La propuesta del cantautor caribeño se articula alrededor de las músicas de raíz afrocolombiana, la memoria del territorio y las experiencias vinculadas con la identidad del Caribe. Estos elementos atraviesan ‘Canto Cimarrón’, su tercer disco de estudio, compuesto por once canciones que recorren distintos paisajes y tradiciones de la región.

El álbum plantea un recorrido que parte de la Sierra Nevada de Santa Marta, sigue el curso del río Magdalena y llega hasta el mar Caribe, con una conexión particular con San Basilio de Palenque y la figura de Benkos Biohó. En este trayecto convergen referencias al son palenquero, la nueva trova cubana y la canción de autor latinoamericana, elementos que hacen parte de una propuesta que denomina “Afrotrova”.

El proyecto construye un territorio sonoro en el que la tradición y las experiencias contemporáneas se encuentran. Las composiciones abordan asuntos como la identidad afro, la libertad, la memoria, el territorio y la relación con la naturaleza.

El concepto de cimarronaje funciona como uno de los ejes del álbum. Históricamente asociado con las personas esclavizadas que escapaban de la esclavitud para buscar su libertad, el término es retomado por Bantú como una idea relacionada con la resistencia y la autonomía artística.

Desde esta perspectiva, la propuesta también cuestiona algunas dinámicas de la industria musical contemporánea, particularmente la presión por responder a los algoritmos, las plataformas de streaming y las estrategias de posicionamiento. El concepto de una música “cimarrona” se relaciona así con la intención de conservar una identidad propia frente a las exigencias comerciales.

La construcción partió de un proceso de composición desarrollado durante varios años. Cerca de treinta canciones fueron escritas entre 2017 y 2023, de las cuales once fueron seleccionadas para integrar el repertorio. La elección respondió a la necesidad de que las piezas compartieran una relación narrativa y contribuyeran al recorrido planteado por el disco.

La naturaleza también ocupa un lugar central en el proceso creativo. Su presencia atraviesa la obra de Mulato Bantú desde sus trabajos anteriores y aparece vinculada con la manera en que el compositor entiende su relación con el territorio y con las experiencias que alimentan sus canciones.

La producción estuvo a cargo Bantú y Nacho Nieto. El proceso se desarrolló desde una dinámica colaborativa que permitió incorporar diferentes perspectivas a los arreglos y a la construcción sonora del repertorio. La grabación y mezcla se realizaron en los estudios Jambo Récords, en Barranquilla, mientras que la masterización estuvo a cargo del ingeniero Camilo Silva, en Bogotá.

La propuesta también ha encontrado espacios de circulación fuera de Colombia. La canción ‘Benkos’, incluida en el repertorio fue seleccionada por Putumayo World Music, hecho que contribuyó a ampliar la presencia de la música del artista en circuitos internacionales. Su obra ha despertado interés en mercados y escenarios de países como Francia, Alemania, España, Australia, Argentina y Costa Rica.

Esta circulación internacional se relaciona además con uno de los objetivos de la propuesta: Establecer vínculos con África. Más allá de los principales circuitos musicales europeos o norteamericanos, contemplando la posibilidad de llevar su música a países como Camerún y Nigeria, en una búsqueda de conexión con los territorios vinculados históricamente con las raíces africanas de las músicas afrocolombianas.

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En el ámbito local, la relación con las comunidades también hace parte de la experiencia artística. Proyectos y encuentros desarrollados en barrios de Bogotá, como ‘Renacer de Techo’, en la localidad de Kennedy, han permitido vincular la música con procesos comunitarios y con experiencias compartidas junto a habitantes de distintos sectores de la ciudad.

presenta ‘Sol de Lluvia’, es un álbum de diez canciones que explora diferentes formas de relacionarse con las emociones. El proyecto reúne elementos de la canción de autor, el pop, el rock y otras sonoridades latinoamericanas, a través de una propuesta construida desde la experiencia personal y el trabajo colaborativo.

El disco continúa el recorrido iniciado con ‘Niebla’, producción en la que el artista había profundizado en experiencias relacionadas con el dolor y la pérdida. En ‘Sol de Lluvia’, esa mirada se transforma en una búsqueda de luz dentro de momentos difíciles, sin dejar de lado emociones como la tristeza, el deseo, el duelo y el enamoramiento.

