La agrupación bogotana de crossover thrash, Psycho Mosher, fue confirmada dentro del cartel de Copenhell 2026, uno de los festivales de metal más importantes de Europa. La banda colombiana hará parte de una gira de 20 fechas por 10 países europeos, consolidando uno de los pasos más grande dentro de su proceso de internacionalización.

Formada en Bogotá en 2010, la agrupación ha construido una propuesta enfocada en el crossover thrash, combinando la agresividad del género con la energía del hardcore punk y elementos sonoros inspirados en la estética de los años ochenta. Sus presentaciones en vivo se han caracterizado por la intensidad escénica y la conexión directa con el público.

Daniel Samia, guitarrista líder; Gilber Frade, guitarrista; y Luis Hurtado estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde compartieron detalles sobre la participación de la banda en Copenhell, el proceso de construcción del proyecto y la preparación de su primera gira europea.

La llegada de Psycho Mosher al circuito europeo se dio tras su participación en el Bogotá Music Market, realizado por la Cámara de Comercio de Bogotá. Según explicó la banda, el proyecto fue seleccionado luego de participar en un showcase ante programadores y bookers internacionales, donde representantes del festival conocieron su propuesta musical.

Europa cuenta con una escena más abierta y consolidada frente a la música extrema, especialmente en países como Dinamarca, Noruega y Alemania, donde el metal forma parte de circuitos culturales y de entretenimiento de gran alcance. En ese contexto, Samia afirmó que su presencia en el evento representa una oportunidad para visibilizar el sonido underground colombiano y latinoamericano ante nuevos públicos. “Muy contentos y por supuesto orgullosos de representar el sonido underground de Colombia en Europa”, señaló el guitarrista. A su vez, Hurtado destacó que la participación de la banda también busca “dejar la puerta abierta para todas las bandas latinoamericanas o colombianas” dentro de ese circuito internacional.

A lo largo de su trayectoria, la agrupación ha compartido escenario con bandas como D.R.I., Vio-lence, Exodus, Crisix y Ratos de Porão, experiencias que han fortalecido aspectos relacionados con la producción en vivo, la puesta en escena y la interacción con el público.

La gira europea iniciará el 27 de junio en Copenhague, Dinamarca. Posteriormente, la banda recorrerá ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Hungría, República Checa, Francia, Bélgica y Reino Unido, completando 20 fechas en territorio europeo.

El Festival Copenhell, fundado en 2010, se ha consolidado como uno de los encuentros más importantes del metal a nivel internacional, reuniendo anualmente a miles de asistentes y contando con la participación histórica de agrupaciones como Iron Maiden, Metallica, Black Sabbath y Slayer. Para su edición 2026, el cartel incluye nombres como Anthrax, Mastodon y Sepultura.

Actualmente, la agrupación trabaja en la mezcla y masterización de su próximo EP, ‘Now You See Us’, previsto para junio de 2026. El lanzamiento llegará después de ‘Trapped Into The Madness Vortex’, trabajo publicado en 2025.

La cantautora española presentó ‘Una flor en la luna’, una producción que profundiza en la exploración del amor, la conexión emocional y los cruces culturales entre Europa y Latinoamérica.

El álbum reúne seis canciones originales construidas desde una sonoridad orgánica que mezcla folk-pop latino, flamenco, soul, jazz y músicas tradicionales latinoamericanas. Este trabajo fue producido por Richard Blair y Álvaro Valencia,

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ donde compartió detalles sobre el proceso creativo del disco, su relación con Colombia y la manera en que Bogotá terminó convirtiéndose en un punto central dentro de su identidad artística.

El proyecto fue grabado completamente en Bogotá junto a músicos colombianos bajo una metodología en bloque, en la que todos los intérpretes tocaron simultáneamente. La intención del proceso fue conservar la espontaneidad, la respiración compartida y el vínculo humano en la grabación.

