La banda bogotana Brain Voltage presenta ‘2030’, un trabajo que marca un nuevo momento en su trayectoria y plantea una exploración sonora y conceptual en torno al control, la información y las tensiones del mundo contemporáneo.

Mike Ayala y Christian Cifuentes, integrantes de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde abordaron el origen del proyecto y el proceso creativo detrás de su primer álbum.

El trabajo discográfico surgió en medio del contexto de la pandemia y se consolidó en 2022 como una propuesta que articula experiencias personales con una lectura crítica del entorno. Desde ese punto, la banda construyó una narrativa en la que la música funciona como una descarga que traduce procesos internos —como la salud mental y el aislamiento— en reflexiones colectivas.

‘2030’ se desarrolla a partir de una visión inspirada en la obra ‘1984’ de 1984, estableciendo vínculos con dinámicas actuales como la manipulación mediática, la sobreexposición digital y las formas contemporáneas de control social. En ese sentido, propone una lectura crítica de los discursos de progreso asociados a agendas globales y plantea interrogantes sobre sus efectos en la vida cotidiana. “Nace realmente encerrados en pandemia… (…) desde ahí empezamos a trabajar firmemente”, explicó Cifuentes.

El universo conceptual del álbum se extiende en el videoclip dirigido por Rodrigo Torrijos, que fue reconocido como Mejor Video Punk en el Punkfilmfest Berlin en 2025.

La pieza construye un relato centrado en la confrontación con estructuras de poder, incorporando símbolos asociados al manejo de la información. A lo largo del video, una colectividad de jóvenes desafía esas dinámicas hasta provocar su ruptura, en una puesta que articula elementos de ficción con una lectura política.

En términos de producción, la banda opera bajo un formato reducido en el que sus integrantes asumen múltiples roles creativos. Dentro de esta configuración, se destaca la presencia de un baterista que también cumple la función de vocalista principal, una decisión que forma parte de su exploración dentro de la escena independiente.

El trabajo de Brain Voltage ha circulado en medios y plataformas en distintos países, consolidando una propuesta que integra música, contenido audiovisual y discurso crítico. Con ‘2030’, la agrupación desarrolla una lectura del presente desde una perspectiva que combina elementos de ficción, experiencia personal y reflexión social.

Este trabajo marca un nuevo momento en su trayectoria musical. La canción retoma una reflexión acerca de los ciclos de cambio y el vínculo entre las sociedades y la naturaleza, una idea que atraviesa tanto la letra como el concepto general del proyecto.

El tema fue escrito en 2012, en medio del paro agrario en Colombia, y parte de una inquietud con respecto al manejo de las semillas y el lugar que ocupa la tierra dentro de las dinámicas sociales contemporáneas. A partir de esa idea ‘Volver a nacer’ plantea una pregunta sobre la necesidad de replantear la relación entre el ser humano y su entorno.

Cristian Garzón, guitarrista y José Miguel, tecladista, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron del origen de la canción y el proceso creativo. Durante la conversación, Garzón explicó que la idea surgió como una reflexión frente a ese contexto. “Fue más como un pensamiento de en qué momento la humanidad va a querer volver a nacer, porque era el tema de la semilla y cómo se manejaba”, señaló.

La pieza también representa una etapa reciente dentro del recorrido de la agrupación. Tras más de quince años de trayectoria, el grupo retomó la canción y la integró a una nueva fase creativa en la que han replanteado su propuesta sonora e incorporado otros elementos musicales, entre ellos sintetizadores y exploraciones electrónicas.

El nombre de la banda está inspirado en el teosinte, una planta silvestre considerada el antecedente del maíz. Esta referencia funciona como una metáfora de los procesos de origen, transformación y cultivo, una idea que el grupo relaciona con la forma en que entienden la creación musical como una “siembra” que evoluciona con el tiempo.

Teosinte está integrado por músicos de la Sabana de Bogotá como Cristian Garzón, Óscar Garzón e Iván Guacaneme, quienes además desarrollan procesos pedagógicos y proyectos culturales en la región. A través de su trabajo como docentes y gestores culturales, la banda ha participado en iniciativas de formación musical dirigidas a niños y jóvenes.

El lanzamiento de ‘Volver a nacer’ está acompañado por un videoclip animado realizado por la artista Tatiana Vaca. La producción fue desarrollada mediante animación tradicional, con ilustraciones elaboradas cuadro por cuadro, una técnica que aporta una dimensión visual artesanal al proyecto.

