Es publicista de profesión y se encarga del marketing y las redes de su propia marca, su mayor objetivo desde hace algunos años es construir su proyecto como solista. Por lo que decidió cerrar ciclos, y emprender un nuevo camino tras diversas experiencias musicales que recopiló en diferentes industrias, desde académicas hasta de rock, metal, pop y baladas.

En 2019 dio su primer concierto como ‘Aliette_G’ en México e inició la producción de su primer LP, un trabajo que, pese a los contratiempos de la pandemia, ya cuenta con nueve canciones que fusionan rock, J-rock/pop y ritmos experimentales.

“Mi propuesta se enfoca principalmente en la calidad musical y en un material audiovisual profesional, pero sobre todo en explotar la feminidad dentro del rock sin perder la fuerza y la picardía que caracteriza al género. En mis videos, fotografías, vestuario y shows en vivo siempre busco reflejar las cualidades que diferencian a una mujer empoderada, sin tener que imitar a un hombre ‘rudo’ al tocar un instrumento, hablar, actuar o vestirme”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Sus seguidores la llaman ‘princesa rockera’, un título que adopta con orgullo, no como un cliché romántico, sino como símbolo de tenacidad, creatividad, liderazgo y sensibilidad.

Para sus primeros sencillos, Aliette_G trabajó con Manú Jalil, conocido productor de artistas como Mon La Ferte y Vivir Quintana, explorando ritmos de balada rock y swing rock. Más adelante, en 2024, se unió al productor Jake Carmona en Los Ángeles, perfeccionando un sonido alternativo y con gran fuerza que define su propuesta actual.

A la fecha, ha lanzado tres sencillos y durante este 2025 presentó ‘No Respiras’, que toca la sensible temática de los feminicidios y viene acompañado de un impactante videoclip. Además de ‘Ciclos-1141’, en el que anuncia la base narrativa de su álbum debut.

“Mi canción combina un ritmo rockero alternativo con melodías suaves de violín y piano, creando un contraste intenso en el coro. Quise que fuera reflexiva para todos, invitando a la conexión con uno mismo y recordando que el poder para superar los días difíciles está dentro de cada persona, siempre desde el respeto y el amor propio”, añadió.

Aliette se prepara para presentar títulos como ‘Ya despierta’, ‘Falsa Victoria’, ‘Cuando acabará el dolor’ y ‘Hablaré con la oscuridad’. Dejando claro en este compilado que el poder reside en la pasión, la disciplina y el respeto hacia uno mismo y hacia los demás.

Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk de Bogotá que nació en el año 1999. Surgió entre amigos que compartían el amor por el punk y la idea de hacer música de forma independiente. Desde el inicio, su propósito fue claro: Decir lo que muchos callan, sin reglas ni adornos, usando la música como una voz directa y honesta.

Este lanzamiento no busca agradar, busca despertar. ‘Rocky Billies’, llega con canciones que no decoran la realidad: La golpean, la exponen y la convierten en música que se siente en el cuerpo y en la conciencia.

Lejos de los sonidos complacientes, este trabajo mezcla rock crudo, energía punk y letras directas que hablan de excesos, poder, manipulación y todos esos temas que normalmente se esconden debajo de la alfombra. La banda lo explica sin rodeos: “No queríamos hacer un disco bonito. Queríamos hacer un disco honesto, que suene a lo que realmente está pasando por dentro y por fuera”. Y esa honestidad es lo que hace que cada canción invite no solo a escuchar, sino a reaccionar.

El álbum recorre emociones intensas: rabia, ironía, hartazgo, pero también una necesidad profunda de despertar. No es música para dejar de fondo. Es música que exige presencia. La agrupación lo describe así: “Este trabajo es como mirarse al espejo sin filtros. A muchos no les va a gustar lo que vean, pero esa es la idea”. Es una invitación a pensar en lo que consumimos, lo que creemos y lo que callamos, todo envuelto en riffs potentes que van directo al pecho.

