‘Nadie’ es el sexto trabajo discográfico de Alfonso Espriella, músico y compositor bogotano que completa más de dos décadas de trayectoria como solista. En este lanzamiento, el artista propone un camino que conecta la exploración interior con una búsqueda sonora que amplía los límites de su propio lenguaje musical.

El álbum se construye a partir de influencias del post-rock, el rock stoner, el doom y el rock alternativo, integrando también elementos como el piano, los sintetizadores y secciones de cuerdas. A esto se suman tres piezas completamente instrumentales, que refuerzan la idea de un disco pensado como un recorrido más que como una suma de canciones aisladas.

Este viaje musical parte de una reflexión sobre la identidad. Inspirado en corrientes como el budismo y el Advaita Vedanta, que plantea la no dualidad y la idea de que todo forma parte de una misma conciencia, a lo que cuestiona la necesidad de definirse constantemente como “alguien”. En contraste, el título ofrece una mirada hacia una identidad menos fija, más abierta y en relación con lo que la rodea.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Espriella explicó que este enfoque surge de un recorrido personal que ha ido tomando forma a lo largo del tiempo. En esa línea, el disco aborda el ego no como algo que deba eliminarse, sino como una construcción que puede observarse y flexibilizarse.

Otro de los puntos que atraviesa el álbum es el lugar del sufrimiento. Lejos de plantearlo desde una lógica de victimización, el artista lo entiende como una experiencia común que también puede convertirse en motor de transformación. “Se trata de un proceso de reconocerlo, habitarlo y, eventualmente, transformarlo dentro de la creación musical”, contó Espriella.

Con un camino que inició en San Diego y que se ha desarrollado en Colombia desde 2008, Espriella ha mantenido una presencia constante dentro de la escena independiente, moviéndose entre distintos formatos y escenarios. En esta etapa, su propuesta se consolida como una mezcla entre la narrativa sonora y la reflexión personal.

‘Nadie’ está disponible en plataformas digitales, una decisión que responde tanto a los cambios en los hábitos de escucha como a las dinámicas actuales de circulación musical. Bajo esa mirada, el disco se presenta como una invitación a detenerse y escuchar con atención, en medio de un entorno marcado por la sobreoferta de contenidos.

El resultado es un trabajo que no solo expande su universo sonoro, sino que también abre un espacio para pensar la relación entre identidad, conciencia y experiencia cotidiana a través de la música.

Zecko 574 es un proyecto de hip-hop colombiano liderado por Sebastián Gutiérrez, que inició como un ejercicio personal y, con el tiempo, se convirtió en una apuesta sostenida dentro de la música. Sus primeras aproximaciones al rap estuvieron ligadas al gusto y a la experimentación, antes de consolidarse como una alternativa de vida.

La construcción de su identidad ha estado atravesada por influencias del freestyle y del rap más lírico, con referentes como Nash y Kase.O. Sin embargo, el proyecto no se inscribe en una sola línea estética. Por el contrario, ha buscado moverse entre distintas formas del género, evitando encasillamientos y priorizando una voz propia. “Todos los elementos me han brindado herramientas, pero ninguno me ha definido”, señaló el artista durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En esa búsqueda, su propuesta se sostiene en una idea clara: Decir desde lo personal. Sus letras parten de experiencias directas y de una exposición emocional que no intenta suavizar el discurso. Sobre esto, el artista explicó que el proceso implica atravesar ciertos límites: “Siempre está el qué dirán, pero cuando uno se enfoca en expresarse, esa barrera se rompe”.

En esa línea se presenta ‘Amor Difuso’, un sencillo que aborda el desamor desde un lugar menos evidente. La canción no sigue una narrativa convencional; se construye a partir de imágenes más abiertas, que se van revelando a medida que avanza. El videoclip, por su parte, lleva esa idea a lo visual, traduciendo el dolor emocional en una representación física.

El trabajo audiovisual fue desarrollado junto a Cuboto Films, equipo que planteó una estética cercana a lenguajes cinematográficos y una puesta en escena centrada en el conflicto interno. El resultado se articula como una extensión del discurso musical, más que como un complemento.

