El Senpai Stage Festival llega como una apuesta para quienes encuentran en el anime, los videojuegos y el cosplay un universo sonoro donde todo se conecta.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Armando y Janies, parte del equipo organizador, compartieron los detalles de este evento que busca construir comunidad desde la música. “es la primera vez que una comunidad de músicos hace parte oficial de las comunidades del SOFA. Queríamos un espacio donde el rock también tuviera voz”, explicó Armando.

El Senpai Stage Festival no es solo un concierto: Es una forma de mostrar cómo la cultura geek ha crecido y se ha mezclado con los sonidos urbanos, el metal y el pop japonés. Bandas como Katana Soul, Shiro Yokai, Soryu, Reyerth, Kamisama Gakudan y otras agrupaciones inspiradas en el J-Rock y J-Metal serán parte del cartel. “Cada banda tiene su identidad, sus trajes, su historia. Algunas hacen tributo a artistas como Baby Metal y otras crean su propio universo escénico”, contó Armando.

Además de los conciertos, los asistentes podrán disfrutar del ‘Lado B’, una experiencia que mostrará cómo se preparan las bandas antes del show. “Van a ver las pruebas de sonido, los ensayos, los vestuarios, todo lo que pasa detrás del escenario. Es una manera de acercar a la gente al proceso creativo”, comentó Armando, destacando que será una oportunidad única dentro del SOFA.

Para Janies, presentadora del Festival, la conexión entre música y fantasía es lo que da vida al evento. “Un día sin música es un día de muerte lenta. Tener este espacio en el SOFA es mágico, porque el ocio no se entiende sin música”, afirmó entre risas. En el encuentro, tres dragones: Magenta, Azul y Naranja, simbolizan la unión de la fuerza creativa entre los músicos, el público y la comunidad geek. “El dragón representa la magia y el poder del SOFA. Es el alma del festival”, agregó.

Lejos de los estereotipos, el festival busca reivindicar la cultura geek como un espacio de conocimiento y creatividad. “Durante años me sentí un geek de clóset hasta que entendí que somos muchos más de los que creemos”, dijo Armando. Y lo demuestra en cada charla que dicta sobre la música de películas y videojuegos: “En el SOFA hablaré sobre la música de Mario Bros y El Señor de los Anillos. Es increíble cómo el sonido puede conectar mundos”.

El Senpai Stage Festival se realizará en el pabellón 1, piso 2 de Corferias, durante los días jueves y viernes del SOFA 2025. Con solo el pase de entrada al evento, los asistentes podrán acceder a este espacio que reúne rock, performance y comunidad. “Si les gusta el anime, los videojuegos o el rock, este es su lugar”, concluyó Janies.

La edición número 23ª del Festival Internacional de Títeres Manuelucho reúne a artistas de seis países con propuestas que van mucho más allá del entretenimiento infantil: son relatos de imaginación, resistencia y reflexión.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ conversamos con: Iván Álvarez, director de La Libélula Dorada, y Federico Ugalde, titiritero argentino de Sakados del Tacho, quienes compartieron su visión sobre este arte que, con sencillez y profundidad, conecta generaciones y despierta preguntas acerca del mundo que habitamos.

Iván Álvarez recordó que el teatro de títeres nació de una necesidad: “Nos dimos cuenta de que los niños eran marginados no solo en lo social, sino también en lo cultural. Por eso decidimos trabajar para ellos, desde el respeto y la imaginación”. Con esa convicción, La Libélula Dorada lleva casi 50 años formando públicos y elevando este arte al rango de expresión escénica.

Su hermano, el recordado César Álvarez (1951-2024), fue cofundador del grupo y del Festival. La edición de este año le rinde homenaje con obras que abordan temas profundos como la muerte, el humor y la ternura. “Nuestra más reciente obra, ‘Ácidas ficciones’, es para adultos y trata el tema de la muerte con ironía y poesía. Es también un reconocimiento póstumo a mi hermano”, compartió Iván con emoción.

