La cantautora y productora bogotana Mariana Martínez, conocida artísticamente como Una Espeletia, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre su trayectoria musical, las búsquedas que atraviesan su proyecto artístico y el lanzamiento de nueva música.

Su propuesta fusiona el rap y el hip hop con la canción de autora y la poesía urbana. A través de sus composiciones, aborda temáticas sociales desde una perspectiva feminista y crítica, entendiendo la música como un espacio de reflexión, identidad y transformación cultural.

El nombre del proyecto hace referencia al género científico del frailejón, planta emblemática de los páramos colombianos. “Los frailejones son plantas que crecen un centímetro por año y yo asocio mucho el quehacer del arte con esos pasitos lentos, pero muy seguros”, explicó Mariana durante la entrevista.

La propuesta nació en 2020 con el lanzamiento de ‘Plántate conmigo’, sencillo con el que presentó una obra atravesada por el amor, la diversidad y la búsqueda de nuevas formas de representación. Desde entonces, Una Espeletia ha fortalecido una identidad artística en la que convergen experiencias personales, activismo y sonoridades que combinan guitarras, bases electrónicas y recursos propios del rap.

En su trayectoria ha participado en escenarios como Hermoso Ruido, Re-Versar, Disidencias Frailejónicas, el Concierto por Palestina en Bogotá y el Festival Reexiste. También hizo parte del Festival Cantautoras por la Paz, circuito con el que llevó su música a ciudades como Pasto, Medellín y Manizales.

A lo largo de este recorrido ha compartido escenario con artistas como La Muchacha, La Farmakos, La Perla, Lilo Lara y Lucio Feuillet, figuras representativas de la escena independiente colombiana.

Su música también se nutre de influencias como Marta Gómez, la música popular brasileña y distintas voces femeninas latinoamericanas. Esa mezcla ha dado forma a un repertorio en el que conviven la intimidad de la canción acústica con la fuerza discursiva del hip hop.

Más allá de lo sonoro, Una Espeletia se proyecta como una plataforma para visibilizar causas sociales y promover espacios seguros e incluyentes. Su propuesta reivindica la diversidad y plantea el arte como una herramienta para el encuentro, la resistencia y la construcción de nuevas narrativas dentro de la música colombiana.

La colaboración reúne el rock mexicano y el metal ibérico en una reinterpretación con un sonido más pesado y contemporáneo. Las guitarras adquieren mayor fuerza, la base rítmica gana contundencia y la voz de José Andrëa aporta un matiz dramático que amplía el carácter de la canción sin perder la esencia que la convirtió en un clásico del rock en español.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Luis Álvarez contó que la colaboración con José Andrea nació de la amistad que han construido a lo largo de los años en festivales y conciertos. “Le invité, le mostré la canción y le gustó mucho. Participó de muy buena manera y le puso el sello de José Andrea”, recordó el músico mexicano.

Formada en 1989 en Ciudad de México, El Haragán y CIA se consolidó como una de las bandas más representativas del rock mexicano. Con más de 11 millones de discos vendidos, su catálogo incluye canciones como ‘Él No Lo Mató’, ‘Muñequita Sintética’, ‘A Esa Gran Velocidad’ y ‘Juan el Descuartizador’.

La agrupación ha mantenido una actividad constante en escenarios y estudios de grabación. “Un músico nunca debe retirarse. Hay que seguir tocando, haciendo canciones y lanzando música”, afirmó Luis Álvarez.

Con esta nueva versión, El Haragán y Cía reafirma la vigencia de un proyecto que, después de más de tres décadas de trayectoria, continúa explorando nuevas sonoridades y colaboraciones sin apartarse de la identidad que lo convirtió en referente del rock latinoamericano.

Nacida en Cuba y radicada en México, su recorrido personal y artístico ha estado marcado por el tránsito entre territorios y culturas. Esa experiencia se refleja en una obra que integra elementos de la trova, la música tradicional mexicana y otros sonidos de América Latina. así lo manifestó Leiden por su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar.