Lo más interesante es que ‘Rocky Billies’ no se queda en la crítica, también muestra el lado humano que hay detrás de cada canción. Hay temas que hablan del miedo a fracasar, del cansancio emocional y de la búsqueda de identidad. Según la banda, “el exceso no siempre es fiesta, muchas veces es una forma de escapar. Este disco habla de lo que pasa cuando ya no hay a dónde huir”. Ahí radica su fuerza: logra que el oyente se reconozca, aunque no quiera admitirlo.

Musicalmente, el álbum es una mezcla explosiva que combina sonidos clásicos del rock con elementos modernos que le dan frescura y personalidad. Cada pista tiene una identidad propia, pero todas comparten algo en común: dejan sensación de catarsis. Después de escucharlas, es imposible quedarse igual. Como dijo Pepe Bocadillo en plena grabación: “Si una canción no mueve nada adentro, entonces no sirve”.

‘Rocky Billies’ no promete soluciones ni finales felices. Lo que ofrece es algo más poderoso: una experiencia emocional auténtica, una sacudida musical que permite liberar lo que muchas personas sienten y no saben cómo expresar. Es un álbum que se vive, no solo se escucha.

Durante años, el nombre de Juan Campodónico ha sido una presencia constante en la música latinoamericana contemporánea. Músico, compositor y productor uruguayo, Campodónico es el cerebro detrás de proyectos tan diversos como Bajofondo, Peyote Asesino y Campo, además de ser una figura clave en la evolución sonora de artistas como Jorge Drexler, Cuarteto de Nos, Kevin Johansen, Zoe Gotusso y No Te Va Gustar.

Ahora, este creador multifacético da un paso definitivo al frente: Por primera vez lanza un disco bajo su propio nombre, un trabajo que reúne todas sus exploraciones anteriores en una propuesta personal, introspectiva y ambiciosa. El álbum se titula ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, y ya desde su nombre plantea un ejercicio de introspección en torno a la identidad artística.

En este nuevo trabajo, Campodónico no abandona sus raíces ni sus colaboraciones, pero cambia el foco: Esta vez no es el productor detrás de la cámara ni el integrante de un colectivo. Es él quien está al centro de la escena y de esta experiencia habló ante los micrófonos de ‘Amantes Del Círculo Polar’.

“Ha sido una experiencia muy enriquecedora. Es una inquietud que me surgió hace un par de año, ver mi perfil de Spotify como Juan Campodónico y encontré una página en blanco como para poder escribir un nuevo momento y definir un nuevo artista. Ha sido muy revelador, es un punto de vista mucho más cercano, trato temáticas bastante personales y para que se hagan una idea el disco comienza con un tema que se llama ‘Milo’, que es el nombre de mi hijo”, reveló Campodónico. 

En ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, Campodónico condensa sus múltiples universos en un viaje musical que va del candombe al funk brasileño, del indie latino al folclore electrónico. Temas como ‘Frik’, ‘Milongueado’ o ‘La Duda’ muestran esa diversidad estilística, mientras que canciones como ‘Onda Expansiva’, el focus track del álbum, sintetizan su sello creativo: Un comienzo folclórico que se convierte en una explosión electrónica con capas tangueras y guiños a sus obras anteriores.

“Aparecen todas las músicas que son parte de lo que ya he hecho. Hay cosas que suenan un poco ‘bajofonderas’, otras que suenan a hip hop, como de mi primera banda que fue ‘Peyote Asesino’, o que suenan a Campo, pero todo con una nueva manera de verlo, una nueva forma, inclusive con algunos de los invitados del disco”, agregó.

El trabajo cuenta con una notable lista de colaboraciones entre quienes destacan Jorge Drexler, Sebastián Teysera, Eli Almic, Zeballos, Josean Log y Cami Rodríguez, entre otros. Voces que refuerzan la idea de que Campodónico busca ser un canal para expresar una sensibilidad colectiva, actual y profundamente latinoamericana.

