Desde Bogotá, ciudad a la que se mudó siendo niña, Georgina ha construido un universo creativo que funciona como una extensión emocional de sus vivencias más profundas. Su música nace de aquello que no siempre pudo decirse en palabras durante la infancia y la adolescencia, y se transforma en canciones que buscan acompañar, validar y generar espacios seguros para transitar las emociones humanas. Con ese objetivo, y bajo el proyecto musical de Agraciada, está presentando su nuevo EP ‘Dos de corazones’.

"A través de mis canciones quiero enviar mensajes de validación de las emociones en vivencias que la mayoría de las personas hemos experimentado: el amor, la rabia o el miedo. Busco ser una puerta o simplemente una melodía que pueda generar dopamina y entretener el corazón. Cuento historias en donde los oyentes se pueden sentir seguros", aseguró la artista.

Su propuesta artística se mueve entre géneros como el bedroom pop, el dream pop, el indie experimental, el bolero clásico y la folktrónica, una experiencia integral que incluye lo audiovisual, lo performático y lo conceptual, todo desarrollado de manera completamente independiente.

‘Dos de corazones’ es el tercer EP de su carrera y está inspirado tanto en ‘Alicia en el país de las maravillas’ y en la simbología de la carta de póker. El trabajo funciona como una metáfora del amor incipiente: ese momento en el que la conexión con otra persona se vive desde la ternura, lo absurdo y la idealización, pero también a partir del temor a la herida emocional que implica abrir el corazón. 

El EP está compuesto por dos canciones: ‘Subrealia’ y ‘Así me haces sentir’. La primera explora la fragilidad emocional y el miedo a enamorarse tras experiencias de dolor previo. A través de sintetizadores expansivos, atmósferas melancólicas y capas vocales procesadas, la canción construye un paisaje onírico que confronta el deseo de entregarse con el temor a la vulnerabilidad. Es una pieza que oscila entre la introspección y la inevitabilidad del amor cuando la conexión es genuina.

Por su parte, ‘Así me haces sentir’ es una serenata pasional y luminosa que celebra el amor inocente. Con influencias del bolero ranchero y el corrido, marcadas por la guitarra y las trompetas, la canción dialoga con elementos del bedroom pop y el dream pop, creando un contraste entre lo clásico y lo contemporáneo. Inspirada en las novelas latinoamericanas, especialmente las mexicanas, el tema utiliza recursos literarios como la metáfora y la hipérbole para narrar un romance vivido sin reservas ni cálculos.

“La inspiración del EP ha sido mi pareja, con la que he descubierto de manera muy distinta el amor, una la cual siempre quise vivir y sentir. Encontré una versión diferente y más real de mí misma, retratada de forma conceptual en lo risueño y en la introspección de las experiencias vividas que en algún momento me cohibieron de volver a sentir como si fuera la primera vez al ser tan íntimo y diferente”, agregó Agraciada.

Desde su debut en 2022 con ‘Caperucita Roja’, un EP conceptual que abordaba las relaciones abusivas con una narrativa de cuento infantil, Agraciada ha demostrado una visión artística clara y comprometida. Su obra se sostiene en la autogestión total en el que composición, producción, mezcla, máster y dirección visual forman parte de un mismo proceso creativo.

Desde el 2014, y a pocos meses de cumplir sus primeros 12 años, Oscura Radio TV se ha convertido en una potente plataforma para la protección, creación y divulgación del rock, el metal y las músicas extremas de la escena artística bogotana. Una labor encabezada por su director, Jasa Rehm, quien visitó los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO para hablar de este trabajo y presentar su compilado vol. 3. Un regalo para todos los amantes del rock con sello capitalino.

Se trata de un CD doble que reúne a 32 exponentes capitalinos del rock, el metal y todos sus derivados, que celebra la diversidad, la autogestión y el esfuerzo que todo el circuito local, conformado por cantantes, músicos, empresarios y escenarios, hacen para mantener vivo el rugido artístico bogotano.

