Tras tres años sin publicaciones de estudio, Boca de Serpiente reaparece en la escena musical con 'Yo soy el abismo'. El sencillo marca el inicio de una nueva etapa creativa para la banda y coincide con su selección entre las propuestas distritales que harán parte de la edición conmemorativa de los 30 años del festival Rock al Parque. Juan Carlos Marín y Santiago Torrens pasaron por los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' para hablar sobre este proceso de reconstrucción artística y su recorrido en el rock nacional.

A lo largo de 214 segundos marcados por riffs directos y distorsión, la canción aborda la salud mental y el diálogo interno desde una perspectiva humana. Distante de respuestas absolutas, la letra invita a confrontar la propia oscuridad y a asumir los estados emocionales no como condenas, sino como procesos transitorios.

“Sentimos que el ser humano se arma gracias a su parte de luz y a su parte de sombra. Para nosotros el abismo no es algo definitivo de lo que toque huir, sino un estado en el que se puede entrar y salir para escucharse a uno mismo”, explicó Torrens.

El tema se presenta con un videoclip enfocado en expandir la atmósfera de la canción. Mediante una narrativa ambigua, la pieza audiovisual sigue la historia de un personaje obsesionado con el abismo como un lugar físico, hasta descubrir que se trata de un plano puramente interno.

La banda presenta 'Yo soy el abismo' como la antesala de lo que será su próximo álbum, su tercer trabajo discográfico, producido junto a Diego Rodríguez. “Fue un proceso de morir y nacer nuevamente, de poner los corazones en blanco y empezar a cocinar desde ceros para abordar un disco que va a ser muy distinto, pero que mantiene nuestro ADN intacto”, afirmó Marín.

Tras recorrer escenarios en Colombia, México, Chile, Argentina, Venezuela y Ecuador con su anterior trabajo ‘La ilusión de la razón’, la banda alista su regreso a Bogotá. Esta será la tercera participación de Boca de Serpiente en Rock al Parque, ratificando la solidez de una propuesta construida desde la autogestión y la identidad sonora.

A través de la gira internacional ‘30 Años, 30 Canciones’, la banda conmemora tres décadas de trayectoria repasando los hitos más significativos de su discografía. Néstor Ramljak, vocalista y líder del proyecto, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para reflexionar sobre los orígenes del grupo en Tigre, Buenos Aires, y la vigencia de una propuesta que ha marcado a distintas generaciones en la región.

El proyecto dio sus primeros pasos a mediados de los noventa entre un grupo de jóvenes de colegio. Con el tiempo, esa inquietud juvenil se consolidó en una alineación estable integrada por Ramljak junto a Facundo Cimas, Germán Bonilla, Bruno Signaroli, Martín Mártola y Ariel Sciacaluga, transformando la iniciativa escolar en un referente imprescindible del reggae latinoamericano.

Su nombre también responde a esa búsqueda de identidad: Un término acuñado a partir del verbo palidecer que apela a resistir y no desvanecerse ante las dificultades. “Jamás imaginábamos que 30 años después iba a estar explicando el nombre de la banda en conexión con gente de Colombia”, recordó el músico.

Uno de los momentos cumbre de esta trayectoria fue la producción de su álbum compilatorio Nonpalidece ‘Hecho en Jamaica’, grabado directamente en los míticos estudios de Kingston. La experiencia reunió a la banda con referentes históricos y talentos emergentes de la isla, coronando años de perseverancia con el Premio Carlos Gardel a Mejor Álbum de Reggae.

A lo largo de estos 30 años, su recorrido internacional los ha llevado a estar más de 15 países y a ser protagonistas en festivales emblemáticos como Vive Latino, Cosquín Rock y Rock al Parque, escenarios desde donde han proyectado una postura crítica frente a la realidad social del continente.

“Lo que más nos motivó a hacer reggae tenía que ver con expresar esas desigualdades y proponer desde la música alternativas frente a la realidad”, afirmó Ramljak acerca del motor temático del grupo.

Tres décadas después de aquellos primeros ensayos en la provincia de Buenos Aires, himnos como ‘La Flor’, ‘Tu Sueño’, ‘Tu Presencia’, ‘Dame Luz’ y ‘La Alegría Manda’ continúan conectando con nuevas audiencias, ratificando la solidez de una banda construida desde la colectividad y la dignidad sonora.