La biografía de Campodónico es también una historia de cruces culturales. Nacido en Montevideo, pero criado en parte en la Ciudad de México, creció entre la música uruguaya que llegaba en cassettes desde el sur y los sonidos globales que inundaban el DF. Esta mezcla dejó una marca imborrable en su manera de hacer música, siempre híbrida, siempre en movimiento.

“Conecta con una parte de mi vida que fue mi infancia en México. Con mi familia estuvimos allá 8 años en la época en la que en el sur estaban las dictaduras y todo esto cuando yo era muy chico. Entonces esto cuenta algo de esa parte mexicana que yo tengo. Me gustaba que el disco reflejara y definiera un poco quién era Juan Campodónico como artista individualmente”, confesó el artista uruguayo.

Este trabajo sonoro, conformado por 11 canciones, ya está disponible en plataformas. Una invitación para descubrir una faceta más personal y más poderosa de uno de los productores más destacados del continente.

Con el fin de cantarle al paisaje paramoso, a la pérdida y a la poesía, el proyecto sonoro A Media Lengua, presentó durante los últimos días su primer trabajo discográfico, siete canciones que conforman el EP ‘Páramo’ acompañados de un estilo que fusiona el rock, el slowcore, el sadcore y el indie. Una propuesta sonora de la que sus integrantes hablaron con ‘Amantes del Círculo Polar’, revelando los momentos que han marcado el proyecto. 

Conformado por Zahara Lasso, Fabio Martínez y Rafael Lasso, el trabajo musical ‘AML’ tiene sus orígenes en el sur del país, en Pasto, que une la trayectoria como DJ de Rafael, el chelo y la voz de Zahara y la pasión poética de Fabio. Una mezcla de la que nació como primera canción ‘Frío’.

“Con ‘Frío’ iniciamos este proyecto, tratando de ganar nuestra propia voz que básicamente es una voz que incluye cuerdas frotadas y todo el sonido del chelo que es un instrumento que evoca la tranquilidad, la soledad, que de alguna manera es muy nostálgico. Decidimos empezar a darle vida desde esa sonoridad y ese paisaje”, reveló Fabio.

Definido como un viaje sonoro que consta de siete estaciones sonoras, con ‘Páramo’ el público recorre canciones como ‘Puerta’, que es la apertura del EP y plantea una pregunta inicial ¿Cómo sonaría un páramo? y ¿Cómo recordar la ausencia de un ser querido? Luego, hay títulos como ‘Tiembla’, ‘Rápido’, ’Tempestad’ y ‘AML’, este último como cierre del disco.

“El sonido de A Media Lengua sería como muy acústico, pero con esta atmósfera de los ritmos electrónicos muy característicos por ejemplo del slowcore. En general si la quieres describir sería una propuesta como muy nostálgica”, agregó por su parte Felipe.

La letra poética también tiene un papel muy determinante. Composiciones sensibles, profundas y reflexivas que giran en torno a la pérdida y la ausencia, inspiradas en gran parte por un episodio en la vida de uno de sus integrantes.

“Esa vivencia personal tiene nombre: se llama Nicolás Martínez. Es mi hermano menor, él se suicidó en el año 2019, tenía 18 años y fue un momento muy fuerte para nuestra familia. Así que de alguna manera la lógica de las letras, incluso el paisaje sonoro, permite resignificar este tema de la pérdida”, agregó Fabio. Esta iniciativa musical ha calado profundo en sus espectadores, dando voz al dolor, la nostalgia y la inestabilidad de la vida. Permitiendo además diversas interpretaciones de las canciones y un recorrido minuciosamente cuidado desde la primera canción.

“A mí me gusta transitar el ‘Páramo’ y creo que tal vez iniciar el recorrido por la primera canción nos da un tránsito de emociones y situaciones”, reveló por su parte Zahara quien invitó a todos los oyentes de LAUD 90.4 FM ESTÉREO a descubrir A Media Lengua y a conocer este EP.