Por su parte, Federico Ugalde llegó desde el noreste de Argentina con un espectáculo que combina humor y conciencia ambiental. Su propuesta, ‘Sakados del Tacho’, convierte residuos plásticos en títeres llenos de vida. “Siempre me preocupó la basura, separar los residuos, reciclar. Un día me di cuenta de que podía usar esos envases para crear personajes. De algo descartado puede surgir cosas hermosas”, contó.

Federico, que se describe como un ‘artesano de la fantasía’, aseguró que lo importante no es ocultar el origen del material, sino hacerlo visible: “Me gusta que se note que son botellas, tapitas, envases. Es una forma de recordar que lo que desechamos también puede contar historias”.

El Festival no solo celebra el oficio de los titiriteros; sino que abre un espacio para reflexionar sobre la creatividad como herramienta de transformación. En palabras de Iván, “cuando una obra está bien hecha para niños, igualmente emociona a los adultos, porque despierta El niño interior que todos tenemos amordazado”.

Federico complementó con humor: “El público cambia de país en país, pero el humor no. Es universal. Lo que hacemos con los títeres es hablar un mismo lenguaje: El de la risa y la imaginación”.

Hasta el 26 de octubre, el Festival Manuelucho presentará más de veinte funciones en teatros y bibliotecas de Bogotá, con compañías de Argentina, España, Cuba, República Dominicana, Ecuador y Colombia. La agenda incluye obras para todas las edades y talleres que enseñan a construir títeres, animarlos y contar historias con ellos. Encuentra la programación completa aquí.

Más allá del espectáculo, cada función se convierte en una lección de creatividad, respeto por la infancia y cuidado del planeta. Como concluye Iván Álvarez: “Los títeres son un puente entre generaciones, una forma de recordar que lo pequeño puede tener una voz poderosa”.

La danza vuelve a ser protagonista en la Red Distrital de Bibliotecas Públicas de Bogotá, BibloRed. La convocatoria estará abierta del 1 al 30 de octubre de 2025 y entregará $24 millones en incentivos económicos. Los resultados se darán a conocer el 27 de noviembre.

Dos categorías para crear y habitar la ciudad, ‘Contracuerpo’ invita a dúos de bailarines a presentar propuestas que exploren la ciudad como un organismo vivo, donde cuerpo y espacio urbano se transforman mutuamente. Para ello se han definido dos modalidades:

•    Profesional. La ciudad que danza

Dirigida a dúos con más de cinco años de trayectoria individual. La propuesta ganadora recibirá $16 millones.

•    Emergente. Derivas del cuerpo

Pensada para dúos en formación o con menos de cinco años de experiencia profesional. La propuesta seleccionada obtendrá un incentivo de $8 millones. Las coreografías deberán tener una duración de 10 a 15 minutos y adaptarse a espacios no convencionales como plazas públicas, bibliotecas, auditorios o escenarios al aire libre, generando experiencias dinámicas e innovadoras que inviten a la interacción con el público.

Un encuentro entre arte, comunidad y espacio público, donde BibloRed busca fortalecer la danza como un lenguaje de conexión y transformación.

“La ciudad se convierte en escenario y el cuerpo en territorio. Invitamos a los bailarines de Bogotá a sumarse a este diálogo donde arte, comunidad y espacio público se encuentran para imaginar nuevas formas de habitar la ciudad”, afirmó Andrea Victorino, Directora de Lectura y Bibliotecas de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte y BibloRed.

Requisitos de postulación

•    Dúos de bailarines residentes en Bogotá, mayores de edad. •    Categoría Profesional: mínimo cinco años de trayectoria individual por participante y propuesta interdisciplinaria, técnica y artística. •    Categoría Emergente: menos de cinco años de experiencia y propuesta inspirada en El movimiento de la ciudad. •    Obras flexibles y adaptables a lugares no convencionales, que potencien la relación entre público, cuerpo y espacio.

