Las pantallas permanecen encendidas, las noticias no dejan de llegar y las redes sociales convierten cada acontecimiento en un estímulo inmediato. En medio de ese flujo constante aparece ‘Hiperventilado’, el nuevo sencillo de Bobby Zaga, una pieza que transforma la saturación digital en una experiencia sonora y emocional.

El músico, compositor y productor mexicano estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de este lanzamiento y una sensación que, lejos de ser exclusivamente individual, parece instalarse en la vida contemporánea: La ansiedad provocada por recibir demasiados estímulos en muy poco tiempo.

‘Hiperventilado’ nace precisamente de ese contexto. Las noticias, los videos, las redes sociales y la necesidad de permanecer conectados construyen un entorno en el que los estímulos parecen no detenerse. Para el compositor, el problema no está necesariamente en la conectividad, sino en la dificultad para establecer límites frente a ella.

Es así que la propuesta tiene un punto de encuentro entre lo personal y lo colectivo. La exposición constante a contenidos puede generar agotamiento, incertidumbre y una sensación de pérdida de control, mientras la velocidad con la que circulan dificulta cada vez más detenerse para procesarlos.

Sin embargo Aun así, la reflexión no se limita al consumo digital. La transformación tecnológica también atraviesa los procesos de creación artística y modifica una industria que durante décadas años funcionó bajo otras dinámicas.

Con más de dos décadas de trayectoria en la escena musical mexicana, Zaga ha vivido el tránsito de los formatos físicos hacia las plataformas digitales y, más recientemente, la incorporación de la Inteligencia Artificial. Ante estos cambios, no plantea una oposición absoluta a las nuevas herramientas; por el contrario, reconoce las posibilidades que ofrecen para crear, producir y trabajar a distancia con otros artistas.

La diferencia, para el músico, está en la manera de utilizarlas. “Hay que adaptarse o nos morimos”, señaló al hablar de los cambios que atraviesan las industrias creativas.

Adaptarse, sin embargo, no significa abandonar la identidad artística. En un momento en el que la IA puede reproducir voces, generar música y producir imágenes cada vez más sofisticadas, Zaga reivindica aquello que permanece ligado a la experiencia humana: El error, la emoción y la imperfección.

Esa mirada está presente en la construcción audiovisual del sencillo. El videoclip fue filmado con una Handycam Hi8, una elección que se distancia de la obsesión contemporánea por la alta definición y recupera una estética marcada por el grano, el movimiento y las imperfecciones propias del formato.

El rodaje pasó por Ciudad de México, Austin, Barcelona, Florencia y Roma, bajo la dirección de Bobby Zaga, Manuel Castelltort y Fernando Wolffer.

La elección de una cámara Hi8 no funciona únicamente como un recurso visual. También dialoga con la postura del creador frente a una industria que persigue cada vez más precisión y perfección. Para Zaga, las pequeñas fallas pueden formar parte de aquello que hace reconocible, cercana y auténtica una obra.

Esa misma idea puede trasladarse a la música. El artista recuerda que algunas de las grabaciones que más lo han conectado con este arte están lejos de ser perfectas y encuentra precisamente allí parte de su valor: En la posibilidad de reconocer una interpretación humana detrás de la producción.

Una propuesta que mantiene sus raíces mientras explora nuevas formas de expresión y reivindica la identidad femenina.

María Alejandra Jiménez estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre esta nueva etapa de su proyecto musical y compartió parte de la historia personal que atraviesa el lanzamiento.

‘Animal Distinta’ nace como una celebración de los cambios y de la posibilidad de reconocerse en aquello que hace única a cada persona. El baile aparece como una de sus principales formas de expresión y como un punto de encuentro entre el cuerpo y la esencia individual.

Su sonido toma inspiración del ‘Amapiano’ y se construye sobre elementos de pop y soul. Una voz suave introduce el tema y avanza hacia un coro de mayor fuerza, acompañado por un piano synth, una línea de bajo y una percusión que conduce directamente a la pista de baile. “’Animal Distinta’ es conectar con tu poderosa magia interior”, afirmó Alea al definir el espíritu de la pieza.

