Con una trayectoria marcada por fusiones entre el soul latino, el afrobeat y la música tropical, Carabalí se ha consolidado como una voz que conecta culturas y emociones.

Desde sus primeros pasos, Javi ha estado rodeado de influencias diversas: su padre nigeriano lo acercó al afrobeat y a los ritmos tropicales, mientras que su estancia en Estados Unidos lo expuso a la riqueza cultural del Caribe y Suramérica. “Llevo más de 20 años estudiando música, aprendiendo instrumentos como piano, bajo, congas y guitarra, porque siempre sentí que la música era el lenguaje que podía unir todas esas raíces”.

Colombia ocupa un lugar especial en su historia. Aquí estudió música y encontró el ambiente creativo que le permitió dar forma a su proyecto. “Cuando llegué a Cartagena escuché canciones que también se oían en Nigeria; ahí entendí que los ritmos que me formaron vivían en esta tierra”, recuerda el artista. Ese hallazgo se convirtió en la base de su propuesta: un sonido que dialoga con dos continentes.

Su más reciente sencillo, ‘Ella es única’, nació de un poema transformado en canción y se convirtió en un homenaje al amor y a lo irrepetible de cada persona. El videoclip fue grabado en San Andrés, lugar que, según el propio Carabalí, es muy especial para él, “porque ahí decidí que este tema debía renacer con la energía del Caribe colombiano”.

Más allá del romanticismo, su música busca abrir un espacio de reflexión sobre la identidad. Con Latín Sol World Tour, un doble álbum de veinte canciones, Javi Carabalí propone un viaje que combina colaboraciones internacionales y la experimentación con sonidos que van desde lo urbano hasta lo tradicional. “Este proyecto lo grabé casi en su totalidad, tocando varios instrumentos, pero también invitando artistas de Brasil, Panamá y Colombia. Es mi forma de mostrar que la música no tiene fronteras”.

La apuesta de Carabalí no es solo artística, también es vivencial, “Queremos pasar un buen tiempo con la gente, bailar, disfrutar y que cada persona sienta la música como propia”, afirmó.

Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.

Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento. "Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio", cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro. 

'Narcótica' es el nuevo lanzamiento de Vehementes, un tema que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latín, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.

"Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco", comentó la banda.

Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la 'miércoles' y gritar con fuerza "maldito el momento".

"Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros", agregó.

'Narcótica' hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas. 

El siguiente trabajo que la banda lanzará se titula 'Precisa' y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que se ve a la otra persona en un pedestal, cantada desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es 'Narcótica'.

La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.

"Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop", concluye la agrupación.

En su versión número 27, el evento reunirá a 24 agrupaciones: Ocho internacionales, cuatro nacionales y 12 artistas distritales ganadores de la Beca Hip Hop al Parque 2025, los próximos 23 y 24 de agosto.

Bajo el lema “Bogotá, un territorio de paz, generación tras generación”, el encuentro propone un diálogo entre la vieja y la nueva escuela, reafirmando que el hip hop no es solo música, sino una escuela de vida, resistencia y transformación social.

“Para este año, reconoceremos la importancia de conservar la esencia y de respetar lo clásico, pero también de dar paso a la evolución, a las nuevas ideas, códigos y conceptos de la cultura hip hop”, explicó Jhon Fredy Cepeda ‘Zkirla’, curador del evento.

Según el curador, esta edición busca romper la brecha generacional, honrar a los pioneros que llevaron el hip hop a los parques y muros de Bogotá, y al mismo tiempo abrir camino a quienes hoy exploran nuevas sonoridades, lenguajes y estéticas.

Desde su creación, Hip Hop al Parque se ha consolidado como el escenario más importante para esta cultura en Colombia, brindando oportunidades a MCs, DJs, breakers y grafiteros, y fortaleciendo una comunidad creativa nacida del barrio, la autogestión y la colectividad.

Durante más de 26 años de historia, el Festival ha sido espacio de resistencia, formación y encuentro, donde las generaciones se encuentran para construir colectivamente una ciudad más tolerante y receptiva a la diversidad cultural.

El Festival incluirá actividades alrededor de los cuatro elementos del hip hop y una programación que integrará tanto a leyendas como a talentos emergentes.

Con esta nueva edición, Hip Hop al Parque reafirma su espíritu pedagógico, comunitario y creativo, invitando a miles de asistentes a celebrar la cultura hip hop como un legado vivo que honra su pasado y proyecta su futuro.

Siga el cubrimiento especial a través del dial 90.4 FM, las redes sociales: Facebook LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Twitter @LaudEstereo, y la página web laud.udistrital.edu.co. 

Será un concierto que promete ser un viaje sonoro hacia las raíces de América Latina, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un mismo escenario.  

