JxGxB visitó la cabina de LAUD 90.4 FM ESTÉREO para presentar ‘Esa y tantas cosas más’, un EP que marca un giro en su propuesta musical y que pone en primer plano una faceta más introspectiva del punk hecho en Bogotá. Sin abandonar la crudeza ni el espíritu contestatario que caracteriza el género, el grupo explora ahora emociones más íntimas, conectadas con la rutina, la pérdida y los silencios cotidianos que definen la vida urbana.

Formada entre los contrastes y la rudeza de Bogotá, JxGxB ha construido su trayectoria desde la autogestión, una constante dentro de la escena punk nacional. Tras editar un demo en casete en 2022 y publicar ‘Veloz y Podrido’ en 2023, un álbum de doce canciones que consolidó su sonido visceral, la agrupación presenta este nuevo trabajo como resultado de un proceso de madurez artística y emocional.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ sus integrantes: Juan David Prieto, fundador y vocalista; Fercho, guitarra líder, Chanti, guitarra melódica y Juan, su baterista, hablaron sobre este trabajo discográfico que más que un EP, fue una confesión sonora de cada uno de sus integrantes.

“La agrupación tiene un antes y un después a partir de la decisión de empezar a tomar un registro de la propia banda. Recién la cree o en sus primeros años era más para parchar con los amigos, pero a partir del 2022 - 2023 ya nos pusimos con el juicio de grabar, a crear un registro para que la gente también lo pudiera escuchar”, reveló el vocalista.

En ese ánimo por mostrar al mundo su proyecto, aparece ‘Esa y tantas cosas más’, un EP que está compuesto por tres canciones: ‘Después te lo cuento’, ‘Ya no sé qué hago aquí’ y ‘Derly’. Temas que condensan la tensión entre la rabia, la ternura y el desencanto, elementos que el grupo ha aprendido a equilibrar sin perder identidad. 

La canción que abre el trabajo, ‘Después te lo cuento’, rinde homenaje a Luna, la mascota que acompañó a Juan David durante 16 años. Con un tono más sensible, la canción muestra cómo el punk puede convertirse en espacio para el duelo y la memoria.

El cierre llega con Derly, una canción que aborda los amores tardíos y que evidencia la faceta más íntima del grupo. En su mezcla de punk y rock melódico, la banda encuentra nuevas posibilidades creativas sin renunciar a la energía que los define. 

“Son cosas que nosotros vivimos acá en la ciudad, por eso nuestras canciones tienden tanto a hablar de Bogotá, porque nosotros sentimos y vivimos todo esto en medio de las calles y por eso sale con esa esencia. De hecho, en nuestro último videoclip salen varias tomas de Bogotá”, agregó.

En el plano visual, ‘Esa y tantas cosas más’ se acompaña de una portada diseñada por Juan David, en la que un arma de fuego se superpone sobre una reseña del escritor Andrés Caicedo. La imagen refuerza la atmósfera emocional del EP y conecta con la tradición urbana y literaria que ha influido en el grupo.  

La escena musical capitalina se prepara para una noche en la que el poder femenino, el talento bogotano y el poder del rock se tomará el Planetario con Highway que llegará el próximo 5 de diciembre al Auditorio del Planetario de Bogotá con el ‘Viral Tour’, un concierto que reúne la fuerza de dos décadas de trayectoria y el relato íntimo, crítico y emocional de su más reciente álbum, ‘Viral’.

La presentación promete una experiencia inmersiva construida a partir de sonidos contundentes, una puesta en escena visual y un encuentro con la comunidad de fans que las ha acompañado desde el inicio de su camino.

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Conformada por Lina de la Parra (bajo), Carolina Portela (guitarra) y Beth Martínez (voz), Highway se ha consolidado como un referente en la escena del hard rock y el heavy metal nacional. Su historia no solo se sostiene en la potencia de su música, sino también sobre el hecho de ser la primera banda femenina del país dentro del género, un hito que ha marcado discusiones, inspiraciones y transformaciones en el rock colombiano.

‘Viral’, el disco que da origen a esta nueva gira, es una obra que recoge las tensiones, tropiezos y resistencias que enfrentan las mujeres en su vida cotidiana. La banda lo concibe como un manifiesto sobre la fuerza interior y la capacidad de reinventarse frente a las estructuras sociales.