Además, la formación de Leiden en sociología atraviesa su manera de entender la música y la creación. Sus composiciones combinan lo emocional con reflexiones sobre el entorno social, en diálogo con una tradición latinoamericana que entiende el arte como una herramienta de pensamiento y memoria. “Creo en lo latinoamericano como una región que tiene una identidad… que tiene que ver también con lo social”, afirmó.

De manera paralela, la artista ha desarrollado procesos de creación colectiva junto a comunidades en situación de vulnerabilidad. Entre ellos, talleres de composición con mujeres privadas de la libertad y personas migrantes, espacios donde la canción testimonial funciona como una forma de narrar experiencias y construir relatos comunes. Estas iniciativas se integran a su proyecto artístico como una extensión de su trabajo creativo y social.

Su recorrido también incluye una participación activa dentro de la industria musical, tanto desde la composición como desde la gestión cultural. A lo largo de su carrera ha impulsado espacios orientados a la visibilización de las mujeres en la música y ha sido reconocida en distintos circuitos internacionales. En ese contexto, plantea una mirada crítica sobre el funcionamiento del sector: “El hecho de que haya personas más conocidas que otras no tiene que ver con el talento”, concluyó la artista.

La agrupación se abre paso en la escena con una mezcla de rock y sonoridades latinas, articulando un discurso ligado a la exploración personal y a la continuidad de los procesos creativos. Desde su formación en Bogotá, el dúo ha ido consolidando un enfoque que conecta experiencia, identidad y búsqueda artística. “Queríamos más, volver a tocar, volver a tener un público”, explicó Andreas en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nombre del grupo funciona también como una declaración de principios. Más que una idea asociada a lo material, se plantea como una búsqueda abierta; insistir, explorar y no conformarse. Esta premisa se traslada a su sencillo debut, ‘Quiero Más’, un tema que marca el punto de partida conceptual de su trabajo.

La construcción del proyecto responde a ese mismo impulso. Herrera convocó inicialmente a distintos músicos, pero el proceso fue decantándose hasta consolidarse como una dupla. “Nos dimos cuenta de que nosotros queríamos más (…) y quedamos solo los dos”, señaló el artista.

En lo sonoro, la propuesta se sostiene sobre una base de rock que incorpora elementos de la música latina, especialmente de la salsa. Más que una fusión deliberada, esta mezcla responde a las trayectorias de sus integrantes. Andreas, formado en Alemania y con experiencia en música latina en Europa, encontró en Latinoamérica un espacio para profundizar en estos lenguajes, mientras que Herrera ha desarrollado su camino entre el teatro musical y la escena rock.

El proceso creativo se construye desde esa dualidad. Por un lado, una exploración intuitiva que expande ideas; por otro, una estructura que permite organizarlas y llevarlas a una forma concreta. “Yo quiero, yo quiero, yo quiero”, describe Herrera sobre su manera de componer, mientras Andreas complementa ese impulso con una mirada más técnica. Esta dinámica se traduce en canciones que avanzan progresivamente tanto en lo rítmico como en lo instrumental.

Además del trabajo central de sus integrantes, el dúo suma colaboraciones con músicos invitados en distintas etapas de producción, integrando aportes que van desde la interpretación hasta la construcción de arreglos.

Más allá de lo musical, la iniciativa se articula alrededor de un mensaje que cuestiona las ideas tradicionales sobre el tiempo y el desarrollo personal. “Los sueños no tienen fecha de vencimiento” es uno de los ejes que atraviesa su discurso. Desde su experiencia, Herrera plantea la necesidad de insistir incluso en momentos en los que socialmente se asume un límite. “Me vi con 40 años y pensé ¿ya se acabó?, y decidí intentarlo igual”, señaló.

