Desde Medellín, la banda Clandestino presenta ‘Haberte Encontrado’, una canción que nace de una experiencia de amor fallido, pero transformada en arte. Liderada por Hana Loaiza y Alex Velásquez, la agrupación conecta con quienes han vivido relaciones intensas y complejas, dejando huella en la memoria emocional de su audiencia. “Contamos historias de la vida real, historias vividas y contadas”, afirman.

Clandestino empezó como un dúo universitario, compartiendo composiciones y autogestionando su sonido. Hoy es una banda consolidada, con Santiago Lopera en el bajo y Santiago Toros en la batería, y una propuesta que crece sin fórmulas ni etiquetas. “Lo primero es estar enamorado de lo que uno hace”, explica Alex, destacando el trabajo autogestionado detrás de cada producción visual y sonora.

‘Haberte Encontrado’ es el reflejo de lo que alguna vez fue una historia de amor. Lejos del cliché, el tema no se instala solo en el despecho, sino en la comprensión profunda de lo que significa soltar. “Esas historias se superan, pero también merecen ser contadas”, afirma Hana, quien tiene un papel central en la composición y del álbum en general.

La banda trabaja en su próximo disco, que se lanzará sencillo por sencillo durante el año. “Este trabajo es para quienes aman, sufren y se preguntan por la vida”, explica Hana. Temas como ‘Nostalgia’, ‘Sera’ y nuevas creaciones que se abordan desde la tristeza del desamor hasta la esperanza frente a desafíos familiares y existenciales. Cada letra tiene un origen íntimo y busca resonar con el público de forma honesta.

Aunque el rock es su base, Clandestino no teme explorar. En este proyecto se permiten jugar con géneros como el bolero, la balada setentera o el neo soul. “Queríamos reflejar todo lo que somos y lo que nos ha influenciado, desde el rock latinoamericano hasta la música de nuestros hogares”, comparten. El resultado: canciones que se sienten cercanas, vivas, con matices únicos.

El videoclip de ‘Haberte Encontrado’, producido por Duck Sessions, ya está disponible en YouTube. Además, Clandestino se prepara para un concierto clave en septiembre, en el Boulevard Asorock de Medellín, mientras planean una gira nacional en 2026. “Este año es para mostrar lo que somos. El próximo, para llevarlo a todos los rincones posibles”, dicen con convicción.

Lo que comenzó como un proyecto entre amigas adolescentes que tocaban en los buses para costear una fiesta de quince años, hoy se convierte en un acto de memoria y sanación. Deysi Cubillos, voz y compositora, lidera DeyCube junto a Luisa, baterista hacen una mezcla de grunge, poesía y emociones crudas.

En sus inicios: “Nathalie y yo queríamos celebrar sus quince. Nos fuimos a los buses con una guitarra, cantamos y la gente nos daba monedas, billetes. Recogíamos como quince mil pesos cada una. Alcanzó para la lechona, el aguardiente, todo”, cuenta Deysi. Así empezó una historia que, sin saberlo, estaba marcando los primeros acordes de una carrera musical.

De las calles a las plataformas: Tras grabar un demo y mantener la música como refugio mientras estudiaban, Deysi y Luisa formalizaron su proyecto. “Un día le dije: o se va conmigo o me voy con otra banda”, recuerda Luisa entre risas. Desde entonces, DeyCube ha grabado seis canciones y está terminando su primer álbum, su próximo lanzamiento, ‘Las palabras precisas’, es un homenaje póstumo que conecta con quienes han amado y perdido.

El alma detrás del proyecto: Más que una amiga, Nathalie fue una parte esencial del inicio musical de Deysi. Tocaron juntas, compusieron y soñaron hasta que la muerte las separó. A ella está dedicada ‘En mis reminiscencias’, canción que ganó un concurso latinoamericano entre más de 150 canciones. “La compuse tres meses después de su partida. Fue mi forma de desahogarme”, relata Deysi.

