Bogotá se prepara para vivir una experiencia musical única en la que el talento mexicano y argentino se unen para cantar con el alma. Se trata de Los Rumberos, la banda mexicana que ha conquistado audiencias con su rumba pop y fusión de ritmos latinos, y Koino Yokan, el dúo argentino de pop y rock alternativo. Un encuentro que promete no solo un concierto, sino una celebración de la música y la creatividad latinoamericana.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Paul Sefchovich, del dueto Los Rumberos, un proyecto musical que nació en 2013 y ha sabido fusionar ritmos autóctonos mexicanos como el huapango con otros como el bolero y hasta la bachata.

“El dúo nace en las calles de Boston, estábamos estudiando producción musical, entonces un poco cansados de toda la teoría y de todo lo que era académico, decidimos bajar a la calle a disfrutar y a cantarle a la gente que pasaba. Lito, el otro rumbero, con una guitarra de nylon, yo con un tambor. Te diría que cantando, pero en creo que era más bien gritando”, recordó Paul sobre los orígenes de Los Rumberos.

Ahora, con más de 10 años de trayectoria, el dúo musical ha consolidado una identidad sonora que trasciende la bandera mexicana y que ha integrado elementos latinoamericanos. Un performance que el público colombiano podrá disfrutar el próximo 8 de noviembre en el Teatro Charlot de Bogotá.

“Las influencias musicales que tenemos nosotros van mucho más allá de México, van en toda Latinoamérica. Son ritmos que de alguna manera nos hemos “robado”, los honramos nosotros y nos da gusto saber que estamos abanderados por esta fusión de géneros como la bachata, el son, la cumbia e inclusive el vallenato. Ir a Sudamérica, ir a estos lugares que nos inspiraron con estos ritmos y con esos sonidos, para nosotros significa mucho”, acotó Paul.

Por su parte, en el mismo escenario, Koino Yokan llegará con la energía del pop y rock alternativo argentino, creando un contrapunto perfecto con la calidez y el sabor de la rumba de Los Rumberos.

Juntos, los dúos ofrecen una experiencia que combina talento, cercanía con el público y una propuesta escénica vibrante.

El concierto en Bogotá forma parte de una gira sudamericana que incluye paradas en Lima y Quito, y servirá como plataforma para presentar nuevas composiciones de Los Rumberos, como ‘Esa mujer que ves’ y ‘Despertamos a los vecinos’, un gran ejemplo de lo que ellos han denominado como ‘canciones para llorar bailando. Una cita musical que promete no solo entretener, sino también acercar a los espectadores a la diversidad de ritmos y estilos que define la escena contemporánea latinoamericana.

Cada vez es más evidente como Bogotá se ha convertido en uno de los epicentros del reggae y las músicas emergentes en Latinoamérica. Desde los años noventa, la ciudad ha visto crecer una escena vibrante que combina la fuerza del mensaje social, la fusión de sonidos del Caribe y el espíritu comunitario que caracteriza al género. Ahora, durante el mes de noviembre, esa riqueza cultural se encuentra de nuevo con la llegada del Circuito Mes del Reggae, una iniciativa que busca visibilizar, fortalecer y conectar a los proyectos que mantienen viva esta cultura musical en la capital.

Se trata de una propuesta, impulsada por la Fundación SUWAO, con apoyo del Instituto Distrital de las Artes – IDARTES, a través de la Beca LEP, Circuitos de Música en Vivo 2025, que para esta edición reúne a 19 bandas y artistas locales en un recorrido que tomará la capital hasta el 22 de noviembre. La programación incluirá conciertos, ferias y fiestas en emblemáticos escenarios de la ciudad.

Sobre este esperado encuentro, y sus impactos para Bogotá, estuvieron hablando para los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ la vocalista de Alto Grado, Martinika, al igual que Pablo Marroquin e Iván Salas, integrantes de Punto Ska. Dos de las agrupaciones más importantes de la escena urbana capitalina.

“Esta beca, lo que quiere hacer principalmente es apuntarle a la circulación local, en este caso a los géneros del reggae y el ska, con circuitos de música en vivo. Entonces apoya la música en vivo, a generar la economía circular y local, para que las bandas ganen algo por tocar e incentiven a llevar público (...) hacer una economía para todos funcional”, aseguró por su parte Martinika.

