Pay Compay y Lili Jiménez desarrollan una propuesta musical que conecta las sonoridades tradicionales andinas y latinoamericanas con influencias contemporáneas. A través de la composición, la producción y la interpretación vocal, el proyecto reúne experiencias individuales y elementos culturales del sur de Colombia para construir un repertorio que aborda la identidad, los afectos y las formas de comprender la vida.

Rafael Majín, conocido artísticamente como Pay Compay, y la cantante Lili Jiménez estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de su colaboración, las influencias que atraviesan su música y el proceso creativo de un EP que reúne canciones inspiradas en sus experiencias y en su relación con el territorio.

El sencillo une ritmos como el bambuco y el huayno con otros sonidos latinoamericanos, entre ellos la bossa nova. A estas influencias se suman las trayectorias individuales de sus integrantes, vinculadas a la música folclórica, la producción y otros géneros contemporáneos. El resultado parte de un diálogo entre distintas expresiones musicales, con una búsqueda artística relacionada con las raíces de los pueblos Yanacona y Nasa del Cauca.

La propuesta surgió del encuentro entre Majín y Jiménez después de varios años de trabajo individual. La conexión responde a intereses compartidos alrededor de la música y el sentir indígena. Para Jiménez, esta colaboración representa la posibilidad de abordar temáticas relacionadas con la vida, el amor y su identidad cultural. “Yo he estado en otros temas, como otro tipo de géneros, popular, más temas comerciales, pero la verdad siempre he querido hablar de la vida, del amor, del sentir Nasa”.

El proceso creativo también encuentra inspiración en las vivencias del entorno. Las letras recogen observaciones sobre la realidad social y cultural del sur del país, así como reflexiones que trascienden las experiencias individuales. Esta relación con el territorio se manifiesta tanto en las composiciones como en las decisiones sonoras y audiovisuales que acompañan el proyecto.

Dentro de este repertorio se encuentra ‘¿Cómo va la vida?’, un tema que plantea una reflexión en la manera en que las personas se relacionan con el mundo y afrontan las circunstancias de la vida cotidiana. Además, propone una pregunta acerca del comportamiento humano en una época marcada por situaciones complejas y busca transmitir un mensaje de tranquilidad a través de la creación artística.

La canción hace parte de una búsqueda musical en la que las raíces culturales adquieren un papel central. Desde esta perspectiva, la música se convierte en un espacio para explorar el sentir, reconocer las experiencias propias y mantener un vínculo con los conocimientos y las formas de comprender el mundo que provienen de lo ancestral.

La colaboración entre Pay Compay y Lili Jiménez se extiende al campo audiovisual. Entre sus experiencias se encuentra la realización de un videoclip que llegó a la etapa de finalistas de SmartFilms 2026. La producción se desarrolló con recursos propios y el apoyo de familiares, con grabaciones en Huachicono y Río Blanco, en el Cauca. El proceso integró el paisaje y los espacios de la región como parte de la construcción visual de la propuesta.

Los miedos, las inseguridades y los prejuicios personales hacen parte de las experiencias que pueden marcar el desarrollo de un proyecto artístico. Estas ideas atraviesan la relación de Hera de Cuba con ‘Fantasmas’, una canción que la intérprete cubana aborda desde sus propias vivencias.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre su interpretación de esta obra, su identidad musical y los desafíos que ha enfrentado para consolidar su carrera.

“Los temas que Hera escribe son canciones que siempre tienen algo de autobiográfico. Y si no son creaciones propias, también hay algo que siento que es mío. Cuando canto es porque me enamoro de esa pieza musical, trato de sentirla y de buscar un punto de encuentro para conectarla con el público”, explicó la cantante.

Esta relación entre la interpretación y la experiencia personal permite comprender el lugar que ocupa ‘Fantasmas’ dentro de su repertorio. Es un punto de encuentro entre la historia de su compositora y la sensibilidad de una artista que reconoce en los temores internos uno de los desafíos que ha tenido que superar durante su recorrido musical.