Santiago Mejía estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de Humano en Tránsito y el proceso creativo detrás de su nueva producción, la cual El proyecto comenzó como un ejercicio personal de composición, a partir de canciones que el músico escribía desde su adolescencia como una forma de procesar aquello que estaba sintiendo. Con el tiempo, esas composiciones dejaron el ámbito privado y se convirtieron en una plataforma para desarrollar su faceta como cantautor.

El tránsito hacia ese papel también significó un cambio en su relación con la música. Después de iniciar su recorrido como baterista, Mejía pasó a ocupar el frente del escenario y a asumir directamente la voz de sus canciones. Este proceso representó una forma de exposición personal que el propio artista relaciona con la dec

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‘Sol de Lluvia’ toma su nombre de una imagen asociada con Bogotá y sus cambios de clima. La ciudad aparece como parte del contexto emocional del álbum, a través de una mirada sobre sus contrastes, su diversidad y las distintas experiencias que pueden convivir en ella. La propuesta busca que esa relación con el territorio también pueda reconocerse en los temas.

Entre las canciones se encuentra ‘Sin voz’, una composición que tiene una relación particular con la memoria de su abuela. El músico había registrado en su teléfono conversaciones en las que ella relataba episodios de su vida, pero el dispositivo fue robado y la grabación se perdió. La experiencia terminó vinculándose con una canción que aborda la ausencia y la dificultad de conservar aquello que forma parte de la memoria.

La dimensión colectiva también se extiende al componente audiovisual de Humano en Tránsito. El proyecto ha desarrollado piezas visuales y videoclips que amplían el universo de las canciones y complementan su propuesta musical, con trabajos realizados en diferentes espacios de Bogotá.

Santiago Mejía explicó que ‘Sol de Lluvia’ parte de una relación directa con las emociones y de la necesidad de no evadirlas. “Si la vida nunca te toca, nunca te rasguña, nunca te pone de rodillas, pues no estás viviendo”, señaló el músico, al referirse a la importancia de atravesar también los momentos difíciles como parte de la experiencia humana.

El tiempo puede cambiar la escena musical, transformar las formas de escuchar canciones y abrir espacio para nuevas generaciones. Sin embargo, hay bandas cuyos temas permanecen vinculadas a una época y terminan convirtiéndose en parte de la memoria.

Ese vínculo explica, en buena medida, el regreso de Rey Gordiflón a los escenarios y el encuentro de la agrupación colombiana con Todos Tus Muertos, una de las bandas argentinas que marcó la escena latinoamericana de rock, punk y reggae.

La historia de Rey Gordiflón está ligada a la escena alternativa colombiana de finales de los años noventa y comienzos de los 2000. Desde Medellín, la banda construyó una identidad alrededor del ska punk, el rock y el reggae, con canciones que encontraron eco entre una generación que buscaba nuevas formas de expresión y pertenencia.

Juan Antonio Murillo, conocido como Juan Astronauta, integrante de Rey Gordiflón, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando sobre lo que representa esta nueva etapa.

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Para el músico, la experiencia vivida en los inicios del grupo fue la escuela donde aprendió buena parte de lo que posteriormente llevaría a otros proyectos. Por eso, el regreso no representa únicamente la recuperación de un repertorio, sino también el reencuentro con una parte esencial de su historia.

“El primer amor nunca se olvida y el cariño de las personas con Rey es increíble”, señaló Murillo al describir la emoción de retomar el proyecto. “Volver a la tarima con la banda y sentir que la gente todavía está conectada con esas canciones, con esa época que nos marcó tanto, es como una alegría infinita”.

La decisión de volver a tocar juntos estuvo relacionada, además, con una demanda que permaneció por varios años entre quienes habían acompañado a la agrupación. Uno de los momentos que terminó impulsando el reencuentro fue cuando una canción de Rey Gordiflón comenzó a sonar durante un festival en la playa. Al reconocer a Juan entre el público, varias personas levantaron sus bebidas y cantaron el tema mientras lo miraban.