En este nuevo trabajo, el cuatro venezolano ocupa un lugar central en la instrumentación, acompañado por guitarras de nylon, bajo acústico y percusiones orgánicas. Según explicó la artista, el acercamiento a las músicas del llano, la región andina y el Pacífico colombiano terminó transformando el sonido del álbum. “La música, así como el amor, no entiende de territorios”, afirmó.

El nombre ‘Una flor en la luna’ nació durante el proceso de escritura del trabajo, luego de una reflexión alrededor de los amores que parecen imposibles. La artista explicó que la imagen de “una flor creciendo en la luna” terminó convirtiéndose en el símbolo central del proyecto: Una metáfora sobre la esperanza y la posibilidad de creer en aquello que parece improbable.

El disco también expande la idea tradicional del amor romántico hacia otros vínculos afectivos y cotidianos. Las canciones abordan el amor a la familia, la amistad, la música, los lugares y los encuentros humanos.

Nacida en Lloret de Mar, en la Costa Brava del Mediterráneo, Cristina La Mar cuenta con formación en jazz y una maestría en Songwriting de Bath Spa University, en Inglaterra. Su proyecto artístico se ha consolidado entre Europa y Latinoamérica, especialmente en Colombia, donde ha desarrollado parte fundamental de su equipo de trabajo y de su búsqueda sonora.

Fito Páez presentó ‘Shine’, un álbum construido desde las raíces más directas del rock and roll y atravesado por una reflexión acerca de la hiperconectividad, el aislamiento digital y las dinámicas sociales contemporáneas. El trabajo surgió después del accidente doméstico que sufrió el artista en 2024, que lo obligó a suspender conciertos, grabaciones y actividades durante varios meses.

El disco fue desarrollado durante ese proceso de recuperación física y personal. A partir de esa experiencia, Páez construyó canciones enfocadas en la desconexión emocional, la dependencia tecnológica y la necesidad de recuperar espacios de encuentro fuera de las pantallas.

Desde lo sonoro, el álbum retomó la energía más cruda de su rock clásico. La producción incorporó guitarras eléctricas, delays y referencias a los sonidos que artistas como John Lennon y Phil Spector desarrollaron alrededor de las raíces del género. El resultado fue un trabajo directo, potente y cercano a la esencia más pura de Páez.

El lanzamiento tuvo una antesala con el cortometraje ‘Todos los Fitos’, dirigido por José Fogwill. La pieza reunió distintas versiones del músico en un mismo espacio y desarrolló un diálogo entre diferentes momentos de su trayectoria artística. El video expandió el concepto del álbum alrededor del tiempo, la memoria y la reconstrucción personal.

El disco abre con ‘Hablame’, una pieza instrumental interpretada únicamente por Páez al piano, que reapareció en distintos momentos del trabajo como una especie de hilo conductor. La composición funcionó como reflejo del proceso de recuperación física que atravesó el músico tras su accidente doméstico y también se convirtió en uno de los ejes centrales del cortometraje.

A lo largo del álbum, Páez construyó relatos que oscilaron entre lo íntimo y lo social. ‘Girl T. Rex’ presentó una historia urbana sostenida en un ritmo funk, mientras que la canción que da nombre al disco retomó la crudeza del rock de los años setenta para plantear una mirada sobre el mundo contemporáneo. En temas como ‘Nuestro templo’, el músico desarrolló reflexiones alrededor de la soledad, el amor y las formas de habitar el presente.

El tramo final del disco profundizó en una narrativa más introspectiva. ‘Río Místico’ exploró la necesidad de avanzar sin depender de otros, mientras que ‘Las fuerzas armadas del amor’ reconstruyó el accidente que Páez sufrió en Madrid y el proceso emocional que atravesó durante su recuperación. Canciones como ‘Planeta Azul’, ‘La esquina del sol’ y ‘El honor de los lobos’ ampliaron el panorama acerca del paso del tiempo, la resistencia y la memoria personal.