Más que una serie de eventos, el Circuito Mes del Reggae se plantea como una plataforma de unión, diversidad y autogestión, donde confluyen el reggae, el ska y otros ritmos afines del Caribe. Su propósito es construir puentes entre generaciones, estilos y proyectos, promoviendo la circulación artística y consolidando el tejido cultural independiente de la ciudad.

Para el 31 de octubre, por ejemplo, el Line Up destaca por agrupaciones como Alto grado, Los Candelarians, La Urband Sound Machine, La Monky Band y DJ Set Villana. 

Por su parte el 8 de noviembre se espera la presentación de Dj Beltsazar, Cristine Keeler y Kmi Bouk. Luego, el 14 de noviembre el escenario será de El punto Ska, Skartone, Javier Alerta, Los Highros y Bayon.

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Ya para cerrar, el circuito, serán Señor Ledesma, Agua Brava, Cool Dany, y Encuentro Elementos, quienes el 22 de noviembre se suban a tarima. Además de los conciertos, el circuito ofrecerá una feria cultural que reunirá emprendimientos, arte, moda y gastronomía con identidad local, junto con invitados sorpresa que se sumarán en distintos momentos para compartir su música y energía con el público.

El Circuito Mes del Reggae no solo celebra la música, sino también la autogestión, el trabajo colectivo y el espíritu comunitario que han caracterizado a esta escena durante décadas. Para conocer la programación completa puede visitar la página web.

La capital colombiana se está preparando para una cita con los géneros más contestatarios, festivos y representativos de la escena musical bogotana. Se trata de ‘Pola, Pogo y Skapunk’, un encuentro en el que la energía del reggae, la irreverencia del punk y la alegría del ska se encontrarán con varios de sus principales exponentes.

Será una noche en la que la escena musical capitalina se reunirá, no solo para disfrutar de un buen momento, sino para reconocer los esfuerzos de la autogestión y los logros del trabajo colectivo para exaltar el talento bogotano.

Con un gran cartel, que incluye agrupaciones como The Klaxon, La Severa Matacera y la Monky Band, ‘Pola, Pogo y Skapunk’ se llevará a cabo el próximo 1 de noviembre y reunirá a varias generaciones, estilos y propuestas sonoras con tinte muy urbano.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Alex Arce, vocalista de La Severa Matacera, quien contó detalles de esta primera edición, en la que se contará con la participación de Desorden Social, Sin Nadie al Mando, Los Highros, La Raska y Matiu Colin, además de una cuota internacional que desde Argentina llega con Turi Rastaman y Seraqueda Reggae.

“La idea es generarle a los asistentes una experiencia más allá de solo ir a ver agrupaciones en vivo sino unos espacios de encuentro donde también nosotros nos podremos ver con la gente, interactuar con ellos (...) Se ha querido volver a reunificar estos géneros y lo que se buscaba es reunir bandas de todas las generaciones”, acotó.

Exaltando esa naturaleza de autogestión, y de apoyo colectivo, ‘Pola, Pogo y Skapunk’ contará con selectors en vinilos, zonas de descanso, merch y un panorama ideal para el networking creativo. Una combinación que busca llevar la experiencia más allá y romper las barreras entre las agrupaciones y los espectadores.

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“El espíritu del Festival es no realizarlo como tradicionalmente se ha hecho, de solo bandas a tocar y ya, sino abrir desde la 1:00 p.m. para que pueda llegar un público más joven, tener unos espacios de emprendimiento, asimismo van a haber unos sitios para la gente que se quiera hacer unos flash tattoo”, reveló el artista.

Los interesados en esta imperdible cita podrán encontrar mayor información en este link. Sin duda una excusa para que la amistad, la música y el talento bogotano se encuentre en torno al pogo y la buena vibra.

Durante años, el nombre de Juan Campodónico ha sido una presencia constante en la música latinoamericana contemporánea. Músico, compositor y productor uruguayo, Campodónico es el cerebro detrás de proyectos tan diversos como Bajofondo, Peyote Asesino y Campo, además de ser una figura clave en la evolución sonora de artistas como Jorge Drexler, Cuarteto de Nos, Kevin Johansen, Zoe Gotusso y No Te Va Gustar.

Ahora, este creador multifacético da un paso definitivo al frente: Por primera vez lanza un disco bajo su propio nombre, un trabajo que reúne todas sus exploraciones anteriores en una propuesta personal, introspectiva y ambiciosa. El álbum se titula ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, y ya desde su nombre plantea un ejercicio de introspección en torno a la identidad artística.