“Eso hizo algo impresionante dentro de mí”, recordó el artista sobre aquel episodio. “Fue muy fuerte”. La escena terminó convirtiéndose en la señal del vínculo que todavía existía entre la obra y sus oyentes.

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Aquel momento resume una de las características de las reuniones de agrupaciones que marcaron época: La música funciona como un mecanismo de memoria. A diferencia del consumo actual en plataformas digitales, marcado por una oferta masiva e inmediata, aquellas letras quedaron fijadas en momentos específicos de la vida diaria.

“En esa época éramos personas que no teníamos la sobresaturación de música que hay ahora (…) Entonces las canciones se quedaron ahí, marcaron una etapa. Volver a ellas significa recordar cuando salías del colegio, estabas en la universidad o te parabas con tus amigos a escuchar un cassette”, mencionó el artista.

Pero la permanencia de esas composiciones va más allá de quienes las escucharon originalmente. En sus recientes presentaciones, Murillo ha encontrado a jóvenes y adolescentes coreando las canciones de la banda, confirmando que el mensaje ha logrado traspasar las fronteras generacionales. “Ver niños de 12 o 15 años cantando a todo pulmón me parece muy hermoso. Ahí se demuestra cómo las canciones pueden llegar a ser infinitas, y ese es el legado más bonito de la música”.

En ese contexto aparece Todos Tus Muertos. La agrupación argentina, liderada por Fidel Nadal, desarrolló una propuesta que integró reggae, punk, ska y hip hop en español, convirtiéndose en una referencia de la música alternativa latinoamericana. Compartir con la banda bonaerense representa para el grupo colombiano un hito de gran responsabilidad.

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El encuentro entre ambas agrupaciones permite conectar dos momentos clave de la música independiente del continente: Por un lado, las cuatro décadas de recorrido de Todos Tus Muertos; por el otro, el regreso de Rey Gordiflón a Bogotá, una ciudad fundamental en la trayectoria de la banda y a la que no volvían desde hace varios años.

“Para nosotros es un gran honor volver a Bogotá. Como Rey Gordiflón no vamos hace muchos años, así que es una alegría infinita reencontrarnos con nuestro público en un escenario de este formato”, concluyó Murillo.

La cita está programada para el viernes 2 de octubre en Lourdes Music Hall, en Bogotá. Rey Gordiflón repasará junto a su público capitalino los clásicos que marcaron a una generación, en una noche que reunirá la trayectoria de dos agrupaciones fundamentales para entender el rock alternativo de la región.

Las agrupaciones Katamarán y Teniente desarrollan una propuesta que busca conectar las identidades sonoras de Colombia y Guatemala. La colaboración combina la estructura del pop y el vallenato con sintetizadores, guitarras eléctricas y ritmos caribeños, en un proceso que encuentra su punto de encuentro en 'Nada Perdido', un sencillo que marca el inicio de una etapa compartida entre ambos proyectos.

El tema se articula como la carta de presentación de ‘Teniente’, una agrupación guatemalteca integrada por Carlos Peña, Juan Fernando Herrera y Sami Suárez. La agrupación reúne la experiencia previa de sus miembros en la producción discográfica, el canto y el circuito latinoamericano, acumulando más de tres años y medio de trabajo compositivo antes de hacer su debut. Los integrantes de la banda estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre la creación del sencillo y su paso por Colombia.

La canción nació a partir de un motivo melódico que permaneció guardado durante dos años, construido desde la sonoridad del acordeón y los aires del tropipop. El punto de inflexión se dio tras un encuentro en los Premios Estela en Guatemala, donde la afinidad con Julián Rey, vocalista de ‘Katamarán’, motivó la construcción del tema. “Desde hace mucho tiempo, en mi caso, yo he tenido cerca la música colombiana siempre por mi madre y mis abuelos”, explicó Juanfer Herrera sobre la cercanía cultural con el país.

La grabación del sencillo se dividió entre ambos países: Las maquetas iniciales y la mezcla final se trabajaron en Guatemala, mientras que los arreglos de acordeón, caja vallenata y voces secundarias se capturaron en Colombia. La producción audiovisual se realizó de forma paralela en Bogotá, recopilando momentos de la gira de medios y el recorrido de los músicos por la ciudad.