La composición es coescrita por Alea y María Elisa Ayerbe, quien también participa en la producción junto al productor londinense The Baker, conocido como Ife Ladi y reconocido por su trabajo en el afrobeat.

El concepto de cambio adquiere una dimensión íntima en el videoclip, dirigido por Tobías Arboleda y rodado en ‘El Salón Prado’, una casa colonial ubicada en el centro histórico de Medellín, cuyo carácter arquitectónico permanece mientras atraviesa un proceso de remodelación.

En este escenario, el cabello se convierte en uno de los principales elementos narrativos. Alea aparece junto a su tía Jael Jiménez, quien a los 15 años le enseña a cortárselo y la acompaña en la decisión de llevarlo natural.

Durante su infancia, la artista enfrenta comentarios y burlas por su apariencia, en un entorno donde llevar el cabello liso o amarrado aparece como una expectativa. A esta experiencia se suma una problemática racial que reconoce en Colombia y la dificultad para encontrar espacios especializados en el cuidado y corte del cabello afro.

Aquel proceso llega posteriormente a lo audiovisual como una imagen de autonomía: El cabello deja de ser motivo de señalamiento y se convierte en una expresión de identidad. “Cuando yo quise volver a conectar conmigo misma, puse mi música favorita, empecé a improvisar, a bailar, a hacer lo que me nacía y lo que mi cuerpo me pedía”, explicó Alea. 

El videoclip lleva esta idea al cuerpo y al movimiento. La expresión corporal aparece como un espacio propio, alejado de las expectativas externas y vinculado con la necesidad de expresarse como mujer y como ser humano.

‘Animal Distinta’ también anticipa el próximo álbum de Alea y continúa el camino trazado por ‘Alborotá’, producción incluida entre los mejores trabajos del año en música latina por Rolling Stone y NPR.

La nueva etapa mantiene una búsqueda que cruza raíces latinoamericanas y sonidos contemporáneos, con letras relacionadas con el amor, el empoderamiento femenino y la conciencia social.

Luna Llena Salsa Band desarrolla una propuesta que busca renovar la salsa desde Bogotá. La agrupación combina la estructura tradicional del género con sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y elementos de la música urbana, en un proceso que encuentra en ‘Salséctrico’, un vinilo que reúne el trabajo desarrollado durante tres años.

El proyecto se articula con ‘Corazón Dispuesto’, una canción que plantea una mirada optimista sobre el amor, las oportunidades y la disposición para construir nuevas experiencias. La banda presenta el sencillo acompañado de un videoclip que utiliza la gastronomía como metáfora para hablar de la capacidad de transformar momentos difíciles a través del afecto. La agrupación estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de esta nueva etapa musical.

El tema fue escrito por Julio César Pacheco, quien encuentra en la composición una reflexión personal sobre la importancia de dar como una forma de recibir. “Desde hace mucho tiempo, desde muy niño, he sentido que la mejor manera de recibir es dar”, explicó el compositor. La idea se convierte en el centro de una pieza que propone abrirse al amor, pero también asumir una actitud activa frente a aquello que se desea construir.

El videoclip lleva esta premisa a la cocina. Los integrantes de Luna Llena interpretan a un grupo de chefs que prepara platos típicos colombianos para personas que atraviesan momentos de tristeza, vacío o dolor. La comida funciona como un vehículo de encuentro emocional y permite que los personajes reconecten con sentimientos de paz, gratitud y bienestar.

La relación entre gastronomía y música parte de una misma idea: La combinación de diferentes elementos puede transformar una experiencia. “Estamos poniendo distintos ingredientes, letras, ritmos, melodías, pues como para conectar con la gente”, dijo Cristian ‘Coco’ Cocomá, integrante de Luna Llena Salsa Band.