En lo sonoro, Zecko 574 ha incorporado elementos del trap y el drill, en un recorrido que responde tanto a influencias externas como a una necesidad de ampliar su propio registro. Esta exploración no rompe con el rap, pero sí lo desplaza hacia otros lugares.

Parte de ese proceso también se ha nutrido de su paso por ciudades como Bogotá, Medellín y Boston. En este último contexto, el contacto con escenas latinas evidenció diferencias en la forma en que se asumen los géneros urbanos, especialmente frente al desarrollo del trap, más presente en espacios internacionales que en el circuito colombiano.

Gutiérrez también se refirió al lugar del rap dentro de la música actual, destacando su capacidad para abordar distintas dimensiones de la experiencia. En ese tránsito, el género ha dejado de ser exclusivamente marginal para ocupar nuevos espacios y audiencias.

Actualmente, Zecko 574 continúa trabajando en la circulación de su música y en el desarrollo de nuevas piezas, manteniendo una línea que cruza exploración sonora y una narrativa centrada en lo emocional.

Desde Cali, Primal Sinner ha construido una propuesta que se articula en torno a lo que denomina “dramatic metal”: Una síntesis entre el metal moderno, el desarrollo motívico de tradición clásica y una intención narrativa orientada hacia lo dramático y lo cinematográfico. Esta categoría, definida por la propia banda, responde a la necesidad de nombrar una búsqueda estética que integra diversas influencias dentro de un mismo marco conceptual.

En los micrófonos de Amantes del Círculo Polar, Fabián Tejada, integrante de la agrupación, contó sobre los fundamentos de esta propuesta y su desarrollo sonoro.

El proyecto parte de una comprensión de la música como un espacio de exploración intelectual. La banda, con formación académica, plantea sus composiciones como plataformas para el desarrollo de ideas filosóficas y literarias, en las que el sonido funciona como punto de partida para la construcción de sentido.

El sencillo establece el eje narrativo de ‘Drâma’, estructurado sobre la tríada fuerza, de la belleza y la fuerza poética. La pieza retoma la tragedia de Sófocles desde una lectura contemporánea influenciada por el pensamiento de Jean-Paul Sartre.

En esta versión, Edipo es presentado como un sujeto atravesado por sus decisiones, creencias y el entorno que lo condiciona, más allá de la idea de un destino predeterminado. La narrativa enfatiza el sacrificio como resultado de un entramado de convicciones personales.

La metodología de la banda inicia en la composición instrumental. Posteriormente, las letras emergen a partir de un proceso de escucha e interpretación que traduce el lenguaje musical en una narrativa conceptual.

Este enfoque se refleja en una estructura que alterna momentos de alta intensidad con pasajes melódicos y atmosféricos, integrando guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores y un tratamiento vocal que oscila entre lo agresivo y lo lírico.

Este álbum fue mezclado por Jens Bogren y masterizado por Bob Katz, lo que sitúa el proyecto dentro de estándares técnicos asociados a circuitos internacionales del metal. Este componente técnico refuerza la proyección de la banda hacia escenarios especializados fuera del país.

El trabajo discográfico fue presentado en una experiencia de escucha inmersiva en el Planetario Yawa de Cali, donde se dio a conocer en formato físico antes de su despliegue digital.

El evento incluyó la reproducción íntegra de la obra, proyecciones visuales en domo y un espacio de conversación sobre sus fundamentos filosóficos y musicales, proponiendo una aproximación distinta a los esquemas tradicionales de circulación discográfica.

‘Drâma’ se plantea como una obra en desarrollo. Su publicación progresiva responde a una estructura narrativa que busca articular música, pensamiento y experiencia en un mismo proyecto.

Superlitio presenta ‘Días Perfectos’, un nuevo álbum de estudio que se articula como una propuesta conceptual en torno a la desconexión digital y la recuperación de la escucha como experiencia.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, estuvieron Pedro Rovetto y Pipe Bravo quienes señalaron que el proceso estuvo atravesado por una búsqueda orientada a recuperar la relación emocional con la música. En ese sentido, explicaron que el proyecto partió de reflexiones acerca de la hiperconexión y la necesidad de generar espacios de desconexión a través de la escucha, retomando dinámicas propias de los discos concebidos para ser escuchados de principio a fin.

