La banda colombiana Últimos Nietos presenta ‘Otro Día Más’, un sencillo que aborda la experiencia de la vida cotidiana desde una mirada íntima y honesta, convirtiendo la repetición diaria y las tensiones emocionales de la adultez en el eje central de su narrativa musical.

Escrita por la vocalista Juliana López, la creación surge a partir de la observación de la rutina y de la sensación de desgaste asociada a las dinámicas contemporáneas. La agrupación propone así una lectura generacional en la que experiencias comunes, como las jornadas laborales, los cambios personales y los cuestionamientos emocionales, se transforman en materia creativa, una línea temática presente en la realidad contemporánea. Mariano Henao, bajista de la banda, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el significado y el proceso creativo detrás de la canción.

‘Otro día más’, nace de reconocer emociones cotidianas que suelen pasar desapercibidas, señalando que el interés del grupo ha sido hablar de situaciones reales que atraviesan sus integrantes y su entorno cercano. Según Henao, “el objetivo no fue construir un relato extraordinario, sino reflejar aquello que ocurre en cualquier día común”, una idea que terminó dando forma conceptual al sencillo.

En lo sonoro, el tema se mueve dentro del rock alternativo incorporando matices de punk suave y elementos pop que amplían el espectro musical del proyecto. El sencillo fue producido por la propia banda en Cali, con captura y mezcla de Xavier Martinex y masterización de Camilo Silva, consolidando un proceso creativo ligado al circuito independiente.

Henao también señaló que esta nueva etapa responde a una búsqueda por explorar atmósferas más contenidas, priorizando la construcción emocional de las canciones sobre la velocidad característica de trabajos anteriores. Esta transición anticipa el camino que desarrollará el próximo EP ‘De nuevo al final’, un proyecto que profundiza en un tono más introspectivo mediante la incorporación de sintetizadores y ritmos pausados.

Originaria de Cali, Últimos Nietos ha construido una propuesta dentro del indie rock colombiano caracterizada por contrastar letras melancólicas con arreglos enérgicos, explorando temas vinculados a la vida adulta, la amistad y los procesos personales.

La agrupación colombiana lanza un proyecto sonoro que convierte la tristeza en energía lírica. Una mezcla de rock clásico con AOR moderno, indagando contrastes como la luz y la oscuridad, el sueño y la realidad o la pérdida y la renovación, elementos que estarán presentes en escena el próximo 28 de febrero junto a una de las leyendas de la música: ‘FM’. Harold Waller y Fabio Barrera estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' hablando sobre los desafíos que conlleva mantener vigente este género en Latinoamérica.

Counterline nace del sueño de su vocalista y líder Harold Waller, quien aspira a revolucionar el rock melódico rompiendo el estereotipo de voces duras y carrasposas. Propone en cambio una voz potente y lírica que destila emoción cruda, fusionando melodic hard rock, power ballads y guitarras sinfónicasapara narrar pérdidas, rupturas y transformaciones personales.

La banda construye un espacio donde las emociones se transmutan en fuerza propulsora dando, así como resultado la conexión entre la crudeza de la realidad con la vulnerabilidad de la conciencia.

El álbum ‘II’, editado por Lions Pride Music, despliega temas de resiliencia donde la melancolía sirve de puente hacia la superación cotidiana. "Es el disco más personal que hemos hecho. Queríamos algo poderoso, pero profundamente humano, que hablara a la mente y al corazón", afirmó Waller.

‘FM’, referente del AOR con clásicos como ‘That Girl’ e ‘I Belong to the Night’, recorre Latinoamérica con un set nostálgico que mantiene vivo el rock melódico por cuatro décadas.

Counterline, por su parte, lanza el sencillo ‘Find Me’, antesala de su tercer álbum previsto para finales de 2026 con Lions Pride Music. "A través de nuestra música queremos llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar", concluyó Waller.

La banda prepara nuevos proyectos discográficos que profundizarán en emociones universales y vías de superación a través del melodic hard rock.

La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

La cantautora presentó su más reciente proyecto musical, un recorrido sonoro que transforma la vulnerabilidad en fuerza emocional. Fusiona el rock de los años 2000 con elementos contemporáneos como el bolero y el punk que le han permitido explorar el duelo, la identidad y el empoderamiento. Sophie Angel, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, contando sobre su nuevo lanzamiento y los retos en su carrera profesional.

Este proyecto surge del sueño de una adolescente de 14 años que aspiraba a triunfar en la música y revolucionar la industria del rock, rompiendo el estereotipo de que los vocalistas deben tener una voz dura y carrasposa. En su lugar, la artista propuso una voz fuerte y dulce que refleja crudeza emocional juntando el pop rock, el punk rock, la power ballad, el nü-metal y el bolero para analizar situaciones como pérdidas, rupturas y adversidades.