“En mi plano personal, yo creo que los fantasmas son propios, son de uno mismo. Uno tiene que luchar con los fantasmas internos que uno tiene. Yo quizás me demoré en hacer mi propia música, en tener mi propio grupo, por miedo. Fue por tener prejuicios. Entonces, primero hay que quitarse uno esos fantasmas que tiene internamente y después enfrentarse a lo que pueda estar presente”, señaló la artista.

La propuesta artística de Hera de Cuba combina elementos de la música cubana con influencias del jazz, el R&B, la bossa nova y el latin jazz. La cantante se presenta como intérprete de la canción y encuentra en estos géneros herramientas para explorar melodías, transformar repertorios y ampliar sus posibilidades expresivas.

Ingeniera en Ciencias Informáticas de formación, comenzó a vincularse con la música durante su etapa universitaria, cuando participó en un movimiento de artistas aficionados en Cuba. Después de graduarse, mantuvo su actividad artística y posteriormente ingresó al catálogo de una empresa musical de la isla. 

El nacimiento de su hija, Vida, y el periodo de aislamiento provocado por la pandemia marcaron una etapa de mayor dedicación a la creación. Durante ese tiempo surgieron ‘Santa’ e ‘Iconos’, que dieron paso al EP ‘Santa’.

Sus influencias también provienen de la tradición musical cubana. Entre las figuras que marcaron sus primeros acercamientos a la música se encuentran Omara Portuondo, Benny Moré y La Lupe, intérpretes que escuchaba durante su infancia a través de la radio que acompañaba a su abuela.

Además, Hera de Cuba es fundadora y directora de ‘Música es Mujer’, una red colaborativa creada en marzo de 2023 para visibilizar el trabajo de las mujeres en la industria musical cubana. La iniciativa reúne a artistas y profesionales de diferentes áreas y busca generar oportunidades de circulación, intercambio y desarrollo artístico. 

El proyecto surgió como una alternativa frente a las dificultades para conseguir escenarios y recursos para propuestas independientes. A partir de una labor conjunta, las participantes encontraron una manera de presentar sus proyectos, compartir experiencias y establecer conexiones con otros actores del sector cultural.

La red amplía la actividad de Hera de Cuba más allá de la interpretación y la sitúa en el ámbito de la gestión cultural. Su iniciativa se relaciona con la creación de oportunidades para otras mujeres y con la construcción de espacios que permiten fortalecer su presencia en la industria.

La propuesta sonora integra funk, rock y percusiones latinas. La producción marca una nueva etapa de su proceso creativo, que apuesta por un formato de banda para ampliar las posibilidades musicales de un repertorio construido a partir de sus experiencias personales.

Ospina estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' para hablar sobre esta evolución, el desarrollo de su identidad artística y las búsquedas que atraviesan su más reciente trabajo discográfico.

Después de desarrollar sus primeras producciones desde un proceso de grabación más íntimo, con la guitarra como punto de partida, Ospina trasladó las nuevas composiciones al estudio con una banda integrada por batería, percusión, guitarras, bajo y teclados. El cambio le permitió explorar otras dinámicas instrumentales sin abandonar la sensibilidad que caracteriza sus canciones. “Este disco ha sido muy bacano porque tuve la oportunidad de grabar en vivo en un estudio. Antes, cuando empecé los otros álbumes, era más con mi guitarra en un cuarto, grabando toda la producción. (...) Es poder mezclar ese lado más emocional y sensible. (...) Era como un nuevo comienzo, un nuevo sonido que quisiera seguir experimentando, pero con una base y un formato que me gustaría mantener”, explicó el músico.

El proyecto conserva la escritura, aunque presenta una evolución en la manera de abordar sus temáticas. Mientras que los primeros trabajos se apoyaban en imágenes y metáforas que permitían múltiples interpretaciones, las nuevas canciones plantean sus ideas de una forma más directa, especialmente en los coros, sin abandonar el componente imaginativo de los versos.