En este nuevo trabajo, Campodónico no abandona sus raíces ni sus colaboraciones, pero cambia el foco: Esta vez no es el productor detrás de la cámara ni el integrante de un colectivo. Es él quien está al centro de la escena y de esta experiencia habló ante los micrófonos de ‘Amantes Del Círculo Polar’.

“Ha sido una experiencia muy enriquecedora. Es una inquietud que me surgió hace un par de año, ver mi perfil de Spotify como Juan Campodónico y encontré una página en blanco como para poder escribir un nuevo momento y definir un nuevo artista. Ha sido muy revelador, es un punto de vista mucho más cercano, trato temáticas bastante personales y para que se hagan una idea el disco comienza con un tema que se llama ‘Milo’, que es el nombre de mi hijo”, reveló Campodónico. 

En ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, Campodónico condensa sus múltiples universos en un viaje musical que va del candombe al funk brasileño, del indie latino al folclore electrónico. Temas como ‘Frik’, ‘Milongueado’ o ‘La Duda’ muestran esa diversidad estilística, mientras que canciones como ‘Onda Expansiva’, el focus track del álbum, sintetizan su sello creativo: Un comienzo folclórico que se convierte en una explosión electrónica con capas tangueras y guiños a sus obras anteriores.

“Aparecen todas las músicas que son parte de lo que ya he hecho. Hay cosas que suenan un poco ‘bajofonderas’, otras que suenan a hip hop, como de mi primera banda que fue ‘Peyote Asesino’, o que suenan a Campo, pero todo con una nueva manera de verlo, una nueva forma, inclusive con algunos de los invitados del disco”, agregó.

El trabajo cuenta con una notable lista de colaboraciones entre quienes destacan Jorge Drexler, Sebastián Teysera, Eli Almic, Zeballos, Josean Log y Cami Rodríguez, entre otros. Voces que refuerzan la idea de que Campodónico busca ser un canal para expresar una sensibilidad colectiva, actual y profundamente latinoamericana.

La biografía de Campodónico es también una historia de cruces culturales. Nacido en Montevideo, pero criado en parte en la Ciudad de México, creció entre la música uruguaya que llegaba en cassettes desde el sur y los sonidos globales que inundaban el DF. Esta mezcla dejó una marca imborrable en su manera de hacer música, siempre híbrida, siempre en movimiento.

“Conecta con una parte de mi vida que fue mi infancia en México. Con mi familia estuvimos allá 8 años en la época en la que en el sur estaban las dictaduras y todo esto cuando yo era muy chico. Entonces esto cuenta algo de esa parte mexicana que yo tengo. Me gustaba que el disco reflejara y definiera un poco quién era Juan Campodónico como artista individualmente”, confesó el artista uruguayo.

Este trabajo sonoro, conformado por 11 canciones, ya está disponible en plataformas. Una invitación para descubrir una faceta más personal y más poderosa de uno de los productores más destacados del continente.

Con el fin de cantarle al paisaje paramoso, a la pérdida y a la poesía, el proyecto sonoro A Media Lengua, presentó durante los últimos días su primer trabajo discográfico, siete canciones que conforman el EP ‘Páramo’ acompañados de un estilo que fusiona el rock, el slowcore, el sadcore y el indie. Una propuesta sonora de la que sus integrantes hablaron con ‘Amantes del Círculo Polar’, revelando los momentos que han marcado el proyecto. 

Conformado por Zahara Lasso, Fabio Martínez y Rafael Lasso, el trabajo musical ‘AML’ tiene sus orígenes en el sur del país, en Pasto, que une la trayectoria como DJ de Rafael, el chelo y la voz de Zahara y la pasión poética de Fabio. Una mezcla de la que nació como primera canción ‘Frío’.

“Con ‘Frío’ iniciamos este proyecto, tratando de ganar nuestra propia voz que básicamente es una voz que incluye cuerdas frotadas y todo el sonido del chelo que es un instrumento que evoca la tranquilidad, la soledad, que de alguna manera es muy nostálgico. Decidimos empezar a darle vida desde esa sonoridad y ese paisaje”, reveló Fabio.

Definido como un viaje sonoro que consta de siete estaciones sonoras, con ‘Páramo’ el público recorre canciones como ‘Puerta’, que es la apertura del EP y plantea una pregunta inicial ¿Cómo sonaría un páramo? y ¿Cómo recordar la ausencia de un ser querido? Luego, hay títulos como ‘Tiembla’, ‘Rápido’, ’Tempestad’ y ‘AML’, este último como cierre del disco.

