La búsqueda artística de La Zorra Zapata ha estado marcada por el cambio, la exploración y la reinvención. Lo que comenzó como un camino ligado a las artes visuales terminó encontrando en la música un espacio para desarrollar una propuesta propia que hoy la ha llevado a recorrer escenarios de distintos países y a consolidar una identidad sonora construida desde la experimentación y la sensibilidad. La cantante estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre su trayectoria, su proceso creativo y los proyectos que acompañan el momento actual de su carrera.

Detrás de La Zorra Zapata se encuentra Nuria Zapata, una artista que durante varios años desarrolló su trabajo en disciplinas como las artes plásticas y la creación editorial. Sin embargo, una inquietud constante por la música terminó impulsándola a dar un giro a su carrera y comenzar un proceso de aprendizaje que la llevó a la composición, la producción y la interpretación musical.

Ese cambio tomó forma en 2020, un periodo que se convirtió en un punto de partida para la construcción de su proyecto artístico. Desde entonces, ha desarrollado una propuesta que combina elementos del folk, la electrónica y el pop alternativo, mientras construye canciones atravesadas por la observación, las emociones y las experiencias personales.

Esa mirada se refleja en ‘I Love You Baby’, su más reciente proyecto discográfico. El álbum reúne una serie de canciones que exploran diferentes facetas del amor romántico, abordando temas relacionados con el enamoramiento, la pérdida, la dependencia emocional y las contradicciones que suelen acompañar las relaciones humanas.

Uno de los adelantos de este trabajo es ‘Amor Completo’, una reinterpretación de la canción original de Mon Laferte. La versión propone una nueva lectura sonora de la obra, transformando su estructura musical para llevarla hacia territorios más íntimos y experimentales, sin perder la carga emocional que caracteriza al tema.

Su trayectoria ha estado acompañada por un constante intercambio cultural. Aunque se reconoce profundamente vinculada a Perú, la artista ha desarrollado gran parte de su carrera entre distintos países de América Latina, una experiencia que ha enriquecido su visión artística y que se refleja en una propuesta donde conviven influencias, sonidos y referencias provenientes de diferentes lugares de la región.

En los últimos años, su trabajo ha alcanzado una mayor visibilidad dentro del circuito musical independiente. Ha realizado presentaciones en diversos escenarios internacionales, participado en encuentros especializados de la industria y desarrollado colaboraciones con artistas y productores de distintos países, consolidando una carrera que continúa expandiendo sus horizontes.

Más allá de su carácter llamativo, el nombre del proyecto siempre ha causado revuelo entre sus seguidores, Nuria explicó que la elección responde a una intención de resignificar palabras y generar reflexiones sobre los significados que adquieren ciertos términos dentro de la cultura popular y el lenguaje cotidiano.

Lejos de detenerse, La Zorra Zapata continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, convirtiendo cada viaje, encuentro y emoción en parte de una propuesta musical en constante transformación.

La banda continúa presentando nuevos temas de su nuevo proyecto ‘DUAL’ con dos composiciones que abordan emociones asociadas al agotamiento mental, la evasión de la realidad y la necesidad de procesar experiencias difíciles.

Droide nació en 2012 en Cúcuta, cuando Sebastián Castillo y Manuel Torres coincidieron en el colegio y descubrieron una afinidad común por el rock. Esa conexión los llevó a formar una banda, a escribir canciones originales y a desarrollar un proyecto musical que años después encontraría en Medellín un escenario para consolidarse.

Sus integrantes estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de la banda, su proceso creativo y las historias detrás de sus más recientes lanzamientos, además de cómo sus primeras composiciones surgieron en la adolescencia y cómo estas fueron evolucionando junto con ellos hasta convertirse en las canciones que hoy integran su primer trabajo discográfico.

La música de Droide surge como una herramienta para expresar sentimientos difíciles de comunicar por otros medios. Influenciados por agrupaciones como Soda Stereo, Radiohead, Pink Floyd y Nirvana, los integrantes han construido un sonido que combina distintos matices del rock alternativo mientras explora temas relacionados con la nostalgia, la ansiedad, la incertidumbre y la búsqueda de identidad.

