Hay encuentros que comienzan como una pequeña muestra y terminan convirtiéndose en una tradición. ‘Fortaleza Rock’ nació hace 15 años a partir de los procesos de formación musical del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá y, desde entonces, ha crecido hasta convertirse en una de las citas para la escena rock de la región.

En 'Amantes del Círculo Polar' nos acompañó Darwin Arturo Trujillo Director general y cultural del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá, para hablar  sobre este evento. 

La celebración será este 15 y 16 de agosto, desde las 2:00 p. m., en el campo alterno del Estadio Tigre Moyano. La primera fecha cerrará con La Mosca, mientras que el domingo 16 tendrá como protagonista a 1280 Almas. La programación incluirá además agrupaciones provenientes de Cajicá y otros municipios de Cundinamarca.

El talento emergente tendrá un lugar central en esta versión. Los proyectos participantes fueron escogidos mediante una convocatoria que contempló una primera audición en video y una segunda presentación ante un jurado especializado.

Entre las agrupaciones anunciadas están Syracusae y Kull Trigger, junto a las demás agrupaciones seleccionadas que harán parte de un cartel pensado para conectar las nuevas propuestas con artistas de mayor trayectoria.

La historia del encuentro comenzó lejos de los grandes escenarios. En sus primeras versiones, las presentaciones se realizaron en el parque principal y posteriormente en la plazoleta del Centro Cultural. El crecimiento de la iniciativa llevó sus conciertos hasta el campo alterno del estadio, donde ahora se prepara una asistencia estimada de 20.000 personas por día.

La celebración también propone una relación distinta con el territorio. Para ingresar, el público podrá entregar materiales aprovechables como cartón, tetrapak, latas, libros y cuadernos usados. La estrategia busca promover el aprovechamiento de residuos y vincular a los asistentes con acciones de cuidado ambiental.

La solidaridad será otro de los componentes de esta versión. Ante la situación de las comunidades afectadas por el terremoto en el occidente del país, se recibirán alimentos no perecederos y otros elementos definidos por la organización. De esta manera, la asistencia podrá convertirse también en una contribución para quienes requieren apoyo.

La propuesta está dirigida a públicos de diferentes edades. Habrá oferta gastronómica con comidas rápidas, postres y preparaciones tradicionales, además de espacios para compartir con familiares y amigos. Podrán ingresar menores desde los 7 años, acompañados por sus padres o acudientes.

Por razones relacionadas con el volumen de los conciertos, este año no estará permitido el ingreso de mascotas. La organización tampoco promueve el consumo de bebidas alcohólicas y plantea el encuentro como una celebración basada en la convivencia y el disfrute de las agrupaciones.

‘Fortaleza Rock’ hace parte de una programación cultural más amplia desarrollada en Cajicá, que durante el año incluye propuestas de música sinfónica, expresiones tradicionales, teatro y otras actividades artísticas.

Después de 15 años, aquella iniciativa vinculada a las escuelas de formación mantiene su apuesta por quienes comienzan a construir una trayectoria musical, mientras suma nuevas formas de participación para el público.

La cita será este 15 y 16 de agosto, desde las 2:00 p. m., en el campo alterno del Estadio Tigre Moyano de Cajicá. Para mayor información puede visitar la página oficial del evento.

Hay historias que no necesitan contarse de manera literal para encontrar un camino. En Dark Shadow, las composiciones funcionan como escenas de un relato que reúne referencias mitológicas, experiencias humanas y una marcada influencia cinematográfica. D, guitarrista y cofundador, y Amelec, guitarrista de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta propuesta.

Dark Shadow comenzó como una iniciativa personal que fue incorporando nuevos integrantes hasta consolidar ‘Chapter One’, material que inicialmente había sido concebido como EP. La extensión de las composiciones terminó convirtiéndolo en un álbum y estableció la base de un relato que ahora continúa con ‘Chapter Two: Celestial Bodies’.