Esta transformación se refleja en la relación entre las letras y los arreglos musicales. Las experiencias emocionales que alimentan las composiciones no necesariamente se traducen en sonidos melancólicos; por el contrario, encuentran en el ritmo una posibilidad de expresión que vincula la sensibilidad con el movimiento. De esta manera, el dolor y la vulnerabilidad conviven con una instrumentación dinámica que amplía las formas de aproximarse a estas experiencias.

La honestidad en la escritura constituye uno de los ejes de la propuesta. A través de sus letras, el artista aborda sentimientos y situaciones personales sin recurrir exclusivamente a fórmulas románticas convencionales. Su interés se dirige hacia la expresión de la sensibilidad masculina y la posibilidad de reconocer los sentimientos sin asociarlos con una imagen de debilidad. “Para mí, hacer las canciones es hablar de mis emociones, mis cosas, porque es como una terapia. Estoy con mi guitarra, me desahogo y eso se convierte después en la música que hago. (...) Me fascina que la gente cante, pero también me gusta tratar de hacer crear algo distinto, dejar pensando a la persona”, afirmó el músico durante la entrevista.

En el plano sonoro, Matar Fuma reúne influencias anglosajonas con elementos latinoamericanos para construir una identidad que no se limita a un contexto geográfico específico. El uso del español, las percusiones y las referencias cotidianas de las letras aportan cercanía al repertorio, mientras que las guitarras y los recursos de producción amplían su espectro musical. La intención es integrar estos sonidos de manera natural y mantener una propuesta que conecte con públicos de distintos lugares.

El tema muestra una faceta introspectiva de la agrupación que ha construido su trayectoria alrededor del rock y de una propuesta que explora distintas experiencias humanas. En esta composición, la banda aborda el desamor desde los recuerdos, las ausencias y las situaciones cotidianas que mantienen presente a una persona después de una ruptura. Steven Baquero, voz y guitarra, Javier Baquero, batería, y Julián Garzón guitarrista de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el proceso de composición, la realización del videoclip y los nuevos caminos sonoros que acompañan esta etapa de su carrera.

La canción parte de una experiencia común: Terminar una relación y encontrar en los lugares, las canciones y las actividades diarias, referencias constantes de quien ya no está. A través de esta idea, la banda propone una composición que conecta con las distintas maneras de experimentar una separación, desde la tristeza hasta el reconocimiento de los errores propios.

“Y si estás triste, pues es culpa tuya, vívelo, transítalo, pero también entiende que puedes ser tú equivocándote”, señaló Steven, al referirse a la manera en que el tema aborda el desamor y las equivocaciones personales.

El proceso creativo de ‘Todo me habla de ti’ representa una variación en la metodología de creación. En lugar de partir de una estructura instrumental terminada para adaptar posteriormente la melodía y la letra, los músicos comenzaron con una guitarra acústica y una base armónica sencilla.

A partir de ese punto, compartieron experiencias y reflexiones personales que dieron forma a la composición. El trabajo colectivo permitió desarrollar una canción que recoge distintas perspectivas sobre las rupturas sentimentales y las maneras de afrontar sus consecuencias.

En el plano musical, el sencillo combina elementos del rock con guitarras acústicas de carácter melódico, pasajes nostálgicos y un solo de guitarra que conserva la energía característica de la banda. Esta combinación amplía los matices de la propuesta sin abandonar el género que ha orientado su trayectoria.

El videoclip amplía el concepto de la canción mediante una historia en la que los integrantes experimentan situaciones de peligro sin manifestar dolor físico, pero se enfrentan a la vulnerabilidad que producen las decepciones amorosas.

La narrativa utiliza diferentes escenas para representar las consecuencias emocionales de una ruptura. Los mensajes, las cartas y el encuentro con una expareja que ha seguido adelante funcionan como detonantes de un dolor que no desaparece con facilidad.

Para materializar esta propuesta, se accedió a herramientas de inteligencia artificial. Baquero explicó que “el desarrollo del audiovisual implicó preparar insumos para orientar la generación de las escenas y realizar posteriormente labores de edición y corrección de color”. El proceso tomó varias semanas y contó con la experiencia audiovisual de sus integrantes. 