Como artista independiente, busca crear un espacio donde las personas se puedan expresar sin ningún tipo de juzgamiento o señalamiento, liberando cargas emocionales que se han estado normalizando por la rapidez de la sociedad en la que nos encontramos. Su música está diseñada para momentos de vulnerabilidad, cuando las emociones superan la razón, valorándose para avanzar con mayor determinación.

La cantante presenta una trilogía: ‘You Said Goodbye’, ‘Mi Refugio’ y ‘Nada es temporal’, tres canciones con un mensaje de fuerza donde las emociones actúan como puentes hacia el siguiente paso en la vida cotidiana. ‘You Said Goodbye’, es una canción que fusiona el bolero y el rock sinfónico para narrar el duelo de la muerte, evolucionando del vacío a la resiliencia con recuerdos positivos.

Por otro lado, ‘Mi Refugio’ es un tema que celebra el amor incondicional, una melodía que estuvo inspirada en sus mascotas Tokyo y Lancy. Un power ballad que contrasta dulzura y distorsión para evocar la cercanía de estos seres que pueden llegar a transformar.

Y por último está ‘Nada es temporal’, un track que contiene la rudeza del punk rock con violín como protagonista, promueve el empoderamiento al rechazar límites impuestos por críticas externas.

“A través de mis composiciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida”, contó la artista.

Sophie Angel presentará un álbum de nueve canciones en inglés para inicios de 2027 y un EP de cinco en español en el segundo trimestre de este año, ambos centrados en emociones compartidas y formas de superación.

Este lanzamiento de la agrupación paisa, explora la libertad mental y el criterio propio en un mundo de presiones, como adelanto de su EP homónimo. La banda formada en 2024 por Juan José Pacheco en la batería, Mauricio Gutiérrez en el bajo y Juan Pablo Palacio en la voz y la guitarra, transforma la catarsis post-pandemia en riffs con una carga de compromiso social. Palacio, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro.

Esta nueva canción se presenta como un cuestionamiento de las influencias que se han impuesto a lo largo de la historia, y asimismo, celebra el juicio personal. Es un tema que abre el camino a EP debut ‘TrasArder’, un proyecto discográfico que promete fusionar la nostalgia de los 2000 con sonidos actuales, un rock crudo que incomodará y activará, alejándose de fórmulas tradicionales del género y priorizará la autenticidad y potencia en vivo de la agrupación.

El trabajo viene acompañado de un videoclip dirigido por Johan Alsate, quien visualiza el mensaje de la banda mediante la figura de una bruja mística que seduce e hipnotiza a los integrantes, culminando en su transformación a figuras enmascaradas sin identidad. Esta alegoría teatral subraya la pérdida de criterio bajo manipulación de la seducción, reforzando el llamado a la resistencia personal.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. “Queríamos hablar de tener un criterio [...] no dejándose llevar por diferentes temas que pueden pasar; mira todo lo que puedes escoger, tenés una chispa interior que te hace original”, concluyó Juan Pablo Palacio.

La cantante bonaerense Blue, expande los límites del dark pop latino con el lanzamiento de su sencillo ‘Ven y dime’, un proyecto introspectivo que explora la dualidad emocional en las relaciones afectivas y anticipa los conceptos de su próximo álbum ‘Estoy Blue’. Este trabajo, surgido de un proceso creativo terapéutico donde transforma sus experiencias personales en letras cargadas de vulnerabilidad y fortaleza. La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro y lo que representa en su carrera musical.

Este primer adelanto nace como un acto combativo donde la dualidad emocional se manifiesta en la tensión de relaciones pasajeras, aquellas en las que los sentimientos permanecen atados y no se asumen con claridad. Fue compuesta inicialmente con guitarra en el estudio a partir de una experiencia personal, y brotó como un ejercicio introspectivo con un claro componente terapéutico, aunque generó dudas en la artista por su intensa carga emocional justo antes del lanzamiento.

Blue integra referentes latinoamericanos y anglosajones en un sonido ecléctico que abarca el dark pop, el pop alternativo, el synthwave, el R&B, el soul y trap, alejándose de estereotipos que se han radicado en el cono sur dando paso a una su autenticidad y profundidad emocional.

“Componer es mi terapia; en cada canción habita una dualidad constante: lo que siento, lo que escribo, lo que ya pasó y lo que está por venir, convirtiendo mi mundo interior en melodías que abrazan la vulnerabilidad, la fe y la fuerza, proyectando una autenticidad que conecta de forma real con mi audiencia”, concluyó la artista.

Cultura Profética llega con ‘Bendito Vicio’, una canción que explora la relación entre el deseo, el hábito y la contradicción. En esta nueva entrega, la banda puertorriqueña se acerca a la realidad humana desde un lugar menos declarativo y más contemplativo, invitando a observar los vínculos invisibles que se tejen entre placer y desgaste.