El desarrollo del disco se extendió durante más de un año e incluyó un proceso centrado en la composición colectiva y el trabajo en salas de ensayo, priorizando la construcción de las canciones antes de su registro. Esta metodología derivó en un sonido orientado hacia lo orgánico, con presencia de guitarras, sintetizadores análogos y una producción que limita el uso de recursos digitales.

“Este disco busca recuperar esa conexión emocional que tenían los álbumes que escuchábamos antes, que dejaban una sensación y acompañaban momentos. La idea es que la gente pueda desconectarse un poco del ruido digital y volver a escuchar música de forma más consciente”, contó Rovetto.

El proyecto contó con la coproducción de Tweety González, figura vinculada al desarrollo del rock latinoamericano. 

En términos conceptuales, este álbum parte de una serie de reflexiones en torno al impacto de la hiperconexión en la vida cotidiana. La propuesta plantea la música como un espacio de pausa frente al flujo constante de información, recuperando prácticas asociadas a la escucha prolongada y a la relación emocional con los discos.

La construcción sonora mantiene la línea de fusión que ha caracterizado a la agrupación, integrando elementos del rock con influencias de la música latina. Este enfoque responde tanto a una decisión estética como al contexto de Cali, ciudad de origen del proyecto, donde convergen distintas tradiciones musicales.

Dentro del álbum, algunas composiciones abordan nociones ampliadas del amor, alejándose de una lectura exclusivamente romántica. En este caso, el concepto se vincula con la persistencia, la motivación y la relación con procesos personales y creativos.

“Hay una forma de entender el amor más allá de lo romántico. También tiene que ver con la persistencia y con seguir haciendo lo que a uno le apasiona, incluso en medio de las dificultades”, concluyó Bravo.

‘Días Perfectos’ también se muestra como una mirada crítica hacia la forma en que hoy se mide el éxito musical, muchas veces reducido a cifras, tendencias o reproducciones. Frente a eso, la banda propone otra lógica: La de la escucha sin prisa. El álbum ya está disponible en plataformas digitales y hace parte de una gira de presentaciones en Colombia.

Este trabajo discográfico estará en escena en Cajicá el 16 de mayo, Tunja el 21 de mayo y cerrará en la capital el 23 de mayo.

Los Falsos Dandys, proyecto conformado en 2023 entre Envigado y Medellín, presenta ‘Stupid Vision Pro’, un sencillo que parte de una experiencia cotidiana, el uso cada vez más cercano de dispositivos tecnológicos, para plantear una reflexión de la forma en que estos median la percepción de la realidad.

La canción, escrita por el baterista Mateo Cardona, surge a partir del impacto que generó la aparición de gafas inteligentes y la conversación que estas abrieron acerca del lugar de las pantallas en la vida diaria. Más allá del dispositivo, el tema se enfoca en lo que representa: Una relación directa entre tecnología y cuerpo. “Es una sátira a ese elemento que nos estaba generando pantallas cada vez más cerca de los ojos. Empezamos a reflexionar hacia dónde va esto”, señaló Cardona en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En ese punto, la canción amplía su mirada hacia el consumo de contenidos. La mención a narrativas repetitivas, como telenovelas que permanecen en circulación, introduce una comparación entre los temas que ocupan la discusión pública y aquello que concentra la atención de las audiencias.

Dentro de esa línea, la IA aparece como una herramienta útil, pero también como un mecanismo que plantea preguntas de su uso cotidiano. “Hay que tener cuidado con validar lo que pensamos únicamente a través de una Inteligencia Artificial. Eso puede quitar la capacidad de razonamiento y evitar el contacto con otras personas”, explicó Cardona.

