Desde su primera edición, la apuesta del Festival no es solo reunir artistas, sino crear un espacio donde la música, el bienestar y las emociones se encuentren.  Como lo dijo Dafne Marahunta durante la entrevista, este tipo de espacios “permiten dimensionar, visualizar de otra manera todo lo que nos ocurre”, un recordatorio necesario para quienes viven en medio del caos urbano.

Más allá de los conciertos, la agenda también incluye espacios de arteterapia, conversatorios y actividades con organizaciones como Memorias Colombia, La Casa de la Paz y Esencia Ámbar. Esto responde a la naturaleza del evento, que, según Dafne, busca “entablar diálogos con uno mismo y con el entorno”, un planteamiento que resuena especialmente entre quienes necesitan formas nuevas de gestionar lo que sienten.

Sanarte Fest ofrece una propuesta que une arte, música y cuidado emocional en un mismo territorio. Para La Titicó, este enfoque es coherente con lo que la cultura siempre ha hecho: “sanar, reivindicar a la sociedad y llevarnos a encontrarnos con nosotros mismos”. Su lectura refleja algo que el público joven valora cada vez más: experiencias que aportan más allá del entretenimiento.

La actividad también se destaca por su filosofía artesanal: a partir de los selectores que llevan música en vinilo: “como cuando haces una playlist, solo que a la antigüita”, explicó La Titicó, hasta la presencia de bandas que han construido su camino desde la independencia. Cada propuesta suma a un ambiente que invita a dejarse llevar por el sonido mientras se intenta comprender lo que pasa dentro.

El Festival contará con voces como Adriana Lizcano & Edson Velandia, 1280 Almas, Dafne Marahunta, La Raska, Ley Ska y Le Mat, además de un “duelo de selectores” con La Titicó, Claumar, King AleX, Zeta Pe Selector y Dj Appóllouss, que pondrán a bailar con salsa, reggae, cumbia y más.

La cita es el 29 de noviembre en Capital Live Music ubicado en la Cra 13 #48-90.

Los Tikuna son uno de los pueblos indígenas más numerosos de la Amazonía. Habitan principalmente en Colombia, Brasil y Perú. El río y su selva son su mayor tesoro. Y fue precisamente en medio de ese legado ancestral donde un joven decidió amplificar la voz de su comunidad ante el mundo.

Se trata de Jhon Montenegro, quien hoy en día conserva más de 52 mil seguidores en Instagram y 44 mil en TikTok, conocido como ‘El Tikuna’ se ha convertido en uno de los rostros más visibles del Amazonas colombiano. Desde hace cinco años, este creador de contenido ha logrado que miles de personas conozcan la selva como un lugar distinto: no solo como destino turístico, sino como un territorio vivo que necesita cuidado, respeto y participación activa.

“En 2019, empezamos con un proyecto llamado ‘Amazonas Fashion Week’, que buscaba rescatar la moda ancestral de las artesanas sabedoras: todo el trabajo con cortezas de árboles, los trajes típicos hechos en chambira, llanchama, semillas y escamas de pirarucú. Gracias a este esfuerzo, las artesanas llegaron a Colombia Moda y pudimos mostrar que nosotros no vivimos solo en taparrabos como muchas personas aún piensan”, contó el influencer en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

De esta manera, su trabajo digital nació como un intento por contar su propia historia y ofrecer una mirada más íntima del territorio que lo ha visto crecer. Hoy es una plataforma que reúne cultura, memoria indígena y acciones concretas para las comunidades que habitan en la región. 

En alianza con ‘Moechi Explorer’, El Tikuna ha llevado a figuras del entretenimiento nacional a recorrer espacios inexplorados del Amazonas, abriendo la conversación sobre turismo responsable y mostrando, en tiempo real, el impacto que puede tener una visita consciente.

Gracias a ese enfoque, personalidades como Yeferson Cossio, Luisa Chima, Claudia Bahamón, Marce la Recicladora, Stiward G y Julián Pinilla ‘El Chico de la Ruana’, han participado en iniciativas que van desde procesos de apoyo comunitario hasta campañas de protección animal. Una de las más recientes permitió la esterilización de 400 perros de la región.

“La selva es un lugar que transforma. Mi propósito es que cada persona que llegue aquí entienda que este territorio merece un compromiso real. El Amazonas no es solo un paisaje; es un cofre de historias, saberes y luchas que necesitan ser contadas desde adentro”, agregó ‘El Tikuna’.