Dentro del repertorio destaca ‘Sin Temor’, una canción que simboliza ese renacer que atraviesa todo el álbum. Con riffs directos, voces desgarradas y una narrativa que apunta a la reconstrucción personal, el tema se ha convertido en uno de los momentos más poderosos de sus conciertos recientes.

Su presentación en el Planetario ofrece un formato más cercano, ideal para reencontrarse con el rock bogotano en un ambiente íntimo, pero profundamente potente e inclusivo. La banda ha diseñado un espectáculo que integra elementos visuales y conceptuales del disco, ampliando el diálogo entre música, narrativa y experiencia escénica.

Los interesados en esta cita musical, programada para el próximo 5 de diciembre, podrán encontrar más detalles en el siguiente link.

Con más de 16 años de experiencia y después de conformar la banda ‘Los Makenzy’, el cantante colombiano Nicolás Triana ha iniciado su camino como solista y muestra de ello su lanzamiento de ‘Alunar’, su más reciente trabajo discográfico en el que acompañado de una impresionante sensibilidad, la maravilla de los astros y su propia identidad, presenta 10 canciones llenas de poesía y momentos personales.

El proyecto llega tras algunos años de silencio creativo, en el que en palabras del artista, aprovechó el tiempo para encontrarse y enfocarse en este nuevo disco. En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Triana entregó detalles de esta incursión creativa.

“Mi banda terminó hace tres años y en este tiempo entré en un proceso personal, de silencio, de enfocarme en mi estado mental (...) Fue un momento de enfrentarme conmigo mismo. Me he dado cuenta de muchas cosas en ese camino, por ejemplo, que es necesario el silencio para poder saber qué quieres decir y qué es lo que realmente quieres transmitir”, aseguró.

En ese sentido, criticó la producción musical “desechable”, y a la industria que pide publicar y publicar sin que haya un trabajo profundo detrás.

“A veces los artistas no tenemos espacios ni siquiera de pensar qué es lo que queremos expresar porque siempre estamos como en una rueda de ratón donde te exigen una canción cada 15 días y así mismo se escucha: canciones desechables. El proceso personal no se refleja, entonces no hay realmente un mensaje. Hay un mercado, pero no hay profundidad, no hay una reflexión detrás de cada tema”, agregó.

‘Alunar’ presenta títulos profundamente personales con los que Nicolás Triana le cantó a su círculo más cercano. Así aparecen canciones como ‘Maíz y barro’, ‘Atar de ser’, ‘Eclipse de Anamar’, ‘Preludio para no hablar’, ‘Cometas’, y ‘Carita Sol’, entre otras.

De hecho, según reveló antes los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, ‘Carita Sol’ es una composición cuyos acordes nacieron en un hospital cuando su hijo estaba internado. Por otro lado, ‘Maiz y barro’ fue una canción dedicada a un amigo víctima de los abusos policiales durante el Paro Nacional.

Este nuevo disco de Nicolás Triana ya está disponible en todas las plataformas musicales. Una invitación para sumergirse en esta fusión del rock, los ritmos colombianos y unas letras profundamente reflexivas.

Con canciones como ‘Pa’ que te muevas’ y ‘No sé mañana’, el cantante bogotano Checho Sasa ha construido una carrera sobre ritmos que evocan playa, brisa caliente, gaitas y sensualidad. Desde su debut en 2020, ha experimentado con elementos del reggae, la champeta, el afrobeat, el dancehall y la música nigeriana, hasta moldear un estilo que conversa con las tendencias del pop urbano sin perder su raíz colombiana. Una identidad sonora que ahora se reafirma con ‘Pa qué’, su más reciente trabajo sonoro.

Se trata de un EP que entiende la música como una razón para celebrar la identidad caribeña de Sasa que incluso trasciende a la escena internacional. El resultado son seis temas que funcionan como un viaje musical por distintas formas de sentir, amar y bailar.