Esta línea se extiende a otras composiciones como ‘50 Millones’, una canción que parte de una premisa económica para desarrollar una reflexión sobre el deseo, la migración y las posibilidades de transformación. A través de la ironía, el tema plantea una mirada que va de lo individual a lo colectivo.

‘Nadie’ es el sexto trabajo discográfico de Alfonso Espriella, músico y compositor bogotano que completa más de dos décadas de trayectoria como solista. En este lanzamiento, el artista propone un camino que conecta la exploración interior con una búsqueda sonora que amplía los límites de su propio lenguaje musical.

El álbum se construye a partir de influencias del post-rock, el rock stoner, el doom y el rock alternativo, integrando también elementos como el piano, los sintetizadores y secciones de cuerdas. A esto se suman tres piezas completamente instrumentales, que refuerzan la idea de un disco pensado como un recorrido más que como una suma de canciones aisladas.

Este viaje musical parte de una reflexión sobre la identidad. Inspirado en corrientes como el budismo y el Advaita Vedanta, que plantea la no dualidad y la idea de que todo forma parte de una misma conciencia, a lo que cuestiona la necesidad de definirse constantemente como “alguien”. En contraste, el título ofrece una mirada hacia una identidad menos fija, más abierta y en relación con lo que la rodea.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Espriella explicó que este enfoque surge de un recorrido personal que ha ido tomando forma a lo largo del tiempo. En esa línea, el disco aborda el ego no como algo que deba eliminarse, sino como una construcción que puede observarse y flexibilizarse.

Otro de los puntos que atraviesa el álbum es el lugar del sufrimiento. Lejos de plantearlo desde una lógica de victimización, el artista lo entiende como una experiencia común que también puede convertirse en motor de transformación. “Se trata de un proceso de reconocerlo, habitarlo y, eventualmente, transformarlo dentro de la creación musical”, contó Espriella.

Con un camino que inició en San Diego y que se ha desarrollado en Colombia desde 2008, Espriella ha mantenido una presencia constante dentro de la escena independiente, moviéndose entre distintos formatos y escenarios. En esta etapa, su propuesta se consolida como una mezcla entre la narrativa sonora y la reflexión personal.

‘Nadie’ está disponible en plataformas digitales, una decisión que responde tanto a los cambios en los hábitos de escucha como a las dinámicas actuales de circulación musical. Bajo esa mirada, el disco se presenta como una invitación a detenerse y escuchar con atención, en medio de un entorno marcado por la sobreoferta de contenidos.

El resultado es un trabajo que no solo expande su universo sonoro, sino que también abre un espacio para pensar la relación entre identidad, conciencia y experiencia cotidiana a través de la música.

Zecko 574 es un proyecto de hip-hop colombiano liderado por Sebastián Gutiérrez, que inició como un ejercicio personal y, con el tiempo, se convirtió en una apuesta sostenida dentro de la música. Sus primeras aproximaciones al rap estuvieron ligadas al gusto y a la experimentación, antes de consolidarse como una alternativa de vida.

La construcción de su identidad ha estado atravesada por influencias del freestyle y del rap más lírico, con referentes como Nash y Kase.O. Sin embargo, el proyecto no se inscribe en una sola línea estética. Por el contrario, ha buscado moverse entre distintas formas del género, evitando encasillamientos y priorizando una voz propia. “Todos los elementos me han brindado herramientas, pero ninguno me ha definido”, señaló el artista durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En esa búsqueda, su propuesta se sostiene en una idea clara: Decir desde lo personal. Sus letras parten de experiencias directas y de una exposición emocional que no intenta suavizar el discurso. Sobre esto, el artista explicó que el proceso implica atravesar ciertos límites: “Siempre está el qué dirán, pero cuando uno se enfoca en expresarse, esa barrera se rompe”.