Con 35 años, Jhon Montenegro ha hecho de su cámara y su experiencia un puente entre el país y el corazón de la selva. En sus propias palabras, estos contenidos han logrado que, en las últimas semanas, más de 50 millones de personas vuelvan su mirada al Amazonas. No como un lugar lejano o exótico, sino como un territorio en el que la cultura indígena, la biodiversidad y las comunidades están en diálogo constante.

Bastante sorprendidos han quedado los usuarios de la estación Bicentenario de TransMilenio, en Bogotá, con una pared de más de 150 metros cuadrados que acaba de convertirse en una muestra visual sobre la resiliencia y la capacidad humana de aprovechar las segundas oportunidades. Se trata del Mural Bicentenario ‘Tapas por la felicidad’, una obra construida con 80.000 tapas plásticas recicladas y elaborada por 24 exhabitantes de calle que hoy escriben una nueva historia de vida a través del arte.

La pieza fue presentada en el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25 y es el resultado de una alianza entre la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, la Secretaría de Integración Social, TransMilenio y la Fundación BAT. Más que una intervención urbana, el mural es un testimonio que entrelaza sostenibilidad, cultura ciudadana e inclusión social.

Conversamos con Roberto Carlos Rincón, uno de los 24 exhabitantes de calle que participó en la creación del “Mural Bicentenario: Tapas por la felicidad”, bajo la dirección del maestro Eduardo Buitrón, el acompañamiento de la Fundación BAT, y la articulación de @integracionbta,… pic.twitter.com/6YZNRnA8ZZ

— Secretaría de Cultura de Bogotá (@CulturaenBta) November 13, 2025

Guiados por el artista colombiano Eduardo Butrón Hodwalker, los participantes aprendieron a darle un nuevo uso a lo que normalmente se desecha. Cada tapa reciclada es una pieza simbólica que representa segundas oportunidades, de las cuales ellos mismos son protagonistas.

“Trabajar con materiales reciclados es darle voz a lo que creemos que ya no sirve. Este mural quiere transmitir felicidad y recordarnos que la belleza puede surgir de lo que desechamos, igual que las personas pueden reinventarse”, expresó el reconocido artista ambientalista.

El resultado es una composición vibrante que evoca importantes símbolos capitalinos como un articulado de TransMilenio, la Catedral Primada, rostros de habitantes y exhabitantes de calle. Mensajes que dialogan con la dignidad humana, la memoria urbana y la esperanza. En ellas se reconoce a quienes han encontrado en el arte un camino para reconstruir su identidad y recuperar su lugar en la ciudad.

El arte resignifica la historia y el espacio público. En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad #BOG25, inauguramos el “Mural del Bicentenario: Tapas por la felicidad”, una obra monumental de más de 180 metros cuadrados construida con 80.000 tapas recicladas por… pic.twitter.com/KoIvdHy0sj

— Secretaría de Cultura de Bogotá (@CulturaenBta) November 5, 2025

Roberto Angulo, secretario de Integración Social, acompañó la inauguración de la obra y la señaló como un ejemplo del poder de la colaboración: “Este mural combina sostenibilidad, participación ciudadana y resignificación urbana. Embellece un espacio emblemático y envía un mensaje de confianza e inclusión que es clave para la Bogotá que estamos construyendo”.

Así, el barrio San Bernardo, un territorio históricamente marcado por tensiones sociales profundas, es ahora escenario de una intervención artística que invita a mirar más allá de lo evidente. La estación Bicentenario funciona como una galería artística donde la ciudad puede contemplar el poder del arte para humanizar los espacios y sanar las trayectorias de vida.

Los amantes de las pinturas podrán apreciar obras de arte moderno y contemporáneo, colombiano y latinoamericano en un solo lugar. Se trata de la exposición gratuita de los grandes maestros de la plástica que se lleva a cabo en ‘Bogotá Auctions’, la cual estará disponible al público hasta el próximo jueves. 

En este espacio se podrán apreciar tres cuadros de Fernando Botero, una inédita de Débora Arango, así como otras destacadas de Emma Reyes, Beatriz González, Alejandro Obregón, David Manzur, Luis Caballero, Santiago Cárdenas, Antonio Caro, Maripaz Jaramillo, Enrique Grau, Miler Lagos, Jim Amaral, Ómar Rayo, Saturnino Ramírez, Juan Antonio Roda, Pedro Ruiz, Carlos Rojas, Antonio Samudio, Lucy Tejada, Guillermo Widemann, Hugo Zapata y muchos más. 

