorio que cruzó el metal, el punk, el hardcore, el ska, el reggae, el rock alternativo, el indie, el industrial y el funk.

Artistas de Europa, Asia y América integraron un cartel internacional de más de 26 agrupaciones, entre ellas Mon Laferte, Editors, Apocalyptica, Rata Blanca, Ratones Paranoicos, Los Bunkers, Bandalos Chinos, Gondwana, Porter, Stratovarius y Tokyo Ska Paradise Orchestra. Además, propuestas como Ministry, Hellbutcher, Iseo & Dodosound y Niña Lobo pisaron por primera vez suelo colombiano.

¿Cuánto dinero movió Rock al Parque?

‘Rock al Parque 2026’ también dejó cifras importantes para la economía de Bogotá. Según los resultados preliminares de una encuesta del Observatorio y Gestión del Conocimiento Cultural, el gasto de los asistentes durante los dos primeros días del festival rondó los $190.948 millones.

El 24,2 % del público encuestado llegó de otras ciudades o del extranjero, y el 91,9 % de estos visitantes viajó a la capital especialmente para disfrutar del evento. Se estima que este grupo gastó más de $160.070 millones, de los cuales $69.900 millones se destinaron al alojamiento. A esto se suman los más de $30.800 millones que proyectaron gastar los residentes de la ciudad.

Los riffs de las guitarras y los sonidos estridentes también marcaron una apuesta cultural que incluyó más de 59 emprendimientos, una zona dedicada a ‘Arte a la KY’, que contó con dibujantes y estatuas humanas y diferentes espacios de esparcimiento como ‘Libro al Viento’. Además de una polémica escultura, ‘La Rockera’, que causó revuelo en la opinión pública.

¡El legado del rock capitalino está más vivo que nunca!

Bogotá se sigue consolidando como una de las capitales del rock en Latinoamérica, y esta vez, la cuota local, estuvo integrada por 26 bandas seleccionadas mediante la ‘Beca LEP 30 años’ y la ‘Beca Festival Rock al Parque 2026’. Proyectos de larga trayectoria, como Perpetual Warfare y Skampida, compartieron circuito con agrupaciones de recorridos diversos, entre ellas La Monky Band, El Punto Ska, Lika Nova, V for Volume, Laura Pérez, Boca de Serpiente y Lucio Feuillet.  A esta participación se sumaron artistas nacionales provenientes de ciudades como Barranquilla, Ibagué, Pasto y Medellín.

En total, durante los tres días se contó con cerca de medio millón de asistentes y el evento que inició con un pequeño grupo de “rebeldes” dejó claro que hoy en día es una insignia de la cultura capitalina.

Con un niño de cinco años frente al piano, una familia recorriendo las cortes de Europa y melodías que terminarían destinadas a trascender en el tiempo inicia el recorrido de Wolfgang Amadeus Mozart, quien desde muy pequeño mostró un talento que lo llevó a convertirse en uno de los compositores más reconocidos de la historia. Casi tres siglos después, su legado sigue siendo protagonista, en esta oportunidad con el ‘Festival Mozart’, un encuentro que reunirá algunas de sus principales obras sinfónicas, concertantes y corales.

La programación estará dividida en tres presentaciones que recorrerán sus distintas facetas, desde las oberturas de ‘Las bodas de Fígaro’ y ‘La flauta mágica’, hasta las sinfonías n.º 40 y ‘Júpiter’, los conciertos para piano y violín y el ‘Réquiem’. La primera fecha será el 9 de octubre, bajo la dirección de Juan Pablo Valencia, director adjunto de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.

“Comenzaremos con ‘Exsultate Jubilate, KV 165’, escrita en 1773. La soprano colombiana Eliana Piedrahíta interpretará esta pieza, que combina una escritura vocal exigente con el carácter propio de la música religiosa”, destacó el comunicado oficial de prensa.

¡Tres días para viajar por la música de Mozart!

9 de octubre

La jornada continuará con ‘Sinfonía concertante para oboe, clarinete, corno y fagot, KV 297b’, una pieza en la que cuatro instrumentos de viento comparten el protagonismo con la orquesta. En esta ocasión participarán Tamas Balla, Christopher Jepperson, Édgar Sánchez y Dante Yenque, principales de sus respectivas secciones dentro de la agrupación nacional.

El cierre estará a cargo de ‘Sinfonía n.º 41 en do mayor, Júpiter, KV 551’, compuesta en 1788 y considerada la última sinfonía de Mozart. La pieza destaca por la manera en que desarrolla y combina sus temas, especialmente en su movimiento final.