Pingo Potens es una banda musical originaria de Navarra, España, está integrada por Yoana Lobo, David Burgui, Tania Hernández y Joselu Arriezu, aunque su formación puede incorporar músicos invitados de acuerdo con las necesidades de sus presentaciones. Su propuesta se articula bajo conceptos como la libertad, la amistad, la inclusión, los cuidados, la vitalidad y diferentes las distintas maneras de entender el amor.

El nombre del proyecto parte de una historia vinculada con la expresión latina ‘Virgo Potens’. Según la anécdota que inspiró a sus integrantes, unas religiosas habrían sustituido la palabra virgo por pingo durante el rezo de una oración, sin conocer las connotaciones que esta última tenía en el español de la época. Yoana Lobo conoció este suceso a través de la periodista Nieves Concostrina y años después la retomó junto a David Burgui mientras buscaban el nombre para el grupo.

A partir de esa referencia, Pingo Potens adoptó el término como una forma de resignificarlo y relacionarlo con la libertad. El añadido potens, procedente del latín y asociado con la idea de poder, completa una denominación que la agrupación vincula con la posibilidad de vivir y crear desde la autonomía.

La historia de la banda también está relacionada con un proceso personal. Burgui, músico con formación en jazz y música clásica y experiencia en diferentes agrupaciones, tuvo que interrumpir su actividad musical debido a una enfermedad. En medio de su recuperación inició a desarrollar composiciones que posteriormente compartiría con Lobo. El proyecto, que ambos habían pospuesto por varios años, comenzó a tomar forma en 2023 y después se consolidó con la incorporación de nuevos integrantes.

La creación colectiva ocupa un lugar central en la propuesta. La agrupación plantea su música desde el trabajo conjunto y evita colocar el protagonismo exclusivamente en alguno de sus integrantes. Esta perspectiva también se refleja en la manera en que se construyen las canciones y en la participación de diferentes músicos y colaboradores.

Pingo Potens estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde David Burgui y Yoana Lobo conversaron sobre el origen del proyecto, la construcción de su identidad y las características de su producción. Asimismo, explicaron que la agrupación busca alejarse de las fórmulas tradicionales asociadas a las canciones de amor y explorar vínculos relacionados con la amistad, el cuidado, la libertad y otras formas de afecto.

Esta perspectiva atraviesa su primer álbum homónimo, compuesto por nueve canciones y un bonus track. El disco reúne temas como ‘Diógenes’, ‘Para Vida’, ‘Lore gorriak’, ‘Pasen y vean’, ‘Bi arrain’, ‘Orgullo Pingo’, ‘El buen secuestrador’, ‘Genia y figura’ y ‘Claqueta y acción’.

Las canciones combinan castellano y euskera y abordan diferentes referencias personales, sociales, literarias e históricas. ‘Diógenes’, por ejemplo, toma como punto de partida la conocida anécdota entre el filósofo Diógenes y Alejandro Magno para desarrollar una reflexión sobre el desapego y la necesidad de distinguir entre lo que se tiene y aquello que realmente se necesita.

El álbum también incluye ‘Para Vida’, inspirada en la activista iraní Vida Movahed; ‘Genia y figura’, relacionada con la historia de la abuela de Burgui; y ‘Lore gorriak’, construida a partir de un poema de Gloria Fuertes. De esta manera, la agrupación incorpora experiencias personales, referencias literarias y acontecimientos históricos dentro de su repertorio.

El álbum recorre una década de canciones, encuentros y experiencias vinculadas con su trayectoria musical. El trabajo hace parte de una discografía que reúne ocho producciones y más de quince años de recorrido artístico.

El título retoma el nombre de la banda que acompañó a Pastor durante diez años y propone un ejercicio de memoria sobre una etapa compartida con los músicos que hicieron parte de ese proceso. Esta propuesta funciona como una mirada retrospectiva con cada una de las canciones que han acompañado varios momentos de su carrera y que, con el paso del tiempo, adquieren nuevas lecturas.

En este ejercicio, Pastor se reencuentra con composiciones que, según explicó en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, incluso habían dejado de sentirse propias. El proceso le permitió revisar su trayectoria y reconocer los diferentes momentos que han marcado su desarrollo como cantautor.