En ‘Pa Qué?’ esa unión muestra una nueva madurez gracias al trabajo de Cfelo, encargado de la producción, mezcla y masterización. Su rol fue decisivo para dotar al EP de una identidad cohesionada, colorida y con la energía que caracteriza al artista. Las grabaciones se realizaron en Yoshy Records, La Colmena y Capital Latino, tres espacios que han visto crecer la escena alternativa y urbana de Bogotá.

Antes de lanzar el EP completo, Checho Sasa presentó una trilogía de sencillos que marcaron el tono del proyecto, de los cuales habló ante los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO. Se trata de ‘Pa’ que te muevas’, una invitación directa al baile, estrenada con videoclip, ‘Cuando tú no estás’, en colaboración con Nami y Dani Monti, que explora un lado más emotivo y ‘No sé mañana’, junto al panameño Kandall, una pieza cargada de vibra latina y caribeña.

Estos lanzamientos prepararon el terreno para lo que sería el universo completo de ‘Pa Qué?’. El EP se estrena con tres temas adicionales que le dan cierre y profundidad al proyecto: ‘El Ritmo del Corazón’, ‘Quisiera’ ft. Dani Monti, y ‘Pa´ vivir’.

La portada del álbum, realizada por la artista bogotana Presencia Fugaz, refuerza la estética del proyecto con un estilo visual vibrante y contemporáneo. Con “Pa Qué?”, Checho Sasa consolida un sonido que combina tradición y modernidad, Caribe e influencia que rompe fronteras. Su propuesta refresca la escena y demuestra que el Latin Pop colombiano continúa expandiéndose a partir de lo local, reinterpretando ritmos propios y encontrando nuevas formas de contar la vida.

A pocos días de finalizar el 2025, Bogotá se prepara para uno de los encuentros más significativos del punk reciente: la llegada de Shonen Knife y Destroy Boys, dos bandas que representan diversas etapas del género, pero que comparten la misma esencia rebelde y creativa. El próximo 7 de diciembre el público colombiano será testigo de un concierto que no solo marca el debut de ambas agrupaciones en el país, sino que también refleja el momento de renovación y consolidación que vive la escena alternativa local.

La presencia conjunta de Shonen Knife, referente histórico del punk-pop japonés, y Destroy Boys, voz cruda y fresca del punk estadounidense contemporáneo, constituye un acontecimiento excepcional. Para una ciudad como Bogotá, que ha construido una identidad cultural marcada por festivales musicales de gran convocatoria y una sólida comunidad underground, este tipo de eventos funcionan como puentes entre generaciones, geografías y estéticas.

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En una escena donde el diálogo entre lo clásico y lo emergente es cada vez más valorado, la presentación ofrece una oportunidad para comprender cómo el punk se ha transformado sin perder su espíritu confrontativo y lúdico.

Desde su formación en Osaka en 1981, Shonen Knife ha trascendido fronteras con un estilo que mezcla ritmos veloces y una estética colorida que en su momento desafió los moldes del punk tradicional. Su visita a Colombia es sin duda un reconocimiento a un público que ha seguido su legado desde la distancia y que ahora podrá vivirlo en vivo.

Por su parte, Destroy Boys llega desde Sacramento, California, como una de las propuestas más potentes de la nueva ola del punk. En pocos años han construido un discurso que conecta con sensibilidades actuales: identidad, relaciones, rabia, vulnerabilidad y resistencia. Su sonido crudo y directo, sumado a la intensidad de sus presentaciones, los ha convertido en un referente para jóvenes que buscan nuevas formas de expresión dentro del rock alternativo.

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Esta visita a Bogotá también habla de la apertura del mercado local hacia bandas emergentes internacionales, consolidando a la capital como un epicentro mundial de cultura y oportunidades.

Reunir a Shonen Knife y Destroy Boys en una misma noche no es solo un concierto: es un encuentro que reafirma el interés de la ciudad por mantener viva una escena diversa, dinámica y receptiva a la escena mundial. Para músicos locales, gestores culturales y seguidores del punk, el evento es una oportunidad de observar cómo conviven los legados históricos con las nuevas narrativas del género. Para mayor información puede ingresar al siguiente link. 