Las canciones no cuentan los acontecimientos de manera directa. Funcionan como escenas de una narración más amplia, una concepción relacionada con el interés de D por las bandas sonoras. “Me gusta mucho la música de cine”, explicó durante la conversación. Esa influencia recorre una propuesta marcada por el power metal sinfónico, las atmósferas épicas y una dimensión teatral.

En ese universo aparece ‘Through Blood or Glory’, una canción que pone la libertad en el centro. Su significado puede trasladarse de una revolución colectiva a las batallas personales que surgen cuando alguien intenta alcanzar aquello que considera importante.

“Tenemos una historia central, pero hay muchas cosas con las que mucha gente se puede identificar”, señaló D. La resistencia, entonces, no permanece únicamente en el terreno de los grandes conflictos: También puede representar las decisiones y obstáculos que hacen parte de la vida cotidiana.

La mitología nórdica amplía esa lectura a través de la referencia al Valhalla y su relación con el combate y el propósito. Para D, estas influencias llegan a la música por medio de otras expresiones artísticas. “Uno toma influencias de cosas que ya existen para crear algo nuevo de eso”, explicó.

Esa transformación a su vez está presente en ‘Chapter Two: Celestial Bodies’, donde el cuerpo, la materia y la espiritualidad ocupan un lugar dentro del concepto. D lo entiende desde una mirada materialista: “Para mí, yo soy mi cuerpo”. Amelec, en cambio, distingue entre cuerpo, alma y espíritu y encuentra en la música extrema una forma de liberación.

“Yo siempre busqué como esa música extrema, esa música oscura, justamente de alguna manera como para liberar esa esencia negativa que tengo dentro de mí”, explicó. El sonido adquiere así una función catártica, capaz de convertir aquello que permanece contenido en una experiencia musical.

‘Chapter Two: Celestial Bodies’ reúne nueve canciones y contempla cuatro sencillos: ‘Black or White’, ‘Through Blood or Glory’, ‘Solitude’ y ‘Brave the Storm’. El trabajo continúa con ‘Chapter One’ y amplía un lenguaje en el que el metal sirve para explorar la libertad, la materia y las experiencias que atraviesan al ser humano.

Asimismo, la agrupación mantiene su apuesta por el formato físico, además de la circulación digital. Para Dark Shadow, adquirir un disco representa una manera de respaldar el trabajo artístico y conservar una relación más directa con la música.

Así, entre cine, mitología y distintas formas de entender la existencia, Dark Shadow continúa escribiendo una historia que no busca entregar todas sus respuestas. ‘Chapter Two: Celestial Bodies’ deja que sean las canciones las que planteen nuevas preguntas.

Hay momentos en los que avanzar significa aceptar que no sabemos exactamente hacia dónde vamos. Cambiar de rumbo, dejar atrás una etapa o tomar una decisión importante puede abrir más preguntas que respuestas. En medio de esa indecisión aparece ‘Volaré’, el nuevo trabajo de la cantautora bogotana Karen Dayanna.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de este tema y sobre una decisión que también marcó un antes y un después en su vida: Dejar su carrera como administradora de empresas para dedicarse a la música.

Durante un tiempo, Karen encontró en la administración una profesión estable. La música, mientras tanto, permanecía en otro lugar: Como una forma de expresarse, tocar guitarra y componer de manera empírica. Hasta que la estabilidad dejó de ser suficiente.

“Llegó un momento donde eso me desgastó emocionalmente mucho y sabía que sí o sí necesitaba tomar una decisión y vi en la música ese escape”, contó durante la conversación.

Ese salto de fe es además el lugar desde el que puede entenderse ‘Volaré’. El segundo sencillo de Karen se mueve entre el indie folk, el rock alternativo y la canción de autor para hablar de los cambios personales, el paso del tiempo y esas batallas internas que aparecen cuando una etapa termina y todavía no se sabe qué viene después.