El álbum también reúne a algunos de los artistas que han formado parte de ese recorrido. Entre las colaboraciones se encuentran El Kanka, Rozalén, Mr. Kilombo y el proyecto argentino El Plan de la Mariposa, con quienes comparte canciones y experiencias acumuladas a lo largo de los años, manteniendo la relación entre la canción de autor y las distintas expresiones de la música latinoamericana que ha caracterizado el trabajo de Pastor.

Su trayectoria ha estado vinculada con territorios de ambos lados del Atlántico y con una búsqueda sonora que incorpora elementos del folclore latinoamericano, la cumbia, el funk y otras influencias dentro de una propuesta centrada en la escritura de sus letras.

Uno de los recorridos sonoros del álbum se acerca a la salsa y al mambo. Pastor explicó: “Hay una canción que cuenta con una parte de este género, que tiene un diálogo entre la salsa y la timba y acaba con una sección de vientos muy de mambo”. La pieza amplía la diversidad musical de ‘10 locos años descalzos’ y evidencia el cruce de referencias latinoamericanas que atraviesa el proyecto.

El álbum recupera un periodo de la trayectoria de Pedro Pastor, reúne a algunos de los músicos que han acompañado ese camino y plantea nuevas canciones como parte de una etapa que continúa desarrollándose de manera independiente.

El tema ‘Sin disfraz’, fue compuesta por Federico Moura en 1985 y perteneciente a ‘Locura’, álbum que cuatro décadas después de su lanzamiento sigue ocupando un lugar central en su trayectoria musical. La grabación fue realizada durante el Quilmes Rock 2025.

Mario Serra, baterista y cofundador de la banda Mario Serra es el baterista fundador y miembro la banda, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de la historia que se encuentra detrás de este superclásico del rock argentino.

‘Locura’ marcó un momento de expansión para Virus y permitió que los artistas trascendiera el circuito argentino. El disco se convirtió en una puerta de entrada hacia otros países y acompañó el crecimiento del movimiento del rock en español durante la década de los ochenta.

La producción también hace parte de un repertorio que ha permanecido vigente a través del tiempo. Virus continúa llegando a audiencias de distintas generaciones y mantienen presencia en los escenarios, donde la agrupación ha desarrollado nuevas interpretaciones de sus composiciones.

La permanencia de estas canciones también se relaciona con la transformación del público que acompaña a la banda. La presencia de personas jóvenes en los conciertos evidencia una aproximación a un repertorio construido décadas atrás, mientras que varios temas de ‘Locura’ conservan una sonoridad que permite escucharlas dentro del contexto musical contemporáneo.

La experiencia escénica también ha modificado la forma de interpretar estas composiciones. Aunque las canciones mantienen sus estructuras, la ejecución incorpora las vivencias acumuladas por los músicos después de años de presentaciones y recorridos por diferentes escenarios. “Si bien la canción es la misma, la interpreto prácticamente de otra manera. El tema es el mismo, pero con otra intensidad”, concluyó el músico.

El recorrido de Virus se desarrolló dentro de una escena argentina que durante los años ochenta contribuyó a consolidar el rock en español. La agrupación compartió ese contexto con diferentes proyectos que ampliaron las posibilidades del género y llevaron nuevas temáticas y sonoridades a un público que comenzaba a encontrarse con estas propuestas en distintos espacios de Latinoamérica.

Hay canciones que nacen de preguntas cotidianas y terminan convirtiéndose en el pilar de un nuevo ciclo artístico. Ese es el caso de ‘Último de Piscis’, el lanzamiento más actual de la banda colombiana Dados Eternos, una pieza que no solo inaugura su producción musical reciente, sino que sintetiza la madurez y la búsqueda estética del proyecto.

La idea detrás del tema surgió durante un viaje entre amigos, a partir de la inquietud de un cercano que dudaba acerca de su pertenencia astronómica, debatida entre los límites del signo de Piscis y el inicio de Acuario. Esa anécdota cotidiana dio pie a una reflexión profunda de cómo las personas buscan referentes en el horóscopo o en la simbología para definir su propia identidad.

Gabriel Rojas y Felipe Ricaurte, integrantes de la agrupación, compartieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ la manera en que esa inquietud terminó transformada en un sencillo de tintes nostálgicos. Aunque la génesis parte de una duda conceptual, la letra se presta a múltiples lecturas, abriéndose camino hacia el terreno del romanticismo y el desamor de forma muy natural.

