La música clásica no siempre es solemnidad. A veces es juego, imágenes, movimiento y emociones que flotan más allá de las notas. El Circuito Clásico de Compensar lo sabe, y por eso, este sábado 2 de agosto invita al público a un recital donde la luz, la escenografía y la música construyen una atmósfera onírica. Un espacio en el que se puede viajar desde el bosque de un fauno soñador hasta el cielo sereno de Mahler.

El concierto inicia con ‘Preludio a la siesta de un fauno’ de Debussy, en versión de Schönberg, una obra que revolucionó el lenguaje musical y que, en esta puesta en escena, se verá acompañada de proyecciones y luminotecnia para envolver al público en el mundo del fauno y sus ninfas. Una forma lúdica y sensorial de aproximarse a la música desde la imaginación.

Luego llega el turno de la Sinfonía n.º 4 de Gustav Mahler, adaptada por Erwin Stein. Esta obra, basada en los poemas del Cuerno Mágico de la Juventud, se aleja del dramatismo de las primeras sinfonías y apuesta por un formato más íntimo, casi de cámara. Se trata de un viaje hacia la inocencia, el amor y la trascendencia. Una sinfonía que no se escucha, se vive: “es como mirar el cielo desde los ojos de un niño”, como sugiere la programación.

El concierto incluye además una joya poético-musical poco conocida: ‘Wer hat dies Liedlein erdacht?’, una canción que forma parte del mismo universo de Mahler, y que será interpretada por la soprano colombiana Manuela Tamayo, una de las voces con más proyección del país. Su sensibilidad vocal promete dar una nueva dimensión a esta pieza que, más que cantarse, se murmura con el alma.

Para cerrar la noche, sonará ‘Estrellita’, del compositor mexicano Manuel María Ponce, en versión para voz y piano. Una obra que conecta directamente con la ternura, la memoria y la mirada del niño interior. Un epílogo sonoro que invita a recordar lo que alguna vez se sintió antes de crecer, y que demuestra que la música clásica también puede ser una caricia emocional.

La puesta en escena, dirigida por Luis Felipe Calero Pérez, complementará la experiencia musical con un enfoque artístico contemporáneo. Con el apoyo del Ensamble de Cámara de la Orquesta Sinfónica de Bogotá, se crea un espacio donde la música deja de ser formalismo y se convierte en juego, recuerdo, emoción y descubrimiento. Para quienes creen que la música clásica es lejana, este concierto será una forma inesperada y profundamente estética de acercarse a ella.

Once artistas nacionales, tres reyes vallenatos y cuatro agrupaciones distritales serán protagonistas durante el próximo fin de semana en el Parque Simón Bolívar. La guacharaca, la guitarra, la caja y el acordeón se unen para darle la bienvenida por segundo año a las raíces sonoras del Caribe Colombiano.

La historia de un género que nació como crónica cantada y se convirtió en el noticiero rural de diversas comunidades retumba en la ciudad, manteniendo firme la alianza con el Festival de la Leyenda Vallenata.

“Este es el componente que busca presentar las raíces de este género en su organología tradicional, en la que se muestra el virtuosismo de sus intérpretes ejecutando los cuatro aires del vallenato: paseo, son, merengue y puya”, explicó Édgar Ibarra, curador del Festival.

¡A parrandear se dijo! Detalles de la programación

La cita será el próximo sábado 2 de agosto desde las 6:00 p.m. y se abrirán las puertas el domingo para todo el público a las 11:00 a.m. 

-    Voces que han traspasado fronteras: Entre los artistas invitados se encuentran destacados intérpretes como Jorge Celedón, ganador de varios Latin Grammy, Poncho Zuleta, figura emblemática del folclor colombiano y símbolo del espíritu juglaresco, quien rendirá un homenaje a su dinastía familiar.

-    De los más sonados en el vallenato moderno: La parrilla contará también con la participación de Karen Lizarazo, una de las voces femeninas más relevantes del género; Penchy Castro, conocido por éxitos como ‘Me tocó perder’, ‘Te lo pido a gritos’ y ‘Celoso’; Álex Manga, ex vocalista de Los Diablitos; Peter Manjarrés, con un repertorio que conecta varias generaciones y Daniel Calderón y Los Gigantes quienes ofrecerán una visión urbana del vallenato romántico.

-    Una nómina que ha hecho historia: El Mono Zabaleta, Churo Díaz, El Puma Vallenato y Orlando Liñán reúnen sus voces para marcar la esencia de un vallenato que emociona, evoluciona y sigue conquistando públicos de todas las edades.

-    ¡A gozar la corona! Presencia de los reyes vallenatos: El evento contará con la presencia de los artistas coronados en 2025: Iván Zuleta (Rey Profesional), Gregorio Javier Gutiérrez (Rey Aficionado) y María José Arias (Reina Menor). Su participación busca garantizar la presencia de las raíces del género, representadas en la tradición oral, los aires clásicos y el virtuosismo instrumental.