“El sonido de A Media Lengua sería como muy acústico, pero con esta atmósfera de los ritmos electrónicos muy característicos por ejemplo del slowcore. En general si la quieres describir sería una propuesta como muy nostálgica”, agregó por su parte Felipe.

La letra poética también tiene un papel muy determinante. Composiciones sensibles, profundas y reflexivas que giran en torno a la pérdida y la ausencia, inspiradas en gran parte por un episodio en la vida de uno de sus integrantes.

“Esa vivencia personal tiene nombre: se llama Nicolás Martínez. Es mi hermano menor, él se suicidó en el año 2019, tenía 18 años y fue un momento muy fuerte para nuestra familia. Así que de alguna manera la lógica de las letras, incluso el paisaje sonoro, permite resignificar este tema de la pérdida”, agregó Fabio. Esta iniciativa musical ha calado profundo en sus espectadores, dando voz al dolor, la nostalgia y la inestabilidad de la vida. Permitiendo además diversas interpretaciones de las canciones y un recorrido minuciosamente cuidado desde la primera canción.

“A mí me gusta transitar el ‘Páramo’ y creo que tal vez iniciar el recorrido por la primera canción nos da un tránsito de emociones y situaciones”, reveló por su parte Zahara quien invitó a todos los oyentes de LAUD 90.4 FM ESTÉREO a descubrir A Media Lengua y a conocer este EP.

En Colombia, el reggae ha crecido a contracorriente, construyendo su historia desde la independencia artística, los sonidos de barrio y la conexión con las raíces afrocaribeñas. A lo largo de las últimas décadas, este género ha evolucionado más allá de los clichés tropicales para convertirse en un lenguaje de resistencia, espiritualidad y amor. Dentro de esa historia, pocos nombres resuenan con tanta coherencia y autenticidad como el de Javier Alerta, pionero y voz emblemática del reggae hecho en Colombia.

Desde los días en que fundó Alerta Kamarada, Javier Alerta ha mantenido una búsqueda constante por el equilibrio entre la raíz y la renovación. Su música ha acompañado marchas, festivales y despertares colectivos, pero también ha sabido volverse íntima, reflexiva y humana. Así lo demuestra de nuevo con ‘Brixton in Love’, una exploración que alcanza una nueva dimensión y de la que el artista habló en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

“El año pasado tuvimos la oportunidad de viajar con la banda a Londres y fue una experiencia inolvidable, realmente algo maravilloso. La misión era ir a grabar, grabar un álbum (...) y apareció Dennis Bovell, tuvimos la oportunidad de entrar y producir con este señor, escribir canciones allá, componer algo muy lindo y el pasado 10 de octubre ya quedó en las plataformas. Ya la gente puede encontrar el lado A”, reveló Javier Alerta. 

Grabado en el mítico Map Studios de Londres, el álbum marca un homenaje al espíritu del lovers rock, subgénero nacido en los años setenta en el Reino Unido que transformó el reggae en un vehículo de ternura y afecto. Alerta se une a Dennis Bovell, figura fundamental del reggae británico y arquitecto del sonido lovers, quien se encargó de la producción y mezcla del disco. Todo junto a un equipo técnico de nivel internacional, con Duncan Thornley en la grabación y Manuel Scaramuzzino en la masterización, quien aportó la calidez y profundidad sonora que caracterizan su trabajo.

El proceso creativo fue tan orgánico como fiel a las raíces: La agrupación grabó en vivo, al estilo de las sesiones clásicas de los años dorados del reggae. Esa decisión le dio al disco una textura real, un respiro compartido entre los músicos, que se siente en cada acorde y cada línea vocal. El resultado es un trabajo de madurez artística que celebra el amor, no solo como tema lírico, sino como fuerza que une geografías, culturas y generaciones.

“Queremos coger la energía de lo que estamos viviendo y en la música me parece que es muy necesario. Coincidimos con los de la banda en eso (...) Lo de Londres queríamos hacerlo igual. Londres para nosotros marca un destino súper importante para el reggae porque muchos artistas de reggae han pasado por Londres, han hecho grabaciones en este lugar, entonces hay una energía que quisimos vivir y caminar”, agregó Alerta en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Este lanzamiento incluye además una edición especial en vinilo doble de 10 pulgadas, con un atractivo contraste entre las versiones originales y reinterpretaciones dub que expanden la experiencia sonora. Este formato físico no solo apela a los coleccionistas, sino que reafirma la apuesta de Alerta por mantener vivo el sonido raíz del reggae.