El nuevo tema que lanzarán, ‘Las palabras precisas’, fue escrita en vida, pero nunca pudo ser cantada de nuevo junto a Nathalie. “Nos habíamos distanciado, y cuando la volví a buscar, ya había fallecido. La canté en su velorio. Sentí que estaba ahí, conmigo, como antes. Fue nuestra reconciliación”, dice Deysi. El nuevo trabajo saldrá en plataformas digitales como YouTube y Spotify en los próximos días, y cerrará su primer álbum de estudio.

Con ‘Las palabras precisas’, DeyCube completa su álbum debut, que recoge emociones, historias y evolución musical. “Cada canción ha sido una forma de entender la vida. Vamos a llevar este proyecto a los festivales y a donde haya corazones abiertos”, asegura Luisa.

Hace 16 años un grupo de amigos formaron en Bogotá los ‘refrigerios musicales’, noches de canciones y tertulias que poco a poco se fueron popularizando en distintos clubes sociales. Lo que nació entre diez amigos creció rápidamente, pasaron a ser grupos de 30, luego 40 y hasta que sin esperarlo, lograron convocar a más de 400 personas en un solo evento.

Detrás de esto, ha estado Jorge Quijano Palacios, un hombre dedicado al negocio inmobiliario, pero amante de la música, quien décadas más tarde presentó al mundo ‘La Gran Tertulia Musical’, proyecto que hoy en día él produce, cuenta con su propia planta de artistas y un espacio propio en el teatro.

“Nosotros tenemos un ingrediente que es clave para cualquier labor: se llama pasión. Ahí entregamos todo de nosotros y esto trasciende a nuestros montajes. Hoy en día, mantenemos un público cercano a las 1000 personas…en esfuerzo y pasión se resume cada función”, contó Quijano en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Dos leyendas se unen: Un gran tributo a Elvis Presley y Los Beatles 

La nueva entrega de ‘La Gran Tertulia Musical’ trata de un espectáculo completamente en vivo que cuenta con un montaje de más de 30 artistas en escena. Incluye una orquesta en formato Big Band, un coro de cuatro voces, dos cantantes y un grupo de bailarines que transportan al público a las maravillosas presentaciones de Elvis en Las Vegas.

Como invitados especiales, tendrán a la reconocida agrupación bogotana ‘Noches de Liverpool’, la cual se destaca por su trayectoria y tradición, quienes se unen a este escenario para rendir un homenaje a los Beatles.

“Este es un espectáculo pensado para disfrutar la música de dos leyendas con el corazón. Más que imitaciones, buscamos rendirles tributo con una puesta en escena cuidada, una orquesta en formato big band y grandes voces. Invitamos también a una agrupación que no solo interpreta los temas de los Beatles, sino que los acerca al público con historias, anécdotas y curiosidades”, agregó el productor.

La cita será los próximos 29 y 30 de agosto desde las 8:00 p.m. en el Teatro Juan Pablo González Pombo. Para conocer más información puedes visitar el siguiente link.

Batier —sí, como Batman y Hércules juntos— presenta su nuevo álbum y revive el alma del rock nacional con un sonido renovado, una historia potente y una misión clara: dejar huella.

El rock colombiano tiene memoria, y esa memoria respira en personas como Edgardo Chávez Bautista, conocido como Batier. Un músico que lleva más de cinco décadas explorando las raíces del sonido nacional y que regresa a tarima con el álbum ‘Tiempo después’, una obra tejida entre anécdotas, disciplina y gratitud. "Yo pienso que con setenta años no tengo que quedarme mirando cómo hacen música los demás, sino estudiar, renovar y poner ese bagaje sonoro sobre la mesa", dice con firmeza.

Batier no nació en la escena musical capitalina, pero la transformó desde adentro. Llegó de Girardot, ‘la costa interior de Colombia´, con la firme decisión de tocar, componer y crecer. Empezó como recogecables, “lo que hoy llaman ‘roady’”, con la legendaria banda Génesis de Colombia. Cuando faltó un músico, lo invitaron a subirse al escenario. “Ahí comenzó todo. Yo ya tocaba y cantaba. Solo esperaba la oportunidad”.