“Siento que la continuidad ayuda a darle una narrativa sólida a un proyecto musical, porque es importante sentir un proceso de evolución”, explicó Gabriel, refiriéndose a la importancia de mantener la constancia creativa tras el periodo de silencio que antecedió a esta entrega.

En el plano conceptual, ‘Último de Piscis’ marca un contraste evidente con los primeros trabajos de la agrupación, concebidos en medio del encierro a causa de la pandemia. Esta nueva composición se adentra en atmósferas postapocalípticas para indagar aquello que ocurre después de la crisis, abordando temas como la fe, la autocomprensión y la reconstrucción personal tras enfrentarse al caos.

Musicalmente, la canción encabeza una propuesta que entrelaza el rock alternativo y el indie con la riqueza cultural de Nariño. La proximidad de su región natal con Ecuador y las sonoridades tradicionales andinas alimentan un lenguaje diverso que busca romper con los moldes convencionales del género en Colombia.

El trayecto de la banda, que adoptó su nombre definitivo tras una reestructuración inspirada en la poesía de César Vallejo, encuentra en este corte el primer paso firme de una serie de estrenos programados para los próximos meses. Con cada entrega, el grupo apunta a consolidar una identidad visual y sonora caracterizada por la coherencia y la expresividad en escena.

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Frente a la incertidumbre del panorama independiente, el sencillo refleja la determinación de sus integrantes por superar el temor y apostarle a la esperanza por medio de la creación. Es una propuesta que invita al público a apropiarse de cada verso y a explorar sus propias emociones a través de la música.

Hay un hilo invisible que une el amor, el ego y las ganas de entenderse a uno mismo en ‘La Divinidad’, el álbum más reciente del músico colombiano Deiner Mosquera. Todo parte de una necesidad honesta: Mirar hacia adentro, reconocer lo que se siente y quitarse de encima esas barreras que muchas veces impiden conectar con los demás.

Esa idea central no nació de la nada; fue tomando forma entre noches en vela, lecturas, música a solas y muchas preguntas. En medio de ese proceso, un texto sobre la visión budista de la divinidad le dio el empujón definitivo. El artista entendió este concepto no como algo lejano, sino como ese punto al que se llega después de un camino de autodescubrimiento, de mirar al ego de frente y volverse más consciente de quién se es.

Deiner estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ contando detalles de esta etapa. Habló de cómo se acercó al blues, el soul y el góspel, y de la forma en que estas sonoridades terminaron cruzándose y dialogando con la música tradicional del Pacífico colombiano.

“La historia y el viaje que narra ‘La Divinidad’ se construyeron en noches de composición, soledad, lecturas, escuchas y una búsqueda que no sabía que estaba haciendo”, compartió Reyner durante la charla.

El disco también juega a poner frente a frente a dos personajes: El artista que sale a escena y la persona común y corriente que queda cuando las luces se apagan. El primer tramo habla precisamente de esa fachada ligada al aplauso y a la exposición; mientras que el resto del álbum se sumerge sin rodeos en la intimidad, en lo que duele y en lo que se disfruta: El desamor, el deseo, el sexo y el amor maduro.

En lo musical, la producción es un abanico colorido de estilos. Hay tintes de blues, soul, funk, pop y rock, aderezados con coros de espíritu góspel y pequeños guiños al son cubano. Todo esto sosteniéndose en la guitarra, que sigue siendo el corazón y la guía creativa de Reyner.

Para darle forma a este universo sonoro, trabajó mano a mano con el productor Danzo y el equipo de Triple S Studios. Juntos lograron entrelazar las ideas iniciales con un trasfondo donde se sienten vivas las raíces afroamericanas y la herencia del rock. Entre los referentes que respiran en estas canciones aparecen nombres indispensables como Marvin Gaye, Giveon, Jeff Buckley, Amy Winehouse, Alabama Shakes, Sade, Queen y Lenny Kravitz, influencias que se conectan de manera muy natural con el origen chocoano del músico y con el peso de la tradición afrocolombiana.

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Esa búsqueda personal se escucha claramente en las emociones de cada tema. ‘Lucía’, por ejemplo, se mete en el terreno del despecho y la melancolía, inspirándose en el clima y la sensibilidad de la clásica canción de Joan Manuel Serrat. “Es un trabajo donde me muestro de forma transparente, exponiendo mis luces, pero también mis sombras”, confesó el cantautor.