El lanzamiento llega después de un periodo sin estrenos musicales desde el 2025, cuando la agrupación presentó ‘Irónicamente romántico’, una canción que contó con la colaboración del guitarrista Marty Friedman.

‘Infinito Paralelo’ presenta una faceta íntima de Doctor Krápula, agrupación que ha construido su trayectoria entre el ska, los sonidos latinoamericanos, la crítica social y las canciones que invitan al movimiento colectivo. En esta composición, la banda aborda los encuentros que ocurren entre dos personas cuyos caminos parecen avanzar en direcciones diferentes, pero que coinciden por un instante.

Mario Muñoz, vocalista de la agrupación, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre la propuesta conceptual de la canción, la exploración musical junto al productor Juan Pablo Vega y la relación entre la creación artística y las transformaciones de la industria.

La composición plantea una reflexión sobre el tiempo, el destino y las posibilidades de reencontrarse con alguien más allá de las circunstancias que separan a dos personas. La idea de permanecer en paralelo funciona como una metáfora de esos vínculos que encuentran un punto de conexión, aunque no siempre puedan compartir una misma dirección. 

A lo largo de su trayectoria, Doctor Krápula ha alternado canciones festivas, composiciones de contenido social y propuestas que exploran otras maneras de abordar las relaciones humanas. La agrupación mantiene así una identidad abierta a la experimentación, sin abandonar los principios que han orientado su trabajo.

La reflexión también alcanza las formas contemporáneas de establecer vínculos afectivos. El uso de aplicaciones para conocer personas y la creciente mediación de la tecnología en las relaciones hacen parte del contexto desde el cual puede leerse la canción. Frente a estas dinámicas, el proyecto recupera la posibilidad del encuentro, la conversación y la conexión emocional.

“Vamos a hacer música, no a la velocidad que la industria la está pidiendo, vamos a hacer música, no al estilo o al algoritmo que nos está pidiendo”, dijo Muñoz. Esta postura se relaciona con el concepto de ‘Arte Resistencia’, desde la cual la agrupación cuestiona la producción acelerada de canciones, imágenes y contenidos para responder a las exigencias de las plataformas digitales. Para la banda, la creación artística también implica decidir sus propios tiempos, explorar otros lenguajes y mantener el trabajo manual como parte de sus procesos creativos.

Esa perspectiva se extiende a la propuesta visual de ‘Infinito Paralelo’. La portada fue realizada por la ilustradora colombiana María Camila Moreno mediante una composición en acuarela y collage elaborada a mano, con la representación de universos que coinciden en una intersección espacial. El videoclip, por su parte, estuvo a cargo de la productora caleña Little Goat Films, responsable también del audiovisual de ‘La Cumbia Antifa’.

La exploración de nuevos sonidos y conceptos acompaña una trayectoria de casi tres décadas, durante la cual Doctor Krápula ha mantenido una actividad constante en escenarios y estudios de grabación. La agrupación continúa desarrollando música nueva y proyectos que articulan su identidad sonora con una mirada crítica sobre las realidades sociales y culturales.

Oregón Black desarrolla una propuesta que combina elementos del indie rock contemporáneo con sonoridades nostálgicas de las décadas de los ochenta, noventa y dos mil. La agrupación mexicana estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde Arturo Chávez, vocalista y guitarrista, Pablo Brito, bajista, saxofonista y tecladista, y Alejandro Orozco, baterista, conversaron sobre el proceso creativo detrás de ‘Obsesionado’, un álbum de diez canciones que aborda el amor, el desamor y otras experiencias humanas.

La banda nació a finales de 2018, a partir de la amistad de tres músicos que habían compartido un proyecto anterior. Su universo conceptual tiene como punto de partida una novela escrita por sus integrantes, en la que se plantea la existencia de una sociedad utópica en una estrella cercana a la Tierra. Con esta historia, la agrupación construye una propuesta que, en lugar de centrarse en la exploración espacial, encuentra su eje en las emociones, las decisiones y las experiencias de las personas.