Su nombre artístico nace de un juego de infancia que resume su identidad. “Primero me creí Hércules por un cuento de radio. Luego apareció Batman en la televisión, y ya era Bati-Hércules. Me quedó Batier”. Esa mezcla de fuerza y fantasía lo acompaña hasta hoy, y se siente en sus letras, su voz y su presencia escénica.

Este 2 de agosto, el escenario será Café Cinema, lugar que Batier sueña convertir en epicentro de una nueva escena cultural: “Quisiera que fuera un espacio de lectura, de maquillaje, de teatro. Un lugar donde vuelva a florecer la bohemia”. Allí presentará canciones nuevas, homenajes a Génesis y a León Gieco, y temas propios, una de ellas es ‘Como hojas secas’, escrita una madrugada mientras veía volar hojas por la calle y recordaba que “la hoja es como el espíritu del hombre, empujado por el viento, a veces pisado sin querer”.

Batier no solo canta: forma músicos. A raíz de un accidente en los 90 que casi le cuesta la mano, decidió volver a estudiar guitarra, armonía y blues. “No me dejo doblar”, cuenta. Así nació su nueva agrupación, conformada por varios músicos, con quienes rehízo el sonido de Génesis con arreglos del siglo XXI.

Para él, la música es entrega: “Si a mí me gusta lo que hago y lo hago con honestidad, se lo entrego al oído de la gente. Y si les gusta, la balanza está equilibrada. La alegría es igual y hermosa”. Por eso, este sábado, no solo será un concierto: será una ceremonia de memoria, renovación y arte.

Escribir canciones, interpretarlas en su guitarra y desnudar el alma en las partituras es uno de los dones de María José Mendoza, una joven voz colombiana reconocida por estremecer los corazones de quienes la escuchan.

Nacida en la Puerta de Oro del Atlántico y con una pasión que ejerce desde sus primeros años de infancia, ha logrado colaboraciones con artistas referentes del folclor nacional como Martha Gómez y su himno ‘Seré Guitarra’.

“Aprendí a cantar para decir lo que siento. Mis influencias musicales son variadas, pero todas ellas giran en función de las palabras. Mi música y mis presentaciones buscan evocar un ambiente íntimo, cercano y tranquilo con el público”, contó María José en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Las frases de Gabo: musa de una carta de amor

“Creo que Macondo nació en tu piel... Cada vez que beso tu boca, le llueven cartas a un coronel”, así se resume uno de los momentos más emblemáticos del más reciente sencillo de la artista que llega después de su EP ‘Un Vino y Se Fue’ y temas como ‘Pronóstico’.

“Escribí ‘Macondo’ como una canción muy triste para enviarle a esa persona y decirle: ‘Regresemos, aún te amo’. Mostrarla al público fue un reto, como desnudarme frente a ellos. Lo más impactante fue descubrir que muchas personas se identificaron con esa carta sin respuesta, con ese amor que ya no te elige”, agregó María José.

Obras como ‘Cien Años de Soledad’, ‘Amor en los tiempos del Cólera’ y ‘El Coronel no tiene quien le escriba’ inspiraron este tema que emerge entre la súplica y el perdón: “Acepto todas las culpas porque es cierto, llevaba una daga en el pecho desde aquel día que me aleje”, es otra de sus icónicas frases.

María José está preparando otras dos canciones para el transcurso del año y espera tener un concierto en vivo e íntimo con el público bogotano.

La música clásica no siempre es solemnidad. A veces es juego, imágenes, movimiento y emociones que flotan más allá de las notas. El Circuito Clásico de Compensar lo sabe, y por eso, este sábado 2 de agosto invita al público a un recital donde la luz, la escenografía y la música construyen una atmósfera onírica. Un espacio en el que se puede viajar desde el bosque de un fauno soñador hasta el cielo sereno de Mahler.