Más información en www.biblored.gov.co Inscripciones abiertas en Convocatoria Contracuerpo 2025.

El primer hombre que pasó una noche completamente solo en la escalofriante ‘Isla de las Muñecas’, el mismo que asegura tener en sus manos objetos poseídos como las famosas ‘canicas del Bronx’ o la desconocida muñeca con la que deambula ‘La Llorona’. Así es la historia de Rafa Taibo, reconocido investigador, presentador y un referente de lo paranormal en Latinoamérica.

Sus fantasmas lo acompañan a donde va y el título de ‘Ellos están aquí’ es su bandera en cada escenario que recorre. Esta vez presenta una de las facetas más arriesgadas para su carrera: ‘Crónicas de Ultratumba’. Un viaje paranormal que reúne a la destacada sanadora espiritual y médium clarividente Ayda Valencia, una mujer dotada de dones extraordinarios, capaz de conectar con energías y planos espirituales.

“En cada función contaremos con la participación de renombradas figuras de la vida pública en Colombia, personas que han tenido experiencias con lo místico, lo esotérico y lo paranormal, y que me han acompañado en algunas de mis expediciones. Para el gran estreno en Bogotá, tuve el honor de contar con la presencia del famosísimo comediante y filósofo Iván Marín. Se unió a esta experiencia única con su inconfundible sello de humor inteligente, y compartió las aventuras que vivimos juntos”, contó Rafa en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Un show lleno de misterio, terror y sorpresas

“Del terror al humor, solo hay un paso” es el lema de esta propuesta en la que los asistentes podrán interactuar directamente con los protagonistas y vivir dinámicas para descubrir sus propios dones extranormales o místicos.

La experiencia será totalmente interactiva desde la taquilla, en primer lugar, se encontrarán con la exposición del Museo ‘Ellos Están Aquí’, una colección de objetos vinculados a las investigaciones paranormales más impactantes del país.

"Queremos que cada función sea una experiencia completa. Por eso estará presente ‘Mystery Box’, con paquetes no reclamados que el público podrá adquirir sin saber qué contienen ¡una aventura en sí misma! Además, la música en vivo termina de envolverlo todo, haciendo de cada presentación un evento único e irrepetible", agregó Taibo.

Fechas y horarios

El gran estreno fue el primero de octubre a las 8:00 p.m. en la WOW Restaurante Bar (Carrera 15 # 97-18, Bogotá). Durante todo el mes de octubre, el show se presentará todos los miércoles en esta misma sala. 

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El maestro Álvaro Restrepo es conocido por ser uno de los pioneros de la danza contemporánea en Colombia. Es paisa de pura sepa, bailarín, coreógrafo y pedagogo. Aunque su trayectoria se traduce en décadas de talento y escenarios, las artes lo siguen sorprendiendo, esta vez desde el don de la composición de Sergey Akhunov, músico ruso nacido en Kiev en 1967.

El encuentro con las piezas musicales de Akhunov, fue inesperado y valioso, en una época donde Restrepo como consecuencia de unas cirugías en su ojo derecho, debió permanecer boca abajo varias semanas para que el agujero macular terminará de cerrar y cicatrizar.

“Nunca antes había escuchado su nombre, ni mucho menos su música. En esos momentos de vulnerabilidad y fragilidad, puedo decir, en un sentido tanto real como figurado, que su música me salvó la vida”, relató el maestro de la danza en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Suite Akhunov: Resistencia, memoria y poder transformador

A partir de esta experiencia personal nació ‘Suite Akhunov’, que junto a la dirección de Restrepo cuenta con la participación de Marie France Delieuvin y la Compañía Cuerpo de Indias. La obra integra danza contemporánea, música y artes visuales para explorar temas como la enfermedad, la recuperación y la resiliencia

Está divida en dos partes, la primera surge desde el adagio de la pieza ‘Plegaria por la Paz’, un tema corto que toma como punto de partida el espíritu de ‘Cuerdas’ de Samuel Barber.