La pandemia representó un punto de inflexión para el proyecto. Durante ese periodo, sus integrantes fortalecieron sus procesos de composición y aprendieron a desarrollar diferentes tareas relacionadas con la producción musical, la edición audiovisual, la gestión de redes sociales y la distribución digital. Este trabajo permitió consolidar una dinámica independiente y ampliar sus posibilidades de circulación.

En 2022, el tema ‘Vibramos’ contribuyó al crecimiento de la agrupación, con mayor presencia en plataformas digitales, emisoras y escenarios. La canción también permitió establecer una conexión con nuevos oyentes, cuyas experiencias personales comenzaron a relacionarse con las historias planteadas en el repertorio de la banda.

‘Obsesionado’ reúne diez canciones construidas a partir de un proceso de composición colectiva. Para desarrollar el álbum, los músicos se trasladan a una casa alejada de la ciudad, a la que llaman ‘el ranchito’, donde instalan un estudio temporal y trabajan sin las distracciones de su entorno habitual. 

Chávez destacó la conexión que se construye entre las piezas musicales y las experiencias de quienes las escuchan: “Historias increíbles que teje la gente a través de las canciones que uno libera y que saca”. Como ejemplo, recordó el caso de una pareja que eligió un tema de la banda para su boda y el de un seguidor que compartió el vínculo entre su música y el recuerdo de su hermano fallecido.

La visita a Bogotá marcó la primera salida internacional de Oregón Black. La agrupación llegó a Colombia para participar en el festival Disco Paraíso, donde tuvo la oportunidad de conocer proyectos de la escena independiente nacional y establecer contactos para posibles colaboraciones musicales. Durante su estadía, los integrantes también comenzaron a trabajar en nuevas composiciones.

El encuentro con el público colombiano representó una oportunidad para ampliar la circulación de su música en un mercado donde el indie rock comparte espacio con otras tendencias sonoras. La respuesta recibida durante el evento fortaleció el interés de la banda por regresar al país y continuar construyendo una audiencia en la región.

Tras tres años sin publicaciones de estudio, Boca de Serpiente reaparece en la escena musical con 'Yo soy el abismo'. El sencillo marca el inicio de una nueva etapa creativa para la banda y coincide con su selección entre las propuestas distritales que harán parte de la edición conmemorativa de los 30 años del festival Rock al Parque. Juan Carlos Marín y Santiago Torrens pasaron por los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' para hablar sobre este proceso de reconstrucción artística y su recorrido en el rock nacional.

A lo largo de 214 segundos marcados por riffs directos y distorsión, la canción aborda la salud mental y el diálogo interno desde una perspectiva humana. Distante de respuestas absolutas, la letra invita a confrontar la propia oscuridad y a asumir los estados emocionales no como condenas, sino como procesos transitorios.

“Sentimos que el ser humano se arma gracias a su parte de luz y a su parte de sombra. Para nosotros el abismo no es algo definitivo de lo que toque huir, sino un estado en el que se puede entrar y salir para escucharse a uno mismo”, explicó Torrens.

El tema se presenta con un videoclip enfocado en expandir la atmósfera de la canción. Mediante una narrativa ambigua, la pieza audiovisual sigue la historia de un personaje obsesionado con el abismo como un lugar físico, hasta descubrir que se trata de un plano puramente interno.

La banda presenta 'Yo soy el abismo' como la antesala de lo que será su próximo álbum, su tercer trabajo discográfico, producido junto a Diego Rodríguez. “Fue un proceso de morir y nacer nuevamente, de poner los corazones en blanco y empezar a cocinar desde ceros para abordar un disco que va a ser muy distinto, pero que mantiene nuestro ADN intacto”, afirmó Marín.

Tras recorrer escenarios en Colombia, México, Chile, Argentina, Venezuela y Ecuador con su anterior trabajo ‘La ilusión de la razón’, la banda alista su regreso a Bogotá. Esta será la tercera participación de Boca de Serpiente en Rock al Parque, ratificando la solidez de una propuesta construida desde la autogestión y la identidad sonora.