El concierto inicia con ‘Preludio a la siesta de un fauno’ de Debussy, en versión de Schönberg, una obra que revolucionó el lenguaje musical y que, en esta puesta en escena, se verá acompañada de proyecciones y luminotecnia para envolver al público en el mundo del fauno y sus ninfas. Una forma lúdica y sensorial de aproximarse a la música desde la imaginación.

Luego llega el turno de la Sinfonía n.º 4 de Gustav Mahler, adaptada por Erwin Stein. Esta obra, basada en los poemas del Cuerno Mágico de la Juventud, se aleja del dramatismo de las primeras sinfonías y apuesta por un formato más íntimo, casi de cámara. Se trata de un viaje hacia la inocencia, el amor y la trascendencia. Una sinfonía que no se escucha, se vive: “es como mirar el cielo desde los ojos de un niño”, como sugiere la programación.

El concierto incluye además una joya poético-musical poco conocida: ‘Wer hat dies Liedlein erdacht?’, una canción que forma parte del mismo universo de Mahler, y que será interpretada por la soprano colombiana Manuela Tamayo, una de las voces con más proyección del país. Su sensibilidad vocal promete dar una nueva dimensión a esta pieza que, más que cantarse, se murmura con el alma.

Para cerrar la noche, sonará ‘Estrellita’, del compositor mexicano Manuel María Ponce, en versión para voz y piano. Una obra que conecta directamente con la ternura, la memoria y la mirada del niño interior. Un epílogo sonoro que invita a recordar lo que alguna vez se sintió antes de crecer, y que demuestra que la música clásica también puede ser una caricia emocional.

La puesta en escena, dirigida por Luis Felipe Calero Pérez, complementará la experiencia musical con un enfoque artístico contemporáneo. Con el apoyo del Ensamble de Cámara de la Orquesta Sinfónica de Bogotá, se crea un espacio donde la música deja de ser formalismo y se convierte en juego, recuerdo, emoción y descubrimiento. Para quienes creen que la música clásica es lejana, este concierto será una forma inesperada y profundamente estética de acercarse a ella.

Once artistas nacionales, tres reyes vallenatos y cuatro agrupaciones distritales serán protagonistas durante el próximo fin de semana en el Parque Simón Bolívar. La guacharaca, la guitarra, la caja y el acordeón se unen para darle la bienvenida por segundo año a las raíces sonoras del Caribe Colombiano.

La historia de un género que nació como crónica cantada y se convirtió en el noticiero rural de diversas comunidades retumba en la ciudad, manteniendo firme la alianza con el Festival de la Leyenda Vallenata.

“Este es el componente que busca presentar las raíces de este género en su organología tradicional, en la que se muestra el virtuosismo de sus intérpretes ejecutando los cuatro aires del vallenato: paseo, son, merengue y puya”, explicó Édgar Ibarra, curador del Festival.

¡A parrandear se dijo! Detalles de la programación

La cita será el próximo sábado 2 de agosto desde las 6:00 p.m. y se abrirán las puertas el domingo para todo el público a las 11:00 a.m. 

-    Voces que han traspasado fronteras: Entre los artistas invitados se encuentran destacados intérpretes como Jorge Celedón, ganador de varios Latin Grammy, Poncho Zuleta, figura emblemática del folclor colombiano y símbolo del espíritu juglaresco, quien rendirá un homenaje a su dinastía familiar.

-    De los más sonados en el vallenato moderno: La parrilla contará también con la participación de Karen Lizarazo, una de las voces femeninas más relevantes del género; Penchy Castro, conocido por éxitos como ‘Me tocó perder’, ‘Te lo pido a gritos’ y ‘Celoso’; Álex Manga, ex vocalista de Los Diablitos; Peter Manjarrés, con un repertorio que conecta varias generaciones y Daniel Calderón y Los Gigantes quienes ofrecerán una visión urbana del vallenato romántico.

-    Una nómina que ha hecho historia: El Mono Zabaleta, Churo Díaz, El Puma Vallenato y Orlando Liñán reúnen sus voces para marcar la esencia de un vallenato que emociona, evoluciona y sigue conquistando públicos de todas las edades.