En lo sonoro, ‘Stupid Vision Pro’ mantiene una base de punk rock con estructuras directas, sin alejarse de referencias a la cultura popular. Esa combinación acompaña el enfoque del sencillo, donde el tono satírico se sostiene tanto en la letra como en la ejecución musical.

Este proyecto hace parte de un proceso que comenzó con el EP ‘Aniquilación’ (2024) y continuó con sencillos como ‘Big Bang’ y ‘¿Para qué si tengo el punk?’. Con ocho canciones publicadas, la banda proyecta nuevos lanzamientos y el desarrollo de ‘Dandyficaciones’, una serie de reinterpretaciones desde su propuesta estética.

‘Stupid Vision Pro’ se inscribe así en una línea de trabajo que toma elementos del contexto digital para convertirlos en materia de observación. En un contexto marcado por la producción constante de contenido y nuevas formas de interacción, el sencillo pone sobre la mesa una pregunta concreta: ¿Cómo sostener la experiencia humana en medio de un entorno cada vez más mediado por pantallas?

‘Canto’ se presenta como la entrada a un universo conceptual en el que cada pieza se articula como una etapa dentro de un proceso de transformación personal. Con una sonoridad que cruza el jazz, el soul y el R&B, el sencillo retoma referentes de las décadas del 40 y 50 desde una sensibilidad contemporánea, construyendo una atmósfera íntima en la que la voz ocupa un lugar central.

El proyecto se organiza a partir de una lógica espacial. En ‘Hotel Amor’, cada tema corresponde a una habitación emocional, lo que permite recorrer distintos estados vinculados a la memoria, la identidad y la sanación. Lejos de una estructura lineal, el álbum se despliega como un tránsito fragmentado en el que cada lanzamiento abre una nueva puerta. 

Desde una dimensión introspectiva, ‘Canto’ introduce ese recorrido. La pieza aborda la vulnerabilidad, el cierre de ciclo y la posibilidad de reconstrucción, situando la voz como un punto de refugio. En ese sentido, la artista lo definió como “un grito de victoria personal”, en el que se despide de una versión pasada para entrar en un estado más consciente y en calma, durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, ‘Hotel Amor’ se construye a partir de influencias del jazz, el blues, el soul y el R&B, retomadas desde un lenguaje actual. Las composiciones, escritas por la artista, se caracterizan por interpretaciones vocales que priorizan la intensidad emocional y el vínculo directo con la experiencia personal.

El proyecto amplía su alcance más allá de la música. ‘Hotel Amor’ se desarrolla como un universo narrativo que integra elementos visuales, literarios y escénicos, incluyendo ilustraciones y relatos creados por la propia artista. Esta dimensión expandida articula una propuesta en la que las distintas disciplinas dialogan para construir una experiencia más amplia.

En su desarrollo temático, el proyecto recorre diferentes capas de la vivencias emocionales: Desde la confrontación con el pasado y el desapego, hasta la construcción de nuevas formas de relación y la búsqueda de equilibrio. Estas exploraciones se integran como parte de un proceso de transformación que atraviesa el conjunto del trabajo.

La producción está liderada por la artista junto a Mateo Camargo, quien también estuvo a cargo de la mezcla y el máster, consolidando una identidad musical que conecta sus raíces musicales con una exploración contemporánea.

Vagales esta integrada por Paul Becerra, Steven Sáenz, Christian Casallas y Walter Zúñiga. Su propuesta sonora combina guitarras melódicas con bases rítmicas contundentes, mientras sus letras abordan conflictos internos, tensiones sociales, desamor y aspectos de la vida cotidiana.

El desarrollo del proyecto ha estado marcado por su origen en una ciudad donde predominan otros géneros musicales, lo que ha implicado un proceso sostenido de gestión y circulación en la escena independiente. Bajo esa mirada, la banda ha construido una trayectoria que incluye presentaciones en distintos escenarios nacionales y participación en festivales, así como una proyección internacional en países como México y Ecuador.

