Una travesía sonora que fluye entre cumbia, currulao y bullerengue da vida a la más reciente propuesta de Urpi Barco. Se trata de una pieza artística que sitúa la ancestralidad y las narrativas de género en el epicentro de su universo musical.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la cantautora reflexionó sobre los desafíos de encabezar procesos creativos: “Ser cabeza de proyecto nunca es fácil… como mujer a veces tienes que demostrar que lo haces bien, a veces no nos creen”.

Con la participación de doce invitadas, ‘Golondrina’ se consolida como una creación colectiva donde convergen instrumentos tradicionales, armonías contemporáneas y exploraciones vocales: “El unirme con otras compañeras que también están en este camino ha sido poderoso”, aseguró sobre este tejido de talentos.

La esencia de la obra parte de un lugar íntimo. El tema homónimo es un tributo a su madre, quien dejó su hogar siendo joven para perseguir una vocación artística: “Quise hacer un homenaje a ella y a todas las que han tenido que dejar cosas atrás para seguir sus sueños”, explicó Barco.

Ese recorrido también se adentra en la herencia de sus ancestras. En Kencha Colibrí, la intérprete explora su origen muisca a través de una pieza construida junto al Cabildo Indígena de Suba para recuperar sonoridades de una lengua en reconstrucción: “Es un proceso en el que me hice muchas preguntas por mis raíces”, señaló.

Asimismo, la artista replantea el concepto del jazz, alejándolo de visiones elitistas para acercarlo a las expresiones populares: “A veces pensamos que es una música muy cerrada, pero si vamos al origen, es la expresión de un pueblo”, sostuvo, destacando el vínculo entre la improvisación y los relatos comunitarios atravesados por la herencia africana.

La dimensión social del proyecto se refleja en piezas como ‘Niña Pies de Sal’, inspirada en una fotografía sobre la explotación infantil en México: “Compuse esa canción justamente para visibilizar el trabajo infantil”, reafirmó, vinculando su arte con la reflexión crítica.

Tras tres años de maduración, este lanzamiento representa la culminación de una búsqueda estética profunda: “Fue mucha emoción contenida, porque es ver materializar los sueños”, concluyó. El concierto no solo recorrerá su nueva música, sino que será una celebración del territorio narrado desde la diversidad y la voz femenina.

El legado del Joe Arroyo vuelve a sonar de una manera distinta. Sus canciones, arraigadas en la memoria colectiva del país, dejan de lado la estructura salsera tradicional para encontrarse con la fuerza de la agrupación de Samacá. Más que un homenaje, el proyecto ‘Arroyo Sinfónico’ propone un viaje para descubrir sonidos diferentes en las letras que ya forman parte de la historia nacional.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Julio César Maldonado, productor de este encuentro, explicó que la iniciativa nace del interés por la experimentación: “Cuando ya tienes cerca de 60 músicos haciendo sonar un tema, la profundidad de lo que se escucha es totalmente diferente; el color y la fuerza cambian por completo”, señaló al describir la energía que aporta el conjunto boyacense a este modelo artístico.

El corazón de este trabajo está en el departamento de Boyacá. Allí, la banda municipal se ha convertido en un espacio donde niños y jóvenes descubren en el arte una herramienta de cambio. Para quienes lideran el proceso, la práctica instrumental representa un camino de oportunidades: “Las bandas sinfónicas en el país son una opción para muchos chicos; aprenden música, aprenden a leer y encuentran un rumbo. Nosotros creemos que la cultura es la mejor opción para transformar realidades”, afirmó el invitado.

Este recorrido cuenta con antecedentes sólidos en la unión de lo académico y lo popular. Antes de abordar el universo del Joe, el equipo exploró con éxito repertorios dedicados a Soda Stereo y Queen, demostrando que los ensambles de esta naturaleza pueden conectar con audiencias diversas: “Lo que van a encontrar es una revisión de los temas clásicos, con arreglos especiales, pero con toda la energía de estos jóvenes músicos”, aseguró Maldonado.

En esta propuesta, el reto principal ha sido cuidar el ritmo original mientras se construye un ambiente renovado. Para mantener esa esencia intacta, el montaje cuenta con la participación de Dinkol Arroyo, hijo del artista, quien se une a los instrumentistas para vincular el pasado con el presente de esta herencia.

La presentación será este sábado 18 de abril en el Teatro Cafam de Bogotá. Más allá de lo que ocurra en el escenario, el impacto real permanece en la trayectoria de los participantes: “Hemos visto chicos que empezaron con nosotros y hoy están en la Banda Sinfónica Nacional. Eso demuestra que estos espacios sí transforman vidas”, concluyó el productor.

El Coro Nacional de Colombia se adentra en un territorio inédito con ‘The Sound of the Soul’, un concierto que marca su primera incursión en los Negro Spirituals y el gospel. Estas tradiciones, nacidas en contextos de opresión, están profundamente ligadas a la espiritualidad y la resistencia. La cita será a las 8:00 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

La directora musical Diana Carolina Cifuentes, habló en LAUD 90.4 FM ESTÉREO sobre esta apuesta que confronta a los integrantes con nuevas formas de entender el canto compartido: “Dentro de la literatura coral hay una gran paleta de estilos y este es un género que no habíamos abordado. Está ligado a las iglesias norteamericanas, pero también es la raíz de sonoridades actuales, incluso del hip-hop”.