El sabor y la tradición del tambor llamador, el guache y los instrumentos que le dan vida al bullerengue se han reunido una vez más encabezados por el maestro cantador Emilsen Pacheco. Gran representante del folclor nacional que con 45 años de trayectoria musical presenta ‘Aguanta el clavo’, un sencillo que levanta la voz comunitaria y reafirma la herencia afro del Caribe Colombiano.

Se trata de un proyecto en el que la voz y los sonidos del tambor se unen en torno a los cantos ancestrales. Esto, con el talento y la herencia artística que el maestro Emilsen Pacheco, desde su natal San Juan de Urabá ha protegido y exaltado a nivel nacional.

Convertido ya como uno de los principales representantes del folclor nacional, el también tamborero trae una composición cargada de identidad, ritmo y memoria en el que el espíritu comunitario y la dignidad del territorio resuena con cada golpe de tambor.

La canción se suma a un creciente repertorio cargado de simbolismo, historia e identidad, al igual que ‘Bulla’, uno de sus principales trabajos discográficos en el que destacan títulos como ‘Virgen de Guadalupe’, ‘Llora que llora’ y ‘Golpe fandango’.

Más recientemente, en 2024, también deleitó al folclor nacional con ‘Cuando el Negro canta el eco resuena’, y otras cuatro canciones que exaltaron la tradición y la herencia ancestral, poniendo de manifiesto el papel del bullerengue como un ritmo que le canta a Colombia desde la perspectiva de sus regiones.

A lo largo de su carrera, Emilsen Pacheco ha participado en festivales nacionales e internacionales, llevado el bullerengue a escenarios globales y formado a decenas de estudiantes en distintos países. Su labor pedagógica y artística ha sido fundamental para visibilizar y fortalecer las prácticas musicales afrocaribeñas, consolidándolo como un nombre imprescindible dentro del panorama cultural colombiano.

‘Aguanta el clavo’, demuestra que el bullerengue no solo se escucha: se siente, se vive y se defiende. Su nuevo lanzamiento es un recordatorio de que la música tradicional sigue siendo un territorio de resistencia, un puente claro entre el pasado y el presente.

La banda bogotana No Hay Con Quién lanzó su primer EP homónimo, una producción que captura la esencia contradictoria de la ciudad, la huella del conflicto armado y las inquietudes existenciales de una generación que creció entre el ruido, la incertidumbre y el deseo de encontrar sentido.

Formado por Joel Córdoba, Juan Felipe Daza, David Mejía y Juan Forero, el grupo consolidó esta entrega tras más de una década de búsqueda musical que comenzó en 2011. Aquella intención inicial de desafiar los estándares del rock nacional se traduce hoy en un trabajo que mezcla energía, melancolía y una mirada crítica hacia su entorno.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, el bajista Juan Felipe Daza y el guitarrista David Mejía compartieron detalles de esta incursión musical, la forma en la que se reunieron como banda y la manera en que la música se ha convertido en una excusa para que su amistad se siga fortaleciendo con los sonidos del rock.

“En este momento nuestras profesiones nos han dividido un poco y se ve raro que todos pertenecemos a mundos tan distintos. Es un proyecto que ya lleva varios años, nos conocimos cuando todos éramos universitarios (...) De alguna manera la música nos fue uniendo, todos en un momento muy similar de la vida, con ganas de explorar. Aunque la vida da tantas vueltas, seguimos unidos, seguimos viéndonos para tocar”, reveló Juan Felipe.

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Este EP homónimo abre con ‘Caótica Belleza’, tema que ha marcado la ruta estética de la banda. Su videoclip, de hecho, muestra la cotidianidad ruidosa de la capital, entre afecto profundo y denuncia directa. Una estrategia para retratar el amor por Bogotá y cuestionar a quienes la desprecian mientras se benefician de ella. Esa tensión emocional, entre homenaje y crítica, define buena parte del espíritu del lanzamiento.

“A la gente le parece llamativo el nombre de ‘Caótica belleza’ porque termina siendo una mezcla de conceptos. De algo que puede ser desordenado, pero también lindo, para nosotros Bogotá es eso, es una la mezcla de muchas cosas”, acotó.