Entre sus lanzamientos recientes se encuentra ‘Viajando a la Luna’, una canción que plantea la idea de escapar de una realidad compleja cuando resulta difícil de soportar. La composición funciona como una metáfora de la disociación emocional y está acompañada por una atmósfera sonora marcada por elementos espaciales y nostálgicos.

Por su parte, ‘Aléjate’ explora el cansancio emocional provocado por las exigencias de la vida cotidiana. La canción retrata sensaciones de sobrecarga relacionadas con situaciones familiares, académicas o laborales, apoyándose en guitarras distorsionadas y ritmos acelerados para transmitir una sensación constante de tensión y búsqueda de escape.

Ambos sencillos forman parte de ‘DUAL’, el primer álbum de larga duración de la agrupación. El disco toma su nombre de la dualidad presente en sus canciones, donde conviven momentos de calma y fragilidad con pasajes de mayor intensidad sonora. La producción reúne composiciones desarrolladas a lo largo de los años y refleja la evolución artística que la banda ha experimentado desde sus inicios.

La propuesta también se extiende al terreno audiovisual. El videoclip de ‘Viajando a la Luna’, realizado por Johan Alzate y Daniel Barrera, presenta una historia de desamor y duelo construida a partir de la interpretación personal que los realizadores hicieron de la canción. A su vez, ‘Aléjate’ cuenta con una mirada visual minimalista centrada en la idea de una huida constante.

‘Lo que quiero recordar’ es un EP que reúne cinco canciones atravesadas por la memoria, los afectos y la influencia de las raíces familiares en la construcción de la identidad. A través de este trabajo, la cantautora Mari Angarita explora los recuerdos que han marcado su vida personal y artística, incorporando elementos de la música colombiana dentro de una propuesta cercana al pop contemporáneo. La artista estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde compartió detalles sobre el origen de este lanzamiento y las experiencias que dieron forma a sus composiciones.

El proyecto surgió a partir de composiciones creadas en distintos momentos que, con el tiempo, comenzaron a revelar una conexión común relacionada con la familia, el territorio y la memoria.

Este trabajo musical representa un acercamiento a los lugares donde nació su relación con la música. Nacida en Pereira, Angarita creció en un entorno lleno de tradición musical estuvo presente desde la infancia gracias a la influencia de su abuela, cantante y guitarrista. “Empecé cantando en una fundación de bambuco y ahí empezó a crecer también mi amor por la música andina colombiana”, contó Angarita.

Esa relación con la música tradicional colombiana se refleja en varias de las composiciones que integran el trabajo discográfico. El proyecto funciona además como un homenaje a los espacios y experiencias que acompañaron sus primeros años. “Creo que sin darme cuenta, es como un tributo a donde todo empezó, a mis raíces, a Pereira, al café, a la finca cafetera de mis abuelos”, señaló.

La propuesta además incorpora una reflexión sobre el bienestar emocional y la necesidad de detenerse en medio de las dinámicas aceleradas de la vida cotidiana. Temas como la ansiedad, la sobreestimulación digital y la importancia de reconocer las emociones aparecen de manera recurrente dentro de las canciones.

Esa mirada tiene una presencia especial en ‘Días tristes’, una de las composiciones más recientes de la artista. La canción plantea una invitación a habitar las emociones difíciles y asumirlas como parte de los procesos personales. “¿Qué tal que lo que tú necesitas es llorar? Buscar a alguien que te pueda abrazar, buscar a alguien que te pueda ayudar”, expresa la letra.

Asimismo, la influencia familiar ocupa un lugar central dentro de la narrativa del trabajo discográfico. El respaldo recibido por parte de sus padres y abuelos durante su formación artística aparece como uno de los elementos que impulsaron su desarrollo musical. “Tuve la ventaja de siempre recibir ese apoyo tanto de mis padres como de mis abuelos”, concluyó la cantautora.

A través de ‘Lo que quiero recordar’, Mari Angarita vuelve la mirada hacia los recuerdos familiares, los lugares de su infancia y las experiencias que han acompañado su camino musical.