La presentación parte de experiencias personales para reflexionar, desde el humor, sobre los estigmas que rodean al rock y a quienes se identifican con este género musical.

El narrador y comediante conocido como “Rockero Popular”, Fabián David, presenta ‘Los rockeros también lloran’, una comedia que explora los prejuicios sociales que históricamente han acompañado al rock. A través de un monólogo que combina narración, humor y referencias musicales, el espectáculo aborda la experiencia de quienes encuentran en este género un lugar de identidad y refugio.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de la presentación y las experiencias personales que dieron forma a esta propuesta escénica. Durante la conversación, explicó que la obra surge de situaciones cotidianas que suelen enfrentar quienes se identifican con la cultura rock.

La obra parte de preguntas y comentarios que han sido frecuentes para los aficionados al género: Dudas sobre las letras en otros idiomas, asociaciones con imaginarios satánicos o cuestionamientos familiares acerca del tipo de música que escuchan. Desde esas escenas, el show propone una mirada humorística de los estereotipos culturales que rodean al rock.

El performance también plantea el lugar que este género ha ocupado para muchos jóvenes que sienten que no encajan en su entorno. En ese contexto, la música aparece como una forma de expresión para construir identidad, compartir con amigos y enfrentar los miedos propios de distintas etapas de la vida.

En el espectáculo, el rock es presentado no solo como un estilo musical, sino también como una forma de aproximarse al conocimiento. Muchas de sus canciones contienen referencias históricas, literarias o mitológicas que invitan a investigar y a ampliar el horizonte cultural de quienes se acercan a este universo sonoro.

El proyecto también dialoga con la tradición de la narración oral desarrollada en zonas culturales universitarios, donde el humor y la palabra se han utilizado como herramientas para reflexionar sobre la vida cotidiana. Fabián David, egresado de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, inició allí su proceso en la cuentería y la narración oral, espacios desde los que comenzó a construir una propuesta escénica basada en la experiencia personal, el humor y la observación social. Con esa perspectiva, el monólogo transforma anécdotas personales y experiencias generacionales en historias que conectan con el público.

El montaje está dirigido a públicos mayores de 14 años y combina elementos de comedia, narración oral y cultura rock. A lo largo del espectáculo, el escenario se llena de historias acompañadas de café, licor, humor y referencias musicales que atraviesan distintas épocas del género.

La temporada será los jueves a las 8:00 p.m. del 26 de marzo al 30 de abril, en el Teatro Santa Fe, ubicado en la calle 57 #17-13.

Estrenada en 1937, la obra se basa en una colección de poemas medievales hallados en un monasterio bávaro y reúne textos escritos entre los siglos XII y XIII. Estos versos abordan temas como el amor, la fortuna, el destino y los placeres de la vida, elementos que se alejaban de las temáticas estrictamente religiosos predominantes en la época.

Carol López, directora asistente de la Sociedad Coral de Bogotá, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre el origen y el proceso de preparación de esta nueva puesta en escena. Según explicó, el compositor alemán seleccionó parte de los poemas medievales para construir la cantata: “Son textos que hablan de la fortuna, del amor y de los placeres de la vida. Carl Orff eligió 24 de ellos para crear esta obra”.

La interpretación que se presentará en Bogotá corresponde a la versión realizada por Wilhelm Killmayer, discípulo de Orff, una adaptación que conserva la estructura y la fuerza sonora de la partitura original, pero con un formato instrumental reducido que resalta la presencia del coro y la percusión.

Uno de los elementos que explica la permanencia de la muestra en el repertorio internacional es su carácter rítmico y dramático. López señaló que el compositor concebía la música como una experiencia física: “Orff pensaba la música como algo hecho para mover el cuerpo. El ritmo y la percusión hacen que la obra se sienta casi como un pulso constante”.

El montaje coral exige además una preparación vocal y escénica compleja. Los intérpretes trabajan textos en latín, alemán antiguo, francés y arpitano, lo que implica estudiar no solo la pronunciación, sino también el sentido de cada poema para trasladarlo al escenario.

El espectáculo reúne cerca de 80 voces en escena, además de un coro infantil que interpreta algunas de las secciones escritas originalmente para voces jóvenes. Propuestas que busca acercar la música coral a nuevas audiencias.