-    ¡A gozar la corona! Presencia de los reyes vallenatos: El evento contará con la presencia de los artistas coronados en 2025: Iván Zuleta (Rey Profesional), Gregorio Javier Gutiérrez (Rey Aficionado) y María José Arias (Reina Menor). Su participación busca garantizar la presencia de las raíces del género, representadas en la tradición oral, los aires clásicos y el virtuosismo instrumental.

La mezcla de culturas con las agrupaciones distritales: Las DVG, Vallenato: de la juglaría a la modernidad, Édgar Bermúdez Organización Vallenata y El Checha Camelo son los proyectos ganadores de la Beca Festival Vallenato al Parque 2025. Cada uno aporta una mirada distinta del vallenato que hoy florece en Bogotá, entre tradición y nuevas expresiones.

Conozca la programación completa:

Sábado 2 de agosto

Domingo 3 de agosto 

Para conocer más detalles puede visitar el siguiente link.

Detrás de las canciones que mueven emociones hay historias que sanan. Así lo demuestra Iván Brown, cantautor y psicólogo que nos visitó para contar cómo su trayectoria artística se ha entrelazado con su propósito de vida: transformar desde la música, visibilizar la inclusión y dejar un legado que inspire a otros. Su más reciente sencillo, ‘Ángel’, no solo tiene una melodía poderosa, sino una historia real que conecta desde lo más profundo.

“Yo quería ser ese cantante que viajaba por todo el mundo con su banda y su pelo largo, pero la vida me llevó por otro camino”, contó entre risas. El giro llegó cuando trabajó por primera vez con personas con discapacidad cognitiva y comprendió el potencial terapéutico de la música. “Ahí encontré otro camino para mí, porque puedo usar la música para cambiar personas, para enseñarles a soñar”, dijo emocionado.

“’Ángel’ surgió de una experiencia personal: Iván y su esposa intentaron adoptar una niña con síndrome de Down, pero no lograron completar el proceso. Tiempo después, y contra todo pronóstico médico, su esposa quedó embarazada. Así nació Salomé. “Esa canción la escribí para esa niña que nunca llegó, pero que después se convirtió en mi hija. Hoy ella es mi ángel y el motor de todo lo que hago”, expresó conmovido.

Este relato de vida no se queda en lo personal: se proyecta en su banda La Baraja 123, un colectivo musical incluyente donde participan personas en condición de discapacidad. “No hay muchos espacios laborales para esta población, así que decidí abrir uno, pero con calidad y dignidad, no desde la lástima”, afirmó. Para Iván, sus estudiantes y colegas no son beneficiarios, son artistas y maestros que enriquecen cada presentación.

El álbum ‘Diferentes’ reúne diez canciones grabadas en vivo que narran veinte años de vivencias, aciertos, errores y aprendizajes. Entre ellas, una destaca por su toque autobiográfico y humorístico: ‘La suegra’, inspirada en una antigua relación. “No fue la suegra actual, lo aclaro —dijo entre carcajadas— pero fue una que me marcó tanto que hasta canción le escribí... y años después hicimos las paces”.

Iván también anunció una obra de teatro incluyente que se estrenará en el Teatro Bernardo Romero Lozano, titulada ‘Barajando el destino’, protagonizada por sus estudiantes. “La música cuenta la historia, y los actores son chicos en condición de discapacidad cognitiva. Es mi forma de dejar un legado”, concluyó. Un proyecto que va más allá del escenario y se convierte en plataforma de transformación social.  

Una canción que une dos mundos: la potencia narrativa del anime y la sensibilidad sonora de una banda multipremiada.

La música puede ser puente entre culturas, y eso lo demuestra OneRepublic con su nuevo sencillo ‘Beautiful Colors (From Kaiju No.8)’. La banda estadounidense se adentra en el universo del animé japonés al ser elegida, una vez más, para cerrar con fuerza emocional la segunda temporada de Kaiju No.8, uno de los títulos más comentados de la animación actual. No se trata de una colaboración común, es un ejemplo de cómo la música internacional potencia narrativas orientales y conecta audiencias diversas.