A lo largo de su recorrido, la agrupación ha consolidado una discografía que inició en 2018, continuó con un segundo trabajo en 2022 y avanza hacia un tercer álbum, del cual se desprende el sencillo ‘Desmedido’, publicado en 2025. Este lanzamiento se inserta en una línea sonora que mantiene las bases del punk rock, incorporando elementos melódicos y una narrativa centrada en experiencias personales y colectivas.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, sus integrantes Paul Becerra y Steven Sáenz señalaron que el proceso de la banda ha estado atravesado por una evolución tanto musical como estructural, en la que han pasado de un proyecto inicial a una propuesta más consolidada en los circuitos independientes. En ese sentido, Becerra afirmó que el trabajo ha implicado “entender cómo moverse en la industria y sostener un plan alternativo en Colombia”.

El enfoque de Vagales se sitúa dentro de un género que, aunque mantiene un público específico, continúa desarrollándose en distintos contextos del país. Su propuesta recoge influencias del punk rock de finales de los noventa y principios de los dos mil, adaptándolas a una lectura contemporánea que dialoga con su entorno inmediato.

Con más de una década de actividad, la banda continúa ampliando su alcance, manteniendo una línea de trabajo independiente y una presencia constante en la escena alternativa nacional, al tiempo que proyecta su circulación hacia nuevos espacios internacionales.

El álbum se articula como una aproximación a distintas formas de violencia que atraviesan lo cotidiano. No solo desde lo físico, sino también desde lo emocional y lo estructural, las canciones se detienen en el desgaste, la ansiedad y las tensiones que configuran la experiencia contemporánea.

El trabajo se desarrolla sin seguir una línea narrativa definida. En lugar de eso, cada canción se aproxima desde un ángulo distinto a una misma tensión, cruzando experiencias individuales con lo colectivo y dejando ver una inestabilidad que atraviesa todo el recorrido.

‘PEPE+’ retoma la base del hardcore punk y la expande hacia otros lenguajes como el noise, el thrash metal y el grindcore. Esta combinación construye un espectro amplio que alterna entre momentos de mayor intensidad y otros más contenidos, sin desprenderse de una identidad marcada por la crudeza y la distorsión.

El proceso de creación estuvo atravesado por una lógica de autogestión. Grabado y producido por la banda en Bogotá, el proyecto se sostiene sobre una filosofía de “hazlo tú mismo”, que refuerza su carácter independiente. A esto se suma el trabajo de mezcla y máster, que aporta definición sin diluir la fuerza del conjunto.

La propuesta también se extiende hacia lo visual. A partir del contraste entre elementos opuestos, el álbum construye una estética que dialoga con referencias como el dadaísmo y la anarquía, entendidas como formas de ruptura y exploración dentro del lenguaje artístico.

Las canciones funcionan como distintos puntos de entrada a ese universo. Desde lo irónico hasta lo confrontativo, cada una desarrolla una perspectiva particular. En ese recorrido, en su tema ‘Tiempos violentos’ introduce una de las imágenes centrales del disco, trasladando su idea hacia una narrativa audiovisual que refuerza la sensación de un entorno hostil.

Durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Siachoque señaló que “el disco lleva más o menos unos tres o cuatro años gestándose, mientras la banda también se reconfiguraba internamente”, un proceso que terminó por consolidar una propuesta más amplia en lo sonoro y atravesada por las tensiones del contexto actual.

Con ‘PEPE+’, la banda retoma su recorrido desde un lugar que no busca repetirse, sino ampliar sus posibilidades. El resultado es un trabajo que articula música, contexto y experiencia en una misma dirección.

Más allá de una producción estrictamente musical, el álbum se plantea como un ejercicio que traslada a sus canciones escenas de la vida urbana atravesadas por lo fantástico. En ese universo, Bogotá aparece transformada: Hombres jaguar recorren la noche, moteros se convierten en murciélagos y los recicladores adquieren nuevas formas dentro de este viaje sonoro.

En ese contexto, el proyecto construye una mirada de la ciudad que parte de lo cotidiano, pero que se desplaza hacia lo imaginado. “Me gusta pensar que estoy contando historias de la ciudad y la cotidianidad bogotana desde algo surrealista”, señaló Juan Antonio Carulla, creador de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, el álbum retoma el mestizaje del rock latinoamericano de los años noventa y lo cruza con géneros como cumbia, reggae, merengue, ska, dub, bolero, vallenato y salsa. Una suma de influencias que se encuentran como una forma de situar la música dentro de la cotidianidad.