Desde su nacimiento en Tunja en 2016, Nasa Histoires ha tejido un universo sonoro propio donde la poesía se funde con el jazz gitano, el folk y los ritmos latinoamericanos. Con un lenguaje que abraza la nostalgia y la alegría por igual, la banda ha logrado cautivar audiencias en Colombia y Latinoamérica con canciones que son relatos de vida convertidos en melodías.

Sobre esta trayectoria, su nuevo sencillo ‘Garras’ y un concierto único que tendrá lugar el próximo 25 de octubre en donde acompañarán sus éxitos con la Orquesta Sinfónica de Bogotá, dos de sus integrantes: El bajista Daniel Díaz y el saxofonista Víctor Hugo Cely, estuvieron hablando en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Nasa Histoires, cuyo nombre es una mezcla del wayuunaiki ‘Nasa’ que significa ‘aquellas’ y el francés ‘Histoires’, es decir, ‘historias’, resume su espíritu: Un proyecto que cuenta historias universales desde una mirada sensible, mestiza y profundamente humana.

“Grabamos ‘Bugambilia’, grabamos ‘Flora’, y fue cuando de eso explotó la banda a través de Tik Tok en esa época, en 2023. A partir de entonces han sido unos años de locura en los que hemos viajado por México, Argentina, Chile, Ecuador, ahora vamos al Lollapalooza el otro año (...) se cumplió el sueño de dedicarnos completamente a la música”, reveló Víctor Hugo.

Con dos discos que ya son referencia en la escena alternativa, la agrupación boyacense ha consolidado una estética donde lo íntimo se vuelve celebración y que el próximo 25 de octubre, se unirá en el Teatro Cafam junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá.

Ahora, después de recorrer escenarios en CDMX, Guadalajara, Puebla, Quito, Medellín y Bogotá, la banda llega a un nuevo capítulo: el cierre de su gira mundial Flor Morada Tour con un concierto sin precedentes junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá para presentar ‘La Sinfonía de las Flores’, un encuentro entre lo sinfónico y lo alternativo que transformará el repertorio de Nasa Histoires en una experiencia orquestal. Sus canciones más queridas florecerán entre violines, maderas y metales, dando vida a un jardín sonoro donde cada nota será un tributo a la emoción y la memoria.

“Es un reto muy grande. Tengo la expectativa muy alta y emocionalmente me siento muy cargado porque escuchar las canciones que tú haces, las canciones que has tocado en tu trayectoria, en un formato que nunca has escuchado pero que sé que la primera nota, marcada por los vientos, por todos los instrumentos que están rondando en la atmósfera, va a ser eternamente mágico. Va a ser ese momento de cerrar los ojos, soñar y dejarse llevar por la música”, señaló sobre el concierto el bajista Daniel Diaz. 

Con ‘La Sinfonía de las Flores’, la agrupación boyacense no solo marca el cierre de una gira: Es una celebración de lo que ocurre cuando las historias se convierten en música y la música en emoción compartida. Una noche para florecer al ritmo de Nasa Histoires.

Mientras se preparan para este concierto sinfónico que marca el cierre de una etapa, Nasa Histoires también abre otra: Una exploración hacia lo instintivo y lo salvaje con su nuevo sencillo ‘Garras’. 

Se trata de una canción que le canta a la salud mental y a la lucha constante contra la ansiedad. Una pieza que viene acompañada de un videoclip que mezcla conceptos como los videojuegos, el viejo oeste y un entorno futurista, mientras hace un homenaje al paisaje árido de La Guajira. 

El trío colombiano El Feeling, radicado en Los Ángeles, continúa consolidando su propuesta sonora fusionando los ritmos tradicionales con la estética del pop alternativo y los matices electrónicos. En su más reciente lanzamiento, ‘Bacatá’, la banda celebra sus raíces y le rinde un homenaje musical a Bogotá, la ciudad donde comenzó su historia.