La obra surge a partir de una experiencia vivida por el artista Makoto Naganuma, quien participó en la composición del sencillo junto a Tappan. El músico, compositor y productor colombo-mexicano Tappan estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar’, donde contó sobre el impacto que ha generado este tema y el proceso de creación de lo que será su próximo álbum.

La canción nació a partir de una etapa marcada por situaciones difíciles que sirvieron como punto de partida para reflexionar sobre la resistencia emocional y la capacidad de encontrar nuevos caminos en medio de la incertidumbre. Ese proceso terminó convirtiéndose en el eje conceptual de una composición que plantea la posibilidad de levantarse incluso cuando las circunstancias parecen estar en contra.

La construcción sonora del sencillo acompaña ese recorrido narrativo que inicia desde una atmósfera enfocada al soul y al R&B, sostenida por una base rítmica introspectiva, para evolucionar progresivamente hacia una sonoridad más cercana al rock. El resultado es una pieza que utiliza el contraste entre la calma y la intensidad para reforzar el mensaje de transformación que atraviesa toda la obra.

La trayectoria del proyecto también se refleja en la construcción musical. Con más de dos décadas de experiencia en la composición, la producción y la interpretación, Tappan ha desarrollado una propuesta que dialoga con distintos lenguajes sonoros. Aunque gran parte de su recorrido artístico ha estado relacionado con el rock, en este lanzamiento convergen influencias provenientes del soul y el R&B, géneros que han ganado protagonismo dentro de las nuevas generaciones de músicos latinoamericanos.

La construcción de esta nueva etapa también responde a una búsqueda creativa que amplía las fronteras de su propuesta artística. El sencillo hace parte de una serie de lanzamientos que integrarán un próximo álbum.

La obra surge de un proceso de introspección y búsqueda personal que llevó a la artista a profundizar en su historia familiar. Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Matilda explicó que la canción nació tras comprender la importancia de honrar a los ancestros y reconocer el papel que cada integrante ocupa dentro de su familia. Ese proceso terminó convirtiéndose en el eje conceptual de una composición que describe como una carta de agradecimiento a la raíz y al origen.

La trayectoria de la artista también se refleja en la construcción sonora del sencillo. Nacida en Bogotá y criada desde los siete años en Ibagué, Matilda creció entre la formación académica musical y la influencia de diversos géneros presentes en su entorno familiar. La música folclórica colombiana, el jazz y referentes como Frank Sinatra, Celia Cruz, la Sonora Matancera y Totó La Momposina forman parte de las influencias que terminaron moldeando una propuesta que busca mantener una identidad propia.

La construcción musical también responde a un proceso de exploración que reúne distintas influencias presentes desde la infancia de la artista. Su formación académica, el contacto con la música colombiana y la presencia de géneros como el jazz en su entorno familiar han contribuido a la consolidación de un sonido que transita entre lo electrónico y las raíces latinoamericanas.

Aunque su mensaje se encuentra ligado a la reflexión y al crecimiento personal, ‘Alma’ se distancia de las estructuras tradicionales de la balada para construir una pieza que también invita al movimiento y al baile. La producción cuenta con la participación de la trompetista Camila Romero y se presenta como una combinación entre profundidad lírica y sonoridades contemporáneas.

El lanzamiento también funciona como un homenaje a Ibagué, ciudad que acompañó gran parte de su crecimiento artístico y que aparece representada tanto en la narrativa de la canción como en su propuesta audiovisual.

Las redes sociales transformaron la manera en que las personas se relacionan con el mundo y construyen su imagen ante los demás. Entre fotografías cuidadosamente seleccionadas, publicaciones optimistas y versiones idealizadas de la cotidianidad, la identidad digital se ha convertido en una extensión de la vida contemporánea. Sobre esa realidad gira ‘#GoodVibes’, el más reciente sencillo de Human Conspiracy.

Santiago Díaz, voz y guitarra; Juan Pablo Sánchez, bajista; y Pablo Andrés Rojas, baterista de la banda, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el proceso creativo que acompaña esta nueva etapa artística.