Bogotá es el eje transversal del disco. Sus ritmos, tensiones y contrastes aparecen en las canciones, que se mueven entre lo individual y lo colectivo. Temas como ‘Yo también vi los cerros quemarse’, abren una reflexión sobre la forma en que se asumen ciertas crisis, mientras que ‘Estás pintao’ introduce una mirada crítica acerca del entorno cultural.

Los personajes que habitan el álbum permiten recorrer distintos oficios y realidades de la ciudad. A través de ellos, el proyecto propone una lectura que pone en diálogo espacios y experiencias que suelen mantenerse distantes, sugiriendo otras formas de entender lo urbano.

El concepto que da nombre al disco parte de una imagen concreta. “Hay tiburones que mastican los cables que conectan el internet debajo del mar. Entonces ¿qué pasa si un día se comen todos los cables y nos desconectan a todos?, ¿cómo volveríamos a relacionarnos?”, contó Carulla. Desde ahí, el álbum plantea una pregunta sobre la desconexión y las formas de relación en un escenario sin red, donde lo social tendría que reconstruirse a partir de otros lugares.

La producción estuvo a cargo de Antonio Urdaneta, con mezcla y máster de Santiago Navas. Con este lanzamiento, Casi continúa una trayectoria iniciada en 2021, marcada por la exploración de distintos sonidos y formatos.

El disco reúne doce canciones construidas a partir de distintos momentos creativos. Parte del material proviene de composiciones desarrolladas años atrás, incluido un demo de 2003, que fueron retomadas y producidas en una nueva etapa del proyecto, junto a piezas más recientes. Esta convergencia da forma a un álbum que no responde a una sola línea temporal, sino a una acumulación de procesos que se integran en un mismo discurso.

Conceptualmente, ‘¡Qué dolor!’, aborda emociones como la frustración, la rabia, el desconsuelo y la nostalgia. Las canciones transitan entre relatos personales y aproximaciones a problemáticas colectivas, explorando tensiones relacionadas con el entorno social, político y cotidiano. 

En el plano sonoro, la propuesta se construye a partir de una base de punk y hardcore, incorporando elementos del ska-core a través de secciones de vientos y variaciones rítmicas. El resultado es un sonido directo y acelerado, con estructuras breves y repetitivas, que retoma rasgos característicos del género mientras dialoga con influencias tanto locales como internacionales.

‘¡Qué dolor!’ desarrolla un recorrido temático que se despliega en canciones como ‘Himnos y banderas’, inspirada en el estallido social de 2021 en Colombia, o ‘La cartera’, que introduce una lectura sobre relaciones atravesadas por lo material. Otras piezas amplían el espectro hacia relatos íntimos, conflictos sociales y reflexiones acerca de la experiencia cotidiana.

El proyecto se articula bajo el nombre ‘Antifaz’, una referencia a la dualidad entre lo visible y lo oculto en la identidad. Esta idea se traslada tanto al contenido lírico como a la propuesta estética, donde se plantea una tensión entre lo que se proyecta y aquello que permanece en segundo plano.

La construcción incluye la participación de músicos invitados provenientes de distintas bandas de la escena nacional, lo que amplía el espectro sonoro sin modificar el carácter directo de la propuesta. La formación integra batería, bajo, guitarra, voz y una sección de vientos que refuerza su identidad dentro del género.

En su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’, Guillermo García, “Guillo” señaló que el punk continúa funcionando como un canal de expresión donde es posible abordar temas que no suelen aparecer en otros lenguajes musicales, especialmente aquellos relacionados con la inconformidad social y las tensiones del entorno contemporáneo.

La propuesta se desarrolla además desde una lógica independiente, que incluye la producción de ediciones físicas y la proyección de presentaciones en distintos escenarios, consolidando una circulación que combina autogestión y presencia en circuitos alternativos.