“Desde que iniciamos hasta el día de hoy, el objetivo ha sido muy claro: visibilizar la escena o el movimiento de la cultura extrema independiente. Entonces, no únicamente estamos hablando de música porque dentro de la radio tenemos un programa también dedicado a la literatura, al cine, a la gestión cultural, a las otras expresiones artísticas. ¿Inició, en su momento, enfocado solo al metal? La respuesta es no. Y es que con los años hemos venido abriendo espacios, desde el periodismo cultural, pero sobre todo a mostrar al artista nacional. Eso es lo más importante del trabajo”, reveló Rehm en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Con la participación, en el primer disco, de agrupaciones como Boca de Serpiente , Both Faces , Cuarto Oscuro, Ennui , Fantasía del Moribundo , Fátima Push , Huracán , La Farsa , Mortis y Los Desalmados y muchos otros, el compilado muestra una gran diversidad sonora y conceptual que se ve aún más reforzada con los artistas en el disco dos, entre quienes destacan Ashes , Eclipse , Las Poker , Legio Inferi , Los Sordos , Psycho Mosher , Ramera , Self Deceiver , Stenches Beyond Repulsive , Storm of Darkness , Stomp Roller , The Last Opportunity , Tumulario , Ubasuka , Yimark y Vein.

En un momento en el que la música empieza a dejar atrás el formato físico, y las diversas apps y plataformas musicales se consolidan como el principal canal de divulgación, Oscura Radio TV se mantiene en los formatos tradicionales como un homenaje a su esencia y a su historia. Misma en la que el acetato, el cassette y el CD han trazado el éxito de agrupaciones a nivel nacional e internacional.

“El disco, el material físico, para el rock y el metal, hace parte de la dinámica propia de esta música. Se ha mantenido, todavía con los artistas independientes que sacan discos en físico, incluso las agrupaciones internacionales de renombre se mueven en lo digital, pero siguen creyendo en el físico. Es muy necesario el físico para el rock y el metal porque ha sido el puente de las relaciones entre los rockeros y rockeras de Bogotá, de Colombia y del mundo”, acotó el invitado.

Además de los discos, el compilado incluye dos librillos de 20 páginas cada uno, que hacen gala de una cuidadosa ilustración de una Bogotá futurista creada por Iván Navarrete, quien rescata elementos de las entregas anteriores y presenta una estética más colorida y divergente que hace de Oscura Radio Tv Vol. 3 una pieza infaltable en la colección de todo melómano y conocedor del rock nacional.

Los interesados en conocer más acerca de este proyecto y adquirir este compilado podrán encontrar más información en las redes sociales de Oscura Radio Tv y las tiendas físicas especializadas.

Con más de dos décadas de recorrido musical, la agrupación bogotana The Klaxon ha exaltado el talento capitalino, mezclando su propuesta sonora, de ska y reggae, con otros géneros como el bolero, la cumbia, el rock latino y hasta la salsa. Ahora, en su aniversario N°25 presenta ‘De Nacimiento’, su cuarta placa discográfica, una producción que funciona como un reencuentro con sus raíces y, al mismo tiempo, como una muestra de la madurez artística alcanzada tras todos estos años de carrera.

Reencontrándose con sus raíces y los lugares que los vieron emerger, dos de los integrantes de The Klaxon estuvieron de visita en la cabina de LAUD 90.4 FM ESTÉREO. El cantante y bajista Andrés Silva y el guitarrista Daniel Salas, hablaron del magnífico 2025 por el que pasaron y esta nueva incursión discográfica con la que arranca el 2026.

“Este álbum se llama ‘De nacimiento’, lo hicimos hace 8 años, fue un largo nacimiento, casi no nace… fue una paridera. Fue un reto muy grande y una suma de esfuerzos y de mucho talento el que se gestó ahí, superando muchos obstáculos (...) Es un trabajo muy especial, se grabó una parte en Audiovisión, con un gran ingeniero llamado ‘Kiko’ Castro, múltiple ganador de Grammys”, señaló Andrés Silva.