“Le pedí a la cofundadora y codirectora de El Colegio del Cuerpo que asumiera la dirección y el concepto coreográfico de esta suerte de llanto/oración por la Paz. De allí el título que hemos escogido: Ll(oración)”, agregó el maestro.

Por otro lado, se encuentra una colección de 15 miniaturas para violín y piano llamada ‘Jazz’. El título lo tomó Akhunov de una serie de collages y découpages que el pintor francés Henri Matisse hizo durante su recuperación de una cirugía de cáncer. 

En la adaptación colombiana, se decidió titular ‘Laguna’ y dedicársela a Mauricio Suárez, uno de los bailarines del elenco, quien sufrió un grave accidente cerebro vascular y, de manera casi milagrosa, logró recuperarse sin secuelas.

‘Suite Akhunov’ abrió la programación del Teatro Jorge Eliécer Gaitán el pasado miércoles primero de octubre. Se espera que en las próximas semanas llegue a nuevos públicos y escenarios de Colombia. 

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Habitaciones y pasadizos que resguardan oscuridad, animales, soledad y violencia serán el escenario principal de ‘Casa Fobia’, una experiencia inmersiva inspirada en los rituales de hipnosis y en la tradición del horror psicológico que llega a Bogotá.

Su objetivo es habitar la mente de un personaje atrapado en sus propios traumas y sumergir al espectador durante una hora en múltiples estaciones donde podrá enfrentarse a diversas fobias muy comunes de los colombianos.

“En ‘Casa Fobia’ quisimos llevar el terror al límite de la participación del espectador. Ya no es un público que observa: es un público que respira, huye, bloquea puertas y enfrenta la materialización de sus miedos”, explicó Javier Romero, director de la obra, en el comunicado oficial de lanzamiento.

Romero es uno de los grandes escritores colombianos especializados en terror y misterio. Es reconocido por su narrativa digital innovadora y por ser pionero en Colombia en el desarrollo de series web y la producción de audio series en formato podcast dentro de este género.

Ha sido autor de obras como ‘La Oficina del Terror (1 y 2)’, el tour de horror ‘Terror Callejero’ y escritor de la antología digital ‘Horror Rolo’. En esta nueva faceta, mezcla teatro inmersivo, escape room y performance sonoro, presentando a distintos personajes que toman forma para devorar al público en un trance hipnótico.

"La obra está apoyada por efectos de luces, sonidos analógicos y recursos visuales que en cada detalle buscan recrear un estado hipnótico colectivo. Esto potencia la experiencia sensorial para que el espectador se sumerja en la historia y enfrente sus propios miedos", agregó el director.

El proyecto que cuenta con el respaldo del colectivo ‘Horror Rolo’, busca posicionar a Bogotá dentro del circuito internacional del terror en vivo, siguiendo la tendencia de ciudades como Londres, New York, Madrid y Ciudad de México, que han apostado por experiencias teatrales que romperían el término de “la cuarta pared”.

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Todos los sábados, desde el próximo 11 de octubre hasta el 15 de noviembre, se podrá disfrutar de la función el Bar El Candelario de Bogotá, ubicado en la Cl 12b #4- 94. 

Publicada en 1924, La Vorágine es considerada una de las novelas más trascendentales de la literatura no solo colombiana sino también latinoamericana. En ella, José Eustasio Rivera retrató con crudeza las condiciones inhumanas que vivieron miles de trabajadores en las caucherías de la Amazonía y la Orinoquía, sometidos a explotación, esclavitud y violencia. Obra que ahora, repensada por el comediante Diego Mateus, llegará en forma de monólogo al Teatro El Ensueño.

Se trata de una puesta en escena que Mateus, egresado de la Licenciatura en Ciencias Sociales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, empezó a idear hace ya varios años con el fin de traer a las nuevas generaciones una obra literaria tan esencial como La Vorágine, pero mezclando sus tres grandes pasiones: Historia, comedia y literatura.