“La plástica de los años cuarenta está representada por tres piezas particularmente significativas: ‘Ronda con niño de Alipio Jaramillo’, uno de los grandes maestros del americanismo social en Colombia y Latinoamérica; ‘Nocturno-Parcas’ de Enrique Grau, cuyo expresionismo simbólico testimonia la intensa búsqueda plástica de su periodo formativo; y ‘Vendedor de peinillas’ de Hernando Tejada, destacada por haber participado en la ‘Bienal de Venecia’ de 1950”, expresó Charlotte Pieri, directora general.

Entre las pinturas también están la ‘Monalisa’ (niña) de 1961 de Fernando Botero, ‘Capital’ de 1976 de Carlos Granada, ‘Feliz cumpleaños, quiéreme y serás feliz’ de 1955 de Débora Arango, ‘El final de un mito’ de 1973 de David Manzur, ‘Barrucada’ de 1980 de Alejandro Obregón, ‘Paisaje selva tropical’ de 1987 de Luis Alberto Acuña, ‘Cali, carrera 8va’ de 1987 de Mónika Herrán y ‘Los iluminados’ de 2006 de Bernardo Salcedo. 

Los interesados en ingresar a la exposición pueden asistir a la Calle 70 # 10 A – 59 de 11:00 a.m. a 6:00 p.m. El jueves 20 de noviembre las obras también estarán disponibles para subasta. 

Conozca las obras, sus referencias y haga el recorrido virtual, aquí.

Esta es una experiencia oficial que da vida a uno de los libros más queridos del mundo. Con más de 1.000 metros cuadrados de arte, tecnología y juego, esta puesta en escena invita a público de todas las edades a reencontrarse con la magia, la sensibilidad y los mensajes atemporales de la obra de Antoine de Saint-Exupéry.

Un recorrido para ver con el corazón

La iniciativa combina proyección inmersiva 360°, teatro en vivo, zonas interactivas y espacios educativos en un viaje que celebra el valor de la amistad, la imaginación y el amor.

Los asistentes podrán adentrarse en escenarios icónicos como:

•    El Sahara •    El Jardín de las Rosas •    El Asteroide B-612

Entre otros espacios diseñados para maravillarse, aprender y capturar momentos inolvidables en familia.

“El mensaje del Principito está más vigente que nunca. En un mundo saturado de pantallas y distracciones, su llamado a mirar con el corazón es una brújula necesaria para todas las generaciones”, afirmó Alejandro Riviere, director creativo de Intuit SAS, estudio creador de la experiencia en alianza con el estudio francés custodio de la licencia oficial.

Además del recorrido inmersivo, los visitantes encontrarán una tienda oficial con artículos exclusivos, piezas coleccionables y ediciones especiales del libro, cuidadosamente seleccionadas bajo licencia oficial.

La experiencia está ubicada en el tercer piso del centro comercial Gran Estación.

Horarios: •    Lunes a viernes: 1:00 p. m. a 8:00 p. m. •    Sábados, domingos y festivos: 11:00 a. m. a 8:00 p. m.

En pleno corazón de Bogotá, en La Candelaria, el Museo Arqueológico MUSA inauguró ‘SERámicAnimal’, una nueva exposición que reúne 115 piezas de cerámica precolombina dedicadas a la representación animal. La muestra, instalada en la histórica Casa del Marqués de San Jorge, es una invitación a redescubrir la riqueza cultural de las antiguas sociedades que habitaron el territorio colombiano.

Más que una colección de figuras zoomorfas, ‘SERámicAnimal’ propone un enfoque sensorial y conceptual que entiende la cerámica como un archivo vivo, un lugar donde los cuerpos animal y humano se entrecruzan, por medio del barro.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con su curador, Óscar Sanabria, quien compartió detalles de la colección y su importancia en clave de la memoria precolombina del país.

“Vamos a ver una muestra de piezas cerámicas de diferentes regiones arqueológicas (...) Cada una tiene unas características particulares que nos permite comparar unas a otras. A pesar de las diferencias de lugar y de tiempo, todas tienen una particularidad que nos hacen pensar en esa idea del cuerpo, del cuerpo propio, del cuerpo del animal y sus diferentes transformaciones”, agregó.

La muestra reúne piezas provenientes de ocho regiones arqueológicas —Tairona, Calima, Muisca, Guane, Nariño, Tumaco, Guayupe y Tierradentro— seleccionadas cuidadosamente entre las más de 15.000 piezas que conforman la colección del museo. Una diversidad simbólica de objetos que convierte la exhibición en una de las propuestas más completas de la capital, tanto por su riqueza estética como por el diálogo que establece con las tradiciones de distintos territorios.