El proyecto, que estará disponible en plataformas de streaming a partir del 19 de diciembre de 2025, fue publicado de manera independiente a través del sello Unión Latina, reafirmando la apuesta de la banda por la autogestión y la independencia creativa dentro de la escena musical colombiana.

A lo largo de 12 canciones, ‘De Nacimiento’ traza un recorrido sonoro, amplio y diverso. El disco conserva los fundamentos de ska, reggae y rocksteady que marcaron la identidad de The Klaxon desde sus inicios a comienzos de 2000, pero los integra con naturalidad a influencias de las músicas latinoamericanas, incluyendo pasajes que van del skapunk a la salsa.

En este nuevo lanzamiento, el talento de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y la Academia Superior de Artes de Bogotá ASAB también está presente de la mano del guitarrista Daniel Salas, uno de los integrantes más recientes de The Klaxon y quien también, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, compartió su alegría por el lanzamiento de ‘De Nacimiento’.

“Ha sido de mucho aprendizaje, desde lo personal y lo musical. Es un trabajo constante compartir con músicos y músicas de un talento increíble, de una calidez humana muy bonita. Esa es la mayor fortuna, cruzarme en este proyecto con personas que más allá de lo musical, han sido muy calurosas conmigo y siempre me han dado la mano para aprender”, aseguró Salas.

El disco además incluye colaboraciones de artistas invitados como Camilo Restrepo (Providencia), Haffid Kandela, Karen Sativa y Sabor Djembé Orquesta, aportes que enriquecen la diversidad rítmica y el carácter colectivo del proyecto.

Aunque las canciones de ‘De Nacimiento’ ya han sido interpretadas en escenarios de Europa, Reino Unido y Norteamérica, el lanzamiento oficial del disco tendrá un significado especial. El 19 de diciembre de 2025, The Klaxon presentará el álbum completo por primera vez en Bogotá, durante un concierto en La Sucursal Venue. El evento no solo marca la salida formal del disco, sino también un regreso simbólico a casa, en una ciudad testigo del crecimiento de la banda desde sus primeros pasos.

Entre la psicodelia del ritmo y el gris predominante de la ciudad, Luna Llena Salsa Band ha aprendido a moverse por Bogotá con soltura, construyendo una propuesta que entiende la salsa como sonido expresivo, capaz de contar historias de barrio, de resistencia y, también, de amor. Una sensibilidad que ahora aflora con claridad en ‘Mil Maravillas’, el más reciente sencillo de la agrupación capitalina.

Se trata de un proyecto sonoro creado en 2006 y bautizado como Luna Llena. Una orquesta que ha sido parte de una generación que revitalizó la salsa hecha en Colombia desde una mirada urbana y contemporánea. Un sonido que recoge la tradición de la salsa clásica y la mezcla con la experiencia cotidiana de Bogotá, sus calles, sus encuentros fortuitos y sus afectos. 

En esa identidad, cabe recordar, quedó expuesta en la pasada edición de Salsa al Parque, donde Luna Llena se presentó y reafirmó su lugar dentro del movimiento salsero bogotano. Sobre esta experiencia, sus nuevos sencillos y su propuesta musical habló el maestro Julio Pacheco, fundador y director de la banda, en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

“Digamos que esto se fue dando de una manera muy orgánica, con la intención de expresar, de tener unas letras, de hacerles música. Me fui juntando con otros músicos como a jugar, realmente, y cuando vimos que el juego estaba tomando otras dimensiones, decidimos crear Luna Llena y mandarnos del todo a explorar y a transitar este camino (...) saber hasta dónde éramos capaces de llegar”, aseguró ante La Verdadera Alternativa de la Radio.

Ahora, casi 20 años después y tras pisar escenarios como Sancocho Fest, Salsa Rola, Carnaval de Negros y Blancos y el Carnaval de Barranquilla, con ‘Mil Maravillas’, la agrupación se permite un giro hacia la intimidad. Se trata de una canción, escrita por Julio Pacheco y producida por Waldo Farela, que se presenta como una declaración de gratitud hacia el amor encontrado, una pieza pensada para dedicar y compartir. 