El listado de temas incluye, además, ‘La Elección’, ‘Las Memorias de Quien no Ama’, ‘Libertad’, ‘El Ascenso’, ‘La Pared’, ‘Sola’, ‘Volver a ver el Sol’, ‘El Sueño de su Piel’ y ‘El Paraíso’. Esta última, elegida como el tema principal de presentación, aborda el amor como una experiencia de entrega absoluta y calma.

Curiosamente, la travesía del proyecto desemboca en ese mismo punto: ‘El Paraíso’, para Reyner, ese nombre no es más que la forma en que decide nombrar la meta de su propia búsqueda. “A través de mis historias, mis sentimientos y mis canciones narro mi propio camino hacia la divinidad; aunque, para ser fiel a mis ideas y a lo que creo, el lugar al que logro llegar se llama ‘El Paraíso’”, concluyó.

Así, ‘La Divinidad’ termina siendo mucho más que un conjunto de temas: Es una confesión honesta sobre lo que significa sentir y estar vivo. Un viaje en español que combina influencias globales con un acento y un corazón profundamente colombianos.

Este nuevo sencillo reúne las historias y los recorridos musicales de sus integrantes pertenece a un trabajo producido entre ambos países, con la participación del músico y productor colombiano Juan Carlos “Chato” Rivas.

El guitarrista mexicano Julio Kruzdhi y el baterista colombiano Ítalo Lamboglia estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de Divök, las coincidencias que los llevaron a trabajar juntos y la construcción de una propuesta musical que, más que plantear una fusión de sonidos, busca encontrar un punto en común.

La historia de Divök no comenzó con ‘Luz del Sur’. Los hermanos Julio y Charly Kruzdhi empezaron a desarrollar canciones propias desde 2001, en una etapa marcada por la trova y el rock latino. Más de dos décadas después, esa trayectoria encontró en Colombia un nuevo escenario para continuar desarrollándose.

El encuentro con Ítalo Lamboglia surgió, precisamente, de una de esas coincidencias que terminan modificando el rumbo de un proyecto. Unos músicos que tenían previsto participar en una sesión de grabación no llegaron y, en medio de esa circunstancia, apareció la posibilidad de que el músico colombiano participara. Lo que inicialmente era una colaboración terminó dando forma a una nueva etapa de la banda.

El encuentro con Juan Carlos “Chato” Rivas amplió todavía más ese cruce. El músico y productor colombiano, con una trayectoria vinculada al desarrollo del rock nacional y al trabajo junto a distintos artistas, se incorporó al proceso como bajista y asumió la producción del álbum. Rivas también había compartido con Lamboglia el entorno musical de Shakira, una etapa anterior a la formación de Divök que terminó conectando nuevamente sus caminos.

‘Luz del Sur’ comenzó con una maqueta que ya tenía un concepto musical, pero a la que todavía le hacía falta una letra. El concepto apareció alrededor de una figura sencilla: Las mismas estrellas pueden verse desde México y Colombia. De ahí surgió el “susurro de estrellas”, una imagen que atraviesa la canción y que convierte la distancia en una posibilidad de comunicación.

El tema también representa un cambio frente a una parte del repertorio que Divök había construido desde sus primeros años. Las composiciones iniciales tenían un marcado componente romántico, mientras que ‘Luz del Sur’ amplía esa mirada hacia la relación entre personas, territorios y culturas. La propia banda ha explicado que la canción nació de la idea de la música como un espacio de comunión.

Esa idea aparece también en la letra. Las referencias a fronteras, heridas, guerras y banderas de paz llevan la canción más allá de una historia de amor y la sitúan en un terreno de encuentro. En ese sentido, el propósito de “luz del sur” funciona como una imagen que reúne dos geografías y, al mismo tiempo, dos experiencias musicales.

Este nuevo lanzamiento constituye un ejercicio de indagación cultural que explora la cosmovisión del sur andino-amazónico colombiano, conectando los saberes tradicionales de Nariño y el Putumayo con los lenguajes de la producción independiente actual.

El concepto del EP surge del encuentro entre las palabras Inga Sinchi, que significa fuerza, y el término Raimi, que puede traducirse en fiesta o celebración. Una propuesta donde la ritualidad de las montañas se traslada a la creación artística. A través de sus seis sencillos, la producción teje un diálogo directo entre instrumentos propios de las comunidades originarias y elementos contemporáneos como la guitarra eléctrica, el bajo, los sintetizadores y la batería.