En esa línea se presenta ‘Amor Difuso’, un sencillo que aborda el desamor desde un lugar menos evidente. La canción no sigue una narrativa convencional; se construye a partir de imágenes más abiertas, que se van revelando a medida que avanza. El videoclip, por su parte, lleva esa idea a lo visual, traduciendo el dolor emocional en una representación física.

El trabajo audiovisual fue desarrollado junto a Cuboto Films, equipo que planteó una estética cercana a lenguajes cinematográficos y una puesta en escena centrada en el conflicto interno. El resultado se articula como una extensión del discurso musical, más que como un complemento.

En lo sonoro, Zecko 574 ha incorporado elementos del trap y el drill, en un recorrido que responde tanto a influencias externas como a una necesidad de ampliar su propio registro. Esta exploración no rompe con el rap, pero sí lo desplaza hacia otros lugares.

Parte de ese proceso también se ha nutrido de su paso por ciudades como Bogotá, Medellín y Boston. En este último contexto, el contacto con escenas latinas evidenció diferencias en la forma en que se asumen los géneros urbanos, especialmente frente al desarrollo del trap, más presente en espacios internacionales que en el circuito colombiano.

Gutiérrez también se refirió al lugar del rap dentro de la música actual, destacando su capacidad para abordar distintas dimensiones de la experiencia. En ese tránsito, el género ha dejado de ser exclusivamente marginal para ocupar nuevos espacios y audiencias.

Actualmente, Zecko 574 continúa trabajando en la circulación de su música y en el desarrollo de nuevas piezas, manteniendo una línea que cruza exploración sonora y una narrativa centrada en lo emocional.

Desde Cali, Primal Sinner ha construido una propuesta que se articula en torno a lo que denomina “dramatic metal”: Una síntesis entre el metal moderno, el desarrollo motívico de tradición clásica y una intención narrativa orientada hacia lo dramático y lo cinematográfico. Esta categoría, definida por la propia banda, responde a la necesidad de nombrar una búsqueda estética que integra diversas influencias dentro de un mismo marco conceptual.

En los micrófonos de Amantes del Círculo Polar, Fabián Tejada, integrante de la agrupación, contó sobre los fundamentos de esta propuesta y su desarrollo sonoro.

El proyecto parte de una comprensión de la música como un espacio de exploración intelectual. La banda, con formación académica, plantea sus composiciones como plataformas para el desarrollo de ideas filosóficas y literarias, en las que el sonido funciona como punto de partida para la construcción de sentido.

El sencillo establece el eje narrativo de ‘Drâma’, estructurado sobre la tríada fuerza, de la belleza y la fuerza poética. La pieza retoma la tragedia de Sófocles desde una lectura contemporánea influenciada por el pensamiento de Jean-Paul Sartre.

En esta versión, Edipo es presentado como un sujeto atravesado por sus decisiones, creencias y el entorno que lo condiciona, más allá de la idea de un destino predeterminado. La narrativa enfatiza el sacrificio como resultado de un entramado de convicciones personales.

La metodología de la banda inicia en la composición instrumental. Posteriormente, las letras emergen a partir de un proceso de escucha e interpretación que traduce el lenguaje musical en una narrativa conceptual.

Este enfoque se refleja en una estructura que alterna momentos de alta intensidad con pasajes melódicos y atmosféricos, integrando guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores y un tratamiento vocal que oscila entre lo agresivo y lo lírico.

Este álbum fue mezclado por Jens Bogren y masterizado por Bob Katz, lo que sitúa el proyecto dentro de estándares técnicos asociados a circuitos internacionales del metal. Este componente técnico refuerza la proyección de la banda hacia escenarios especializados fuera del país.

El trabajo discográfico fue presentado en una experiencia de escucha inmersiva en el Planetario Yawa de Cali, donde se dio a conocer en formato físico antes de su despliegue digital.

El evento incluyó la reproducción íntegra de la obra, proyecciones visuales en domo y un espacio de conversación sobre sus fundamentos filosóficos y musicales, proponiendo una aproximación distinta a los esquemas tradicionales de circulación discográfica.