La relación entre géneros parte de una idea de integración cultural sin barreras de estilo. “Siempre involucrar elementos, texturas de la música enriquece la obra que uno esté haciendo... En la música ya no hay reglas”, señaló Sami Suárez acerca de la decisión de incorporar instrumentos tradicionales del Caribe dentro de una estructura pop.

El lanzamiento llega acompañado de una agenda de presentaciones en vivo en escenarios de Bogotá. Este sencillo abre una ruta de trabajo para la agrupación guatemalteca que contempla la publicación proyectada de ocho temas promocionales, un EP y un catálogo adicional de más de 15 canciones.

Vale Sua explora en este sencillo la tensión entre querer acercarse a una persona y el temor de repetir experiencias que no salieron bien. Una contradicción que también puede aparecer al tomar decisiones, comenzar un proyecto o perseguir un sueño sin saber qué va a pasar. 

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de la canción y la evolución que ha tenido su sonido. Después de transitar por una propuesta más cercana al pop y las baladas, Vale Sua encuentra ahora en las guitarras y las baterías una nueva manera de llevar sus temas al escenario.

La vulnerabilidad continúa siendo uno de los puntos de partida de su proceso creativo. Sus experiencias personales se convierten en canciones que buscan conectar con emociones compartidas, desde el enamoramiento hasta la tristeza, la rabia o la sensación de estar perdido.

Ese cambio también está relacionado con la experiencia en vivo. La respuesta del público durante su recorrido por diferentes ciudades del país le ha permitido encontrar nuevas formas de interpretar y construir sus composiciones, especialmente aquellas que buscan una conexión más directa entre quienes están en el escenario y quienes escuchan.

En esta búsqueda aparece Daniel Moreno, integrante de Piel Camaleón, como parte del proceso de construcción del nuevo sonido. La colaboración permitió incorporar una mayor presencia de guitarras y una energía cercana al rock, sin dejar de lado el carácter íntimo de las letras.

La canción termina convirtiendo una duda cotidiana en el punto de partida para hablar de los riesgos que acompañan cualquier decisión. Entre el miedo a equivocarse y las ganas de intentarlo, Vale Sua encuentra en esa contradicción una nueva manera de contar sus historias.

​ La nueva edición reunirá a más de 60 agrupaciones nacionales e internacionales en el Parque Metropolitano Simón Bolívar, con una programación que transita por diferentes vertientes del rock y sus sonidos cercanos. Mon Laferte, Serú Girán, Apocalyptica, Rata Blanca, Editors, Ministry, Los Bunkers, Stratovarius, Algiers y Tokio Ska Paradise Orchestra hacen parte de los nombres anunciados, junto a una amplia representación de artistas distritales.

La programación también propone mirar hacia atrás sin quedarse únicamente en la nostalgia. La celebración de los 30 años incorpora artistas que han acompañado distintas etapas del evento y proyectos que representan las transformaciones que ha vivido la escena musical.

Para María Claudia Parias, directora del Instituto Distrital de las Artes, esta conmemoración permite reconocer una historia que supera los escenarios y las presentaciones musicales. Rock al Parque, explicó, también representa una construcción cultural de la ciudad y un espacio en el que diferentes generaciones han encontrado una forma de relacionarse con la música.

“Celebrar los 30 años es celebrar la memoria, la historia y la riqueza cultural de un festival”, señaló Parias al referirse a una trayectoria que ha convertido a Rock al Parque en uno de los encuentros musicales más representativos de Bogotá.

Esa memoria convive con una escena que continúa cambiando. El cartel reúne propuestas de distintas generaciones, procedencias y géneros, en una curaduría que busca mostrar que el rock no permanece estático y que sus fronteras también se han transformado con el tiempo.

Asimismo, el curador Héctor Mora ha explicado que la selección nace precisamente de ese diálogo entre pasado, presente y futuro. La agenda busca reunir artistas con diferentes trayectorias y sonidos, combinando nombres que hacen parte de la historia del festival con proyectos que representan nuevas búsquedas dentro de la música.