A lo largo de las décadas, ‘Carmina Burana’ ha sido interpretada en temporadas sinfónicas, montajes de ópera y producciones de ballet, y su fuerza dramática la ha llevado también al cine y a distintas adaptaciones musicales. Su movimiento inicial, ‘O Fortuna’, se ha convertido en uno de los fragmentos más reconocibles de la música clásica contemporánea.

Las funciones se realizarán el 11 y 12 de abril a las 4:00 p.m., con la participación de la Sociedad Coral de Bogotá, el Coro Polifónico del Gimnasio de Los Pinos y el coro infantil Xuacha, acompañados por el Ensamble de Percusión Sinfónica y dos pianos de la Orquesta Sinfónica de Bogotá. El montaje estará bajo la dirección de la maestra María José Villamil.

Las agrupaciones Malacates Trébol Shop y Gondwana unieron sus trayectorias en ‘Fueguito’, un sencillo que articula el sonido de ambas bandas dentro del reggae latinoamericano. La canción combina ritmos del género con una letra que utiliza la imagen del fuego como metáfora de los vínculos afectivos.

El sencillo presenta una narrativa que une esa energía interior con las emociones que acompañan las relaciones humanas. Fran Páez, vocalista y compositor de Malacates Trébol Shop, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que una de las primeras ideas de la canción surgió como un ejercicio íntimo en el que imaginó un mensaje de su padre, ya fallecido, dirigido a su madre. A partir de esa imagen comenzó a construir una estrofa que posteriormente se integró al concepto del tema. “Todos los seres humanos cuando nos enamoramos tenemos un volcán dentro que no deja de sacar fueguito”, señaló el músico al explicar la metáfora que articula la canción.

La colaboración se originó tras un encuentro entre ambas agrupaciones, en el que compartieron ideas. A partir de ese proceso, Gondwana se integró al proyecto y aportó su estilo dentro del reggae latino, consolidando una alianza entre dos bandas con trayectoria en la escena regional.

Esta canción también está acompañada por un videoclip grabado en la región de San Marcos, en Guatemala. La producción muestra distintos paisajes del país, incluidos escenarios volcánicos y arquitectónicos, y fue dirigida por el realizador guatemalteco Carlos Juárez. Según explicó la banda, el proyecto audiovisual involucró a integrantes de comunidades locales que históricamente han mantenido tensiones, por lo que la grabación se planteó como un ejercicio simbólico de encuentro y diálogo entre ambos grupos.

‘Fueguito’ se encuentra disponible en plataformas digitales desde el 27 de febrero. Como parte de su lanzamiento, los grupos realizaron una presentación en el Centro Intercultural de Quetzaltenango, donde interpretaron el tema ante el público.

Con este sencillo, Malacates Trébol Shop y Gondwana amplían sus colaboraciones dentro del circuito musical latinoamericano, una dinámica que ha permitido fortalecer los intercambios entre artistas de distintos países y proyectar el reggae de la región hacia nuevas audiencias.

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La banda colombiana LUTTER presenta su sencillo ‘Cuando Se Acaba el Amor’, una balada que aborda el momento final de una relación y las emociones que acompañan la última despedida. El estreno marca una nueva etapa dentro del proceso creativo del grupo, que continúa fortaleciendo su presencia en la escena alternativa nacional. Julián Rojas, guitarrista de la agrupación, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre esta reciente propuesta sonora.

El tema se sitúa en el instante en el que una historia afectiva llega a su cierre definitivo, cuando quedan palabras pendientes y el paso del tiempo transforma los sentimientos. Desde una atmósfera melancólica e introspectiva, la pieza plantea una reflexión sobre la aceptación y el proceso de dejar atrás un vínculo. Según explicó Rojas, la composición “habla de ese momento en el que una relación se acaba y uno se queda con muchas cosas por decir, pero ya es demasiado tarde”.

La producción musical estuvo a cargo de Steven Baquero, quien desarrolló un trabajo orientado a resaltar el carácter íntimo de la obra. El resultado es un proyecto construido sobre una estructura de balada que privilegia la claridad de los arreglos y la intensidad interpretativa.

El estreno se complementa con un videoclip dirigido por Gabriel Gómez, una propuesta audiovisual que muestra una narrativa acorde con la carga emocional del tema. La identidad visual fue desarrollada por César García, responsable del arte de portada que acompaña el lanzamiento.

Su enfoque conceptual, se distancia de una mirada centrada en el conflicto para situarse en el terreno de la aceptación. “No es una canción desde el rencor, sino desde la aceptación de que a veces hay que soltar para poder seguir adelante”, concluyó Rojas.