‘Drâma’ se plantea como una obra en desarrollo. Su publicación progresiva responde a una estructura narrativa que busca articular música, pensamiento y experiencia en un mismo proyecto.

Superlitio presenta ‘Días Perfectos’, un nuevo álbum de estudio que se articula como una propuesta conceptual en torno a la desconexión digital y la recuperación de la escucha como experiencia.

En los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, estuvieron Pedro Rovetto y Pipe Bravo quienes señalaron que el proceso estuvo atravesado por una búsqueda orientada a recuperar la relación emocional con la música. En ese sentido, explicaron que el proyecto partió de reflexiones acerca de la hiperconexión y la necesidad de generar espacios de desconexión a través de la escucha, retomando dinámicas propias de los discos concebidos para ser escuchados de principio a fin.

El desarrollo del disco se extendió durante más de un año e incluyó un proceso centrado en la composición colectiva y el trabajo en salas de ensayo, priorizando la construcción de las canciones antes de su registro. Esta metodología derivó en un sonido orientado hacia lo orgánico, con presencia de guitarras, sintetizadores análogos y una producción que limita el uso de recursos digitales.

“Este disco busca recuperar esa conexión emocional que tenían los álbumes que escuchábamos antes, que dejaban una sensación y acompañaban momentos. La idea es que la gente pueda desconectarse un poco del ruido digital y volver a escuchar música de forma más consciente”, contó Rovetto.

El proyecto contó con la coproducción de Tweety González, figura vinculada al desarrollo del rock latinoamericano. 

En términos conceptuales, este álbum parte de una serie de reflexiones en torno al impacto de la hiperconexión en la vida cotidiana. La propuesta plantea la música como un espacio de pausa frente al flujo constante de información, recuperando prácticas asociadas a la escucha prolongada y a la relación emocional con los discos.

La construcción sonora mantiene la línea de fusión que ha caracterizado a la agrupación, integrando elementos del rock con influencias de la música latina. Este enfoque responde tanto a una decisión estética como al contexto de Cali, ciudad de origen del proyecto, donde convergen distintas tradiciones musicales.

Dentro del álbum, algunas composiciones abordan nociones ampliadas del amor, alejándose de una lectura exclusivamente romántica. En este caso, el concepto se vincula con la persistencia, la motivación y la relación con procesos personales y creativos.

“Hay una forma de entender el amor más allá de lo romántico. También tiene que ver con la persistencia y con seguir haciendo lo que a uno le apasiona, incluso en medio de las dificultades”, concluyó Bravo.

‘Días Perfectos’ también se muestra como una mirada crítica hacia la forma en que hoy se mide el éxito musical, muchas veces reducido a cifras, tendencias o reproducciones. Frente a eso, la banda propone otra lógica: La de la escucha sin prisa. El álbum ya está disponible en plataformas digitales y hace parte de una gira de presentaciones en Colombia.

Este trabajo discográfico estará en escena en Cajicá el 16 de mayo, Tunja el 21 de mayo y cerrará en la capital el 23 de mayo.

Los Falsos Dandys, proyecto conformado en 2023 entre Envigado y Medellín, presenta ‘Stupid Vision Pro’, un sencillo que parte de una experiencia cotidiana, el uso cada vez más cercano de dispositivos tecnológicos, para plantear una reflexión de la forma en que estos median la percepción de la realidad.

La canción, escrita por el baterista Mateo Cardona, surge a partir del impacto que generó la aparición de gafas inteligentes y la conversación que estas abrieron acerca del lugar de las pantallas en la vida diaria. Más allá del dispositivo, el tema se enfoca en lo que representa: Una relación directa entre tecnología y cuerpo. “Es una sátira a ese elemento que nos estaba generando pantallas cada vez más cerca de los ojos. Empezamos a reflexionar hacia dónde va esto”, señaló Cardona en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

En ese punto, la canción amplía su mirada hacia el consumo de contenidos. La mención a narrativas repetitivas, como telenovelas que permanecen en circulación, introduce una comparación entre los temas que ocupan la discusión pública y aquello que concentra la atención de las audiencias.