Para Karen, la incertidumbre está presente en prácticamente todos los ámbitos de la vida: Las relaciones, el trabajo, la familia, las amistades o las decisiones económicas. Por eso, más que intentar escapar de ella, propone aprender a convivir con aquello que no se puede controlar. “Siento que es un poquito amistarnos con la incertidumbre, hacer las paces con eso y entregarnos simplemente a la dinámica de ser y hacer lo que nos nace”, explicó.

La idea atraviesa la historia que existe detrás de la artista. Apostar por la música significó abandonar una seguridad que conocía para entrar en una industria que, como reconoce, puede resultar mucho menos predecible. Pero también encontró allí una comunidad de músicos, productores y creadores que le han permitido entender que perseguir una carrera artística no necesariamente significa hacerlo todo en solitario.

Ese acompañamiento se suma a una exploración musical que todavía está en construcción. Karen ha experimentado con diferentes sonidos, aunque reconoce un vínculo especial con el folklore latinoamericano y con la canción de autor. Su intención es conservar esa cercanía de una música que pueda sentirse íntima, casi como una conversación.

La composición ocupa otro lugar importante dentro de ese proceso. Karen cuenta que tiene una lista extensa de canciones y que cada una la lleva hacia emociones diferentes. Algunas nacen desde lugares felices y otras desde momentos más difíciles. Escribir se ha convertido así en una forma de mirarse y descubrir aspectos propios que no siempre aparecen a simple vista. “El arte siendo arte toca esas fibras como tan íntimas, tan adentro de nosotros”, señaló.

‘Volaré’ continúa además una historia que había comenzado con ‘Pa’ toda la vida’. Mientras aquel primer lanzamiento hablaba de reconocer una despedida y aceptar el final de una relación, esta nueva canción se sitúa después de ese momento: cuando aparecen las preguntas acerca de lo que sigue, sobre quiénes somos y hacia dónde las personas quieren llevar la vida. “Lo que lo va a llevar a uno lejos muchas veces va a ser el no traicionarse en el camino, en no traicionar lo que uno piensa, lo que uno siente, lo que uno es”, concluyó la cantante.

La música puede funcionar como un acto de fe: Una forma de detenerse, revisar las prioridades y reconocer el valor de aquello que suele pasar desapercibido. Desde esa perspectiva, presentan ‘Mi mejor Grammy’, una pieza musical que cuestiona las ideas convencionales sobre el éxito y propone una relación más consciente con el tiempo, las expectativas y los logros personales.

Las artistas estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de este encuentro creativo, sus procesos de composición y las influencias culturales que confluyen en una producción desarrollada entre dos territorios latinoamericanos.

La historia comenzó en el entorno digital. Hills y Bernal se conocieron aproximadamente cuatro años atrás a través de una playlist de Spotify vinculada a ‘Ruidos Fest’, una plataforma chilena dedicada a mujeres artistas. Después de ese primer contacto comenzaron a compartir música y a mantener comunicación hasta encontrarse personalmente en Colombia durante un mercado musical.

A partir de ese vínculo surgió la posibilidad de poner en diálogo dos búsquedas sonoras. Hills desarrolla una línea de pop introspectivo, mientras Bernal ha construido el concepto de “nostalgia costeña”, un universo que parte de las tradiciones musicales del Caribe colombiano para relacionarlas con sonidos contemporáneos.

En el caso de Bernal, esta identidad nace también de una contradicción. La imagen de la costa suele asociarse con la alegría permanente, pero su música incorpora la melancolía, los duelos y otras emociones que hacen parte de la experiencia cotidiana. Su repertorio transita por elementos del bullerengue y el vallenato, además de sonidos como la salsa, el bolero, el flamenco, la chacarera y el pop.

Ese lenguaje encuentra un punto de conexión con la sensibilidad de Hills. ‘Mi mejor Grammy’ combina la raíz caribeña colombiana con el pop introspectivo salvadoreño a través de guitarras eléctricas, percusión y voces de carácter íntimo. La integración incluso se extiende al equipo de producción: El trabajo estuvo a cargo del salvadoreño Jorge Lara, mientras los arreglos realizados en Colombia contaron con la participación de la guitarrista, compositora y arreglista Daniela Cabrera.