“Yo siempre fui un gran amante de La Vorágine, al principio la leí en el colegio y la odié como odié el colegio (...) Pero en la medida que la iba leyendo iba descubriendo que era tremendo viaje y decía: “la gente tiene que leer esto”, reveló ante los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, una necesidad que acompañada de la falta de una versión libre y en conmemoración de los cien años de su publicación, lo llevó a narrarla a su manera.

“¿Cómo lo voy a narrar? Usando un poco la cotidianidad. Ahí está la comedia, rompiendo esa época para que la gente entienda que Alicia era una gomela, pero en la Bogotá de hace cien años que es distinta a la de ahora. En ese entonces no había metro, por ejemplo (...) Cova era finalmente un poeta del Chorro de Quevedo, mujeriego, vividor…”, reveló.

Diego Mateus no es ajeno a los desafíos creativos. Reconocido por su versatilidad y por un estilo que combina la narración oral, el teatro y el humor ácido, el artista ha construido una carrera en la que la crítica social siempre está presente. Ganador de la Beca de Creación en Teatro de Narración Oral del Ministerio de las Culturas 2025, Mateus ha demostrado que el humor también puede ser una herramienta de memoria y reflexión. En medio de los diferentes retos que representa una adaptación como esta.

“El desafío más grande en la construcción es que el audiolibro dura 11 horas. Yo ‘mamo gallo con la gente’ y cuando arranco les digo “el audiolibro dura 11 horas, acá solo vamos a estar cinco”. (...) Voy a contar mi versión libre, entonces es bajar esas 11 horas de ese audiolibro a hora y media”, contó en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

El público encontrará en esta puesta en escena una mezcla de narración, teatro y stand-up, en la que el sello propio del comediante se convierte en vehículo para redescubrir los pasajes más intensos de la novela. Personajes atrapados por la selva, víctimas de la explotación y testigos de la violencia cobran vida a través de la voz de Mateus.

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El Teatro El Ensueño, uno de los espacios culturales más importantes del sur de Bogotá, será el escenario ideal para esta función especial. Su apuesta por llevar espectáculos de calidad a públicos diversos encuentra en esta obra una pieza que combina literatura, historia y entretenimiento en un solo montaje.

La función está programada para el próximo sábado 4 de octubre a las 7:00 p. m. Las entradas se encuentran disponibles en la taquilla del teatro y en canales digitales de boletería, lo que garantiza el acceso a quienes quieran vivir esta experiencia que se mueve entre la risa, la memoria y la crítica.

Con un largo y fructífero recorrido en la televisión colombiana que incluye títulos como ‘Hasta que la plata nos separe’, ‘La venganza’, ‘La saga, negocio de familia’ y muchas otras producciones, la actriz Marcela Carvajal estuvo en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando de su camino artístico, su percepción de la televisión pública y los prejuicios de la madurez femenina en la sociedad actual.

Además de actriz y directora, Marcela Carvajal es psicóloga egresada de la Universidad Javeriana. Aunque siempre quiso estar en el mundo artístico, su familia le pidió estudiar una profesión que le ofreciera mayor estabilidad económica. Un momento de su vida del que entregó mayores detalles.

“Me enamoré del psicoanálisis y quería ser psicoanalista, pero la verdad mi sueño siempre fue ser actriz. Soy una enamorada del cine (...) Pero mi familia, y lo agradezco, me dijeron: “Estudie algo de lo que pueda vivir”, y estudié psicología… y bueno. Vivo de la actuación y la psicología es un poco un hobbie, un oficio que ejerzo cuando quiero”, reveló en diálogo con La Verdadera Alternativa de la Radio.

En medio de este trasegar por la pantalla grande y chica, para la protagonista de ‘La Nocturna’ cada vez ha sido más evidente la importancia de la televisión como un instrumento de cambio social y de educación, más aún cuando se trata de televisión pública en medio de un panorama en el que las plataformas crecen junto a la presión comercial.