La música de María Cristina Plata no se queda en lo superficial; es una invitación a redescubrir los sonidos que forman parte de la memoria colectiva del continente. Con instrumentos como el requinto, el contrabajo y las guitarras, la propuesta va más allá de un espectáculo: Es una experiencia de conexión emocional y cultural que resuena en quienes buscan algo auténtico. 

La artista ha sido reconocida por su talento a nivel internacional, llegando incluso a ser destacada por la revista Forbes tras aparecer en Times Square, Nueva York. Este tipo de reconocimientos no solo avalan su carrera, sino que también refuerzan la importancia de ver en vivo a una creadora que ha puesto el nombre de Colombia en escenarios globales. 

La presentación será además un punto de encuentro entre generaciones. La obra ‘Casi Te Creo’, su cuarto álbum, dialoga con la tradición latinoamericana desde una mirada contemporánea. En cada canción se percibe la intención de rescatar lo esencial de la música popular, pero con la frescura de una artista que entiende las inquietudes del presente. 

Quienes asistan tendrán la oportunidad de vivir la música de una manera íntima y genuina. No se trata únicamente de escuchar canciones, sino de sentir la energía de una propuesta que combina la fuerza de la interpretación con la delicadeza de lo orgánico, como si cada acorde estuviera diseñado para hablar directamente al corazón. 

Esta fecha marca un nuevo capítulo en la música en vivo de la ciudad. Será el inicio de conversaciones, recuerdos y emociones compartidas que solo un show con estas características puede ofrecer.  

La cita es el 4 de octubre a las 7: 30 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. 

Desde la Laguna de Guatavita se escucha el sonido de Gaita Loop y Beny Esguerra, sus letras escritas en Spanglish, con jerga urbana del hip hop y palabras en ‘Muysccubun’ (lengua muisca), renacen entre las aguas como una apuesta por la descolonización lingüística. 

A través de diez canciones proponen una reinterpretación sonora, poética y política de la leyenda del Dorado. Inspirados en la ceremonia del cacique muisca, devuelven al “oro” su significado ancestral: Ofrenda, fertilidad, conexión con la Madre Tierra y el cosmos. 

““No escribimos en un único idioma porque no venimos de un solo mundo. El Spanglish, el muysccubun y la jerga del barrio son nuestras lenguas vivas; cantarlas es un acto de memoria, resistencia y sanación. Este trabajo nace de un proceso profundo de creación colectiva que compartimos entre abril de 2024 y agosto de 2025”, explicó Beny Esguerra, uno de los directores del proyecto en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’. 

¡Dos colectivos artísticos, una misma visión musical! 

‘Somos el Dorado’ fue concebido como una coproducción entre dos colectivos: ‘New Tradition Music’, dirigido por el artista colombiano-canadiense Esguerra, y Gaita Loop, liderado por el músico colombiano Leang Manjarres Wong. 

El disco entrelaza instrumentos tradicionales como la kuisi bunsi, tambores afrocolombianos y maracas, con guitarras eléctricas, tornamesas, MPCs y tecnología de looping, creando un paisaje sonoro que honra lo ancestral sin renunciar a lo contemporáneo. 

“La gaita es el corazón de mi trabajo. Con ella hemos lanzado discos, recorrido escenarios y creado puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo. ‘Gaita Loop’ nació de esa búsqueda: Fusionar la tradición con la tecnología, explorar su versatilidad con el ‘Loop Station’ y demostrar que este instrumento puede dialogar con el mundo entero”, agregó Gaita Loop, colaborador del álbum y promotor del estilo de la ‘Nueva Gaita’. 

Durante su desarrollo, el proyecto se presentó en festivales como Sunfest, Mixto Festival, Nuit d’Afrique, Drom Taberna y el National Arts Centre (Canadá), junto a artistas como Los Gaiteros de Ovejas.  Actualmente, están de gira por Colombia y el álbum ya está disponible en todas las plataformas. 

¿El amor puede sentirse como un abrazo cálido o como una herida abierta? Esa contradicción, tan humana y universal, es el motor creativo detrás de ‘No Sé Mañana’, el nuevo sencillo de Checho SASA junto al artista panameño Kandall. Una propuesta musical que refleja la intensidad de las relaciones y de la que el artista capitalino estuvo entregando detalles en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO. 

“Esta canción no solamente habla del amor. Obviamente es 80 % amor, pero se aplica para todo. Creo que en ocasiones uno está también en esa dualidad de ser papá, ser profesor, ser un montón de cosas (...) Me inspiré en esa situación en la que a veces uno dice: “siento mariposas, qué lindo”, sin embargo, uno está mal o la relación está mal y ya no sientes mariposas, sientes murciélagos”, confesó Checho ante los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’. 