La tierra de las montañas del oriente antioqueño, el buen café y el turismo rural vieron nacer a Camila, quien ha forjado su carrera artística como ‘Mila Days’. Una joven colombiana que lleva la bandera de Copacabana por el mundo. 

Su primer debut en la música inició en julio del 2022, mientras terminaba su carrera en derecho, rendía los exámenes ‘ECAES’ y se recuperaba de un esguince. En medio de la saturación emocional, encontró en la composición y beats creados sobre su computadora la forma de transitar del desamor a la plenitud y de la duda a la calma.

“El proceso de creación de ‘Del principio al fin’ se desarrolló entre jornadas de escritura nocturna y exploraciones sonoras matutinas. Las letras se entrelazan con referencias literarias y musicales que viajan entre géneros, dejando que la voz se mueva libre entre la electrónica, el pop alternativo y el rap”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una narrativa visual que amplifica la música

El disco reúne nueve canciones y también se expande en imágenes. La artista ha acompañado varios de sus sencillos con videoclips que trascienden al lenguaje audiovisual, como por ejemplo:

-    Turismo: Fue grabado en Chinatown, Nueva York, junto al realizador Patrick Ames, refleja la crudeza del desamor con humor y empoderamiento.

-    Lunes: Dirigido por el artista colombiano Junior Ward, radicado en Nueva York, transforma la rutina y el desamor en un himno de esperanza.

Track por track: Del principio al fin

1.    Intro: Un inicio íntimo con la voz de Idea Vilariño recitando sobre un fondo sin batería. Prepara al oyente para la travesía emocional que sigue.

2.    Larry J: Un guiño al hip hop clásico con flow directo y honesto. Es una declaración de raíces sonoras que conecta con quienes valoran la esencia del género.

3.    Principio: El punto de partida del relato: todo está por suceder. Ligero, expectante y lleno de promesas.

4.    Mila: Tema autobiográfico y revelador: La artista se nombra y se reconoce. Una canción fresca que reafirma su identidad y autenticidad en la escena independiente.

5.    Visaje: Fotografía sonora de un domingo lluvioso tras una ruptura. Con influencias de salsa y referencias a Rubén Blades, Mila entrega un relato de vulnerabilidad que conmueve desde el primer acorde.

6.    Centro: Canción que simboliza el equilibrio y el foco. Representa un momento de recogimiento y claridad dentro del relato del disco.

7.    Universo: Cierre luminoso y espiritual del álbum. Inspirada en una experiencia con Yagé, se convierte en un himno de resiliencia y amor propio. Su progresión jazzística aporta frescura y optimismo, consolidándola como una de las piezas más poderosas de la carrera de Mila Days.

Actualmente el álbum se encuentra disponible en todas las plataformas.

La canción no solo trae un sonido poderoso; también despierta memoria, identidad y crítica social desde una mezcla explosiva de ska, dub y rock.

Jahsong, vocalista de Lion Family Band, explicó que la idea no era solo sacar un sencillo más, sino “hacer música que hable de lo que somos como país, con todo lo bonito y lo duro que llevamos dentro”. Para él, ‘Punto Red’ es un viaje sonoro que conecta con la historia de la Punto Rojo, una variedad de cannabis nacida en el corazón de Colombia y convertida en símbolo cultural en los años 70.

Este tema reúne a músicos de Skampida, Lion Family Band, The Klaxon y ex Alto Grado, mostrando algo que pocas veces ocurre en la escena: Artistas de diferentes generaciones tocando por una misma causa. Jahsong lo resumió así: “Esto no es un featuring comercial, es una familia musical que se junta porque la música nos une más que cualquier industria”.

El sonido de ‘Punto Red’ está lleno de energía y capas sonoras: Baterías que marcan el pulso del ska, bajos profundos del dub y una base electrónica que lleva a este proyecto a un territorio moderno. Según Jahsong, “queríamos que la canción se pudiera bailar, pero que también dejara pensando… que la gente sienta el bajo en el cuerpo y el mensaje en la cabeza”.