El vinilo ‘Salséctrico’ reúne una parte del proceso de experimentación que Luna Llena desarrolla durante tres años. El proyecto incorpora al sonido convencional de la salsa sintetizadores, guitarras eléctricas, sonidos electrónicos y baterías electrónicas, además de elementos provenientes de diferentes ritmos del Caribe.

La dirección musical de esta etapa está a cargo de Brian Bernal, quien amplía la exploración de la banda a sonidos urbanos. El rap, el chanteo y recursos cercanos al pop y la timba entran en diálogo con la estructura salsera, mientras la agrupación trabaja en llevar canciones de otros géneros hacía su propio lenguaje. “Al final la música es la música. Más allá de pensar como que en X o Y género, la música es un todo”, señaló.

La exploración no busca reemplazar la salsa, sino ampliar sus recursos. El resultado es una propuesta que conserva elementos reconocibles del género mientras incorpora herramientas de producción y lenguajes asociados con otras expresiones musicales contemporáneas.

José Mrochek presenta un álbum en vivo grabado en los legendarios ‘Criteria Studios’ de Miami que reúne 9 nuevas versiones de las canciones de ‘YOSSI’, presentado en el 2025. Más allá de registrar una sesión en directo, el trabajo representa un momento de reencuentro con la música, sus composiciones y el escenario.

El disco fue registrado junto a un ensamble conformado por músicos de la ‘Latin GRAMMY House Band’ y propone una experiencia mucho más cercana, donde las líricas toman el protagonismo y la interpretación se desarrolla desde la intimidad, dejando que cada arreglo y cada silencio hagan parte del relato.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen y el proceso personal que terminó convirtiéndose en el eje del álbum.

La idea de grabar ‘Una tarde en Miami’ surgió luego de varios años en los que se alejó de la composición. La pandemia llegó cuando Aviónica atravesaba uno de los mejores momentos de su carrera y, poco después, enfrentó la pérdida de sus padres, una experiencia que transformó por completo su relación con la música.

"Me tardó varios años volver a ser yo mismo, a sentir que puedo escribir canciones otra vez, que puedo grabarlas. Pero aquí estamos de vuelta reconectando con la gente y siento que es el mejor disco que hice hasta el momento", aseguró.

Ese concepto de reconexión atraviesa todo el álbum. Los temas, que originalmente fueron grabadas en Nashville junto a Aaron Sterling, Sean Hurley y Andrew Synowiec, encuentran ahora una nueva lectura en vivo, más espontánea y cercana, en la que la presencia pesa más que la producción y la emoción termina guiando cada interpretación.

Uno de los momentos más importantes del disco llega con ‘Niña de Tel Aviv’, elegida como focus track del lanzamiento. La pieza aborda la identidad, la pertenencia y la resistencia desde una mirada profundamente humana. "Es una canción más seria, quizá la más seria del disco. Es un tema del que a veces me duele hablar, pero musicalmente es una de las canciones que más quiero", afirmó.

Para Mrochek, aunque el género ya no ocupe el lugar dominante dentro de la industria musical, mantiene una relación muy especial con su audiencia. "Hoy el rock no es el género más popular, pero sí el más querido. Tiene los seguidores más fieles", señaló.

La artista colombiana Laura Lizcano estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde habló acerca del origen de ‘Amor Tranquilo’, una canción que nació durante la pandemia y que parte de una experiencia cotidiana para reflexionar respecto a la forma en que las personas aprenden a habitar su cuerpo y reconciliarse con sus transformaciones.

La composición surgió tras la aparición de una cana, un momento que llevó a la cantante a cuestionar la manera en que suele asumirse el envejecimiento. "No vamos a vivirlo como algo negativo, sino como algo bonito", explicó. A partir de esa idea comenzó a construir una obra en la que las canas, las estrías y el mar funcionan como metáforas de un cuerpo que cambia constantemente, pero que conserva su historia.