Dentro de esa línea, la IA aparece como una herramienta útil, pero también como un mecanismo que plantea preguntas de su uso cotidiano. “Hay que tener cuidado con validar lo que pensamos únicamente a través de una Inteligencia Artificial. Eso puede quitar la capacidad de razonamiento y evitar el contacto con otras personas”, explicó Cardona.

En lo sonoro, ‘Stupid Vision Pro’ mantiene una base de punk rock con estructuras directas, sin alejarse de referencias a la cultura popular. Esa combinación acompaña el enfoque del sencillo, donde el tono satírico se sostiene tanto en la letra como en la ejecución musical.

Este proyecto hace parte de un proceso que comenzó con el EP ‘Aniquilación’ (2024) y continuó con sencillos como ‘Big Bang’ y ‘¿Para qué si tengo el punk?’. Con ocho canciones publicadas, la banda proyecta nuevos lanzamientos y el desarrollo de ‘Dandyficaciones’, una serie de reinterpretaciones desde su propuesta estética.

‘Stupid Vision Pro’ se inscribe así en una línea de trabajo que toma elementos del contexto digital para convertirlos en materia de observación. En un contexto marcado por la producción constante de contenido y nuevas formas de interacción, el sencillo pone sobre la mesa una pregunta concreta: ¿Cómo sostener la experiencia humana en medio de un entorno cada vez más mediado por pantallas?

‘Canto’ se presenta como la entrada a un universo conceptual en el que cada pieza se articula como una etapa dentro de un proceso de transformación personal. Con una sonoridad que cruza el jazz, el soul y el R&B, el sencillo retoma referentes de las décadas del 40 y 50 desde una sensibilidad contemporánea, construyendo una atmósfera íntima en la que la voz ocupa un lugar central.

El proyecto se organiza a partir de una lógica espacial. En ‘Hotel Amor’, cada tema corresponde a una habitación emocional, lo que permite recorrer distintos estados vinculados a la memoria, la identidad y la sanación. Lejos de una estructura lineal, el álbum se despliega como un tránsito fragmentado en el que cada lanzamiento abre una nueva puerta. 

Desde una dimensión introspectiva, ‘Canto’ introduce ese recorrido. La pieza aborda la vulnerabilidad, el cierre de ciclo y la posibilidad de reconstrucción, situando la voz como un punto de refugio. En ese sentido, la artista lo definió como “un grito de victoria personal”, en el que se despide de una versión pasada para entrar en un estado más consciente y en calma, durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En lo sonoro, ‘Hotel Amor’ se construye a partir de influencias del jazz, el blues, el soul y el R&B, retomadas desde un lenguaje actual. Las composiciones, escritas por la artista, se caracterizan por interpretaciones vocales que priorizan la intensidad emocional y el vínculo directo con la experiencia personal.

El proyecto amplía su alcance más allá de la música. ‘Hotel Amor’ se desarrolla como un universo narrativo que integra elementos visuales, literarios y escénicos, incluyendo ilustraciones y relatos creados por la propia artista. Esta dimensión expandida articula una propuesta en la que las distintas disciplinas dialogan para construir una experiencia más amplia.

En su desarrollo temático, el proyecto recorre diferentes capas de la vivencias emocionales: Desde la confrontación con el pasado y el desapego, hasta la construcción de nuevas formas de relación y la búsqueda de equilibrio. Estas exploraciones se integran como parte de un proceso de transformación que atraviesa el conjunto del trabajo.

La producción está liderada por la artista junto a Mateo Camargo, quien también estuvo a cargo de la mezcla y el máster, consolidando una identidad musical que conecta sus raíces musicales con una exploración contemporánea.