10 de octubre

Será el turno del director y pianista brasileño Ricardo Castro, quien estará al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y asumirá también el papel de solista en ‘Concierto para piano n.º 21 en do mayor, KV 467’. El programa comenzará con la ‘Obertura de Las bodas de Fígaro’ y continuará con la ‘Sinfonía n.º 40 en sol menor, KV 550’, escrita en 1788.

El ‘Concierto para piano n.º 21’, compuesto en 1785, completará la presentación. En sus tres movimientos, el piano mantiene un diálogo constante con la orquesta, mientras se combina claridad formal y distintos matices expresivos.

11 de octubre

Se trata de la última jornada que está bajo la dirección de la argentina Natalia Salinas. El repertorio contempla la ‘Obertura de La flauta mágica’, el ‘Concierto para violín n.º 5 en la mayor, KV 219’ y el ‘Réquiem en re menor, KV 626’.

La violinista estadounidense Esther Yoo será la encargada de interpretar el concierto para violín, una obra escrita durante la etapa de Mozart en Salzburgo. El punto final estará a cargo del ‘Réquiem’, una de sus composiciones más reconocidas, que quedó inconclusa tras su muerte en 1791.

Para esta última, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia compartirá escenario con el Coro Nacional de Colombia, junto a Eliana Piedrahíta, soprano; Laura Mosquera, mezzosoprano; Julián Henao, tenor, y Juan David González, barítono.

El ‘Festival Mozart’ se realizará del 9 al 11 de octubre en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Para conocer más detalles puede consultar el sigueinte link.

Con su guitarra, un cuaderno cargado de letras y la pasión que lo acompaña desde niño, Argentina vio nacer a Roberto Fidel Ernesto Sorokin Espasa, un extenso nombre de pila que con el tiempo quedó resumido en uno que todos conocen: ‘Coti’. Su trayectoria se ha construido entre la composición y los escenarios, desde en sus primeros trabajos junto a los hermanos Calamaro hasta consolidarse como intérprete de temas como ‘Nada fue un error’.

Con más de dos décadas de carrera, su pluma también ha dado vida a éxitos como ‘Color Esperanza’, ‘¿Dónde está el corazón?’ y ‘Luz de día’, interpretadas posteriormente por otros artistas y que contribuyeron a ampliar el alcance de su obra. En 2025 celebró los 20 años de ‘Esta Mañana y Otros Cuentos’ con una gira internacional y este año presentó ‘Tus Errores’, una etapa en la que continúa revisitando sus clásicos mientras se conecta con la nueva ola de intérpretes.

“Nunca me sentí un cantante; siempre me llamó la atención escribir canciones, ser un cantautor. Con el tiempo fui aprendiendo a moverme en diferentes territorios y todo eso lo aplico a mis producciones y conciertos. Ahora lo que más disfruto es estar arriba del escenario, compartir con las nuevas generaciones, aprender de ellas y sentir cómo viven la música. Mis nuevos productores y músicos son muy jóvenes y han crecido con mi trabajo, y eso me llena el alma”, resaltó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su historia con Colombia comenzó junto a Juanes

El vínculo de Coti con Colombia ocurrió mucho antes de sus visitas al país. Durante sus primeros años en España, compartió una gira de 13 conciertos con Juanes, quien por entonces también comenzaba a abrirse camino en el mercado internacional.

Aquella experiencia dio paso a una amistad que se extendió entre escenarios, viajes y anécdotas. Incluso algunos de los músicos que acompañaban al argentino terminaron sumándose posteriormente a la banda del paisa.

Desde entonces, Coti ha pasado por Bogotá, Medellín, Cali y Pereira, ciudades donde ha dejado parte de su repertorio. Ahora, tras varios años de ausencia, regresa a la capital colombiana en un concierto íntimo, poderoso y cargado de nostalgia.

“Colombia ha sido siempre un lugar que me ha acogido muy bien y al que he querido volver. Después de unos años, estoy muy contento de poder comunicar esta vuelta para el 3 de noviembre. Siento que hoy llego mejor que en aquel momento, lo disfruto de otra manera, con un repertorio más amplio, nuevas canciones y discos. Va a ser un encuentro muy jugoso, con mucha ilusión por este concierto”, destacó el cantautor.

Para conocer más detalles del evento puede visitar el siguiente link.