Asimismo, ese concepto marcó la construcción musical del sencillo. Aunque el tema fue escrito inicialmente en inglés, terminó encontrando en la chacarera, un ritmo y danza folclórica tradicional de Argentina, el lenguaje sonoro que mejor acompañaba su narrativa. El resultado es una pieza que dialoga con la tradición latinoamericana mientras desarrolla una visión contemporánea sobre el amor propio, la feminidad y la aceptación.

Su acercamiento a las músicas latinoamericanas ocurrió después de varios años de formación en jazz. Creció escuchando principalmente música en inglés, pero fue durante sus estudios universitarios cuando comenzó a explorar las tradiciones musicales de la región y a encontrar referentes como Natalia Lafourcade, Mon Laferte y Silvana Estrada. Ese proceso terminó definiendo una propuesta artística que hoy combina la libertad del jazz con las raíces del folclor latinoamericano.

La artista, radicada en Nueva York desde los diez años, señaló que vivir en una ciudad atravesada por la migración fortaleció esa búsqueda de identidad. "Cuando estás con muchas personas que hacen la misma música, lo mejor que puedes hacer es ser tú mismo", afirmó al referirse a una escena cultural donde conviven múltiples lenguajes, tradiciones y formas de entender la creación musical.

Más allá de hablar de las relaciones de pareja, esta canción plantea una reflexión sobre la relación que cada persona construye consigo misma. Para Lizcano, el amor propio no puede entenderse como una idea idealizada ni como una experiencia permanentemente armoniosa. "El amor propio no es algo que necesariamente siempre es bonito o fácil", afirmó, al señalar que aceptar las imperfecciones también hace parte del proceso de crecimiento personal.

Hay canciones que nacen para contar una historia y otras que terminan convirtiéndose en la única forma posible de expresar aquello que las palabras no alcanzan a decir. En ese lugar se encuentra ‘Clavel’, el más reciente lanzamiento de Noah Froid, un proyecto que ha construido su identidad alrededor de la introspección, la honestidad emocional y la exploración de los distintos matices del amor.

Detrás de Noah Froid está Samuel Gallego Mesa, cantante, guitarrista y tecladista colombiano que comenzó a desarrollar este universo creativo en Medellín durante 2023. El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de su trabajo musical y lo que representa esta canción para su nueva etapa discográfica.

Aunque el nombre podría sugerir la existencia de un alter ego, el cantante entiende ambas identidades como parte de una misma persona. ‘’Noah Froid no representa una ruptura con Samuel, sino una manera de proyectar sobre el escenario las emociones y reflexiones que nacen durante el proceso creativo, manteniendo un constante vínculo con quien las experimenta.

"Siempre he tenido muy presente que Samuel y Noah hagan parte del mismo mundo. No quiero desligar el personaje artístico de quien soy en el día a día, porque siento que ahí está la autenticidad del proyecto", explicó el cantautor. También aseguró que perderse completamente en el personaje puede resultar contraproducente y que su intención es que el público conecte con experiencias reales antes que con una figura fabricada. construida.

La propuesta busca abrir un espacio para que las personas conecten con sus emociones a través de canciones construidas desde experiencias personales. Sus composiciones abordan estados como la tristeza, la esperanza, la fuerza interior y los distintos matices del amor, apoyadas en influencias que van del rock, el blues y el jazz hasta la música clásica y el rock psicodélico.

En ese contexto aparece ‘Clavel’, una composición que aborda el deseo de acercarse a una persona, evocando recuerdos, anhelos y la necesidad de expresar aquello que resulta difícil comunicar en una conversación. La canción nació a partir de una experiencia personal que permaneció durante años antes de convertirse en música y cuyo proceso creativo se extendió por varios meses hasta encontrar su forma definitiva.

"La historia nace cuando conocí a una persona muy importante. El tema terminó siendo como una declaración y un desahogo de todo aquello que tenía que decir, pero que en palabras era casi imposible expresar", contó Froid.