Entre las referencias que acompañaron el proceso creativo aparecen el colombiano Camilo y la argentina Yami Safdie, especialmente su canción ‘Querida Yo’. Sin embargo, el eje de ‘Mi mejor Grammy’ se encuentra en una pregunta que atraviesa toda la composición: ¿qué significa realmente tener éxito? El título parte de esa reflexión, en lugar de entender un premio como la culminación de una carrera, Hills y Bernal trasladan la imagen del Grammy hacia experiencias que difícilmente pueden medirse en cifras o reconocimientos. La familia, los amigos, las mascotas, un paisaje, un amanecer o compartir un café adquieren valor como momentos que pueden quedar relegados mientras se persiguen metas externas.

La mirada también se dirige hacia las expectativas asociadas con la edad y las distintas etapas de la vida. La presión por tener una casa, formar una familia, viajar, obtener reconocimiento o acumular logros plantea una comparación constante con los procesos de otras personas. Frente a esa lógica, las cantautoras proponen reconocer que cada recorrido tiene su propio ritmo.

De ahí surge otra de las ideas centrales de la composición: Dejar de observar los “relojes ajenos” y comprender que no todos los procesos ocurren al mismo tiempo.

La letra plantea modificar el diálogo interno, reducir la prisa y mostrar que aquello que se busca puede encontrarse ya en el entorno inmediato.

La reflexión adquiere una dimensión particular en medio de la hiperconectividad. La presencia constante de pantallas, métricas y redes sociales puede desplazar formas de encuentro más sencillas. Frente a una cultura en la que los números, los reconocimientos y los ‘likes’ pueden convertirse en referentes de validación, la pieza propone recuperar la atención sobre el momento presente y los vínculos cercanos.

Para Carol Hills, este planteamiento también implica aprender a tener paciencia con los procesos personales y atravesar sus distintas etapas a partir del amor propio. El concepto coincide con el camino transitado por ambas artistas, quienes han desarrollado proyectos independientes desde sus respectivos contextos y encuentran en esta colaboración una forma de ampliar sus lenguajes.

Hills cuenta con más de una década de trayectoria y ha desarrollado su propuesta de pop introspectivo en escenarios de Centroamérica y Colombia. Su recorrido incluye presentaciones junto a artistas como Jorge Drexler y Jesse & Joy. Bernal, por su parte, ha consolidado la “nostalgia costeña” como eje de su identidad artística, combinando ritmos afrocaribeños y latinoamericanos con elementos de soul, pop y gypsy. Su trayecto incluye presentaciones en distintos países de Latinoamérica y el desarrollo de su primer álbum.

‘Mi mejor Grammy’ será estrenada el 3 de agosto de 2026, acompañada por un videoclip grabado en Bogotá. La producción contará con el trabajo de músicos y profesionales de Colombia y El Salvador, mientras el arte de portada estará a cargo de la artista y fotógrafa salvadoreña Camy.

La colaboración propone así una mirada sobre el éxito que se aleja de las cifras y los reconocimientos para volver a experiencias más sencillas: Compartir, detenerse, reconocer los procesos propios y prestar atención a aquello que ocurre mientras se intenta llegar a algún lugar.

Las pantallas permanecen encendidas, las noticias no dejan de llegar y las redes sociales convierten cada acontecimiento en un estímulo inmediato. En medio de ese flujo constante aparece ‘Hiperventilado’, el nuevo sencillo de Bobby Zaga, una pieza que transforma la saturación digital en una experiencia sonora y emocional.

El músico, compositor y productor mexicano estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de este lanzamiento y una sensación que, lejos de ser exclusivamente individual, parece instalarse en la vida contemporánea: La ansiedad provocada por recibir demasiados estímulos en muy poco tiempo.