Además de su fuerza musical, el sencillo despierta conversación sobre las raíces colombianas y la percepción cultural de la planta en el país. No desde el estigma, sino desde su lugar en la memoria colectiva. “Aquí no se trata de promover nada, se trata de reconocer que hay historias que hacen parte del territorio, y que la música ayuda a contarlas sin juzgar”, comentó Jahsong durante la entrevista.

El lanzamiento también marca el inicio de una gira donde las bandas interpretarán este tema en vivo en varios escenarios del país. Para Jahsong, lo más importante es la conexión con la gente: “Ojalá el público escuche ‘Punto Red’ no solo como una canción, sino como un sonido que nos recuerda de dónde venimos y lo que todavía podemos transformar”.

En una escena musical fragmentada, ‘Punto Red’ llega como un experimento colectivo que apuesta por la autenticidad, la memoria y el poder del arte.

En Colombia, el reggae ha crecido a contracorriente, construyendo su historia desde la independencia artística, los sonidos de barrio y la conexión con las raíces afrocaribeñas. A lo largo de las últimas décadas, este género ha evolucionado más allá de los clichés tropicales para convertirse en un lenguaje de resistencia, espiritualidad y amor. Dentro de esa historia, pocos nombres resuenan con tanta coherencia y autenticidad como el de Javier Alerta, pionero y voz emblemática del reggae hecho en Colombia.

Desde los días en que fundó Alerta Kamarada, Javier Alerta ha mantenido una búsqueda constante por el equilibrio entre la raíz y la renovación. Su música ha acompañado marchas, festivales y despertares colectivos, pero también ha sabido volverse íntima, reflexiva y humana. Así lo demuestra de nuevo con ‘Brixton in Love’, una exploración que alcanza una nueva dimensión y de la que el artista habló en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

“El año pasado tuvimos la oportunidad de viajar con la banda a Londres y fue una experiencia inolvidable, realmente algo maravilloso. La misión era ir a grabar, grabar un álbum (...) y apareció Dennis Bovell, tuvimos la oportunidad de entrar y producir con este señor, escribir canciones allá, componer algo muy lindo y el pasado 10 de octubre ya quedó en las plataformas. Ya la gente puede encontrar el lado A”, reveló Javier Alerta. 

Grabado en el mítico Map Studios de Londres, el álbum marca un homenaje al espíritu del lovers rock, subgénero nacido en los años setenta en el Reino Unido que transformó el reggae en un vehículo de ternura y afecto. Alerta se une a Dennis Bovell, figura fundamental del reggae británico y arquitecto del sonido lovers, quien se encargó de la producción y mezcla del disco. Todo junto a un equipo técnico de nivel internacional, con Duncan Thornley en la grabación y Manuel Scaramuzzino en la masterización, quien aportó la calidez y profundidad sonora que caracterizan su trabajo.

El proceso creativo fue tan orgánico como fiel a las raíces: La agrupación grabó en vivo, al estilo de las sesiones clásicas de los años dorados del reggae. Esa decisión le dio al disco una textura real, un respiro compartido entre los músicos, que se siente en cada acorde y cada línea vocal. El resultado es un trabajo de madurez artística que celebra el amor, no solo como tema lírico, sino como fuerza que une geografías, culturas y generaciones.

“Queremos coger la energía de lo que estamos viviendo y en la música me parece que es muy necesario. Coincidimos con los de la banda en eso (...) Lo de Londres queríamos hacerlo igual. Londres para nosotros marca un destino súper importante para el reggae porque muchos artistas de reggae han pasado por Londres, han hecho grabaciones en este lugar, entonces hay una energía que quisimos vivir y caminar”, agregó Alerta en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Este lanzamiento incluye además una edición especial en vinilo doble de 10 pulgadas, con un atractivo contraste entre las versiones originales y reinterpretaciones dub que expanden la experiencia sonora. Este formato físico no solo apela a los coleccionistas, sino que reafirma la apuesta de Alerta por mantener vivo el sonido raíz del reggae.