El tema desarrolla ideas como la esperanza, el amor genuino y la intensidad emocional. Su recorrido musical acompaña esa evolución narrativa: Parte desde un ambiente íntimo y contenido para desembocar en un cierre de mayor fuerza, reflejando el crecimiento emocional que propone la obra.

La agrupación está integrada por Samuel Gallego Mesa (voz, guitarra y teclados), Juan Esteban López Arango (batería), Juan Pablo Restrepo Guzmán (bajo) y Juan Pablo Orozco Martínezaparicio (teclados y atmósferas), quienes acompañan una propuesta que busca construir experiencias donde la emoción ocupa un lugar central.

Aunque inicialmente ‘Clavel’ fue concebida como parte de un EP, finalmente se publicó como sencillo debido a la fuerza que adquirió como obra independiente. El lanzamiento abre una nueva etapa para Noah Froid, que continúa explorando una estética cálida e introspectiva centrada en las distintas formas del amor.

La agrupación bogotana No Futuro presentó ‘Punk de Terapia’, su primer álbum de estudio. El trabajo reúne aborda temas como la salud mental, la incapacidad de amar, el sentimiento de insuficiencia y las contradicciones emocionales que atraviesan la vida cotidiana, sin abandonar la fuerza y la crudeza propias del género.

A diferencia de la tradición del punk centrado en la crítica política y social, el disco dirige la mirada hacia el mundo interior. Canciones como ‘Pésimo Servicio’ retratan la frustración de no lograr conectar con los demás pese al esfuerzo, mientras que otras composiciones recorren procesos de ansiedad, vulnerabilidad y crecimiento personal. Además, incorpora momentos de experimentación sonora, entre ellos un bolero llevado al lenguaje del punk, ampliando los límites de la propuesta musical.

Milo Escorcia y Hesner Durán estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde explicaron que este álbum nació a partir de procesos personales y de la importancia que ambos le otorgan a la terapia psicológica. "Decidimos crear música en los sentimientos y en la terapia que hemos venido trabajando", dijo Escorcia al referirse al origen de esta puesta sonora.

Durán señaló que el propósito del proyecto no es presentar la música como sustituto de un proceso terapéutico, sino convertirla en un espacio de expresión. "Cuando tú lo puedes expresar lo empiezas a entender", afirmó, al explicar que el punk les permite exteriorizar de manera directa aquello que muchas veces permanece guardado.

Las canciones parten de experiencias personales de ambos integrantes, aunque sin convertirse en relatos autobiográficos. Según explicó la banda, cada composición transforma vivencias, conversaciones y emociones en historias abiertas a distintas interpretaciones. Entre ellas sobresale ‘Suficiente’, la pieza que cierra el álbum y que, de acuerdo con Durán, representa el momento en que una persona logra reconocerse como suficiente después de atravesar un proceso de crecimiento emocional.

El proyecto también refleja la filosofía ‘Do It Yourself’ que ha acompañado a la agrupación desde sus inicios. Las baterías fueron grabadas en Baltika Records entre 2023 y 2026, mientras que las voces, bajos, guitarras y demás arreglos se registraron en el estudio casero de Hesner Durán, quien además estuvo a cargo de la edición, mezcla y masterización del disco. La portada fue ilustrada por una artista anónima de 16 años y la banda desarrolló un ecosistema digital propio donde los oyentes pueden consultar las letras, los créditos, fotografías del proceso creativo y otros contenidos relacionados con la producción.

No Futuro presenta esta producción independiente que convierte el punk en un espacio para hablar de emociones, salud mental y procesos personales, manteniendo el espíritu de explorar nuevas formas de entender la catarsis y la vulnerabilidad humana.

El músico puertorriqueño continúa ampliando el universo de ‘Más Allá’, su primer álbum de proyección internacional, con el lanzamiento del videoclip de ‘Voy detrás de ti’, una de las canciones que abre el disco y que reúne el concepto que atraviesa toda la producción. La pieza audiovisual reconstruye el recorrido del artista a partir de imágenes de conciertos, giras y anteriores videoclips, para ofrecer una nueva lectura sobre la búsqueda y la identidad latinoamericana.