La apuesta curatorial también permite recorrer distintas formas de entender el rock. Metal, punk, ska, reggae, hardcore, indie y otras vertientes aparecen dentro de una programación que amplía el espectro sonoro de esta versión conmemorativa.

Además de la propuesta sonora, esta nueva edición introduce apuestas clave para expandir la experiencia del festival. Por primera vez, el Simón Bolívar albergará un cuarto escenario diseñado para dar mayor visibilidad y flujo a los diferentes proyectos alternativos y emergentes del cartel. Como complemento central de esta conmemoración, se presentará el libro oficial de los 30 años de Rock al Parque, una publicación editorial que compila fotografías inéditas, testimonios y memorias de tres décadas que han transformado la cultura musical de Bogotá.

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Desde 1995, Rock al Parque ha acompañado las transformaciones musicales y culturales de Bogotá. Sus escenarios han recibido artistas nacionales e internacionales y se han convertido en un punto de encuentro para públicos que, generación tras generación, han encontrado allí una forma de vivir la música.

En LAUD 90.4 FM ESTÉREO nos sumamos como medio aliado para llevar cada detalle de esta gran celebración. Acompañe nuestro cubrimiento especial sobre los artistas, las cuatro tarimas y las experiencias de este aniversario. La cita es este 10, 11 y 12 de octubre: Conéctese con nosotros a través de nuestro dial y en nuestras plataformas digitales.

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Hay encuentros que comienzan como una pequeña muestra y terminan convirtiéndose en una tradición. ‘Fortaleza Rock’ nació hace 15 años a partir de los procesos de formación musical del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá y, desde entonces, ha crecido hasta convertirse en una de las citas para la escena rock de la región.

En 'Amantes del Círculo Polar' nos acompañó Darwin Arturo Trujillo Director general y cultural del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá, para hablar  sobre este evento. 

La celebración será este 15 y 16 de agosto, desde las 2:00 p. m., en el campo alterno del Estadio Tigre Moyano. La primera fecha cerrará con La Mosca, mientras que el domingo 16 tendrá como protagonista a 1280 Almas. La programación incluirá además agrupaciones provenientes de Cajicá y otros municipios de Cundinamarca.

El talento emergente tendrá un lugar central en esta versión. Los proyectos participantes fueron escogidos mediante una convocatoria que contempló una primera audición en video y una segunda presentación ante un jurado especializado.

Entre las agrupaciones anunciadas están Syracusae y Kull Trigger, junto a las demás agrupaciones seleccionadas que harán parte de un cartel pensado para conectar las nuevas propuestas con artistas de mayor trayectoria.

La historia del encuentro comenzó lejos de los grandes escenarios. En sus primeras versiones, las presentaciones se realizaron en el parque principal y posteriormente en la plazoleta del Centro Cultural. El crecimiento de la iniciativa llevó sus conciertos hasta el campo alterno del estadio, donde ahora se prepara una asistencia estimada de 20.000 personas por día.

La celebración también propone una relación distinta con el territorio. Para ingresar, el público podrá entregar materiales aprovechables como cartón, tetrapak, latas, libros y cuadernos usados. La estrategia busca promover el aprovechamiento de residuos y vincular a los asistentes con acciones de cuidado ambiental.

La solidaridad será otro de los componentes de esta versión. Ante la situación de las comunidades afectadas por el terremoto en el occidente del país, se recibirán alimentos no perecederos y otros elementos definidos por la organización. De esta manera, la asistencia podrá convertirse también en una contribución para quienes requieren apoyo.

La propuesta está dirigida a públicos de diferentes edades. Habrá oferta gastronómica con comidas rápidas, postres y preparaciones tradicionales, además de espacios para compartir con familiares y amigos. Podrán ingresar menores desde los 7 años, acompañados por sus padres o acudientes.

Por razones relacionadas con el volumen de los conciertos, este año no estará permitido el ingreso de mascotas. La organización tampoco promueve el consumo de bebidas alcohólicas y plantea el encuentro como una celebración basada en la convivencia y el disfrute de las agrupaciones.

‘Fortaleza Rock’ hace parte de una programación cultural más amplia desarrollada en Cajicá, que durante el año incluye propuestas de música sinfónica, expresiones tradicionales, teatro y otras actividades artísticas.