El sencillo llega acompañado de un videoclip con una propuesta estética cuidada y colorida. Bajo la dirección creativa de Santiago Escobar y la animación de JMM Studio, el video construye un universo simbólico donde el color, el collage y la animación conviven con la presencia de la banda.

Con ‘Mil Maravillas’, Luna Llena Salsa Band demuestra que la salsa bogotana no se encierra en un solo discurso. Puede ser calle, puede ser crítica, pero también puede ser un gesto íntimo, una canción que celebra el encuentro con el otro. En esa capacidad de moverse entre lo colectivo y lo personal reside buena parte de la vigencia y la fuerza de su propuesta. Para el futuro cercano Luna Llena Salsa Band apunta hacia ‘Salséctrico’, un vinilo concebido como eco-record, fabricado en un alto porcentaje con plástico reciclado.

En una ciudad como Bogotá, que desde hace décadas ha adoptado como propio el son de la salsa, Alejandro Rincón y La Saloma han construido una voz auténtica dentro de la salsa nacional. Su historia no nace del afán comercial, sino de la necesidad de contar lo que ocurre en la calle, de poner la palabra en el centro y devolverle a la salsa su carácter narrativo, urbano y profundamente humano.

Se trata de una propuesta que surge con una idea clara: Hacer salsa que se baile, pero también que se escuche. En sus primeras composiciones, Alejandro Rincón optó por letras originales, poéticas y sinceras, atravesadas por temas sociales, la vida cotidiana, el amor, el desamor y las pequeñas batallas que definen la experiencia urbana.

Una búsqueda lírica de la que su creador, Alejandro, habló en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ en donde además de conversar de su amplia trayectoria, se refirió al gran momento que ha significado este año para su proceso y de los lanzamientos musicales con los que ahora, en pleno diciembre, da cierre a un excelente 2025. 

“Yo antes hacía otro estilo de música, cercano a los boleros, para ir llegando al objetivo que era la salsa. Yo lo hacía aflamencado y así fue llegamos a la salsa. En el 2019, ya con un par de amigos, pudimos ir conformando el grupo como tal, pero no teníamos, por ejemplo, vientos, si no hasta hace muy poco (...) La vaina es que llegó la pandemia, tuvimos que parar un poco”, reveló el artista bogotano.

No obstante, este camino artístico encontró un punto decisivo este 2025, cuando la orquesta fue seleccionada como agrupación distrital para presentarse en el Festival Salsa al Parque, obteniendo el mayor puntaje del proceso de selección. Experiencia de la que también compartió detalles ante los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

“Estar ahí, ver esa tarima gigantesca, fue increíble. El día de la prueba de sonido yo ni quise ver si estaba bien o mal. Estaba totalmente obnubilado viendo esa tarima gigante, y al otro día, cuando se levanta el telón, ver a la gente bailando (...) Tuvo muy buena recepción, bailaban, hicieron coreografía, yo llevé a mis papás ahí al frente y los iba a mirar y casi que me ponía a llorar. ¡Fue muy emocionante!” reveló Alejandro Rincón.

Ahora, para cerrar con broche de oro, llega ‘Ni Modo’, el más reciente sencillo de la agrupación. Una composición que se inscribe en la tradición de la salsa con una orquestación potente, ritmo directo y una energía pensada para el bailador. 

La fuerza de la composición no se limita a la pista de baile. Nace del pulso de la calle y se convierte en una declaración de dignidad frente a la adversidad cotidiana. La letra habla de resistir, de seguir adelante con la frente en alto, de reclamar la memoria personal y colectiva como un acto de coraje.