‘Hiperventilado’ nace precisamente de ese contexto. Las noticias, los videos, las redes sociales y la necesidad de permanecer conectados construyen un entorno en el que los estímulos parecen no detenerse. Para el compositor, el problema no está necesariamente en la conectividad, sino en la dificultad para establecer límites frente a ella.

Es así que la propuesta tiene un punto de encuentro entre lo personal y lo colectivo. La exposición constante a contenidos puede generar agotamiento, incertidumbre y una sensación de pérdida de control, mientras la velocidad con la que circulan dificulta cada vez más detenerse para procesarlos.

Sin embargo Aun así, la reflexión no se limita al consumo digital. La transformación tecnológica también atraviesa los procesos de creación artística y modifica una industria que durante décadas años funcionó bajo otras dinámicas.

Con más de dos décadas de trayectoria en la escena musical mexicana, Zaga ha vivido el tránsito de los formatos físicos hacia las plataformas digitales y, más recientemente, la incorporación de la Inteligencia Artificial. Ante estos cambios, no plantea una oposición absoluta a las nuevas herramientas; por el contrario, reconoce las posibilidades que ofrecen para crear, producir y trabajar a distancia con otros artistas.

La diferencia, para el músico, está en la manera de utilizarlas. “Hay que adaptarse o nos morimos”, señaló al hablar de los cambios que atraviesan las industrias creativas.

Adaptarse, sin embargo, no significa abandonar la identidad artística. En un momento en el que la IA puede reproducir voces, generar música y producir imágenes cada vez más sofisticadas, Zaga reivindica aquello que permanece ligado a la experiencia humana: El error, la emoción y la imperfección.

Esa mirada está presente en la construcción audiovisual del sencillo. El videoclip fue filmado con una Handycam Hi8, una elección que se distancia de la obsesión contemporánea por la alta definición y recupera una estética marcada por el grano, el movimiento y las imperfecciones propias del formato.

El rodaje pasó por Ciudad de México, Austin, Barcelona, Florencia y Roma, bajo la dirección de Bobby Zaga, Manuel Castelltort y Fernando Wolffer.

La elección de una cámara Hi8 no funciona únicamente como un recurso visual. También dialoga con la postura del creador frente a una industria que persigue cada vez más precisión y perfección. Para Zaga, las pequeñas fallas pueden formar parte de aquello que hace reconocible, cercana y auténtica una obra.

Esa misma idea puede trasladarse a la música. El artista recuerda que algunas de las grabaciones que más lo han conectado con este arte están lejos de ser perfectas y encuentra precisamente allí parte de su valor: En la posibilidad de reconocer una interpretación humana detrás de la producción.

Una propuesta que mantiene sus raíces mientras explora nuevas formas de expresión y reivindica la identidad femenina.

María Alejandra Jiménez estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre esta nueva etapa de su proyecto musical y compartió parte de la historia personal que atraviesa el lanzamiento.

‘Animal Distinta’ nace como una celebración de los cambios y de la posibilidad de reconocerse en aquello que hace única a cada persona. El baile aparece como una de sus principales formas de expresión y como un punto de encuentro entre el cuerpo y la esencia individual.

Su sonido toma inspiración del ‘Amapiano’ y se construye sobre elementos de pop y soul. Una voz suave introduce el tema y avanza hacia un coro de mayor fuerza, acompañado por un piano synth, una línea de bajo y una percusión que conduce directamente a la pista de baile. “’Animal Distinta’ es conectar con tu poderosa magia interior”, afirmó Alea al definir el espíritu de la pieza.

La composición es coescrita por Alea y María Elisa Ayerbe, quien también participa en la producción junto al productor londinense The Baker, conocido como Ife Ladi y reconocido por su trabajo en el afrobeat.

El concepto de cambio adquiere una dimensión íntima en el videoclip, dirigido por Tobías Arboleda y rodado en ‘El Salón Prado’, una casa colonial ubicada en el centro histórico de Medellín, cuyo carácter arquitectónico permanece mientras atraviesa un proceso de remodelación.