El sencillo fusiona el reggae característico de la banda con elementos poéticos y texturas introspectivas, donde la voz principal de Willy Rodríguez guía el sonido del grupo. El video oficial, dirigido con un enfoque en la memoria y el paso del tiempo, alterna escenas contemporáneas con tintes de los años 90, reforzando un tema de nostalgia y ciclos vitales.

En la letra, el vicio se plantea como metáfora del ciclo emocional que impulsa y, al mismo tiempo, limita. No se juzga ni se glorifica: Se trata de un retrato que se contiene, un ejercicio de observación sobre la fragilidad del deseo y su poder para conducir lo cotidiano.

Más que reafirmar su legado, ‘Bendito Vicio’ busca una pausa. Cultura Profética se ha mostrado en los últimos años como un grupo que entiende el paso del tiempo, no solo en su evolución sonora, sino que ve este tránsito una oportunidad para pensar desde la madurez los impulsos que alguna vez fueron rebeldía.

La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra

simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

Después de más de cinco décadas recorriendo lugares alrededor del mundo, el cantautor panameño Rubén Blades anunció que comenzará el cierre de su etapa en los escenarios. La decisión no surge como un retiro abrupto, sino como un proceso consciente que busca poner pausa al ritmo exigente de los conciertos sin alejarse completamente de la música.

El anuncio marca un antes y un después en la música latinoamericana. Durante años, sus presentaciones han sido espacios de encuentro entre generaciones que han encontrado en sus canciones relatos cercanos a la vida cotidiana, historias urbanas y reflexiones sociales que trascendieron el baile para convertirse en memoria colectiva.

El artista explicó que el desgaste físico que conlleva las giras influyó en la decisión de reducir gradualmente sus presentaciones en vivo. La intención, según ha señalado, es retirarse de los escenarios mientras aún conserva la energía y la calidad interpretativa que han caracterizado sus conciertos.

El proceso se extenderá hasta aproximadamente 2027, periodo en el que continuará realizando presentaciones junto a la ‘Roberto Delgado Big Band’, agrupación con la que ha desarrollado una de las etapas más sólidas de su trayectoria reciente. Más que una despedida, se trata de una serie de encuentros finales con el público que ha acompañado su carrera durante décadas.

Aunque dejará el ritmo constante de sus presentaciones, Blades ha dejado claro que no abandonará la creación musical. La composición, la grabación y los proyectos culturales seguirán formando parte de su vida artística, ahora desde un ritmo más pausado y cercano a su entorno personal en Panamá.

Desde finales del siglo pasado, su obra transformó la manera de entender la salsa. Canciones llenas de personajes comunes, barrios, conflictos sociales y dilemas humanos ampliaron el alcance del género y lo acercaron a la crónica latinoamericana. Sus letras acompañaron celebraciones, despedidas y momentos

de la vida real, convirtiéndose en parte de la experiencia emocional de varias generaciones.

El anuncio de su retiro de los escenarios no es un cierre definitivo, sino el paso natural de un artista que decide cambiar el ritmo sin abandonar el camino. Mientras las giras llegan lentamente a su final, su música continúa habitando la memoria colectiva.

Fausto Moreno es un artista que recorre el reggae, el afrobeat y los ritmos caribeños para hablar de la vida, los errores y las lecciones como un lenguaje universal. Criado entre boleros y guitarras, el músico estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ contando sobre la fusión de lo bohemio con beats urbanos en un sonido que une a ambos países.

Desde 2016 ha estado moviendo su música entre bares y festivales guiado por la guitarra y el sonido tradicional, aunque siempre con una mirada inquieta a la nueva onda. Para el 2019 nació el proyecto ‘Fausto Moreno’ con ‘Orgánico, La Tierra es Nuestra’, un álbum de 11 canciones que bailan entre el afrobeat, dancehall y reggae con colaboraciones importantes como Demphra de La Factoría. Ahí su esencia bohemia chocó con ritmos globales, marcando un antes y después en su música.

Panamá, puente cultural, absorbe vallenato colombiano, dancehall jamaiquino y comida venezolana, un mix que le ha servido en su proyecto para explorar la sensibilidad de lo latino e inyectarlo en cada melodía. “Me he empapado de su cultura. Encuentro ecos caribeños en el Pacífico colombiano y celebro la escena dancehall del sur”, contó Fausto.

El álbum ‘Mi Afroesencia’ es una oda a la voz de su madre. Habla de la resiliencia, de la conexión con lo divino, el progreso y las caídas. Es un viaje sonoro donde mezcla los sonidos del Caribe con cortes “picantes” que llevan al romance. “Más que baile, es un mensaje. Es un disco perfecto para reflexionar en la playa o mover el cuerpo”, concluyó el cantautor.