El encuentro entre Checho SASA y Kandall se dio gracias a Unión Ska Colombia durante una visita del artista panameño a Bogotá. La química fue inmediata y compusieron juntos. Compartieron sus influencias y terminaron construyendo una pieza donde cada uno aportó su esencia. Kandall grabó su voz con un flow inconfundible que complementa el sello melódico y caribeño de Checho. 

“A Kandall yo no lo conocía, lo conocí en dos semanas y en dos semanas hicimos la canción, grabamos, realizamos el video y se fue. Eso fue rapidísimo y creo que hablando de las experiencias de él y las mías yo empecé a escribir, le dije “tengo esta propuesta” y hubo química, creamos un tema chévere que ha gustado”, agregó el bogotano. 

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El sencillo fue grabado en La Colmena Records en Bogotá bajo la ingeniería de Daniel Restrepo, y contó con la producción de Cfelo, productor de Medellín con quien Checho ya ha trabajado en cuatro canciones que harán parte de su próximo EP “Pa’ Qué”. Este trabajo conjunto, marcado por la experimentación y la búsqueda de nuevos matices sonoros, consolida una línea creativa que combina sensibilidad con innovación. 

El videoclip de ‘No Sé Mañana’ potencia el espíritu colorido de la canción. Grabado en un taller con frescura urbana, rugir de motores y el magnetismo de los protagonistas, transmite un sentimiento moderno y muy cautivador. Un trabajo artístico que tanto en su versión sonora como audiovisual ya está disponible en las principales plataformas. 

La potencia de la voz de Martinika y la dirección musical de ‘Jonas’ han hecho de Alto Grado un referente del ska y el reggae colombiano. Su historia comenzó hace quince años y ha trascendido por países como Estados Unidos, México y Argentina.

Durante este 2025 han compartido tarima con íconos del género como Inspector en la celebración de sus treinta años y Arde Bogotá, Caifanes o Los Ángeles Azules en el ‘Festival Vive Latino’. 

Sin embargo, la fiesta apenas empieza y ‘Amor Perfecto’ fue la inspiración para unirse a una de las bandas de ska más importantes a nivel nacional como lo es ‘The Klaxon’ y junto a ellos traer el sabor mexicano de ‘Cuarto de Queso’.

“Con este nuevo álbum, Alto Grado quiere rendir un merecido homenaje al ska, un ritmo que ha sido parte fundamental de nuestro sonido y trayectoria a lo largo de los años. Cada nota de este disco suena a Bogotá, a México y a Los Ángeles, lugares que han marcado nuestras giras inolvidables y experiencias vitales, dejando una huella imborrable en nuestra música”, contó Martinika, vocalista principal de Alto Grado en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un homenaje a los que ya no están!

‘Amor Perfecto’ es el primer sencillo de lo que se convertirá en la cuarta producción discográfica de este sello musical. En su videoclip retratan una sentida dedicatoria al amor, además de rendir homenaje a aquellos que ya no están físicamente, pero que dejaron una huella imborrable. 

“De hecho, tuve la oportunidad de viajar a Europa y durante ese viaje, viví una catarsis en la relación con mi mamá. Esa experiencia fue clave, me dio el impulso final para terminar la canción. En nuestro más reciente concierto interpretamos por primera vez este tema inédito, que se llama ‘Madre, te debo todo lo que soy’. Una forma de pedir perdón porque en el camino como hijos cometemos muchos errores”, agregó ‘Jonas’, director musical de la banda.

La realización del video estuvo a cargo de Asweka Produce, mientras que el styling y maquillaje fueron obra de The Raven Art. Se espera que las demás canciones del nuevo álbum sean publicadas gradualmente en lo que resta del año.

Organizado por la Alcaldía Local de Usme y la Fundación Starcop Humanity, el evento busca apoyar el talento local, fortalecer la formación artística y proyectar a las bandas hacia escenarios distritales y nacionales.

“Usmetal 2025 no es solo un festival de metal: es un espacio para celebrar la riqueza cultural de Usme, reconocer el talento de nuestros artistas y disfrutar de la música que nos une como comunidad”, destacó Ana Isabel Hortua Salcedo, alcaldesa local (e).

Desde su origen en 1998 y consolidación en 2004, Usmetal se ha convertido en un referente de la cultura alternativa en Bogotá y Colombia, construyendo una tradición que trasciende fronteras y une a la comunidad metalera.