Este es el tercer tema que la agrupación lanza para Kaiju No.8, tras los ya exitosos ‘Invincible’ y ‘Nobody’, canciones que han superado los 500 millones de reproducciones en conjunto. Con ‘Beautiful Colors’, OneRepublic continúa construyendo un puente creativo entre el pop occidental y la intensidad dramática del animé, algo que no suele verse en colaboraciones de este tipo. Este cruce artístico ofrece a las audiencias la oportunidad de descubrir nuevas emociones a través de sonidos globales.

El impacto no solo está en las cifras de streaming, sino también en la forma en que estos lanzamientos amplifican el contenido audiovisual. La canción se convierte en el vehículo perfecto para cerrar cada episodio con un tono melancólico, pero esperanzador, lo que enriquece la experiencia emocional de los seguidores del animé. Es un recurso que transforma la música en parte de la trama, y no simplemente en un fondo sonoro.

OneRepublic, liderado por Ryan Tedder, lleva años consolidando su lugar en la escena global con hits como ‘Apologize’, ‘Counting Stars’ y ‘I Ain’t Worried’. Pero su incursión en el universo del anime representa algo más: una manera de reinventarse, de ampliar horizontes y de conectarse con una nueva generación de oyentes que encuentra en el animé una forma de expresión poderosa.

Además, esta colaboración llega en un momento de gran actividad para la banda. En 2024 lanzaron ‘I Don’t Wanna Wait’ junto a David Guetta, sumaron millones de reproducciones y estrenaron su sexto álbum, ‘Artificial Paradise’, que ya tiene versión deluxe con colaboraciones sorprendentes. También han unido fuerzas con artistas de distintas latitudes, como Kygo, Jelly Roll, Ikky y Karan Aujla, mostrando su versatilidad y apertura sonora.

La ciudad de Colón, Panamá, vio nacer a Liz Grimaldo, una pequeña niña con dos grandes talentos: la actuación y la música. Su carrera se consolidó en la televisión y luego dio un salto a la gran pantalla con películas como ‘Algo Azul’ y la serie de Telemundo ‘Al Otro Lado del Muro’.

Pero más allá de las cámaras y el carácter fuerte que la representa, su esencia es dulce y la resiliencia se ha convertido en su mayor arma. Una guitarra y su inspiración han sido sus fieles compañeras y las terapeutas de las crisis más audaces de su vida.

De allí surge ‘Garabatos’ un EP que recorre un mapa emocional a través de seis canciones partiendo desde el silencio, la sanación y el renacimiento.

“Cada canción representa una etapa emocional, y hay una en particular que habla de esa recaída que muchas personas experimentan en pleno proceso de duelo. El luto no es lineal, a veces vuelves al mismo lugar para recordar por qué saliste de ahí. Esa canción es ese lugar. Le puse ‘Garabatos’ al EP porque eso era justo lo que escribía en mi agenda en ese momento: garabatos que luego se convirtieron en canciones”, recordó Liz en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Garabatos’ recopila títulos como ‘Mi Versión’, ‘Respirar Despacio’, ‘Dos Pies Izquierdos’, ‘Solo Yo’ y ‘Circo’, esta última inspirada en el obstáculo que aparece justo antes de recuperar el centro.

“Malabares hago por los dos y este circo de amor se acabó” es una de las frases más icónicas de esta creación que cuenta con un videoclip basado en un momento de intimidad y deseo profundo de reconstrucción.

“Es ese desgaste emocional que intentamos disfrazar de amor. Este tema representa ese momento en que una persona finalmente dice basta, se baja del escenario y cierra el telón de un espectáculo que solo ella sostenía”, agregó la artista.

La producción fue liderada por el productor Marcos Sánchez desde Puerto Rico, la nueva casa de Grimaldo. La cantautora en este momento recorre Colombia para llevar su música a muchos corazones.