Con más de una década de trayectoria, ‘Human Conspiracy’ ha construido una propuesta que combina elementos del metal y el rock progresivo con una exploración constante de temas relacionados con la experiencia humana. Desde sus primeros años como proyecto musical hasta la actualidad, la agrupación ha desarrollado una identidad en la que la reflexión conceptual ocupa un lugar tan importante como la composición sonora.

Esa búsqueda encuentra en ‘#GoodVibes’ una canción que aborda la forma en que las redes sociales influyen en la percepción individual y colectiva, así como la tendencia a proyectar una imagen permanente de bienestar, éxito y aceptación. Más que una postura de rechazo frente a las plataformas digitales, la obra propone una observación de los comportamientos que han surgido alrededor de ellas y de la manera en que hacen parte de la vida cotidiana.

El sencillo también representa una evolución musical para la banda. La composición incorpora elementos del funk y sonoridades asociadas a la ligereza y al optimismo, características que dialogan con el concepto que desarrolla el tema.

Cada composición busca que los elementos sonoros acompañen la narrativa que se desarrolla en las letras, permitiendo que la propuesta artística funcione como una unidad. Esa intención también se refleja en trabajos anteriores como ‘Intra’, un álbum concebido durante la pandemia que exploró experiencias personales y procesos de introspección.

Cuarteto de Nos confirmó su regreso a Colombia con una gira que llegará a Cali, Medellín y Bogotá en el segundo semestre del año. El recorrido hace parte de la promoción de ‘Puertas’, proyecto publicado en 2025, y marca un nuevo encuentro entre la agrupación uruguaya y uno de los públicos que mayor acogida le ha brindado en América Latina.

La relación entre la banda y los asistentes colombianos se ha fortalecido a lo largo de los años. Uno de los episodios más recientes ocurrió durante su participación como acto de cierre de Rock al Parque, donde reunió a más de 80.000 asistentes y ratificó su capacidad de convocatoria dentro de uno de los festivales más importantes de Latinoamérica.

Roberto Musso estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde abordó el concepto detrás de ‘Puertas’, una producción construida alrededor de las decisiones que atraviesan la vida cotidiana. El compositor uruguayo señaló que las personas son “un resumen de las decisiones que hemos tomado hasta hace un segundo atrás”, una idea que se desarrolla a lo largo del disco mediante la imagen de las puertas como símbolo de los caminos, cambios y posibilidades que aparecen en la experiencia humana.

El disco reúne ocho canciones que recorren diferentes universos sonoros, transitando entre el rock, el funk y momentos más introspectivos. La producción mantiene el interés de la agrupación por construir relatos alrededor de personajes, situaciones y conflictos humanos. “La salvación de cada uno de nosotros no está detrás de una puerta en particular, sino justamente en seguir atravesando puertas sin temor a lo que hay detrás de cada una”, afirmó Musso.

Entre las canciones se encuentra ‘El astrónomo que no podía ver el cielo’, esta explora distintas perspectivas narrativas alrededor de un personaje que vive al margen de las expectativas de los demás. La pieza refleja una de las características que ha acompañado la obra reciente de la agrupación: La observación de la realidad a través de personajes complejos y contradictorios.

La vigencia de Cuarteto de Nos también se refleja en la llegada de nuevas generaciones de oyentes. Musso destacó que una parte significativa del público actual está conformada por adolescentes y jóvenes que han encontrado afinidad con las historias presentes en las canciones del grupo. “Uno va a cualquier show del Cuarteto y ve que un porcentaje altísimo de los asistentes son chicos menores de 20 años”, señaló.

En los últimos años la agrupación ha consolidado una presencia cada vez más fuerte en distintos escenarios de América Latina, con presentaciones multitudinarias en países como Argentina, Chile, México y Colombia. Ese crecimiento ha sido resultado de un proceso sostenido que la banda ha construido durante décadas. “La carrera del Cuarteto se fue construyendo sobre escalones sólidos, pero muy paulatinos y de pasos muy cortos”, recordó Musso.