“Esta exhibición, con sus 115 piezas, es un viaje a través de una idea de la plasticidad y la facilidad que tiene la cerámica para hablar de muchas cosas. Entre esas la transformación entre el hombre y el animal”, agregó el curador.

Una publicación compartida por Museo Arqueológico Bogotá (@museomusa)

Cada objeto revela la destreza técnica, la sensibilidad artística y el profundo pensamiento simbólico de las culturas precolombinas, en las que los animales no solo eran referentes del mundo natural, sino también entidades sagradas, guardianes, presencias míticas o expresiones del tránsito entre mundos.

Adicionalmente, el montaje museográfico incorpora sonidos, video y dispositivos interactivos, permitiendo que la visita sea una experiencia inmersiva. El proyecto, por su parte, contó con el acompañamiento académico de Brown University, la University of Chicago y un equipo interdisciplinario de profesionales reunidos bajo el nombre Colectivo MUSA, quienes trabajaron en la creación de una propuesta novedosa y responsable con el patrimonio.

Los interesados en conocer esta y otras exposiciones pueden visitar www.musa.com.co para descubrir mayores detalles.

El Festival regresa a la ciudad con una programación amplia y diversa que incluye exposiciones, conversatorios, laboratorios de danza y una gala de cierre que promete reunir distintas expresiones del movimiento Ballroom. Detrás de esta edición están Olga Robayo y Manu Mojito, artistas que han diseñado una curaduría que invita a mirar las corporalidades, los territorios y las formas de habitar desde el arte contemporáneo.

Uno de los escenarios principales será ‘El Parche Artist Residency’, espacio histórico para la escena Ballroom en Colombia, donde se realizaron los primeros ensayos de esta práctica performativa. Allí se presentará el Archivo Ballroom Bogotá, una exposición que reúne memorias, fotografías y relatos de quienes construyeron comunidad cuando la palabra “visibilidad” aún era un acto de valentía.

La programación también incluye el conversatorio ‘Decolonización de la cuerpa y las heridas de territorio’, con la participación de Habibitch (Argelia/París) y Rebeca Zaa (Brasil/Egipto). Este diálogo busca pensar cómo los cuerpos se convierten en espacios políticos, atravesados por historia, migración y deseo.

Los días 19 y 20 de noviembre, Habibitch liderará un Laboratorio de Vogue, un espacio para aprender, compartir y entender la danza como una forma de resistencia y autoafirmación. El eventol cerrará el 22 de noviembre con una gran maratón de performance y feria de emprendimiento en la Terraza Pasteur, un punto de encuentro entre arte, comunidad y fiesta.

Desde su creación en 2015, el Festival KUIR se ha consolidado como un refugio para la creatividad disidente, libre de discriminación y abierto a todas las identidades. Más que una celebración, es una invitación a mirar la ciudad con otros ojos: los que bailan, crean y transforman la historia con orgullo.

Programación disponible aquí.

La exposición ‘Selección de obras de la Colección de Arte FUGA’, que se inauguró el jueves 23 de octubre de 2025, estará abierta al público hasta el 22 de noviembre, de martes a sábado, de 10:00 a. m. a 5:00 p. m., con entrada libre.

Esta exposición reúne 44 obras pertenecientes a la Colección de Arte Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA), un patrimonio de 360 piezas que abarca medio siglo de arte moderno y contemporáneo colombiano, junto con trabajos de autores internacionales. Siendo esta la primera vez que la colección se exhiba de manera exclusiva en una muestra propia. 

“En cada obra de esta colección hay un fragmento de Bogotá, de Colombia y de nuestra región latinoamericana: una mirada, una voz, una emoción que nos pertenece a todos. A través del arte nos vemos, nos leemos y nos reconocemos como ciudad; entendemos lo que fuimos, lo que somos y lo que trabajamos día a día por ser”, afirmó Blanca Andrea Sánchez, directora de la FUGA y del Bronx Distrito Creativo.

Creada por el gestor cultural Germán Ferrer–Barrera (1942–1994), la Colección de Arte FUGA marcó el inicio de una nueva etapa para la entidad, consolidándola como un espacio donde el arte trasciende la exhibición para convertirse en pensamiento y construcción de ciudad. 