El cierre llegó con ‘Universo’, canción dedicada a Pablo Milanés e inspirada en su legado artístico. Un tema que funciona como una especie de homenaje a la música como punto de encuentro en medio del caos y como una de las piezas más contemplativas del álbum.

La agrupación colombiana presenta Algo-Rítmico, un álbum que celebra diez años de trayectoria y condensa una década de exploración musical en torno a los sonidos del Caribe colombiano, el rock and roll y las influencias afrodescendientes.

Con este trabajo, la banda propone una reflexión sobre los procesos creativos en momentos de inmediatez digital. El disco parte de la idea de que la música puede ser, al mismo tiempo, una experiencia festiva y un espacio para pensar la identidad, la migración y las formas de habitar el presente.

Los integrantes del proyecto estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde compartieron detalles sobre el origen del álbum y el concepto que atraviesa esta nueva producción.

“Diez años en los que hemos creído en una palabra que mucha gente hoy día le saca el cuerpo y es el proceso”, señaló Pater, fundador y vocalista de la agrupación.

El título juega con la palabra “algorítmico” para plantear una postura crítica frente a la lógica de los algoritmos y la búsqueda de viralidad. La banda reivindica la creación musical como un ejercicio colectivo y sensorial, construido desde la experiencia y no desde fórmulas automatizadas.

La propuesta sonora es definida por la agrupación como “Caribe Rock and Roll”, una mezcla que integra champeta, funk, disco, rock clásico y elementos de la diáspora africana. El resultado es una sonoridad en la que conviven la energía de las guitarras con la cadencia de los ritmos tropicales.

Yoshi, bajista y productor, explicó que el álbum surge como “una respuesta beligerante a la era digital porque queremos volver a lo análogo, a lo real sensorial”.

Las canciones también recogen las experiencias migratorias de sus integrantes, provenientes de Cali, Sincelejo e Ibagué, quienes vieron en Bogotá un punto de encuentro para mezclar sus raíces y construir una identidad sonora propia.

Uno de los sencillos que ya se encuentra disponible es ‘Pa’ Beber’, tema que combina humor y observación cotidiana con una invitación al baile. La canción parte de una idea sencilla: Incluso en medio de las dificultades, siempre existe algo para compartir.

Como parte del lanzamiento, la agrupación apostó por una edición física inspirada en el formato del vinilo. La carátula fue realizada por el artista Daniel Pacheco, quien tradujo visualmente el universo sonoro del disco y su mezcla de Caribe, rock, migración y resistencia creativa.

El cantautor antioqueño Gabo Gallego presenta ‘Entrópico Distópico’, un EP que explora el amor, el paso del tiempo y la búsqueda de sentido a través de una propuesta sonora que combina soul, neo-soul, rock y funk.

Con este trabajo, el músico propone una reflexión acerca de la adultez y los procesos de transformación personal. El disco parte de experiencias autobiográficas y se plantea como una “declaración de independencia existencial”, en la que se cuestionan las ideas preconcebidas sobre el rumbo de la vida y se reivindica la posibilidad de soltar, recomenzar y asumir la incertidumbre.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que el álbum es el resultado de un proceso de maduración musical y personal que recoge más de una década de trayectoria.

“Creería que la palabra clave es maduración (…) Se nota en el camino recorrido en estos 10 o 12 años de hacer música. Este disco se siente como una cosa muy acabada, como el resultado de un proceso bien largo e interesante”, señaló Gallego.

El proyecto solista nació hace tres años, pero su origen se remonta a experiencias previas en agrupaciones del oriente antioqueño como Aikas y Pájaro Toh, en las que el músico exploró sonoridades cercanas al rock latino, el grunge y la música del Caribe colombiano.

‘Entrópico Distópico’ aborda las preguntas que surgen al llegar a los 30 años y revisar las expectativas construidas durante la juventud. Las canciones recorren temas como el amor, el deseo, el cierre de ciclos y la transformación de las metas personales.