Después de 15 años, aquella iniciativa vinculada a las escuelas de formación mantiene su apuesta por quienes comienzan a construir una trayectoria musical, mientras suma nuevas formas de participación para el público.

La cita será este 15 y 16 de agosto, desde las 2:00 p. m., en el campo alterno del Estadio Tigre Moyano de Cajicá. Para mayor información puede visitar la página oficial del evento.

Hay historias que no necesitan contarse de manera literal para encontrar un camino. En Dark Shadow, las composiciones funcionan como escenas de un relato que reúne referencias mitológicas, experiencias humanas y una marcada influencia cinematográfica. D, guitarrista y cofundador, y Amelec, guitarrista de la agrupación, estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta propuesta.

Dark Shadow comenzó como una iniciativa personal que fue incorporando nuevos integrantes hasta consolidar ‘Chapter One’, material que inicialmente había sido concebido como EP. La extensión de las composiciones terminó convirtiéndolo en un álbum y estableció la base de un relato que ahora continúa con ‘Chapter Two: Celestial Bodies’.

Las canciones no cuentan los acontecimientos de manera directa. Funcionan como escenas de una narración más amplia, una concepción relacionada con el interés de D por las bandas sonoras. “Me gusta mucho la música de cine”, explicó durante la conversación. Esa influencia recorre una propuesta marcada por el power metal sinfónico, las atmósferas épicas y una dimensión teatral.

En ese universo aparece ‘Through Blood or Glory’, una canción que pone la libertad en el centro. Su significado puede trasladarse de una revolución colectiva a las batallas personales que surgen cuando alguien intenta alcanzar aquello que considera importante.

“Tenemos una historia central, pero hay muchas cosas con las que mucha gente se puede identificar”, señaló D. La resistencia, entonces, no permanece únicamente en el terreno de los grandes conflictos: También puede representar las decisiones y obstáculos que hacen parte de la vida cotidiana.

La mitología nórdica amplía esa lectura a través de la referencia al Valhalla y su relación con el combate y el propósito. Para D, estas influencias llegan a la música por medio de otras expresiones artísticas. “Uno toma influencias de cosas que ya existen para crear algo nuevo de eso”, explicó.

Esa transformación a su vez está presente en ‘Chapter Two: Celestial Bodies’, donde el cuerpo, la materia y la espiritualidad ocupan un lugar dentro del concepto. D lo entiende desde una mirada materialista: “Para mí, yo soy mi cuerpo”. Amelec, en cambio, distingue entre cuerpo, alma y espíritu y encuentra en la música extrema una forma de liberación.

“Yo siempre busqué como esa música extrema, esa música oscura, justamente de alguna manera como para liberar esa esencia negativa que tengo dentro de mí”, explicó. El sonido adquiere así una función catártica, capaz de convertir aquello que permanece contenido en una experiencia musical.

‘Chapter Two: Celestial Bodies’ reúne nueve canciones y contempla cuatro sencillos: ‘Black or White’, ‘Through Blood or Glory’, ‘Solitude’ y ‘Brave the Storm’. El trabajo continúa con ‘Chapter One’ y amplía un lenguaje en el que el metal sirve para explorar la libertad, la materia y las experiencias que atraviesan al ser humano.

Asimismo, la agrupación mantiene su apuesta por el formato físico, además de la circulación digital. Para Dark Shadow, adquirir un disco representa una manera de respaldar el trabajo artístico y conservar una relación más directa con la música.

Así, entre cine, mitología y distintas formas de entender la existencia, Dark Shadow continúa escribiendo una historia que no busca entregar todas sus respuestas. ‘Chapter Two: Celestial Bodies’ deja que sean las canciones las que planteen nuevas preguntas.

Hay momentos en los que avanzar significa aceptar que no sabemos exactamente hacia dónde vamos. Cambiar de rumbo, dejar atrás una etapa o tomar una decisión importante puede abrir más preguntas que respuestas. En medio de esa indecisión aparece ‘Volaré’, el nuevo trabajo de la cantautora bogotana Karen Dayanna.