En su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Olimpo Herrera Jacanamijoy, director de la agrupación, enfatizó el valor patrimonial que sustenta esta búsqueda artística: "Más allá de plantear géneros musicales, es decirnos que nosotros tenemos mucha riqueza cultural y sonora. Como colombianos podemos decir: Somos y tenemos esta música y esta variedad". Bajo esta premisa, la banda trasciende la mera mezcla de estilos para proponer un punto de encuentro entre las prácticas comunitarias y las dinámicas del mercado musical.

Estructuralmente, este trabajo musical plantea un recorrido narrativo dividido en tres ejes conceptuales que representan el tránsito del pensamiento indígena: Cabildo (el arraigo a la comunidad), Pueblo (la vivencia de las festividades locales) y Ciudad (la adaptación y el diálogo dentro del entorno urbano). Esta arquitectura sonora busca desmontar la concepción del legado nativo como una expresión estática o distante.

"Nuestras músicas propias no son folklore, son músicas vivas del hoy. Por eso pueden entrar en diálogo con otro tipo de sonoridades perfectamente", contó Andrés Cuervo, segunda voz del proyecto. De esta manera, el disco se reafirma como una manifestación vigente que mantiene como núcleo la tulpa o fogón tradicional, espacio donde el pensamiento colectivo y la celebración se transforman en canciones.

De esta manera, ‘Sinchi Raimy’ trasciende el formato de un lanzamiento convencional y se consolida como el resultado de un proyecto pedagógico y social. La producción discográfica ya se encuentra disponible en las principales plataformas de reproducción streaming.

El proyecto musical ‘Aquiestoy’, liderado por el músico, compositor y productor estadounidense Carlos Snaider, presenta una propuesta que conecta distintas experiencias culturales y musicales a través de la identidad, el territorio y el desplazamiento. Esta búsqueda se desarrolla en ‘Daño Choca’, sencillo que hace parte de ‘Til We Dissolve’, su segundo álbum de estudio.

La canción se articula desde una combinación de guitarras eléctricas, sintetizadores y elementos rítmicos que dialogan con el latin jazz, el hip-hop y las tradiciones musicales del Caribe. El trabajo se compone doce canciones compuesto durante aproximadamente dos años, en el que Snaider asumió la escritura de las letras y las armonías, además de participar en la interpretación de varios de los instrumentos.

‘Daño Choca’ también plantea una reflexión alrededor de la idea de la isla. El agua, las fronteras y el movimiento aparecen como elementos que atraviesan la propuesta, mientras la figura de una persona aislada funciona como punto de partida para hablar sobre la manera en que las identidades se construyen y se relacionan con otros territorios. En este contexto, Snaider resume la imagen central de la canción con una frase: “Yo soy una isla”.

El concepto está relacionado con el recorrido personal del músico. Su padre es ecuatoriano y su madre puertorriqueña, mientras que parte de su infancia transcurrió en Quito, ciudad donde aprendió español. Posteriormente, su relación con el idioma continuó en Nueva York, en contacto con comunidades puertorriqueñas y dominicanas. Esta experiencia terminó convirtiendo el español en una herramienta para recuperar vínculos con sus raíces y conectar diferentes momentos de su historia.

La música se convierte así en un espacio para reunir geografías que en su trayectoria han permanecido conectadas. Nueva York, Los Ángeles, Ecuador y Puerto Rico aparecen como referentes dentro de una propuesta que alterna entre el inglés y el español y que entiende el lenguaje como una forma de acercamiento entre distintas culturas.

El fútbol también ocupa un lugar dentro de este relato. Snaider creció practicándolo y llegó a desempeñarse como arquero en su etapa escolar. Esta experiencia aparece representada en el universo audiovisual de ‘Daño Choca’, donde un balón atraviesa un río como una imagen asociada al juego, la infancia y el movimiento.

Su formación académica amplió posteriormente esta exploración. Durante sus estudios en Harvard profundizó en la historia sociocultural afroestadounidense y en las raíces africanas y caribeñas del jazz, además de aproximarse a la composición, los arreglos y la improvisación. La salsa también se convirtió en una referencia importante dentro de este proceso y en una vía para acercarse a su herencia familiar.