“Este disco habla mucho de eso: De qué pasa cuando llegamos a los 30, cómo se han transformado las metas y las ambiciones que teníamos antes”, comentó el artista durante la entrevista. Gallego explicó que la honestidad fue el eje del proceso compositivo y que cada canción parte de vivencias personales con la intención de generar identificación en el oyente.

El EP fue concebido como una obra integral, con una secuencia narrativa que funciona como un viaje emocional. A lo largo de sus cinco temas, el disco transita por distintos momentos de introspección y cambio.

El recorrido inicia con ‘Nómada’, tema central del álbum y focus track, que aborda la necesidad de dejar atrás relaciones y cargas emocionales. Continúa con ‘Un lugar común’, una contemplación de la memoria afectiva; ‘Sin tocarte la piel’, que explora el deseo y la fantasía; ‘Samba mal hecha’, una aproximación al amor desde la ingenuidad y el baile; y concluye con ‘Mixtepec’, una despedida y cierre de ciclo.

El nombre del EP alude a la entropía como metáfora del caos y a la distopía como representación de la incertidumbre humana. Desde esa idea, el proyecto traduce en canciones cinco eventos cotidianos relacionados con el amor, la libertad, el sentido de la vida y el paso del tiempo.

El 19 de mayo de 2026 se apagó la voz de Sonia Bazanta Vides, conocida artísticamente como Totó La Momposina. Su fallecimiento marcó la despedida de una de las figuras más representativas de la música colombiana y de una artista que dedicó su vida a preservar y difundir los ritmos tradicionales del país.

Entre tambores, cantos y memorias del Caribe colombiano, Totó La Momposina construyó una trayectoria en la que la música tradicional se convirtió en un puente entre las raíces culturales y las nuevas generaciones.

Su voz llevó ritmos como la cumbia, el bullerengue, la tambora, el mapalé y el chandé a los escenarios más importantes del mundo, consolidándola como una de las figuras más influyentes de la música latinoamericana.

Más que una intérprete, Totó fue una guardiana de la memoria. Su obra se nutrió de las enseñanzas heredadas por su familia y por las comunidades afrodescendientes e indígenas del Caribe colombiano, de donde recogió cantos, historias y tradiciones que transformó en un repertorio de profundo valor cultural.

En una época en la que el folclor era visto como una manifestación limitada al ámbito regional, Bazanta demostró que esas músicas podían dialogar con audiencias de cualquier lugar. Su presencia en escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina abrió un camino para que la música tradicional colombiana ocupara un espacio destacado en la escena internacional.

Su legado no se mide únicamente por los discos publicados o los reconocimientos obtenidos, sino por la manera en que cambió la percepción de la música de raíz. Gracias a su trabajo, las nuevas generaciones entendieron que el bullerengue y la tambora no pertenecen al pasado, sino que siguen siendo expresiones vivas capaces de dialogar con el presente.

Artistas colombianos y latinoamericanos encontraron en Totó una referencia fundamental. Su obra mostró que la innovación no exige renunciar a la tradición, y que la identidad cultural puede convertirse en una fuente inagotable de creación.

También dejó una lección de dignidad artística. En cada escenario defendió la música popular como una forma de conocimiento, memoria y resistencia. Su presencia recordaba que detrás de cada canción existe una historia colectiva construida durante generaciones.

Su ausencia deja un vacío difícil de llenar en la cultura colombiana. Sin embargo, en cada tambor, en cada rueda de bullerengue y en cada artista que vuelve la mirada hacia las raíces para crear nuevas sonoridades, seguirá presente la huella de Totó La Momposina.

El inicio profesional de su carrera se remonta a 1982, cuando obtuvo el primer lugar en un concurso de la Fiesta Nacional del Inmigrante, en Oberá, Misiones. Ese reconocimiento marcó el comienzo de un recorrido artístico que hoy suma 18 discos publicados, varios libros y una amplia agenda de presentaciones en América y Europa.