El montaje supone un quiebre con la tradición sinfónica habitual. En esta ocasión, la agrupación se presentará junto a una banda de guitarra, batería, bajo y piano, buscando acercarse a otras texturas sonoras: “Pasamos de la orquesta a un formato más popular, haciendo una propuesta más cercana a la gente”, señaló.

Sin embargo, el eje de la presentación no es únicamente estético, sino histórico. Los cantos espirituales, explicó la directora, nacieron como una herramienta de comunicación para personas esclavizadas: “Eran expresiones de dolor, pero también una manera de sentirse libres. Muchas veces las letras eran códigos en los que se citaban pasajes bíblicos, pero en realidad coordinaban escapes o buscaban alcanzar la libertad”.

Esa doble lectura convierte al repertorio en una experiencia que trasciende lo dogmático: “Es algo que conecta con el espíritu. No se necesita entender el idioma para sentirlo; hay una energía en el ritmo que nos mueve”, afirmó la maestra.

El reto ha sido también técnico y corporal. La interpretación del gospel exige romper con los parámetros de la academia vocal, incorporando recursos expresivos distintos: “El uso de la voz cambia completamente y además, el coro va a bailar. No es lo mismo cantar estático que hacerlo mientras el cuerpo se desplaza; eso implica otro nivel de exigencia”, aseguró Cifuentes.

Finalmente, la directora extendió una invitación abierta a todo tipo de público: “No se trata únicamente de la lírica. El color de las armonías genera una vivencia que cualquier persona puede disfrutar”, concluyó. Con este proyecto, el Coro Nacional no solo amplía su horizonte artístico, sino que demuestra su capacidad para reinventarse y conectar con audiencias diversas.

El evento toma como punto de partida una de las gestas más significativas del siglo XX: El 12 de abril de 1961, el cosmonauta soviético Yuri Gagarin se convirtió en el primer ser humano en viajar al espacio a bordo de la nave Vostok 1, orbitando la Tierra y marcando un antes y un después en la historia de la exploración espacial. Su vuelo, de apenas 108 minutos, no solo simbolizó un avance tecnológico sin precedentes, sino que transformó la manera en que la humanidad se percibe a sí misma frente al universo.

Más que una función musical, la pieza plantea una atmósfera sensorial en la que el público transita por diversos estados emocionales. El recorrido inicia en la penumbra, entre interferencias radiales y ecos en ruso que sitúan al espectador en plena carrera espacial, evolucionando hacia una narrativa sonora que rompe con la lógica tradicional del espectáculo en vivo.

Detrás de este montaje se encuentra una artista con más de quince años de trayectoria y referente en festivales como ‘Rock al Parque’. Su versatilidad le permite fusionar géneros como rock, punk, new wave y house, construyendo sets que priorizan la energía y la conexión orgánica con la audiencia.

En esta ocasión, su curaduría utiliza el hito de 1961 como eje para edificar un relato sin palabras. Durante 90 minutos, el sonido guía una travesía que evoca desde la tensión previa al despegue hasta la ingravidez en órbita, culminando en un cierre colectivo que entrelaza pasado y presente a través de la vibración rítmica.

El evento se suma a la agenda institucional que busca vincular la divulgación científica con las artes. En este entorno, los datos técnicos de la exploración espacial se traducen a una experiencia auditiva, facilitando un acercamiento pedagógico y creativo al contexto astronómico.

La cita para esta celebración, que une conocimiento y cultura, será el sábado 11 de abril de 2026 a las 7:00 p. m. En este marco, la música se consolida como el vehículo definitivo de descubrimiento: Un vuelo que ocurre tanto en el firmamento como en la imaginación.

Aquí toda la información sobre cómo asistir y adquirir sus entradas.

Tras más de veinte años de trayectoria recorriendo los escenarios, Sharif y Rapsusklei presentan una obra que trasciende lo sonoro; se trata de un viaje introspectivo por la existencia, la memoria y la honestidad de dos voces que han definido la estética de varias generaciones. El disco se compone de diez cortes bajo la producción de Gordo Del Funk y Bombony Montana, logrando un equilibrio entre la lírica profunda y un sonido de carácter atemporal. Las colaboraciones de artistas como Horus, Kyr4, Luís Cortés, Aerstame e Ibzen aportan matices diferenciadores, inyectando frescura y una diversidad de texturas a la arquitectura del proyecto.

Piezas como ‘La Flor en los Escombros’, ‘No Me Hables de Amores’ o ‘Escribir Sobre Fuego’ funcionan como espejos de una madurez creativa evidente. En ellas, los autores despliegan una mirada adulta y reflexiva acerca de su propio legado, ratificando que el rap es capaz de ser simultáneamente enérgico, vulnerable y transparente.

Sharif Fernández Méndez, oriundo de Zaragoza (1980), se ha consolidado en la industria por una escritura poética e introspectiva. Su estilo fusiona la rítmica del género con una marcada sensibilidad melódica y constantes referencias literarias, explorando conceptos como la identidad y la espiritualidad. Por otro lado, Rapsusklei (Diego Gil Fernández) ha edificado una de las carreras más sólidas del ámbito independiente. Su propuesta, cruda y genuina, amalgama la crítica social con los fundamentos de la cultura hip-hop clásica, lo que le ha valido el respeto unánime en el panorama internacional.

Con este lanzamiento, la dupla zaragozana confirma que, tras años de vigencia, su capacidad para conmover y sorprender al público permanece intacta. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, invitando a la audiencia a conectar con la esencia más pura del rap de autor.