El video está construido con fragmentos de ‘La Fe’, ‘Desde el más allá’, ‘Continuar’, ‘Dime’, ‘Esfera’, ‘Hey tú’ y ‘Mía’, además de registros de presentaciones y recorridos promocionales realizados en Bogotá, Bolivia, México, Nueva York, Miami y Puerto Rico. En lugar de desarrollar una historia lineal, la producción reorganiza esos momentos para convertirlos en un retrato emocional del camino recorrido por el artista durante la internacionalización del trabajo.

Danny Fraticelli estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde contó cómo ha sido el proceso de creación de este nuevo trabajo discográfico y lo que significa este disco en su carrera musical.

"(Voy detrás de ti) Es cuando vas en pos de algo o de alguien. En este caso detrás de este amor, pero también puede ser motivador en la vida para lograr cosas", señaló Fretti. Según indicó, el tema fue elegido para abrir tanto el álbum como sus presentaciones en vivo por la energía que transmite.

El artista también contó que el videoclip reúne algunos de los momentos que marcaron la gira de promoción de ‘Más Allá’, proceso que considera fundamental para la expansión internacional del proyecto. "Ha sido la punta de lanza para internacionalizar el álbum. De verdad que lo atesoro mucho", afirmó.

Más allá del lanzamiento audiovisual, explicó que esta producción recoge una búsqueda personal relacionada con los lazos entre los países latinoamericanos. "Puerto Rico es parte de Latinoamérica y la unión de todos los que hablamos español. Este álbum lleva mucho de esa vulnerabilidad de nosotros los latinoamericanos, pero al mismo tiempo presenta ese tema de unión y conexión con la fuerza del rock", comentó.

Con más de 25 años de trayectoria, Fraticelli ha construido una propuesta del hard rock en español que inició en la agrupación ‘Materia Prima’ y consolidó posteriormente su carrera como solista. Un reto grande dentro del contexto en el que está la música en Puerto Rico debido al predominio de otros sonidos en la isla.

"Me he dado cuenta de que el momento histórico es perfecto. Hay personas esperando volver a escuchar rock latinoamericano, rock en su idioma. Pasa en Puerto Rico, pasa en Bogotá y pasa en los demás países que he visitado", concluyó el artista.

La banda colombiana Río Arriba presentó su primer álbum, que lleva el mismo nombre de la agrupación. Una producción que reúne ritmos tradicionales del Caribe colombiano con influencias del jazz, el pop y el rock para construir una propuesta donde la identidad del territorio y la conciencia ambiental ocupan un lugar central.

El trabajo discográfico fue producido en Groove Studios gracias a la Beca de Creación Artística del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y al proceso creativo que la agrupación desarrolló durante más de seis años. A través de canciones como ‘Ciudad de Fuego’, ‘Río Arriba’ y ‘Turpial’, el proyecto convierte la fauna, la flora y los paisajes del Caribe en el punto de partida de historias que dialogan con la memoria, la cotidianidad y la protección de los ecosistemas.

Mary Ángel y Jesús Vergara estuvieron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde hablaron acerca del proceso creativo del disco y explicaron que la propuesta nació de la necesidad de representar el Caribe colombiano desde una mirada contemporánea, sin perder los elementos que hacen parte de su tradición musical y cultural. 

La producción reúne instrumentos tradicionales como la tambora, el tambor alegre y la gaita con sintetizadores, guitarras y recursos propios del jazz y el pop. Esa búsqueda también se refleja en la experimentación sonora, que conserva detalles de la interpretación, como respiraciones y texturas de los instrumentos, para mantener el carácter humano de las grabaciones.