En este escenario, el cabello se convierte en uno de los principales elementos narrativos. Alea aparece junto a su tía Jael Jiménez, quien a los 15 años le enseña a cortárselo y la acompaña en la decisión de llevarlo natural.

Durante su infancia, la artista enfrenta comentarios y burlas por su apariencia, en un entorno donde llevar el cabello liso o amarrado aparece como una expectativa. A esta experiencia se suma una problemática racial que reconoce en Colombia y la dificultad para encontrar espacios especializados en el cuidado y corte del cabello afro.

Aquel proceso llega posteriormente a lo audiovisual como una imagen de autonomía: El cabello deja de ser motivo de señalamiento y se convierte en una expresión de identidad. “Cuando yo quise volver a conectar conmigo misma, puse mi música favorita, empecé a improvisar, a bailar, a hacer lo que me nacía y lo que mi cuerpo me pedía”, explicó Alea. 

El videoclip lleva esta idea al cuerpo y al movimiento. La expresión corporal aparece como un espacio propio, alejado de las expectativas externas y vinculado con la necesidad de expresarse como mujer y como ser humano.

‘Animal Distinta’ también anticipa el próximo álbum de Alea y continúa el camino trazado por ‘Alborotá’, producción incluida entre los mejores trabajos del año en música latina por Rolling Stone y NPR.

La nueva etapa mantiene una búsqueda que cruza raíces latinoamericanas y sonidos contemporáneos, con letras relacionadas con el amor, el empoderamiento femenino y la conciencia social.

Luna Llena Salsa Band desarrolla una propuesta que busca renovar la salsa desde Bogotá. La agrupación combina la estructura tradicional del género con sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y elementos de la música urbana, en un proceso que encuentra en ‘Salséctrico’, un vinilo que reúne el trabajo desarrollado durante tres años.

El proyecto se articula con ‘Corazón Dispuesto’, una canción que plantea una mirada optimista sobre el amor, las oportunidades y la disposición para construir nuevas experiencias. La banda presenta el sencillo acompañado de un videoclip que utiliza la gastronomía como metáfora para hablar de la capacidad de transformar momentos difíciles a través del afecto. La agrupación estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de esta nueva etapa musical.

El tema fue escrito por Julio César Pacheco, quien encuentra en la composición una reflexión personal sobre la importancia de dar como una forma de recibir. “Desde hace mucho tiempo, desde muy niño, he sentido que la mejor manera de recibir es dar”, explicó el compositor. La idea se convierte en el centro de una pieza que propone abrirse al amor, pero también asumir una actitud activa frente a aquello que se desea construir.

El videoclip lleva esta premisa a la cocina. Los integrantes de Luna Llena interpretan a un grupo de chefs que prepara platos típicos colombianos para personas que atraviesan momentos de tristeza, vacío o dolor. La comida funciona como un vehículo de encuentro emocional y permite que los personajes reconecten con sentimientos de paz, gratitud y bienestar.

La relación entre gastronomía y música parte de una misma idea: La combinación de diferentes elementos puede transformar una experiencia. “Estamos poniendo distintos ingredientes, letras, ritmos, melodías, pues como para conectar con la gente”, dijo Cristian ‘Coco’ Cocomá, integrante de Luna Llena Salsa Band.

El vinilo ‘Salséctrico’ reúne una parte del proceso de experimentación que Luna Llena desarrolla durante tres años. El proyecto incorpora al sonido convencional de la salsa sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y baterías electrónicas, además de elementos provenientes de diferentes ritmos del Caribe.

La dirección musical de esta etapa está a cargo de Brian Bernal, quien amplía la exploración de la banda a sonidos urbanos. El rap, el chanteo y recursos cercanos al pop y la timba entran en diálogo con la estructura salsera, mientras la agrupación trabaja en llevar canciones de otros géneros hacía su propio lenguaje. “Al final la música es la música. Más allá de pensar como que en X o Y género, la música es un todo”, señaló.