Desde su nacimiento en Tunja en 2016, Nasa Histoires ha tejido un universo sonoro propio donde la poesía se funde con el jazz gitano, el folk y los ritmos latinoamericanos. Con un lenguaje que abraza la nostalgia y la alegría por igual, la banda ha logrado cautivar audiencias en Colombia y Latinoamérica con canciones que son relatos de vida convertidos en melodías.

Sobre esta trayectoria, su nuevo sencillo ‘Garras’ y un concierto único que tendrá lugar el próximo 25 de octubre en donde acompañarán sus éxitos con la Orquesta Sinfónica de Bogotá, dos de sus integrantes: El bajista Daniel Díaz y el saxofonista Víctor Hugo Cely, estuvieron hablando en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Nasa Histoires, cuyo nombre es una mezcla del wayuunaiki ‘Nasa’ que significa ‘aquellas’ y el francés ‘Histoires’, es decir, ‘historias’, resume su espíritu: Un proyecto que cuenta historias universales desde una mirada sensible, mestiza y profundamente humana.

“Grabamos ‘Bugambilia’, grabamos ‘Flora’, y fue cuando de eso explotó la banda a través de Tik Tok en esa época, en 2023. A partir de entonces han sido unos años de locura en los que hemos viajado por México, Argentina, Chile, Ecuador, ahora vamos al Lollapalooza el otro año (...) se cumplió el sueño de dedicarnos completamente a la música”, reveló Víctor Hugo.

Con dos discos que ya son referencia en la escena alternativa, la agrupación boyacense ha consolidado una estética donde lo íntimo se vuelve celebración y que el próximo 25 de octubre, se unirá en el Teatro Cafam junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá.

Ahora, después de recorrer escenarios en CDMX, Guadalajara, Puebla, Quito, Medellín y Bogotá, la banda llega a un nuevo capítulo: el cierre de su gira mundial Flor Morada Tour con un concierto sin precedentes junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá para presentar ‘La Sinfonía de las Flores’, un encuentro entre lo sinfónico y lo alternativo que transformará el repertorio de Nasa Histoires en una experiencia orquestal. Sus canciones más queridas florecerán entre violines, maderas y metales, dando vida a un jardín sonoro donde cada nota será un tributo a la emoción y la memoria.

“Es un reto muy grande. Tengo la expectativa muy alta y emocionalmente me siento muy cargado porque escuchar las canciones que tú haces, las canciones que has tocado en tu trayectoria, en un formato que nunca has escuchado pero que sé que la primera nota, marcada por los vientos, por todos los instrumentos que están rondando en la atmósfera, va a ser eternamente mágico. Va a ser ese momento de cerrar los ojos, soñar y dejarse llevar por la música”, señaló sobre el concierto el bajista Daniel Diaz. 

Con ‘La Sinfonía de las Flores’, la agrupación boyacense no solo marca el cierre de una gira: Es una celebración de lo que ocurre cuando las historias se convierten en música y la música en emoción compartida. Una noche para florecer al ritmo de Nasa Histoires.

Mientras se preparan para este concierto sinfónico que marca el cierre de una etapa, Nasa Histoires también abre otra: Una exploración hacia lo instintivo y lo salvaje con su nuevo sencillo ‘Garras’. 

Se trata de una canción que le canta a la salud mental y a la lucha constante contra la ansiedad. Una pieza que viene acompañada de un videoclip que mezcla conceptos como los videojuegos, el viejo oeste y un entorno futurista, mientras hace un homenaje al paisaje árido de La Guajira. 

Este no es un concierto común: Es una experiencia para dejarse llevar por el ritmo, la emoción y la sorpresa.

Lo interesante de esta propuesta es que rompe la idea de que el flamenco es solo para expertos o para quienes lo escucharon toda la vida. Aquí, la voz tradicional se mezcla con sonidos nuevos, y eso hace que cualquiera pueda disfrutarlo, incluso las personas que nunca han ido a una presentación de este tipo. Es una manera de ver cómo una música con tanta historia puede sonar completamente actual.