Las historias que atraviesan el trabajo, Mary Ángel explicó que varias de las composiciones parten de la fauna del Caribe colombiano para construir metáforas de la experiencia humana. “Turpial nació mientras atravesaba una situación muy fuerte de salud mental", periodo en el que observaba diariamente a estas aves desde la ventana de su casa y les pedía "ayúdame a entender qué es lo que tengo que hacer", una vivencia que terminó convirtiéndose en el punto de partida de la canción. Asimismo, dijo que ‘Río Arriba’ utiliza el recorrido del bocachico por el río Magdalena para reflexionar sobre los desafíos que enfrenta la especie y cómo esa travesía también representa las dificultades por las que pasan las personas.

El álbum contó con la participación de músicos invitados como Rodrigo Villalón, Mingo Sánchez, William Guzmán y Edward Rodríguez. La producción estuvo a cargo de Harbey Marín como coproductor, ingeniero de grabación, mezcla y master, acompañado por José Pupo, Daniel Ruíz y Daniel Silva en la ingeniería de grabación.

La historia de Río Arriba comenzó en la universidad, cuando sus integrantes se reunieron para participar en una presentación y, posteriormente, en la Serie Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Desde entonces, la agrupación ha consolidado una trayectoria que incluye presentaciones en escenarios como el Festival Ajazzgo, el Teatro Adolfo Mejía de Cartagena y el Festival Internacional de Jazz de Villa de Leyva, consolidando una propuesta que conecta la tradición musical del Caribe colombiano con nuevas formas de exploración sonora.

‘Q-Artango’ es la más reciente producción discográfica del bandoneonista y compositor colombiano Giovanni Parra junto al Cuarteto Q-Arte. El álbum presenta un diálogo entre el bandoneón y el cuarteto de cuerdas, incorporando elementos del tango, la música de cámara y sonoridades provenientes de la tradición andina colombiana.

Giovanni Parra habló sobre el proceso detrás de ‘Q-Artango’, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, asimismo recordó que buena parte de su formación artística estuvo marcada por los años que pasó en Buenos Aires, ciudad en la que profundizó en el estudio del bandoneón y el tango. 

Bajo la coproducción musical de Alejandro Sánchez-Samper, el trabajo discográfico presenta una sonoridad que transita entre la tradición y la exploración contemporánea. Aunque parte de elementos asociados al tango, también incorpora recursos propios de la música de cámara y referencias a géneros colombianos como el bambuco y el pasillo.

El repertorio está compuesto por diez obras, nueve de ellas escritas y arregladas por Parra. Entre las piezas se encuentran ‘Tangoni’, ‘Don Gordon’, ‘Astor’, ‘Bambuquilia’ e ‘Ivansillo’, además de adaptaciones de trabajos anteriores como ‘Milonguín’ y ‘Bogotá-Buenos Aires’. El recorrido concluye con ‘Q-Artango’, composición que da nombre al álbum y que fue creada especialmente para este formato instrumental.

En la construcción sonora del proyecto, el Cuarteto Q-Arte desempeña un papel fundamental. Integrado por Santiago Medina, Liz Ángela García, Sandra Arango y Diego García, el ensamble establece un intercambio constante con el bandoneón, distribuyendo las líneas melódicas entre todos los instrumentos y alejándose de las jerarquías habituales dentro del cuarteto de cuerdas.

La colaboración entre ambas partes surgió a partir de una invitación realizada por el Cuarteto Q-Arte para interpretar algunas composiciones de Parra. Lo que inicialmente contemplaba unas pocas obras terminó convirtiéndose en una producción completa centrada en su trabajo como compositor.

Tanto el cuarteto como el bandoneonista comparten una trayectoria vinculada a la exploración de nuevas posibilidades dentro de la música latinoamericana. Mientras Q-Arte ha desarrollado proyectos enfocados en la música contemporánea, la creación de repertorio y la formación de públicos, Parra ha consolidado una carrera dedicada al diálogo entre el tango, la música andina colombiana y los formatos de cámara.

‘Q-Artango’ se encuentra disponible en plataformas digitales y contará con edición física en formato CD.