Musicalmente, la canción mantiene un anclaje firme en la raíz salsera, mientras incorpora elementos de la timba que intensifican la descarga rítmica y le dan un carácter contemporáneo. El resultado es una pieza que conecta generaciones, dialoga con la tradición y reafirma el lugar de la salsa como música viva, vigente y profundamente ligada a la realidad social.

Ni Modo’ se suma a la destacada discografía que refleja la coherencia artística del grupo. En ‘Jocundo’ (2024), la orquesta rindió homenaje al son a través de la historia de un personaje situado en Bogotá, mientras que ‘En la Próxima Parada’ (2025) exploró la salsa romántica desde los romances cotidianos del transporte y la vida urbana.

Vivir diciembre en Colombia no es posible sin música tropical. Esta es la banda sonora de los reencuentros familiares, de las fiestas hasta la madrugada y de una identidad colombiana que se transmite de generación en generación. Para celebrar ese espíritu, se acerca un acontecimiento especial: Un mano a mano histórico entre dos agrupaciones fundamentales del repertorio popular colombiano, Los Hispanos y Los Graduados de Gustavo ‘El Loko’ Quintero, los próximos 20 y 21 de diciembre.

Este encuentro no solo es un concierto, sino una celebración de la herencia musical que ha acompañado durante décadas las festividades decembrinas del país. En un mismo escenario se reunirán dos proyectos que ayudaron a definir el sonido tropical colombiano y que siguen vigentes en el corazón de su público.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, el maestro Jairo Jiménez, fundador y director de Los Hispanos, habló sobre este encuentro que ahora como ayer, emocionará a los bogotanos pasando del formato en acetato a un espectáculo en vivo. Además, expresó su entusiasmo tras más de medio siglo acompañando la alegría de los colombianos.

“Para nosotros es muy satisfactorio, a pesar de tener más de 60 años. En el caso de Los Hispanos la gente de nuestra generación nos recuerda, todo el mundo se quiere tomar fotos con nosotros, se acuerdan en las fiestas bailables en Medellín, del Club de Profesionales, de las Vespertinas Bailables. Diría yo que el 80 %-90 % de nuestra generación se ennoviaron bailando y oyendo la música de Los Hispanos”, señaló el artista.

Los Hispanos son sinónimo de energía, sabor y permanencia. A lo largo de los años, la agrupación ha sabido adaptarse a los cambios sin perder la esencia que los hizo populares, construyendo un legado que trasciende generaciones. Su música no solo ha marcado las fiestas decembrinas en Colombia, sino que forma parte del repertorio clásico de la música tropical latinoamericana.

Por su parte, con más de cincuenta años de trayectoria, Los Graduados representan una de las épocas doradas de la música popular nacional. Sus canciones, cargadas de historias cotidianas, humor, romanticismo y sentimiento, se convirtieron en himnos infaltables en las reuniones familiares y en las pistas de baile. Temas que han resistido el paso del tiempo y que hoy siguen sonando como parte esencial del imaginario musical colombiano.

El formato de mano a mano promete una experiencia vibrante y dinámica: Un diálogo musical en el que ambas agrupaciones alternarán sus grandes clásicos, ofreciendo al público un recorrido por las canciones que definieron una época. El repertorio incluirá temas emblemáticos como ‘Así empezaron papá y mamá’, ‘Cariñito’, ‘Fantasía nocturna’, ‘La pelea del siglo’ y ‘Tan bella y tan presumida’, entre muchos otros, interpretados con la fuerza y la emoción que solo la música en vivo puede transmitir.

Las funciones se realizarán el sábado 20 y el domingo 21 de diciembre en el Teatro Cafam. Una oportunidad única para despedir el año al ritmo de canciones que, más que música, son parte de la historia de los colombianos.

Hablar de diciembre en Colombia es, sin ninguna duda, hablar de música y con ello, recordar artistas como Gustavo ‘El Loco’ Quintero, Los Hispanos, Los Melódicos, Pastor López y muchos. Sin embargo, en medio de todos ellos, la voz de un magangueleño resuena con más fuerza: La de Rodolfo Aicardi.