Formada por Carolina Cobo (voz), Carlos Hernán “Seache” (acordeón) y Sergio Aldana (guitarra), la agrupación ha construido un proyecto que explora los puentes entre culturas, idiomas y géneros musicales. Combina cumbia, pop alternativo, tambora, flauta de millo y sintetizadores, refleja una búsqueda de identidad que trasciende fronteras y conecta con audiencias diversas.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, su vocalista Carolina Cobo compartió detalles de este proyecto sonoro, de su rescate de sonidos autóctonos colombianos y de su próximo álbum, ‘0.4’, ad portas de salir a la luz.

“Siento que esta es la manera de rendir tributo al sonido que venía de otras épocas y lo hacemos de una forma muy respetuosa. También diciéndole a la audiencia que tampoco queremos ser esos sonidos de antes, ni tomar el lugar de los artistas y los clásicos del folclore, ni de la música andina, ni de la cumbia tradicional colombiana (...) Adoptamos todo eso y lo transformamos en lo que a nosotros nos suena y nos sabe rico”, reveló.

El Feeling ha logrado posicionarse como una de las propuestas emergentes más interesantes dentro de la escena independiente latina en Estados Unidos. A lo largo de su trayectoria han colaborado con artistas como Palenke Soultribe, con quienes trabajaron la canción ‘El Ave’, parte del próximo álbum de la agrupación titulado 0.4, cuyo lanzamiento está previsto para octubre de 2025. Este trabajo discográfico promete consolidar su estilo mestizo y su visión de tender puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo.

Con ‘Bacatá’, El Feeling entrega una pieza que mezcla lo íntimo con lo colectivo. La canción evoca la calidez de la capital colombiana a través de sonidos que retratan su espíritu diverso y su paisaje urbano. Tambores, cuerdas, acordeón y sintetizadores se entrelazan para construir una atmósfera sonora que es, a la vez, moderna y profundamente conectada con la tradición. 

“Para El Feeling llega un nuevo álbum para ahorita, a finales de octubre, allí va a estar incluido ‘Bacatá’ y pueden esperar sonidos ambientales, pero va a ser enfocado en un viaje hacia el espacio. ‘0.4’ son unas coordenadas que unen diferentes puntos geográficos del país, donde casualmente las coordenadas comenzaban en ‘0.4’ (...) Le hacemos un homenaje a la cordillera y a nuestra región andina”, aseguró.

‘Bacatá’ llega como el último adelanto antes del lanzamiento de 0.4, un proyecto que marcará una nueva etapa en la evolución de El Feeling. En este trabajo, el grupo continúa explorando la mezcla entre la tradición folclórica colombiana y las sonoridades globales del pop alternativo, sin perder la esencia que los identifica: La conexión emocional con el público.

En los coros, la voz de Cobo entona versos que despiertan el orgullo bogotano y la nostalgia de quienes han vivido su magia entre montañas. Las letras hacen alusión a la “estrella blanca que ilumina los Andes”, metáfora de la luz que guía a los bogotanos incluso en medio del frío característico de su altitud.

La producción de ‘Bacata’ corrió por cuenta de Seache y Sergio Aldana, con mezcla de Diego Contento y masterización de Enrique López Lezama. El resultado es un tema de sonido cálido y envolvente que combina precisión técnica con sensibilidad artística.

Con la edición número 26 de Salsa al Parque, Bogotá cerró el ciclo de los Festivales al Parque 2025 con una fiesta inolvidable. Una cita que convirtió el Parque Simón Bolívar en un inmenso salón de baile al aire libre. Durante dos días, 4 y 5 de octubre, más de 320 músicos, 181 bailarines y 18 agrupaciones llenaron la capital de sabor, ritmo y memoria, en un encuentro que reafirmó por qué la salsa sigue siendo un lenguaje que une generaciones y construye identidad urbana.

LAUD 90.4 FM ESTÉREO fue testigo de ello en el marco del cubrimiento especial que adelantó durante este encuentro melómano. Allí tuvo la oportunidad de dialogar con artistas de talla distrital, nacional e internacional que pusieron a vibrar a todos los asistentes con reconocidos clásicos de ayer y de siempre. Desde la Sonora Ponceña, con sus más de 70 años de historia, pasando por Yuri Buenaventura, orgullo nacional, hasta la Orquesta Candombé, promesa distrital, quienes unieron con la salsa a un público, en medio de toda la diversidad que le caracteriza.