El cartel de este año promete potencia y diversidad sonora:

Artistas principales:

•    VITAM ET MORTEM •    YEOS

Invitados distritales:

•    LUCTURIAN •    MERIDIAN

Bandas de Usme:

•    AZAGOTH •    OVERDOSE •    BETRAYAL OF ANGELS •    YIMARK •    IRONCLAD •    EPITAFIO

La selección de las agrupaciones se realizó junto a la Mesa de Rock de Usme, garantizando un proceso participativo y cercano a los artistas. La iniciativa cuenta con el apoyo de medios especializados como La 5 Metal Extrema, Oráculos y Oscura Radio, además de marcas aliadas. Con más de dos décadas de historia, Usmetal se consolida como el festival de metal más importante del sur de Bogotá y una cita obligada para quienes disfrutan de la música como espacio de encuentro, creatividad y resistencia cultural.

El concierto gratuito se realizará en la localidad de Usme este domingo 17 de agosto de 2025, de 7:00 a. m. a 10:00 p. m., en la Zona Dura (Cancha Múltiple), Urbanización San Pedro de Usme, ubicada en la carrera 7H # 65-00 Sur

Nidia Góngora, cantora e investigadora de la música del Pacífico, y sus compañeras, traen al escenario los sonidos ancestrales de marimba, tambores, alabaos, salves y rezos, en una puesta en escena que honra el poder de las voces femeninas como acto de sanación colectiva.

Nidia Góngora, oriunda de Timbiquí (Cauca), es conocida como una de las figuras más destacadas del folclor del Pacífico colombiano. Estudios y trayectorias como la suya la han convertido en embajadora viviente de su cultura, preservando sonidos ancestrales desde el currulao hasta los alabaos. 

Su espectáculo, parte del Festival Afrodiáspora, es descrito como “una experiencia íntima y profunda que conecta saberes ancestrales, rezos, alabaos y cantos de mujeres como acto de resistencia cultural”. 

En el escenario, Góngora y las Cantoras del Pacífico propondrán una experiencia donde la tradición se encuentra con la innovación. Se escucharán géneros como currulao, bunde, abozao, juga, salves y rezos, interpretados con respeto y energía contemporánea. 

Más allá de su carrera artística, Nidia ha dedicado su voz a la formación de nuevas generaciones. Desde su fundación educativa en Cali, promueve el arte como herramienta de transformación social, uniendo memoria, comunidad y creatividad.

Foto: Semana

Esta noche no es solo un concierto, sino un viaje hacia la raíz, a través de voces que sanan. Recordando que la cultura no solo se escucha, se siente y se interpela. Estar allí es experimentar un puente entre el presente y la memoria viva del territorio.

Recuerde que la cita es el sábado 23 de agosto a las 7: 30 p.m. en el Teatro Colsubsidio. Para más información visite el siguiente link.

Este nuevo trabajo del cantautor colombiano Solo Valencia es un recorrido poético y musical que explora el deseo, la unificación y la búsqueda de totalidad. Presentado recientemente en ‘Amantes del Círculo Polar’, el artista compartió el detrás de este proyecto que marca un giro en su carrera hacia una conexión más directa con el público.

Desde que inició su camino como solista en 2012, Solo Valencia ha construido una carrera sólida entre escenarios de Colombia, América Latina y Europa. Pero este disco, grabado en el mítico estudio El Desierto en las afueras de Ciudad de México, representa un momento clave de madurez artística. “Es la síntesis de muchos años de hacer música. Grabado con mi equipo de hace más de diez años, con mucho cuidado en las letras y el sonido”, expresó en entrevista.

'Sed del Mar' transita por diversos géneros —bolero, bossa nova, pop, reggae— sin perder una identidad propia que lo hace reconocible y fresco a la vez. Pero más allá de la fusión musical, lo que destaca es su intención: “Esta vez me interesó componer canciones más fáciles de cantar, que conecten más con la gente. Quise que fueran recordables, que el público las pueda hacer suyas”, explicó el artista al hablar de la evolución en su manera de componer.

Solo Valencia también reflexionó sobre cómo ha cambiado desde sus primeras grabaciones en 2008: “Antes quería demostrar todo lo que había aprendido como músico, usar la armonía compleja. Pero ahora busco lo contrario: crear desde la sencillez, desde lo que pueda emocionar sin complicar”. Este giro revela no solo madurez artística, sino sensibilidad con su audiencia.

Este sencillo comparte una atmósfera íntima, envolvente y profundamente emocional, que se construye como un viaje sonoro progresivo, donde la canción es una estación para detenerse a sentir. 

Solo Valencia demuestra que se puede hacer música sofisticada sin perder cercanía. En un mundo musical saturado por fórmulas, apuesta por lo auténtico. “Este disco lo grabamos con el corazón. Y ojalá, al escucharlo, puedan encontrar algo que también les pertenezca”, concluyó.