La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló del origen de este tema y sobre una decisión que también marcó un antes y un después en su vida: Dejar su carrera como administradora de empresas para dedicarse a la música.

Durante un tiempo, Karen encontró en la administración una profesión estable. La música, mientras tanto, permanecía en otro lugar: Como una forma de expresarse, tocar guitarra y componer de manera empírica. Hasta que la estabilidad dejó de ser suficiente.

“Llegó un momento donde eso me desgastó emocionalmente mucho y sabía que sí o sí necesitaba tomar una decisión y vi en la música ese escape”, contó durante la conversación.

Ese salto de fe es además el lugar desde el que puede entenderse ‘Volaré’. El segundo sencillo de Karen se mueve entre el indie folk, el rock alternativo y la canción de autor para hablar de los cambios personales, el paso del tiempo y esas batallas internas que aparecen cuando una etapa termina y todavía no se sabe qué viene después.

Para Karen, la incertidumbre está presente en prácticamente todos los ámbitos de la vida: Las relaciones, el trabajo, la familia, las amistades o las decisiones económicas. Por eso, más que intentar escapar de ella, propone aprender a convivir con aquello que no se puede controlar. “Siento que es un poquito amistarnos con la incertidumbre, hacer las paces con eso y entregarnos simplemente a la dinámica de ser y hacer lo que nos nace”, explicó.

La idea atraviesa la historia que existe detrás de la artista. Apostar por la música significó abandonar una seguridad que conocía para entrar en una industria que, como reconoce, puede resultar mucho menos predecible. Pero también encontró allí una comunidad de músicos, productores y creadores que le han permitido entender que perseguir una carrera artística no necesariamente significa hacerlo todo en solitario.

Ese acompañamiento se suma a una exploración musical que todavía está en construcción. Karen ha experimentado con diferentes sonidos, aunque reconoce un vínculo especial con el folklore latinoamericano y con la canción de autor. Su intención es conservar esa cercanía de una música que pueda sentirse íntima, casi como una conversación.

La composición ocupa otro lugar importante dentro de ese proceso. Karen cuenta que tiene una lista extensa de canciones y que cada una la lleva hacia emociones diferentes. Algunas nacen desde lugares felices y otras desde momentos más difíciles. Escribir se ha convertido así en una forma de mirarse y descubrir aspectos propios que no siempre aparecen a simple vista. “El arte siendo arte toca esas fibras como tan íntimas, tan adentro de nosotros”, señaló.

‘Volaré’ continúa además una historia que había comenzado con ‘Pa’ toda la vida’. Mientras aquel primer lanzamiento hablaba de reconocer una despedida y aceptar el final de una relación, esta nueva canción se sitúa después de ese momento: cuando aparecen las preguntas acerca de lo que sigue, sobre quiénes somos y hacia dónde las personas quieren llevar la vida. “Lo que lo va a llevar a uno lejos muchas veces va a ser el no traicionarse en el camino, en no traicionar lo que uno piensa, lo que uno siente, lo que uno es”, concluyó la cantante.

La música puede funcionar como un acto de fe: Una forma de detenerse, revisar las prioridades y reconocer el valor de aquello que suele pasar desapercibido. Desde esa perspectiva, presentan ‘Mi mejor Grammy’, una pieza musical que cuestiona las ideas convencionales sobre el éxito y propone una relación más consciente con el tiempo, las expectativas y los logros personales.

Las artistas estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron sobre el origen de este encuentro creativo, sus procesos de composición y las influencias culturales que confluyen en una producción desarrollada entre dos territorios latinoamericanos.

La historia comenzó en el entorno digital. Hills y Bernal se conocieron aproximadamente cuatro años atrás a través de una playlist de Spotify vinculada a ‘Ruidos Fest’, una plataforma chilena dedicada a mujeres artistas. Después de ese primer contacto comenzaron a compartir música y a mantener comunicación hasta encontrarse personalmente en Colombia durante un mercado musical.

A partir de ese vínculo surgió la posibilidad de poner en diálogo dos búsquedas sonoras. Hills desarrolla una línea de pop introspectivo, mientras Bernal ha construido el concepto de “nostalgia costeña”, un universo que parte de las tradiciones musicales del Caribe colombiano para relacionarlas con sonidos contemporáneos.