A lo largo del tiempo, se ha enriquecido mediante donaciones, adquisiciones y premios de adquisición en certámenes emblemáticos como el ‘Salón de Agosto’, el ‘Salón del Fuego’, el ‘Salón de Arte Bidimensional’ y el ‘Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales’, posicionándose entre las colecciones institucionales más representativas del país.

En su diversidad convergen pinturas, esculturas, grabados, dibujos, cerámicas, fotografías, instalaciones, videos y performances, conformando un universo plural donde cada obra guarda un fragmento de historia. En sus trazos y materiales se revelan múltiples formas de explorar la condición humana, el cuerpo como territorio de identidad, campo de poder y medio expresivo, símbolo del cambio social, la memoria, la violencia y la celebración de la vida.

Con 55 años de historia, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) celebra su papel como casa del arte, la experimentación y el pensamiento, reafirmando su compromiso con la preservación, difusión y activación del arte como vehículo de diálogo, memoria y participación ciudadana.

“Porque cuando el linaje se siente, la cultura se baila y el sabor se celebra”, este es el lema que se tomará las calles del municipio de Madrid, Cundinamarca, durante el próximo fin de semana. A tan solo una hora y media de Bogotá, los visitantes podrán disfrutar y conocer a fondo la identidad, el arte y la memoria afrodescendiente.

Al ritmo de África y el Caribe, se reunirán invitados como Robe El Ninho, quien presentará su nuevo tema ‘Flow Cabrón’; la periodista y escritora Edna Liliana Valencia, con su libro ‘La Diáspora Pérdida’; y el colectivo vocal Madow Afrocollective, integrado por mujeres negras de Colombia. “AfroLatir es más que un festival: es una declaración de orgullo, unión y pertenencia. Un espacio donde el arte se convierte en puente entre generaciones, territorios y memorias”, destacó el comunicado oficial de lanzamiento.

El evento que tendrá como sede principal el Parque de La Prosperidad es organizado por la Fundación MEMUAF – Mesa de Mujeres Afromadrileñas y cuenta con el apoyo de la Alcaldía de Madrid, la Corporación La Prosperidad y el Acueducto ALP.

Dentro de la programación contará con una pasarela performática afro, el concurso gastronómico ‘Master Ceviche’ y una convocatoria de artistas locales que mostrarán la diversidad y creatividad de la región.

Entre los invitados también se suman artistas como Los Gordom, Mama Eka, Karen Hernández, Darlis, Arcángel Linares, K-Moreno y Gustavo, junto al grupo juvenil de danza de la Mesa Afro de Madrid.

Para conocer más información puede seguir la agenda a través de las redes sociales @memuaf / @mamaekaoficial.

La Federación Nacional de Departamentos, entidad pública que agrupa a las 32 gobernaciones de la Nación, realizará la segunda edición de ‘Colombia son las regiones’, un evento que visibilizará la identidad regional y autóctona de cada departamento. 

La Feria es gratuita y se llevará a cabo del 21 al 23 de noviembre en el Parque de la 93 en Bogotá. Allí el talento de cada zona será protagonista gracias a la participación de más de 150 artesanos y 30 muestras culturales. Además, el espacio contará con un escenario principal donde se podrá disfrutar de presentaciones de trova, danzas ancestrales, bailes tradicionales y ritmos típicos que reflejan la esencia de cada territorio. 

Los stands de los 32 departamentos estarán a cielo abierto con productos como cestería, bisutería, escultura, tejidos, vajillas, y prendas como ruanas, sombreros, mantas, objetos de decoración y artesanías tradicionales, entre otros. También tendrá una zona de comidas con la gastronomía de cada región. 

El evento está dirigido a todas las personas y familias con sus animales de compañía. El horario de apertura será a las 10:00 a.m. y de cierre el viernes y sábado a las 10:00 a.m. y domingo 6:00 p.m.

Consulte quiénes serán los artesanos, el mapa de los departamentos en la Feria y más información en este link.

‘Colombia son las regiones’ tuvo su primera edición en 2024 y debido a su éxito, la Federación amplió las novedades de la misma para el 2025 con más artistas, más presentaciones culturales y nuevas zonas de experiencias inmersivas y gastronómicas.  

#SabíasQue la feria 'Colombia son las Regiones' regresa con lo mejor de los departamentos y Bogotá.

Aquí encontrarás todo lo que debes saber para vivir la segunda edición de esta vitrina a cielo abierto. 🇨🇴

🗓️ 21 al 23 de noviembre 📍 Parque 93 Más información… pic.twitter.com/XzAbFzcWqt

— FND - Federación Nacional de Departamentos (@FNDCol) November 11, 2025