Su relación con la música comenzó en la infancia, en un entorno familiar en el que el canto hacía parte de la vida cotidiana. Su padre interpretaba boleros y su madre acostumbraba a cantar en casa, influencia que lo llevó a participar desde niño en actos escolares y, posteriormente, a estudiar guitarra y escribir sus primeras canciones.

El músico y poeta Claudio Bustos estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre sus inicios en la música, su trabajo de musicalización de poemas latinoamericanos y las presentaciones que realizó en Colombia en el marco de la Feria Internacional del Libro de Bogotá.

La poesía ha sido uno de los ejes centrales de su obra. A lo largo de su trayectoria ha musicalizado textos de autores como Pablo Neruda, Nicolás Guillén, Augusto Roa Bastos y José Luis Díaz-Granados, en un proceso creativo que ha dado origen a proyectos como el álbum ‘Voy en los hilos del agua’, integrado por composiciones basadas en poemas de escritores de distintos países de América Latina.

En 1996 viajó a París, donde participó en ciclos de poesía latinoamericana y conciertos organizados por productores vinculados a Radio France Internationale. Esta experiencia fortaleció su interés por la musicalización de textos y amplió su proyección internacional.

A lo largo de su discografía, Bustos ha abordado temas relacionados con la memoria histórica, la infancia y la identidad cultural. Entre sus trabajos se encuentran la cantata ‘Francisco Solano López, Mariscal de América’, dedicada a la Guerra de la Triple Alianza, y el álbum infantil ‘Canciones en Bicicleta’.

La relación del artista con Colombia también ha influido en su proceso creativo. Además de musicalizar poemas de autores nacionales, ha incorporado sonoridades cercanas al bambuco y otros ritmos andinos como parte de su acercamiento a la tradición musical colombiana.

Durante su visita al país, el cantautor ofreció conciertos y encuentros académicos en espacios como la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la Universidad Nacional de Colombia y la Librería Balzac.

El músico nacido en La Habana estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre sus inicios en la música, el papel de la fe en su obra y los proyectos que adelanta actualmente entre Cuba, Colombia y México.

Su relación con la música empezó en su infancia, una guitarra de juguete fue el punto de partida de una vocación que con el tiempo se consolidó de manera autodidacta. Comenzó a escribir canciones en 1997 y dos años después inició sus presentaciones en público. Desde entonces ha desarrollado un repertorio que aborda temas como el amor, la amistad, la familia, la sociedad y la fe.

La trova cubana ha sido el lenguaje con el que le ha dado forma a sus composiciones. En sus canciones, la poesía funciona como un vehículo para retratar realidades personales y colectivas, así como para compartir mensajes de esperanza. “Mi manera de decir que debemos salir adelante es simplemente ser sincero”, afirmó.

Desde 2008, Méndez hace parte del Centro Nacional de Música Popular de Cuba y ha publicado dos producciones discográficas: ‘Canto a Jesús’ en 2010, editado de manera independiente, y ‘Mi guitarra sigue sonando’ en 2019, lanzado por el sello EGREM.

El proceso detrás de este reciente álbum estuvo marcado por la perseverancia. Tras un primer acercamiento sin éxito a la disquera, años después el artista logró publicar el disco que hoy da nombre a una de sus canciones más reconocidas.

A lo largo de su carrera ha ofrecido conciertos en diferentes escenarios de Cuba y ha realizado giras internacionales en países como Colombia, Dinamarca y Venezuela. Para Méndez, esa experiencia ha reafirmado el poder universal de la música.

Durante su actual visita a Colombia, el trovador grabó un sencillo junto al cantautor Luis Fabián Peña y registró la primera canción de su próximo trabajo discográfico, producido en Barranquilla por el pianista Cristian López. El proyecto contará con la participación de músicos cubanos y colombianos.