Es que entre fiestas, familias y celebraciones, sus éxitos han dejado una huella tan profunda que se ha convertido en una de las voces más emblemáticas de la música tropical latinoamericana. 

Al cierre de este 2025, su legado vuelve a tomar fuerza ahora a través de sus herederos musicales, quienes preparan una noche para celebrar la tradición, el baile y la nostalgia. Será el próximo 19 de diciembre cuando el Teatro Cassia recibirá ‘La Parranda del Año con Los Hermanos Aicardi’, un espectáculo pensado para mantener viva la esencia tropical que marcó generaciones y que hoy sigue siendo protagonista en las fiestas navideñas colombianas.

Canciones como ‘Adonay’, ‘Daniela’ o ‘Cariñito’, son infaltables en los diciembres colombianos, y ahora volverán a retumbar, esta vez interpretados por los hijos del legendario cantante, quienes han asumido la misión de renovar la tradición sin perder su alma original.

Con la energía arrolladora del género y un estilo que conserva el sabor de siempre, Los Hermanos Aicardi prometen una noche donde la fiesta no se detiene. La agrupación combina clásicos del catálogo familiar con nuevos éxitos como ‘El Acongojao’ y ‘Sigo Esperando’, su más reciente sencillo. Entre alegría, recuerdos y ritmo tropical, el show busca conectar a públicos de todas las edades, reafirmando el carácter intergeneracional de la música que Rodolfo convirtió en símbolo cultural.

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La noche contará también con dos invitados especiales. La cantautora Lyanna Cadil, quien fusiona pop alternativo, R&B y soul con una narrativa íntima, abrirá la velada con un sonido moderno y emocional. La acompañará La Vuelta, agrupación que explora el encuentro entre ritmos colombianos y sonoridades andinas, ofreciendo una experiencia musical vibrante y profundamente autóctona.

Con luces, baile, emoción y un repertorio que atraviesa décadas, ‘La Parranda del Año’ se configura como un homenaje vivo a una figura fundamental de la cultura popular, una voz que a pesar de los años y la ausencia física, sigue sonando con más fuerza y más autoridad en cada Navidad.

En medio de los convulsos tiempos por los que atraviesa el mundo, el cantautor colombiano Roberto Camargo presenta ‘Muévelo’, una canción que nace como un puente entre culturas y como un recordatorio urgente de la necesidad de paz y unión entre los pueblos. Un tema que fusiona el reggae del Caribe con una atmósfera sonora que evoca los paisajes musicales del Oriente Medio, creando un diálogo artístico tan inesperado como poderoso.

Con ‘Muévelo’, Camargo propone un recorrido emocional guiado por una pregunta: ¿por qué persisten las injusticias en el planeta? Este trabajo invita a mirar al otro, a reconocer el dolor compartido y a mover el espíritu hacia la solidaridad. Lo hace a través de una apuesta sonora que mezcla ritmos cálidos y cadenciosos con melodías en español y árabe, interpretadas por artistas provenientes de distintos puntos del mundo.

Roberto Camargo, acompañado de Jairo Barón, estuvieron visitando los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para contar mayores detalles de esta incursión sonora en la que, como pocas veces antes, occidente y oriente se encuentran para enviar un potente mensaje.

“‘Muévelo’ arrancó hace varios años, no como la escuchamos hoy en día, pero si en ese encuentro creativo que tuvimos con Jairo y con dos personas más muy cercanas en su momento que fueron Alexis Galindo, bajista, y el percusionista Luis Guardela, (...) ‘Muévelo’ hizo parte de algunas canciones que quedaron por fuera pero que en su momento hablaba sobre paz, guerra y unión”, reveló Camargo.

La canción propone un reggae caribeño que se une a la ornamentación vocal del Oriente Medio, dando vida a un mensaje universal que trasciende fronteras en el que Roberto Camargo, reconocido por su estilo que fusiona ritmos tropicales, humor, performance y una profunda sensibilidad artística, vuelve a demostrar su capacidad para contar historias desde la música. 