Precisamente sobre Salsa al Parque 2025 y los hitos alcanzados durante este año con el programa Festivales al Parque, estuvo dialogando con la verdadera alternativa de la radio la Directora de IDARTES, María Claudia Parias, concluyendo un año con nueve festivales y un año lleno de música y cultura.

“Hoy terminamos la serie de nueve festivales organizados por el Instituto Distrital de las ARTES, IDARTES, que significan la participación de cerca de 700 mil personas en todos estos escenarios de la diversidad musical y creativa. Mismos que han implicado la presentación de 192 agrupaciones de música en todos los géneros de la música, que también son los preferidos por las y los bogotanos”, refirió la funcionaria.

En el caso de Salsa al Parque, por ejemplo, se registró la participación de 60 mil personas, desde todas las localidades de Bogotá, durante los dos días de la edición 26 de Bogotá. Una importante comunidad compuesta por orquestas, bailarines profesionales y aficionados, melómanos y también apasionados por la diversidad musical que compone al género.

Además, la danza tuvo un papel protagónico. Doce parejas y seis compañías de baile acompañaron a las orquestas en escena, mientras que la carpa bailable y las ruedas de casino invitaron al público a participar activamente, transformando el parque en una verdadera escuela de alegría colectiva. A la par de representar una valiosa oferta cultural, en su mayoría de entrada libre, para los bogotanos. Los Festivales al Parque resultan ser un destacado dinamizador económico a lo largo del año.

“Según el Observatorio de Culturas de Bogotá, se ha movido en la economía cotidiana de la gente que viene al Festival, es decir lo que compran para ponerse, lo que compran en comida, lo que gastan para transportarse al evento, más de 20 mil millones de pesos. Una rama económica muy importante, pero lo más destacado es que la ciudad se posiciona internacionalmente como una ciudad cultural”, acotó Parias.

El público, diverso, multigeneracional y profundamente apasionado por la música respondió con entusiasmo a una curaduría que ha buscado combinar tradición y contemporaneidad en materia de rock, joropo, musica popular, jazz, hip hop, vallenato, salsa y muchas otras expresiones sonoras.

El balance es contundente: 192 agrupaciones, 71 distritales, 69 nacionales y 52 internacionales. Además, más de 1.200 músicos que hicieron parte de una programación que llevó a la ciudadanía por un recorrido sonoro por las raíces colombianas más profundas y las nuevas propuestas musicales.

En medio de la efervescente escena musical de la capital colombiana, y durante los retos que implicó la pandemia por el COVID-19, en 2020 nació una agrupación de metal extremo y hardcore que en sus cortos cinco años ha calado hondo en el panorama emergente gracias a sus múltiples presentaciones a nivel local y nacional, así como también una propuesta original que mezcla sonidos e instrumentos orientales, la agresividad musical y la calma ancestral.

Sobre este proyecto sonoro estuvieron hablando en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ dos de sus integrantes: El bajista Jean Jiménez y el guitarrista Kurakash quienes que revelaron detalles de su trayectoria y el trabajo que adelantan en materia de un nuevo álbum que pretende encapsular el verdadero concepto de Okinawa Bullet.

“Esto que viene para Okinawa ha sido un proceso que intentamos todos meterle mano absolutamente a todo. Que tenga el sello personal pero que  genere una identidad de la banda. Por eso decidimos lanzarlo como longplay y no solo como sencillos (…) Esto ya quiere contar una historia y cerrar un concepto de lo que realmente viene a ser Okinawa Bullets el día de hoy”, reveló Kurakash.

Además del gusto compartido por la cultura japonesa, lo que motivó a los Okinawa Bullets a llamar su agrupación como la ciudad oriental fue la resiliencia que ha caracterizado a dicha parte del mundo y la riqueza de sus creencias espirituales, música y pintura.

A lo largo de su carrera la agrupación bogotana ha alcanzado importantes hitos como el compartir tarima con bandas de la talla de Carnifex, Underoath o Escape the Fate. En cuanto a escenarios, participó este 2025 en el Festival Rock al Parque y también el Bogotá Music Market BOom 2025. Mientras que en años anteriores ha llevado su irreverencia musical a espacios como Catatumbo Rock Fest y Valle Rock Festival.

Por el momento, para los interesados en este talento con sello capitalino, pueden escuchar su EP ‘BANZAI’, en el que destacan canciones como ‘Dualidad’, ‘Hatori’, ‘Miyagi’, ‘Bushido’, temas que cuentan también con su respectivo videoclip.