A través de la gira internacional ‘30 Años, 30 Canciones’, la banda conmemora tres décadas de trayectoria repasando los hitos más significativos de su discografía. Néstor Ramljak, vocalista y líder del proyecto, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para reflexionar sobre los orígenes del grupo en Tigre, Buenos Aires, y la vigencia de una propuesta que ha marcado a distintas generaciones en la región.

El proyecto dio sus primeros pasos a mediados de los noventa entre un grupo de jóvenes de colegio. Con el tiempo, esa inquietud juvenil se consolidó en una alineación estable integrada por Ramljak junto a Facundo Cimas, Germán Bonilla, Bruno Signaroli, Martín Mártola y Ariel Sciacaluga, transformando la iniciativa escolar en un referente imprescindible del reggae latinoamericano.

Su nombre también responde a esa búsqueda de identidad: Un término acuñado a partir del verbo palidecer que apela a resistir y no desvanecerse ante las dificultades. “Jamás imaginábamos que 30 años después iba a estar explicando el nombre de la banda en conexión con gente de Colombia”, recordó el músico.

Uno de los momentos cumbre de esta trayectoria fue la producción de su álbum compilatorio Nonpalidece ‘Hecho en Jamaica’, grabado directamente en los míticos estudios de Kingston. La experiencia reunió a la banda con referentes históricos y talentos emergentes de la isla, coronando años de perseverancia con el Premio Carlos Gardel a Mejor Álbum de Reggae.

A lo largo de estos 30 años, su recorrido internacional los ha llevado a estar más de 15 países y a ser protagonistas en festivales emblemáticos como Vive Latino, Cosquín Rock y Rock al Parque, escenarios desde donde han proyectado una postura crítica frente a la realidad social del continente.

“Lo que más nos motivó a hacer reggae tenía que ver con expresar esas desigualdades y proponer desde la música alternativas frente a la realidad”, afirmó Ramljak acerca del motor temático del grupo.

Tres décadas después de aquellos primeros ensayos en la provincia de Buenos Aires, himnos como ‘La Flor’, ‘Tu Sueño’, ‘Tu Presencia’, ‘Dame Luz’ y ‘La Alegría Manda’ continúan conectando con nuevas audiencias, ratificando la solidez de una banda construida desde la colectividad y la dignidad sonora.

Pingo Potens es una banda musical originaria de Navarra, España, está integrada por Yoana Lobo, David Burgui, Tania Hernández y Joselu Arriezu, aunque su formación puede incorporar músicos invitados de acuerdo con las necesidades de sus presentaciones. Su propuesta se articula bajo conceptos como la libertad, la amistad, la inclusión, los cuidados, la vitalidad y diferentes las distintas maneras de entender el amor.

El nombre del proyecto parte de una historia vinculada con la expresión latina ‘Virgo Potens’. Según la anécdota que inspiró a sus integrantes, unas religiosas habrían sustituido la palabra virgo por pingo durante el rezo de una oración, sin conocer las connotaciones que esta última tenía en el español de la época. Yoana Lobo conoció este suceso a través de la periodista Nieves Concostrina y años después la retomó junto a David Burgui mientras buscaban el nombre para el grupo.

A partir de esa referencia, Pingo Potens adoptó el término como una forma de resignificarlo y relacionarlo con la libertad. El añadido potens, procedente del latín y asociado con la idea de poder, completa una denominación que la agrupación vincula con la posibilidad de vivir y crear desde la autonomía.

La historia de la banda también está relacionada con un proceso personal. Burgui, músico con formación en jazz y música clásica y experiencia en diferentes agrupaciones, tuvo que interrumpir su actividad musical debido a una enfermedad. En medio de su recuperación inició a desarrollar composiciones que posteriormente compartiría con Lobo. El proyecto, que ambos habían pospuesto por varios años, comenzó a tomar forma en 2023 y después se consolidó con la incorporación de nuevos integrantes.