La exploración no busca reemplazar la salsa, sino ampliar sus recursos. El resultado es una propuesta que conserva elementos reconocibles del género mientras incorpora herramientas de producción y lenguajes asociados con otras expresiones musicales contemporáneas.

José Mrochek presenta un álbum en vivo grabado en los legendarios ‘Criteria Studios’ de Miami que reúne 9 nuevas versiones de las canciones de ‘YOSSI’, presentado en el 2025. Más allá de registrar una sesión en directo, el trabajo representa un momento de reencuentro con la música, sus composiciones y el escenario.

El disco fue registrado junto a un ensamble conformado por músicos de la ‘Latin GRAMMY House Band’ y propone una experiencia mucho más cercana, donde las líricas toman el protagonismo y la interpretación se desarrolla desde la intimidad, dejando que cada arreglo y cada silencio hagan parte del relato.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen y el proceso personal que terminó convirtiéndose en el eje del álbum.

La idea de grabar ‘Una tarde en Miami’ surgió luego de varios años en los que se alejó de la composición. La pandemia llegó cuando Aviónica atravesaba uno de los mejores momentos de su carrera y, poco después, enfrentó la pérdida de sus padres, una experiencia que transformó por completo su relación con la música.

"Me tardó varios años volver a ser yo mismo, a sentir que puedo escribir canciones otra vez, que puedo grabarlas. Pero aquí estamos de vuelta reconectando con la gente y siento que es el mejor disco que hice hasta el momento", aseguró.

Ese concepto de reconexión atraviesa todo el álbum. Los temas, que originalmente fueron grabadas en Nashville junto a Aaron Sterling, Sean Hurley y Andrew Synowiec, encuentran ahora una nueva lectura en vivo, más espontánea y cercana, en la que la presencia pesa más que la producción y la emoción termina guiando cada interpretación.

Uno de los momentos más importantes del disco llega con ‘Niña de Tel Aviv’, elegida como focus track del lanzamiento. La pieza aborda la identidad, la pertenencia y la resistencia desde una mirada profundamente humana. "Es una canción más seria, quizá la más seria del disco. Es un tema del que a veces me duele hablar, pero musicalmente es una de las canciones que más quiero", afirmó.

Para Mrochek, aunque el género ya no ocupe el lugar dominante dentro de la industria musical, mantiene una relación muy especial con su audiencia. "Hoy el rock no es el género más popular, pero sí el más querido. Tiene los seguidores más fieles", señaló.

La artista colombiana Laura Lizcano estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde habló acerca del origen de ‘Amor Tranquilo’, una canción que nació durante la pandemia y que parte de una experiencia cotidiana para reflexionar respecto a la forma en que las personas aprenden a habitar su cuerpo y reconciliarse con sus transformaciones.

La composición surgió tras la aparición de una cana, un momento que llevó a la cantante a cuestionar la manera en que suele asumirse el envejecimiento. "No vamos a vivirlo como algo negativo, sino como algo bonito", explicó. A partir de esa idea comenzó a construir una obra en la que las canas, las estrías y el mar funcionan como metáforas de un cuerpo que cambia constantemente, pero que conserva su historia.

Asimismo, ese concepto marcó la construcción musical del sencillo. Aunque el tema fue escrito inicialmente en inglés, terminó encontrando en la chacarera, un ritmo y danza folclórica tradicional de Argentina, el lenguaje sonoro que mejor acompañaba su narrativa. El resultado es una pieza que dialoga con la tradición latinoamericana mientras desarrolla una visión contemporánea sobre el amor propio, la feminidad y la aceptación.

Su acercamiento a las músicas latinoamericanas ocurrió después de varios años de formación en jazz. Creció escuchando principalmente música en inglés, pero fue durante sus estudios universitarios cuando comenzó a explorar las tradiciones musicales de la región y a encontrar referentes como Natalia Lafourcade, Mon Laferte y Silvana Estrada. Ese proceso terminó definiendo una propuesta artística que hoy combina la libertad del jazz con las raíces del folclor latinoamericano.