En el caso de Bernal, esta identidad nace también de una contradicción. La imagen de la costa suele asociarse con la alegría permanente, pero su música incorpora la melancolía, los duelos y otras emociones que hacen parte de la experiencia cotidiana. Su repertorio transita por elementos del bullerengue y el vallenato, además de sonidos como la salsa, el bolero, el flamenco, la chacarera y el pop.

Ese lenguaje encuentra un punto de conexión con la sensibilidad de Hills. ‘Mi mejor Grammy’ combina la raíz caribeña colombiana con el pop introspectivo salvadoreño a través de guitarras eléctricas, percusión y voces de carácter íntimo. La integración incluso se extiende al equipo de producción: El trabajo estuvo a cargo del salvadoreño Jorge Lara, mientras los arreglos realizados en Colombia contaron con la participación de la guitarrista, compositora y arreglista Daniela Cabrera.

Entre las referencias que acompañaron el proceso creativo aparecen el colombiano Camilo y la argentina Yami Safdie, especialmente su canción ‘Querida Yo’. Sin embargo, el eje de ‘Mi mejor Grammy’ se encuentra en una pregunta que atraviesa toda la composición: ¿qué significa realmente tener éxito? El título parte de esa reflexión, en lugar de entender un premio como la culminación de una carrera, Hills y Bernal trasladan la imagen del Grammy hacia experiencias que difícilmente pueden medirse en cifras o reconocimientos. La familia, los amigos, las mascotas, un paisaje, un amanecer o compartir un café adquieren valor como momentos que pueden quedar relegados mientras se persiguen metas externas.

La mirada también se dirige hacia las expectativas asociadas con la edad y las distintas etapas de la vida. La presión por tener una casa, formar una familia, viajar, obtener reconocimiento o acumular logros plantea una comparación constante con los procesos de otras personas. Frente a esa lógica, las cantautoras proponen reconocer que cada recorrido tiene su propio ritmo.

De ahí surge otra de las ideas centrales de la composición: Dejar de observar los “relojes ajenos” y comprender que no todos los procesos ocurren al mismo tiempo.

La letra plantea modificar el diálogo interno, reducir la prisa y mostrar que aquello que se busca puede encontrarse ya en el entorno inmediato.

La reflexión adquiere una dimensión particular en medio de la hiperconectividad. La presencia constante de pantallas, métricas y redes sociales puede desplazar formas de encuentro más sencillas. Frente a una cultura en la que los números, los reconocimientos y los ‘likes’ pueden convertirse en referentes de validación, la pieza propone recuperar la atención sobre el momento presente y los vínculos cercanos.

Para Carol Hills, este planteamiento también implica aprender a tener paciencia con los procesos personales y atravesar sus distintas etapas a partir del amor propio. El concepto coincide con el camino transitado por ambas artistas, quienes han desarrollado proyectos independientes desde sus respectivos contextos y encuentran en esta colaboración una forma de ampliar sus lenguajes.

Hills cuenta con más de una década de trayectoria y ha desarrollado su propuesta de pop introspectivo en escenarios de Centroamérica y Colombia. Su recorrido incluye presentaciones junto a artistas como Jorge Drexler y Jesse & Joy. Bernal, por su parte, ha consolidado la “nostalgia costeña” como eje de su identidad artística, combinando ritmos afrocaribeños y latinoamericanos con elementos de soul, pop y gypsy. Su trayecto incluye presentaciones en distintos países de Latinoamérica y el desarrollo de su primer álbum.

‘Mi mejor Grammy’ será estrenada el 3 de agosto de 2026, acompañada por un videoclip grabado en Bogotá. La producción contará con el trabajo de músicos y profesionales de Colombia y El Salvador, mientras el arte de portada estará a cargo de la artista y fotógrafa salvadoreña Camy.

La colaboración propone así una mirada sobre el éxito que se aleja de las cifras y los reconocimientos para volver a experiencias más sencillas: Compartir, detenerse, reconocer los procesos propios y prestar atención a aquello que ocurre mientras se intenta llegar a algún lugar.