Con este lanzamiento, LUTTER continúa ampliando su repertorio dentro del circuito alternativo y avanza en el posicionamiento de su música en medios radiales, plataformas digitales y espacios audiovisuales.

Fractal Caravan lanza su producción debut, un trabajo conceptual que desarrolla una historia centrada en una Inteligencia Artificial rebelde que viaja en el tiempo con la intención de convertirse en rockero. Este estreno representa un punto de afirmación para el grupo, fundado en Nueva York hace más de una década por músicos con raíces en Norteamérica y Sudamérica. Edwin Quirk, cantante y guitarrista, y Fabio Montenegro, bajista y productor, estuvieron en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta nueva etapa creativa.

La iniciativa surgió tras un encuentro entre sus integrantes a través de un anuncio publicado en Craigslist. Desde ese primer ensayo, los músicos consolidaron una dinámica que integró su experiencia como instrumentistas de sesión y su formación académica en Estados Unidos, articulando un enfoque que conecta referentes culturales del norte y el sur del continente.

Aunque la producción no fue concebida inicialmente bajo un formato narrativo unificado, las composiciones terminaron estructurándose dentro de un mismo eje temático. El relato recorre distintas épocas y se apoya en la noción de “Axis Mundi”, idea que plantea que cualquier lugar puede entenderse como el centro del mundo. Según explicó Montenegro, “aparecieron un montón de canciones que parecían estar destinadas a estar juntas”, lo que permitió construir una línea argumental que atraviesa pasado, presente y futuro.

En el plano sonoro, el grupo combina rock and roll, reggae, garage punk, grunge, soul y R&B. A estos elementos se suman influencias latinoamericanas incorporadas recientemente, en particular ritmos como la cumbia, generando un diálogo entre tradición y contemporaneidad. Montenegro señaló que el colectivo ha desarrollado una estética “retrofuturista”, entendida como una sonoridad que conserva bases clásicas proyectadas desde una mirada actual.

La identidad artística se nutre de las dinámicas culturales de ciudades como Brooklyn y Bogotá, escenarios caracterizados por su diversidad y producción independiente. En ese marco, la música es asumida como un espacio de integración que trasciende límites geográficos o divisiones culturales.

El nombre del proyecto sintetiza esa perspectiva: “Fractal” remite a patrones que se repiten en distintas escalas, mientras que “Caravan” evoca desplazamiento continuo. Con este lanzamiento, el conjunto proyecta una fase de fortalecimiento que articula su trayectoria internacional con su vínculo latinoamericano.

‘DENY’ abre un nuevo capítulo en su trayectoria luego de un periodo de inactividad, concretando su regreso con un anuncio que agotó las entradas en el centro artístico y cultural ‘Complejo C Art Media’. En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ estuvo Juan Pablo Uberti, bajista y corista del proyecto, quien se refirió al recorrido del grupo y a las presentaciones previstas tras esta reactivación.

Fundada en 2007, la banda ha desarrollado un proceso sostenido entre producciones discográficas, giras internacionales y participación en festivales de gran formato, consolidándose como uno de los referentes del post-hardcore en América Latina. Desde sus primeros años trascendió el circuito independiente: En 2009 abrió el concierto de ‘Silverstein’ y en 2011 compartió escenario con A Day to Remember en el Teatro Vorterix, año en el que presentó su segundo álbum, ‘Reino de Tormentas’, trabajo que amplió su visibilidad dentro del género.

En 2014 publicó ‘Invencible’, material que fue presentado con un concierto a sala llena en el Teatro Vorterix y con una actuación en el ‘Festival Ciudad Emergente’. A partir de entonces fortaleció su proyección regional con recorridos por distintos países latinoamericanos y presencia en escenarios más relevantes en el género.

En 2015 agotó localidades en el Teatro de Flores y abrió el show de System of a Down en el estadio GEBA. Un año después teloneó a Bring Me the Horizon y en 2017 integró el escenario principal del ‘Lollapalooza Argentina’, compartiendo jornada con Metallica. Estas participaciones marcaron su inserción en el circuito internacional.

Uberti señaló que el retorno “no responde a una estrategia puntual, sino a la necesidad de volver a tocar y reencontrarse con el público”, y agregó que la pausa permitió revisar el enfoque creativo del grupo. Según explicó, esta fase integra la experiencia acumulada en giras con una mirada actual del contexto musical latinoamericano.