Además de los temas de ‘Puertas’, el repertorio previsto para la gira incluirá algunos de los temas más representativos de la banda y canciones de ‘Raro’, álbum que recientemente cumplió veinte años y que continúa siendo una de las producciones más influyentes de su discografía.

Las presentaciones se realizarán el 19 de agosto en el Centro de Eventos Verde Arena de Cali, el 20 de agosto en Rodeo City Hall de Medellín y el 4 de octubre en el Movistar Arena de Bogotá.

El álbum reúne distintas influencias musicales en sus beats, atmósferas y estructuras rítmicas. A lo largo de sus canciones aparecen temas como la ansiedad, el miedo, la traición, el dolor y la frustración, abordados desde experiencias cotidianas, pensamientos y sensaciones que toman forma a través de la música.

El proyecto nació en 2024 del encuentro entre Claudia Rivera, Darío Bernal y Camilo Laguna, músicos con una amplia trayectoria dentro de la escena independiente de Bogotá. Sus recorridos incluyen agrupaciones como Defenza, Maniatikatz, Distracción, Pániko Satániko, Chite y Compadres Recerdos, entre otras.

Death Disco surge de la intención de llevar el rock hacia nuevos territorios sonoros mediante la experimentación. Su propuesta combina guitarras, bajo y baterías análogas con texturas digitales, beats electrónicos y diferentes capas de producción que dan forma a una identidad difícil de encasillar en un solo género.

Darío Bernal estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que el proyecto comenzó tras varios años de colaboración entre sus integrantes y el interés compartido por explorar la relación entre los sonidos electrónicos y las raíces del rock alternativo.

“Empezamos a maquetear las ideas de lo que estábamos buscando y luego, con Camilo, empezamos a grabar las baterías y a darle forma a lo que es este disco”, señaló.

La producción fue grabada en Audiodatos, en Bogotá, bajo la dirección de Bernal. Las letras fueron escritas por Claudia Rivera y abordan conflictos internos, dilemas existenciales y las tensiones que surgen en la relación con el entorno.

El proceso creativo partió de las composiciones musicales desarrolladas por el productor, mientras que las letras surgieron a partir de la interpretación emocional que Rivera realizó de cada maqueta. El resultado es un álbum que alterna momentos intensos, íntimos y contemplativos, con el propósito de construir una experiencia sonora dinámica. “Todas esas sensaciones oscuras que producen esas fricciones con la sociedad” hacen parte del universo temático que atraviesa las canciones, comentó Bernal.

La diversidad de influencias de sus integrantes también se refleja en la identidad musical del proyecto. Lejos de responder a un esquema único, el disco incorpora elementos electrónicos y roqueros que conviven con distintas sonoridades y ritmos. “Todos ya venimos nutridos con muchas influencias y sonidos distintos. Cuando nos sentamos y unimos las partes sale algo auténtico y con sonidos de todos los lados”, afirmó Bernal.

La agrupación define el proyecto como una catarsis construida a partir de la exploración y la intuición. Las 12 canciones funcionan como un recorrido por emociones e historias acumuladas durante años, que encuentran en la música una vía de escape y transformación.

La agrupación bogotana de crossover thrash, Psycho Mosher, fue confirmada dentro del cartel de Copenhell 2026, uno de los festivales de metal más importantes de Europa. La banda colombiana hará parte de una gira de 20 fechas por 10 países europeos, consolidando uno de los pasos más grande dentro de su proceso de internacionalización.

Formada en Bogotá en 2010, la agrupación ha construido una propuesta enfocada en el crossover thrash, combinando la agresividad del género con la energía del hardcore punk y elementos sonoros inspirados en la estética de los años ochenta. Sus presentaciones en vivo se han caracterizado por la intensidad escénica y la conexión directa con el público.

Daniel Samia, guitarrista líder; Gilber Frade, guitarrista; y Luis Hurtado estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde compartieron detalles sobre la participación de la banda en Copenhell, el proceso de construcción del proyecto y la preparación de su primera gira europea.

La llegada de Psycho Mosher al circuito europeo se dio tras su participación en el Bogotá Music Market, realizado por la Cámara de Comercio de Bogotá. Según explicó la banda, el proyecto fue seleccionado luego de participar en un showcase ante programadores y bookers internacionales, donde representantes del festival conocieron su propuesta musical.