La alianza entre Camargo y Barón da como resultado una pieza que combina profundidad emocional, riqueza musical y una intención artística clara: recordar que la música puede ser un espacio para la reflexión y la reconciliación. De hecho, la canción también se ha convertido en una proclama para Jairo Barón, ante una industria que parece rechazar a quien levanta su voz y hace crítica de lo social. 

“El que me conoce sabe que, por encima de cualquier cosa, mi mensaje siempre será la música y el bien que haga en la gente. Para mí esa es el arma poderosa más allá de alguna decisión bilateral (...) Hay cosas que hay que decirlas y yo como soldado de la música tengo que decirlas. Claro que uno lo piensa, aquí en un país en el que decir algo en este momento es delicado”, agregó Barón durante la entrevista.

Además del gran aporte de este destacado productor colombiano, la canción contó con la participación de músicos de distintos orígenes, entre ellos Ahmad Mohsen, Ibrahim Salem y Mohamed Salem, quienes interpretan los versos en árabe, y un ensamble de instrumentistas que incorporan saxofón, clarinete, guitarras eléctricas, batería y programaciones.

Incluso la carátula del sencillo tiene un peso simbólico: fue dibujada por Roberto Camargo a partir de una fotografía tomada en Gaza por el periodista ABU EYA (AFP), lo que subraya la intención humanista del proyecto.

La energía del Caribe colombiano electrizó algunos de los escenarios más vibrantes de Europa con Papayebrass, la brass band originaria de Santo Tomás, Atlántico, que desde 2016 ha puesto en alto el legado de las tradicionales papayeras mientras lo mezcla con influencias de jazz, funk, hip-hop, electrónica y una extensa paleta de ritmos ribereños. 

Se trata de un trabajo musical que, siguiendo los pasos de grandes referentes como el maestro Pacho Galán, se ha propuesto mezclar diversos sonidos del Caribe Colombiano y rescatar el formato big band. En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Isaac Navarro, trompetista, fundador y director de esta agrupación, quien contó mayores detalles sobre su creación y los principales logros en los escenarios internacionales.

“‘Papayebrass’ nace de una inquietud que prevalece en el Atlántico: El afán del músico de hacer fusiones. La inspiración más grande que tenemos la tenemos muy cerca: el maestro Pacho Galán, Lucho Bermúdez, el maestro Julio Ojito, la Banda 20 de Julio de Repelón… Todos estos grandes maestros que siempre fusionaron”, reveló Navarro sobre sus principales influencias. 

La historia de la agrupación tomasina es ejemplo de tradición y ganas de romper fronteras. Bajo la sombra de un viejo árbol de mango, en Santo Tomás, nació la idea de crear una propuesta que preservara la esencia de las bandas de viento tradicionales del Caribe y la grandeza de las orquestas de los años cincuenta. Allí, ocho músicos: Siete de instrumentos de viento y un baterista, decidieron dar forma a un proyecto que uniera tradición y modernidad.

“Yo ya tenía el nombre en mente, pensando siempre como en las fusiones, y le comenté a un compañero que tenía esta idea, la de desarrollar música de instrumentos de viento, hacer un formato parecido al de las papayeras pero dándole un toque internacional. De ahí arranca Papayebras, la fusión de la Papayera y la Brass Band Norteamericana”, acotó su director.

La gira por Europa no fue solo una serie de conciertos: Si no un viaje creativo que incluyó dos residencias fundamentales para la evolución de la banda. La primera tuvo lugar en Londres, en los estudios de The Midi Music Company, donde trabajaron junto a Ahnansé, músico, productor y líder del colectivo Steam Down, para componer y coproducir nuevas piezas. La segunda residencia fue escénica, en los espacios de La Fabra i Coats en Barcelona, de la mano de la compañía catalana Dans In Vitro, con quienes exploraron nuevas formas de movimiento y puesta en escena.