“Como es importante tener plataformas independientes también es necesario el balance con la televisión abierta y pública, que la puedan ver en todos los rincones del país y no solo de Colombia. Con lo que pasó en EE.UU. me doy cuenta de lo influyente que es la televisión en la gente, y sobre todo en las personas de bajos recursos que tiene más poder del que cree”, manifestó, criticando la decisión del gobierno de Donald Trump de recortar la financiación a los medios públicos.

En esa línea, frente al panorama de la televisión y el cine colombiano, Marcela Carvajal destacó la manera en que se han dejado atrás los relatos entorno al narcotráfico y destacadas producciones como ‘Un poeta’, ‘Estimados señores’, ‘La ciénaga entre el mar y la tierra’ y muchas otras que han hablado de otros contextos, alcanzando la categoría de universales. Mientras que en materia de series han sido las regiones, con sus historias, las que han sacado adelante la industria audiovisual en los últimos años.

Durante su conversación con ‘Amantes del Círculo Polar’ también habló de su experiencia viviendo en otro país y de los retos de incursionar en la actuación fuera de Colombia. Desde la realidad de la migración hasta hacer audiciones, en otro idioma y, de una u otra forma, desde cero.

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“Uno sabe que no es” de ceros” pero es como un ejercicio de humildad, de ver las cosas desde otra perspectiva, que para mí lo que ha hecho es permitirme crecer. Madurar, en el buen sentido de la palabra, porque no he parado de aprender, y la vida se trata de eso, no parar de aprender nunca”, agregó.

A lo largo de su carrera profesional el teatro ha sido uno de sus mayores placeres artísticos. Más recientemente, por ejemplo, compartió escenario con grandes talentos nacionales como Marcela Gallego, Diana Ángel y Alexandra Restrepo en ‘Las novias de Travolta’, una obra que ha tenido gran éxito a nivel nacional y que también le ha servido para compartir su posición sobre los prejuicios que hay acerca de la madurez femenina en la sociedad.

“Es la conversación de unas mujeres que llegan a los 50 años (...) La idea de la madurez siento que está muy prejuiciada ¿Qué es realmente madurez? ¿Es ser juicioso o muy serio? Ser maduro está asociado a ser viejo, a ser aburrido y a quedarse tranquilo ‘calladito’ y realmente esa no es la madurez”, concluyó, asegurando que la madurez debería ser asociada con la sabiduría.

La agenda cultural de Bogotá no se detiene y en octubre la capital vivirá varios eventos como la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG2025 y la temporada de teatro en la Sala Gaitán. Ahora, también se prepara para recibir una fiesta de música, danza y tradición ibérica con el ‘Ciclo Al Ritmo Español’, una propuesta que reunirá a más de 50 artistas de Colombia, España, Estados Unidos, Italia y Francia. 

La primera parada de esta cita con el país ibérico el sábado 4 de octubre en el Auditorio Fabio Lozano, con Del chotis al jazz: Un concierto para toda la familia, que busca acercar a niños, jóvenes y adultos a la riqueza de la música española. En escena estarán la mezzosoprano estadounidense Mónica Danilov, el bajo-barítono español Antonio Torres, el bajo ítalo/francés Hyalmar Mitrotti, junto a la Bogotá Royal Symphony Orchestra y el coro Voci Sublimi, en un ambiente festivo que tiende puentes entre tradición y nuevas generaciones.

Por su parte la gala central tendrá lugar el jueves 9 de octubre en el Teatro Cafam, en una noche doble. La velada iniciará con ‘Colores de España: de la zarzuela al flamenco’, un recital-concierto que combina canto lírico, copla y danza española con la fuerza del flamenco. El bajo-barítono Antonio Torres y el pianista colombiano Myller Verano compartirán escenario con el Ballet Juerga Flamenka, dirigido por Gustavo Hurtado, el guitarrista y cantaor colombiano Andrés Saleh y un cuerpo de danza clásica española, en un despliegue que celebra el mosaico cultural de la península ibérica.