Además de su carrera como solista, Eric Méndez integra el dúo Enhorabuena junto a Adalys Díaz, agrupación con la que continúa explorando nuevas posibilidades dentro de la canción de autor.

La cantautora y productora bogotana Mariana Martínez, conocida artísticamente como Una Espeletia, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre su trayectoria musical, las búsquedas que atraviesan su proyecto artístico y el lanzamiento de nueva música.

Su propuesta fusiona el rap y el hip hop con la canción de autora y la poesía urbana. A través de sus composiciones, aborda temáticas sociales desde una perspectiva feminista y crítica, entendiendo la música como un espacio de reflexión, identidad y transformación cultural.

El nombre del proyecto hace referencia al género científico del frailejón, planta emblemática de los páramos colombianos. “Los frailejones son plantas que crecen un centímetro por año y yo asocio mucho el quehacer del arte con esos pasitos lentos, pero muy seguros”, explicó Mariana durante la entrevista.

La propuesta nació en 2020 con el lanzamiento de ‘Plántate conmigo’, sencillo con el que presentó una obra atravesada por el amor, la diversidad y la búsqueda de nuevas formas de representación. Desde entonces, Una Espeletia ha fortalecido una identidad artística en la que convergen experiencias personales, activismo y sonoridades que combinan guitarras, bases electrónicas y recursos propios del rap.

En su trayectoria ha participado en escenarios como Hermoso Ruido, Re-Versar, Disidencias Frailejónicas, el Concierto por Palestina en Bogotá y el Festival Reexiste. También hizo parte del Festival Cantautoras por la Paz, circuito con el que llevó su música a ciudades como Pasto, Medellín y Manizales.

A lo largo de este recorrido ha compartido escenario con artistas como La Muchacha, La Farmakos, La Perla, Lilo Lara y Lucio Feuillet, figuras representativas de la escena independiente colombiana.

Su música también se nutre de influencias como Marta Gómez, la música popular brasileña y distintas voces femeninas latinoamericanas. Esa mezcla ha dado forma a un repertorio en el que conviven la intimidad de la canción acústica con la fuerza discursiva del hip hop.

Más allá de lo sonoro, Una Espeletia se proyecta como una plataforma para visibilizar causas sociales y promover espacios seguros e incluyentes. Su propuesta reivindica la diversidad y plantea el arte como una herramienta para el encuentro, la resistencia y la construcción de nuevas narrativas dentro de la música colombiana.

La colaboración reúne el rock mexicano y el metal ibérico en una reinterpretación con un sonido más pesado y contemporáneo. Las guitarras adquieren mayor fuerza, la base rítmica gana contundencia y la voz de José Andrëa aporta un matiz dramático que amplía el carácter de la canción sin perder la esencia que la convirtió en un clásico del rock en español.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Luis Álvarez contó que la colaboración con José Andrea nació de la amistad que han construido a lo largo de los años en festivales y conciertos. “Le invité, le mostré la canción y le gustó mucho. Participó de muy buena manera y le puso el sello de José Andrea”, recordó el músico mexicano.

Formada en 1989 en Ciudad de México, El Haragán y CIA se consolidó como una de las bandas más representativas del rock mexicano. Con más de 11 millones de discos vendidos, su catálogo incluye canciones como ‘Él No Lo Mató’, ‘Muñequita Sintética’, ‘A Esa Gran Velocidad’ y ‘Juan el Descuartizador’.

La agrupación ha mantenido una actividad constante en escenarios y estudios de grabación. “Un músico nunca debe retirarse. Hay que seguir tocando, haciendo canciones y lanzando música”, afirmó Luis Álvarez.

Con esta nueva versión, El Haragán y Cía reafirma la vigencia de un proyecto que, después de más de tres décadas de trayectoria, continúa explorando nuevas sonoridades y colaboraciones sin apartarse de la identidad que lo convirtió en referente del rock latinoamericano.