Europa cuenta con una escena más abierta y consolidada frente a la música extrema, especialmente en países como Dinamarca, Noruega y Alemania, donde el metal forma parte de circuitos culturales y de entretenimiento de gran alcance. En ese contexto, Samia afirmó que su presencia en el evento representa una oportunidad para visibilizar el sonido underground colombiano y latinoamericano ante nuevos públicos. “Muy contentos y por supuesto orgullosos de representar el sonido underground de Colombia en Europa”, señaló el guitarrista. A su vez, Hurtado destacó que la participación de la banda también busca “dejar la puerta abierta para todas las bandas latinoamericanas o colombianas” dentro de ese circuito internacional.

A lo largo de su trayectoria, la agrupación ha compartido escenario con bandas como D.R.I., Vio-lence, Exodus, Crisix y Ratos de Porão, experiencias que han fortalecido aspectos relacionados con la producción en vivo, la puesta en escena y la interacción con el público.

La gira europea iniciará el 27 de junio en Copenhague, Dinamarca. Posteriormente, la banda recorrerá ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Hungría, República Checa, Francia, Bélgica y Reino Unido, completando 20 fechas en territorio europeo.

El Festival Copenhell, fundado en 2010, se ha consolidado como uno de los encuentros más importantes del metal a nivel internacional, reuniendo anualmente a miles de asistentes y contando con la participación histórica de agrupaciones como Iron Maiden, Metallica, Black Sabbath y Slayer. Para su edición 2026, el cartel incluye nombres como Anthrax, Mastodon y Sepultura.

Actualmente, la agrupación trabaja en la mezcla y masterización de su próximo EP, ‘Now You See Us’, previsto para junio de 2026. El lanzamiento llegará después de ‘Trapped Into The Madness Vortex’, trabajo publicado en 2025.

La cantautora española presentó ‘Una flor en la luna’, una producción que profundiza en la exploración del amor, la conexión emocional y los cruces culturales entre Europa y Latinoamérica.

El álbum reúne seis canciones originales construidas desde una sonoridad orgánica que mezcla folk-pop latino, flamenco, soul, jazz y músicas tradicionales latinoamericanas. Este trabajo fue producido por Richard Blair y Álvaro Valencia,

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ donde compartió detalles sobre el proceso creativo del disco, su relación con Colombia y la manera en que Bogotá terminó convirtiéndose en un punto central dentro de su identidad artística.

El proyecto fue grabado completamente en Bogotá junto a músicos colombianos bajo una metodología en bloque, en la que todos los intérpretes tocaron simultáneamente. La intención del proceso fue conservar la espontaneidad, la respiración compartida y el vínculo humano en la grabación.

En este nuevo trabajo, el cuatro venezolano ocupa un lugar central en la instrumentación, acompañado por guitarras de nylon, bajo acústico y percusiones orgánicas. Según explicó la artista, el acercamiento a las músicas del llano, la región andina y el Pacífico colombiano terminó transformando el sonido del álbum. “La música, así como el amor, no entiende de territorios”, afirmó.

El nombre ‘Una flor en la luna’ nació durante el proceso de escritura del trabajo, luego de una reflexión alrededor de los amores que parecen imposibles. La artista explicó que la imagen de “una flor creciendo en la luna” terminó convirtiéndose en el símbolo central del proyecto: Una metáfora sobre la esperanza y la posibilidad de creer en aquello que parece improbable.

El disco también expande la idea tradicional del amor romántico hacia otros vínculos afectivos y cotidianos. Las canciones abordan el amor a la familia, la amistad, la música, los lugares y los encuentros humanos.

Nacida en Lloret de Mar, en la Costa Brava del Mediterráneo, Cristina La Mar cuenta con formación en jazz y una maestría en Songwriting de Bath Spa University, en Inglaterra. Su proyecto artístico se ha consolidado entre Europa y Latinoamérica, especialmente en Colombia, donde ha desarrollado parte fundamental de su equipo de trabajo y de su búsqueda sonora.