En estos ocho años, Papayebrass ha pisado escenarios esenciales de Colombia, incluyendo el Carnaval Internacional de las Artes de Barranquilla, Jazz al Parque en Bogotá y el BUM Sessions, que ganaron en 2023. Su música ha viajado además al Bogotá Music Market (BOmm), TEDx Barranquilla y diversos festivales a nivel nacional.

Ahora, cerrando el 2025, la banda vuelve a casa con un sonido más maduro, una visión internacional y el mismo impulso que los vio nacer bajo aquel árbol de mango: celebrar el latido vivo de la música del Caribe colombiano y la importancia de la fusión para la construcción de identidad musical.

Cada vez es más evidente la manera en que la música popular colombiana se reinventa. Ejemplo de ello es Carranwest, un proyecto nacido en 2020 bajo la dirección del maestro Iván Darío Rodríguez García, que ha logrado abrirse camino en la escena musical con una propuesta fresca, arriesgada y transformadora de la tradición campesina a partir de su experiencia capitalina.

Desde su creación, Carranwest ha construido un sonido propio que parte de la carranga tradicional, género que ha narrado por décadas la vida del altiplano y sus costumbres, para cruzarlo con ritmos contemporáneos como el rock, el ska, la cumbia y la música electrónica. El resultado es una mezcla vibrante que respeta la esencia rural, pero conversa sin miedo las estéticas urbanas y modernas, logrando conectar con públicos de diversas generaciones.

Fue precisamente la cabina de LAUD 90.4 FM ESTÉREO la que recibió la energía y el talento de los integrantes de Carranwest quienes además de interpretar algunos de sus éxitos contaron el inicio de esta aventura artística que se gestó en el occidente de la ciudad.

“Quisimos, siguiendo la tendencia, mezclar las palabras tradicionales de la carranga y las palabras en inglés, también que hiciera una alusión al territorio de donde venimos porque ‘west’ en inglés es occidente y nosotros somos de las localidades de Bosa,Kennedy, Soacha, Timiza… hemos rondado por allá por todos esos caminos entonces dije ‘Carranwest’, suena loco”, reveló su fundador, el maestro Iván Darío Rodríguez.

Detrás de esta identidad sonora se encuentra un equipo de músicos que aportan experiencia y creatividad. Rodríguez, además de ser director, es guitarrista, compositor y voz líder del grupo. 

La genialidad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas también está presente en esta propuesta sonora con acompañamiento del maestro César Corredor, guitarrista clásico de la Academia Superior de Artes de Bogotá, ASAB.

Así mismo, dando solidez a esta propuesta sonora, la acompañan Jonatan Romero, percusionista autodidacta que aporta el pulso con percusión menor y octapad; y Julián Vargas, bajista también autodidacta, encargado de sostener la fuerza rítmica y los bajos.

“Hay un poquito de todo: la música clásica, el reggae, el rock, el ska, la salsa… y lo que quiere Carranwest es llevar un poquito de todos estos géneros y hacer un “calentadito” bien chévere, bien sabroso, pero con las cosas más importantes de cada género y por supuesto con el respeto que se merece la música tradicional colombiana”, agregó por su parte el percusionista Jhonatan Sampayo.

La versatilidad musical de Carranwest se refleja también en su presencia en escenarios locales y regionales, donde la agrupación ha logrado consolidarse como un referente de la carranga fusión. Desde su debut en el Festival de la Papa en Corabastos, han recorrido una diversidad de eventos que celebran la identidad campesina y las expresiones populares del país. Su participación en el Festival Maestros Creadores les permitió compartir escenario con exponentes reconocidos; mientras que en el Festival del Guarapo conquistaron al público con su energía y letras que rescatan las raíces culturales del altiplano.

Su presentación más reciente, en el Festival Encuentros Boyacenses (2025), consolidó su conexión con el espíritu boyacense y su capacidad de dialogar con públicos diversos. Carranwest es más que una agrupación musical: es un puente entre la memoria campesina, la ciudad y las nuevas sonoridades del país.