Los protagonistas de este encuentro son Rocío Márquez y Bronquio, dos artistas que vienen de mundos distintos, pero que al juntarse crearon algo completamente nuevo. Rocío Márquez es una de las grandes voces del flamenco actual. Nacida en Huelva, ha recibido premios como la Lámpara Minera, la Medalla de Oro de la Petenera y el Victoires du Jazz en Francia. Su carrera se ha caracterizado por la búsqueda constante de nuevas formas de interpretar el cante, sin perder la profundidad emocional que define al flamenco. 

Bronquio, cuyo nombre real es Santiago Gonzalo, es un productor y músico originario de Jerez que ha revolucionado la escena electrónica española. Su estilo mezcla bases urbanas, sonidos experimentales y ritmos que se mueven entre lo digital y lo orgánico. Juntos han recorrido más de 30 países con un proyecto que demuestra que la tradición también puede bailar con el futuro.

El show ha pasado por escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, la Philharmonie de París y el Festival Primavera Sound, donde ha sido recibido con ovaciones. En cada lugar, la propuesta ha conectado con públicos muy distintos, mostrando que el flamenco no pertenece solo a una época, sino que sigue vivo y en movimiento.

En el show, los sonidos electrónicos, las voces y las luces se combinan para crear una experiencia que va más allá de la música. Es una puesta en escena que invita a dejarse llevar, a mirar con atención y a descubrir cómo una tradición centenaria puede renovarse sin perder su esencia.

Para muchos, ‘Tercer Cielo’ es una forma de acercarse por primera vez al flamenco desde otro ángulo: Uno más libre, más cercano y lleno de energía. No hace falta conocer del género para disfrutarlo; basta con tener curiosidad y ganas de vivir algo distinto.

Asistir a este espectáculo es una oportunidad para ver cómo dos artistas, desde caminos diferentes, se unen para mostrar que el arte siempre puede transformarse. En una ciudad que respira diversidad, ‘Tercer Cielo’ llega como una experiencia que une generaciones, rompe fronteras y recuerda que la música, cuando se siente de verdad, no necesita explicación.

El embajador de la salsa colombiana en el mundo, regresa a la ciudad tras una exitosa gira internacional para presentar oficialmente su nuevo álbum ‘Ámame’. La cita será el sábado 8 de noviembre a las 7:30 p.m. en el Teatro Colsubsidio, en una velada que promete ritmo, emoción y una profunda conexión con la esencia del Pacífico colombiano.

Esta esperada presentación reunirá lo mejor del repertorio del artista y el estreno en vivo de su más reciente producción discográfica. El evento marca el regreso de Yuri Buenaventura a los escenarios nacionales luego de una gira mundial entre 2023 y 2025, en la que ofreció más de 38 conciertos en los lugares más prestigiosos de Europa, África y el Caribe.

Lea también: Yuri Buenaventura: La pasión que encendió Salsa al Parque 2025

Durante este recorrido, el salsero colombiano conquistó espacios icónicos como la Sala L’Olympia de París y la Salle Pleyel, además de destacarse en los principales festivales de verano europeos, consolidando su lugar entre las grandes figuras de la salsa a nivel internacional.

Ahora, el artista nacido en Buenaventura, Valle del Cauca, vuelve a su país con una propuesta cargada de identidad, memoria y sabor. ‘Ámame’ es un homenaje a las raíces afrocolombianas y al espíritu del Caribe, una obra que combina la salsa tradicional con los ritmos del Pacífico que han definido su carrera.

El público bogotano podrá disfrutar de una noche inolvidable, con los nuevos temas de ‘Ámame’ y los clásicos que han hecho de Yuri Buenaventura uno de los grandes referentes de la música latina.

No se pierda de esta cita el próximo 8 de noviembre en el Teatro Colsubsidio a las 7:30 p.m. Para mayor información visite el siguiente link.