El anuncio del regreso se realizó a través de redes sociales y obtuvo una respuesta inmediata de su audiencia. El primer sencillo de este ciclo superó las 250.000 reproducciones en sus primeras semanas, reflejando la permanencia de su base de seguidores y la circulación activa de su catálogo en plataformas digitales.

Con más de una década de actividad, DENY proyecta esta etapa un proceso de consolidación que articula su experiencia en escenarios masivos con las dinámicas actuales del consumo musical, reafirmando su lugar dentro del post-hardcore.

La banda colombiana Últimos Nietos presenta ‘Otro Día Más’, un sencillo que aborda la experiencia de la vida cotidiana desde una mirada íntima y honesta, convirtiendo la repetición diaria y las tensiones emocionales de la adultez en el eje central de su narrativa musical.

Escrita por la vocalista Juliana López, la creación surge a partir de la observación de la rutina y de la sensación de desgaste asociada a las dinámicas contemporáneas. La agrupación propone así una lectura generacional en la que experiencias comunes, como las jornadas laborales, los cambios personales y los cuestionamientos emocionales, se transforman en materia creativa, una línea temática presente en la realidad contemporánea. Mariano Henao, bajista de la banda, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el significado y el proceso creativo detrás de la canción.

‘Otro día más’, nace de reconocer emociones cotidianas que suelen pasar desapercibidas, señalando que el interés del grupo ha sido hablar de situaciones reales que atraviesan sus integrantes y su entorno cercano. Según Henao, “el objetivo no fue construir un relato extraordinario, sino reflejar aquello que ocurre en cualquier día común”, una idea que terminó dando forma conceptual al sencillo.

En lo sonoro, el tema se mueve dentro del rock alternativo incorporando matices de punk suave y elementos pop que amplían el espectro musical del proyecto. El sencillo fue producido por la propia banda en Cali, con captura y mezcla de Xavier Martinex y masterización de Camilo Silva, consolidando un proceso creativo ligado al circuito independiente.

Henao también señaló que esta nueva etapa responde a una búsqueda por explorar atmósferas más contenidas, priorizando la construcción emocional de las canciones sobre la velocidad característica de trabajos anteriores. Esta transición anticipa el camino que desarrollará el próximo EP ‘De nuevo al final’, un proyecto que profundiza en un tono más introspectivo mediante la incorporación de sintetizadores y ritmos pausados.

Originaria de Cali, Últimos Nietos ha construido una propuesta dentro del indie rock colombiano caracterizada por contrastar letras melancólicas con arreglos enérgicos, explorando temas vinculados a la vida adulta, la amistad y los procesos personales.

La agrupación colombiana lanza un proyecto sonoro que convierte la tristeza en energía lírica. Una mezcla de rock clásico con AOR moderno, indagando contrastes como la luz y la oscuridad, el sueño y la realidad o la pérdida y la renovación, elementos que estarán presentes en escena el próximo 28 de febrero junto a una de las leyendas de la música: ‘FM’. Harold Waller y Fabio Barrera estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' hablando sobre los desafíos que conlleva mantener vigente este género en Latinoamérica.

Counterline nace del sueño de su vocalista y líder Harold Waller, quien aspira a revolucionar el rock melódico rompiendo el estereotipo de voces duras y carrasposas. Propone en cambio una voz potente y lírica que destila emoción cruda, fusionando melodic hard rock, power ballads y guitarras sinfónicasapara narrar pérdidas, rupturas y transformaciones personales.

La banda construye un espacio donde las emociones se transmutan en fuerza propulsora dando, así como resultado la conexión entre la crudeza de la realidad con la vulnerabilidad de la conciencia.

El álbum ‘II’, editado por Lions Pride Music, despliega temas de resiliencia donde la melancolía sirve de puente hacia la superación cotidiana. "Es el disco más personal que hemos hecho. Queríamos algo poderoso, pero profundamente humano, que hablara a la mente y al corazón", afirmó Waller.

‘FM’, referente del AOR con clásicos como ‘That Girl’ e ‘I Belong to the Night’, recorre Latinoamérica con un set nostálgico que mantiene vivo el rock melódico por cuatro décadas.

Counterline, por su parte, lanza el sencillo ‘Find Me’, antesala de su tercer álbum previsto para finales de 2026 con Lions Pride Music. "A través de nuestra música queremos llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar", concluyó Waller.

La banda prepara nuevos proyectos discográficos que profundizarán en emociones universales y vías de superación a través del melodic hard rock.