Otra de las piezas centrales, en la que la reflexión filosófica hace gala, es ‘Paradigmas’, una canción que dialoga con la alegoría de la caverna de Platón para pensar en la búsqueda de la verdad. Una referencia filosófica ahora convertida en llamado a la autonomía y a romper con las reglas religiosas, políticas o sociales que condicionan a la juventud.

‘Tinta & Papel’, es la canción con la que la agrupación recuerda a las víctimas de la guerra en Colombia. Un tema que propone la resistencia como una herramienta contra el olvido, incorporando una sensibilidad que ha cobrado fuerza en las últimas décadas del país. 

Con un sonido que se mueve, y que hace homenaje a Muse, Zoé, Telebit y Caifanes, la banda apuesta por un rock alternativo cargado de capas eléctricas, matices introspectivos y un lirismo que se involucra con la realidad nacional. La propuesta visual del EP también juega un rol central: la fotógrafa Ángela Soracá y el propio Juan Forero, encargado de la portada, desarrollaron una estética que la agrupación describe como una “rebeldía casual” propia del rock.

Con su característica picardía, el orgullo en sus raíces y el deseo de seguir renovando la carranga, Jorge Velosa regresa junto a los Carrangueros del 25 con ‘En el campo todo sirve’, una propuesta musical que exalta la vida rural, la tradición, el ingenio y la exploración sonora.

Este nuevo sencillo, con letra del propio Velosa y música compartida con Marco Villarreal, marca un importante capítulo en la historia de la carranga, el género campesino que el artista boyacense convirtió en emblema cultural del país, con una fusión inédita bautizada como “rumba contriada”, un encuentro entre la rumba carranguera y el country norteamericano.

Este mix resalta por una propuesta en la que el requinto y la guitarra coquetean con sonoridades del country, mientras el tiple y la guacharaca sostienen el pulso tradicional de la carranga. El resultado es un sonido fresco y rítmico que respeta la raíz campesina, pero se atreve a explorar nuevas rutas dentro de la música popular.

Más allá del ritmo contagioso, ‘En el campo todo sirve’ es una celebración del ingenio rural. En su letra, Velosa exalta esa lógica campesina donde nada sobra y todo encuentra su utilidad. Objetos cotidianos, como una cabuya, un alambre o un tizón, se transforman en símbolos de sabiduría práctica y de una vida que se sostiene en el equilibrio entre necesidad y creatividad.

El campo, en la voz de Velosa, no es solo identidad boyacense: es una metáfora universal de trabajo, comunidad y respeto por lo que se tiene. Frente a la lógica del consumo y el desperdicio de las ciudades, la canción propone una mirada ambientalmente sostenible en la que, sin derroche, cada cosa encuentra un uso más allá del que le fue designado en su creación.

Con esta nueva entrega, Velosa y los Carrangueros del 25 reafirman que la carranga no es un género del pasado, sino una tradición viva y en constante transformación.

La nueva obra del ‘carranguero de ráquira’, inmortalizado por éxitos como ‘La cucharita’ y ‘Julia Julia’, abre nuevos horizontes para la música campesina colombiana, conectándola con sonidos globales sin perder su alma rural. Velosa demuestra, una vez más, que la música puede ser alegre y profunda, al mismo tiempo, un puente entre mundos que celebra lo que somos y lo que compartimos.

La literatura y la psicodelia de la música electrónica se unirán el próximo 29 de noviembre de 2025 en el Planetario de Bogotá para abrir un portal entre mundos: el de la selva amazónica y el del universo estelar. Bajo el título ‘Alicia en el Jardín de las Maravillas’, se realizará un espectáculo inmersivo que exalta el arte visual en una experiencia 360° creada por Los Hermanos Ximénez.

La propuesta parte de una idea ingeniosa: poner a dialogar a la Alicia de Lewis Carroll, emblema del surrealismo y la imaginación, con la protagonista de ‘La vorágine’, de José Eustasio Rivera, símbolo del territorio salvaje y de la búsqueda interior.

Ambas figuras femeninas se cruzan en un recorrido que empieza en el Amazonas y termina en un viaje astral, guiado por proyecciones envolventes, texturas sonoras y una atmósfera que transita entre lo onírico y lo ritual.