La artista, radicada en Nueva York desde los diez años, señaló que vivir en una ciudad atravesada por la migración fortaleció esa búsqueda de identidad. "Cuando estás con muchas personas que hacen la misma música, lo mejor que puedes hacer es ser tú mismo", afirmó al referirse a una escena cultural donde conviven múltiples lenguajes, tradiciones y formas de entender la creación musical.

Más allá de hablar de las relaciones de pareja, esta canción plantea una reflexión sobre la relación que cada persona construye consigo misma. Para Lizcano, el amor propio no puede entenderse como una idea idealizada ni como una experiencia permanentemente armoniosa. "El amor propio no es algo que necesariamente siempre es bonito o fácil", afirmó, al señalar que aceptar las imperfecciones también hace parte del proceso de crecimiento personal.

Hay canciones que nacen para contar una historia y otras que terminan convirtiéndose en la única forma posible de expresar aquello que las palabras no alcanzan a decir. En ese lugar se encuentra ‘Clavel’, el más reciente lanzamiento de Noah Froid, un proyecto que ha construido su identidad alrededor de la introspección, la honestidad emocional y la exploración de los distintos matices del amor.

Detrás de Noah Froid está Samuel Gallego Mesa, cantante, guitarrista y tecladista colombiano que comenzó a desarrollar este universo creativo en Medellín durante 2023. El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de su trabajo musical y lo que representa esta canción para su nueva etapa discográfica.

Aunque el nombre podría sugerir la existencia de un alter ego, el cantante entiende ambas identidades como parte de una misma persona. ‘’Noah Froid no representa una ruptura con Samuel, sino una manera de proyectar sobre el escenario las emociones y reflexiones que nacen durante el proceso creativo, manteniendo un constante vínculo con quien las experimenta.

"Siempre he tenido muy presente que Samuel y Noah hagan parte del mismo mundo. No quiero desligar el personaje artístico de quien soy en el día a día, porque siento que ahí está la autenticidad del proyecto", explicó el cantautor. También aseguró que perderse completamente en el personaje puede resultar contraproducente y que su intención es que el público conecte con experiencias reales antes que con una figura fabricada. construida.

La propuesta busca abrir un espacio para que las personas conecten con sus emociones a través de canciones construidas desde experiencias personales. Sus composiciones abordan estados como la tristeza, la esperanza, la fuerza interior y los distintos matices del amor, apoyadas en influencias que van del rock, el blues y el jazz hasta la música clásica y el rock psicodélico.

En ese contexto aparece ‘Clavel’, una composición que aborda el deseo de acercarse a una persona, evocando recuerdos, anhelos y la necesidad de expresar aquello que resulta difícil comunicar en una conversación. La canción nació a partir de una experiencia personal que permaneció durante años antes de convertirse en música y cuyo proceso creativo se extendió por varios meses hasta encontrar su forma definitiva.

"La historia nace cuando conocí a una persona muy importante. El tema terminó siendo como una declaración y un desahogo de todo aquello que tenía que decir, pero que en palabras era casi imposible expresar", contó Froid.

El tema desarrolla ideas como la esperanza, el amor genuino y la intensidad emocional. Su recorrido musical acompaña esa evolución narrativa: Parte desde un ambiente íntimo y contenido para desembocar en un cierre de mayor fuerza, reflejando el crecimiento emocional que propone la obra.

La agrupación está integrada por Samuel Gallego Mesa (voz, guitarra y teclados), Juan Esteban López Arango (batería), Juan Pablo Restrepo Guzmán (bajo) y Juan Pablo Orozco Martínezaparicio (teclados y atmósferas), quienes acompañan una propuesta que busca construir experiencias donde la emoción ocupa un lugar central.

Aunque inicialmente ‘Clavel’ fue concebida como parte de un EP, finalmente se publicó como sencillo debido a la fuerza que adquirió como obra independiente. El lanzamiento abre una nueva etapa para Noah Froid, que continúa explorando una estética cálida e introspectiva centrada en las distintas formas del amor.