La creación colectiva ocupa un lugar central en la propuesta. La agrupación plantea su música desde el trabajo conjunto y evita colocar el protagonismo exclusivamente en alguno de sus integrantes. Esta perspectiva también se refleja en la manera en que se construyen las canciones y en la participación de diferentes músicos y colaboradores.

Pingo Potens estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde David Burgui y Yoana Lobo conversaron sobre el origen del proyecto, la construcción de su identidad y las características de su producción. Asimismo, explicaron que la agrupación busca alejarse de las fórmulas tradicionales asociadas a las canciones de amor y explorar vínculos relacionados con la amistad, el cuidado, la libertad y otras formas de afecto.

Esta perspectiva atraviesa su primer álbum homónimo, compuesto por nueve canciones y un bonus track. El disco reúne temas como ‘Diógenes’, ‘Para Vida’, ‘Lore gorriak’, ‘Pasen y vean’, ‘Bi arrain’, ‘Orgullo Pingo’, ‘El buen secuestrador’, ‘Genia y figura’ y ‘Claqueta y acción’.

Las canciones combinan castellano y euskera y abordan diferentes referencias personales, sociales, literarias e históricas. ‘Diógenes’, por ejemplo, toma como punto de partida la conocida anécdota entre el filósofo Diógenes y Alejandro Magno para desarrollar una reflexión sobre el desapego y la necesidad de distinguir entre lo que se tiene y aquello que realmente se necesita.

El álbum también incluye ‘Para Vida’, inspirada en la activista iraní Vida Movahed; ‘Genia y figura’, relacionada con la historia de la abuela de Burgui; y ‘Lore gorriak’, construida a partir de un poema de Gloria Fuertes. De esta manera, la agrupación incorpora experiencias personales, referencias literarias y acontecimientos históricos dentro de su repertorio.

El álbum recorre una década de canciones, encuentros y experiencias vinculadas con su trayectoria musical. El trabajo hace parte de una discografía que reúne ocho producciones y más de quince años de recorrido artístico.

El título retoma el nombre de la banda que acompañó a Pastor durante diez años y propone un ejercicio de memoria sobre una etapa compartida con los músicos que hicieron parte de ese proceso. Esta propuesta funciona como una mirada retrospectiva con cada una de las canciones que han acompañado varios momentos de su carrera y que, con el paso del tiempo, adquieren nuevas lecturas.

En este ejercicio, Pastor se reencuentra con composiciones que, según explicó en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, incluso habían dejado de sentirse propias. El proceso le permitió revisar su trayectoria y reconocer los diferentes momentos que han marcado su desarrollo como cantautor.

El álbum también reúne a algunos de los artistas que han formado parte de ese recorrido. Entre las colaboraciones se encuentran El Kanka, Rozalén, Mr. Kilombo y el proyecto argentino El Plan de la Mariposa, con quienes comparte canciones y experiencias acumuladas a lo largo de los años, manteniendo la relación entre la canción de autor y las distintas expresiones de la música latinoamericana que ha caracterizado el trabajo de Pastor.

Su trayectoria ha estado vinculada con territorios de ambos lados del Atlántico y con una búsqueda sonora que incorpora elementos del folclore latinoamericano, la cumbia, el funk y otras influencias dentro de una propuesta centrada en la escritura de sus letras.

Uno de los recorridos sonoros del álbum se acerca a la salsa y al mambo. Pastor explicó: “Hay una canción que cuenta con una parte de este género, que tiene un diálogo entre la salsa y la timba y acaba con una sección de vientos muy de mambo”. La pieza amplía la diversidad musical de ‘10 locos años descalzos’ y evidencia el cruce de referencias latinoamericanas que atraviesa el proyecto.

El álbum recupera un periodo de la trayectoria de Pedro Pastor, reúne a algunos de los músicos que han acompañado ese camino y plantea nuevas canciones como parte de una etapa que continúa desarrollándose de manera independiente.