El pilar sonoro de la experiencia estará a cargo de tres referentes de la escena electrónica bogotana, cada uno con una lectura distinta del viaje:

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Por un lado, Santiago Rivas, artista plástico, comunicador y DJ, quien presentará un set que conecta con los sonidos alternativos de los años noventa y los primeros dos mil, una mezcla entre rock, trip-hop y electrónica nostálgica.

A su lado, Piolinda Marcela, conocida como La DJ Quita Maridos, que encenderá la pista con su mezcla irreverente de tecno-guaracha, electro-cumbia y latin club, una fusión festiva y performática.

Finalmente, Surfer Rosa, una de las figuras emergentes del circuito local, aportará una energía post-punk electrónica, con la crudeza y la estética del underground bogotano.

La experiencia no se limita tan solo al Planetario. Después de la proyección, el viaje inmersivo se extenderá al ParkWay donde el público podrá sumergirse en un DJ set inspirado en los sonidos de The Prodigy, Portishead y Massive Attack.

‘Alicia en el jardín de las maravillas’ se alza, para todos los amantes de la literatura de Lewin Carrol, los estudiosos de ‘La Vorágine’ y los sabedores de la música electrónica como un plan perfecto para adentrarse en la utopía y el surrealismo desde la capital colombiana. Los interesados podrán encontrar más información en el siguiente link. 

Bogotá sigue consolidándose como una ciudad cultural, con eventos accesibles para todo público. La ópera, una de las principales expresiones artísticas del mundo, también tiene espacio en la capital y así lo demuestra ‘Trouble in Tahiti’, una ópera de Leonard Bernstein estrenada en 1952 que hace un análisis irónico y reflexivo del sueño americano.

La cita será el próximo lunes 3 de noviembre de 2025, a las 3:00 p. m., en el Teatro El Ensueño. Allí se presentará Trouble in Tahiti con entrada gratuita (solo se requiere inscripción previa). Una producción a cargo del Colectivo CantArte, un grupo que ha buscado acercar la riqueza cultural de la ópera a nuevos públicos.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Oscar Vargas, Director Musical de la Ópera, quien junto a Diana Cifuentes, Laura Cruz, está al frente de esta reinterpretación de la aclamada puesta en escena.

“Esta es una oportunidad muy importante para los bogotanos: asistir a una ópera que no se ha hecho en la ciudad (...) Es una ópera corta, que tiene una gran influencia del jazz, de la música norteamericana, con una temática muy cercana a nuestras realidades actuales y que permite una comprensión de lo que vamos a tratar en esta ópera”, aseguró.

En ‘Trouble in Tahiti’ el público seguirá la vida de Dinah y Sam, una pareja que parece tenerlo todo, pero vive una profunda insatisfacción emocional. A través de humor, ironía y música, invita a reflexionar sobre las apariencias y el vacío que puede esconderse detrás de la vida perfecta.

“Es una pareja del común (...) que tienen unas discusiones maritales comunes y corrientes como cualquier otro, pero que están bajo la presión de estar demostrando una apariencia de que todo anda bien, que no hay problemas, que son la familia perfecta, la casa perfecta completamente organizada y limpia, todo en su sitio y siempre quieren vivir de las apariencias”, agregó su director musical.

Más allá de la temática, está puesta en escena es enriquecida con un gran equipo de solistas, una orquesta sinfónica completa, actores y una fusión cuidadosamente detallada de teatro, música en vivo y tecnología audiovisual. Esto, con el uso de videoproyecciones para crear una experiencia envolvente en la que un trío vocal proyectado en pantallas actúa como un coro publicitario, reflejando la sociedad de consumo y sus mensajes de felicidad artificial.

“Esta iniciativa del Colectivo CantArte, una fundación que lleva en actividad desde el año 2019 y hemos sido quienes estamos detrás de la propuesta absoluta de esta ópera (...) Es una ópera muy fácil de entender, nada pesada, porque a veces hay esas ideas de que “voy a ópera, me tengo que demorar 3 o 4 horas en una función”, y para nada. Van a salir realmente fascinados”, concluyó Vargas.

Los interesados en asistir a esta gran cita con la ópera lo pueden hacer por medio del siguiente link.