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La segunda parte será un momento histórico para Colombia: El Gran concierto de zarzuela Del chotis al jazz: España sin fronteras con el maestro Alonso, un homenaje de gran formato que conmemora el centenario de La Calesera y que llega por primera vez a América. Más de 40 artistas rendirán tributo al compositor granadino Francisco Alonso, considerado uno de los grandes innovadores del teatro lírico español. Su legado, que transita del chotis y el pasodoble al jazz, resonará en Bogotá con la dirección musical de Daniel Plazas y el acompañamiento de la Bogotá Royal Symphony Orchestra y el coro Voci Sublimi.

El ciclo también rinde homenaje a otros compositores fundamentales de la zarzuela como Amadeo Vives, Barbieri, Sorozábal, Bretón y Giménez, además de incluir piezas de Manuel de Falla y adaptaciones de canciones tradicionales realizadas por Federico García Lorca y Manuel Quiroga. Una programación que enlaza lo popular y lo académico, lo clásico y lo contemporáneo, y que confirma la vigencia universal de esta tradición musical.

‘Con Al Ritmo Español’, Bogotá se convierte en epicentro de un diálogo artístico entre España y Colombia que promete emocionar, sorprender y reunir a distintas generaciones alrededor del canto, la música y la danza. Los interesados podrán encontrar mayor información en el siguiente link.

Una feria que rompe la rutina

La idea de Un_Fair es clara: llevar el arte a lugares inesperados. En vez de recorrer un mismo pabellón, aquí se camina por calles, se entra a locales intervenidos y hasta se visita un hotel donde las habitaciones se convierten en galerías. Bogotá se transforma y obliga a mirar de nuevo lo cotidiano.

Más de 30 galerías y decenas de intervenciones

El corazón de la feria está en las suites del Tequendama, donde galerías nacionales e internacionales muestran sus propuestas en espacios íntimos, muy distintos a los habituales. Al mismo tiempo, en las calles vecinas aparecen esculturas gigantes, instalaciones audiovisuales y murales que cualquiera puede descubrir al pasar.

Una experiencia digital y urbana

‘Un_Fair’ no se queda únicamente en lo visual. Con la aplicación ART UN GO, los visitantes pueden escanear las obras para conocer más detalles y seguir un recorrido completo por más de 50 puntos de la ciudad. La Feria busca que las personas no solo vean arte, sino que lo vivan como parte de la vida urbana.

La aplicación ART UN GO convierte su visita en algo más que un paseo: al capturar cada obra con el celular desbloquea su ficha técnica, contexto e inspiración creativa, mientras construye su propia galería digital. Tiene reglas sencillas: 1. Una sola captura por obra, 2. Validación vía QR y proximidad de hasta 50 metros, para garantizar un recorrido real. Si completa las 50 piezas del reto, obtiene premios como entradas especiales a galerías, acceso al piso 30 y un póster oficial como recuerdo.

Accesible para todos

La mayoría de intervenciones en el espacio público son gratuitas, lo que abre las puertas a quienes no suelen ir a museos o galerías. No hace falta ser experto para disfrutarlo: basta con tener curiosidad y dejarse sorprender. Además, completar el recorrido trae beneficios extra, como acceso a otros espacios culturales de la ciudad.

Obras que llaman la atención

Entre las piezas más destacadas está una escultura monumental de un jaguar frente al Museo Nacional, acompañada de proyecciones que buscan reconectar con lo natural. También hay intervenciones en locales comerciales y obras de gran formato en las suites, cada una con una propuesta distinta que invita a reflexionar.

Redescubrir Bogotá desde el arte

Más allá de las cifras y de las galerías que participan, lo más interesante es cómo la Feria convierte la ciudad en un escenario cultural vivo. Miles de personas podrán cruzarse con estas obras en su rutina diaria, sin planearlo. Esa es la verdadera apuesta: que el arte salga a las calles, se acerque a la gente y haga de Bogotá un lugar donde siempre hay algo nuevo por descubrir.