La mezcla de culturas con las agrupaciones distritales: Las DVG, Vallenato: de la juglaría a la modernidad, Édgar Bermúdez Organización Vallenata y El Checha Camelo son los proyectos ganadores de la Beca Festival Vallenato al Parque 2025. Cada uno aporta una mirada distinta del vallenato que hoy florece en Bogotá, entre tradición y nuevas expresiones.

Conozca la programación completa:

Sábado 2 de agosto

Domingo 3 de agosto 

Para conocer más detalles puede visitar el siguiente link.

Detrás de las canciones que mueven emociones hay historias que sanan. Así lo demuestra Iván Brown, cantautor y psicólogo que nos visitó para contar cómo su trayectoria artística se ha entrelazado con su propósito de vida: transformar desde la música, visibilizar la inclusión y dejar un legado que inspire a otros. Su más reciente sencillo, ‘Ángel’, no solo tiene una melodía poderosa, sino una historia real que conecta desde lo más profundo.

“Yo quería ser ese cantante que viajaba por todo el mundo con su banda y su pelo largo, pero la vida me llevó por otro camino”, contó entre risas. El giro llegó cuando trabajó por primera vez con personas con discapacidad cognitiva y comprendió el potencial terapéutico de la música. “Ahí encontré otro camino para mí, porque puedo usar la música para cambiar personas, para enseñarles a soñar”, dijo emocionado.

“’Ángel’ surgió de una experiencia personal: Iván y su esposa intentaron adoptar una niña con síndrome de Down, pero no lograron completar el proceso. Tiempo después, y contra todo pronóstico médico, su esposa quedó embarazada. Así nació Salomé. “Esa canción la escribí para esa niña que nunca llegó, pero que después se convirtió en mi hija. Hoy ella es mi ángel y el motor de todo lo que hago”, expresó conmovido.

Este relato de vida no se queda en lo personal: se proyecta en su banda La Baraja 123, un colectivo musical incluyente donde participan personas en condición de discapacidad. “No hay muchos espacios laborales para esta población, así que decidí abrir uno, pero con calidad y dignidad, no desde la lástima”, afirmó. Para Iván, sus estudiantes y colegas no son beneficiarios, son artistas y maestros que enriquecen cada presentación.

El álbum ‘Diferentes’ reúne diez canciones grabadas en vivo que narran veinte años de vivencias, aciertos, errores y aprendizajes. Entre ellas, una destaca por su toque autobiográfico y humorístico: ‘La suegra’, inspirada en una antigua relación. “No fue la suegra actual, lo aclaro —dijo entre carcajadas— pero fue una que me marcó tanto que hasta canción le escribí... y años después hicimos las paces”.

Iván también anunció una obra de teatro incluyente que se estrenará en el Teatro Bernardo Romero Lozano, titulada ‘Barajando el destino’, protagonizada por sus estudiantes. “La música cuenta la historia, y los actores son chicos en condición de discapacidad cognitiva. Es mi forma de dejar un legado”, concluyó. Un proyecto que va más allá del escenario y se convierte en plataforma de transformación social.  

Una canción que une dos mundos: la potencia narrativa del anime y la sensibilidad sonora de una banda multipremiada.

La música puede ser puente entre culturas, y eso lo demuestra OneRepublic con su nuevo sencillo ‘Beautiful Colors (From Kaiju No.8)’. La banda estadounidense se adentra en el universo del animé japonés al ser elegida, una vez más, para cerrar con fuerza emocional la segunda temporada de Kaiju No.8, uno de los títulos más comentados de la animación actual. No se trata de una colaboración común, es un ejemplo de cómo la música internacional potencia narrativas orientales y conecta audiencias diversas.

Este es el tercer tema que la agrupación lanza para Kaiju No.8, tras los ya exitosos ‘Invincible’ y ‘Nobody’, canciones que han superado los 500 millones de reproducciones en conjunto. Con ‘Beautiful Colors’, OneRepublic continúa construyendo un puente creativo entre el pop occidental y la intensidad dramática del animé, algo que no suele verse en colaboraciones de este tipo. Este cruce artístico ofrece a las audiencias la oportunidad de descubrir nuevas emociones a través de sonidos globales.

El impacto no solo está en las cifras de streaming, sino también en la forma en que estos lanzamientos amplifican el contenido audiovisual. La canción se convierte en el vehículo perfecto para cerrar cada episodio con un tono melancólico, pero esperanzador, lo que enriquece la experiencia emocional de los seguidores del animé. Es un recurso que transforma la música en parte de la trama, y no simplemente en un fondo sonoro.

OneRepublic, liderado por Ryan Tedder, lleva años consolidando su lugar en la escena global con hits como ‘Apologize’, ‘Counting Stars’ y ‘I Ain’t Worried’. Pero su incursión en el universo del anime representa algo más: una manera de reinventarse, de ampliar horizontes y de conectarse con una nueva generación de oyentes que encuentra en el animé una forma de expresión poderosa.

Además, esta colaboración llega en un momento de gran actividad para la banda. En 2024 lanzaron ‘I Don’t Wanna Wait’ junto a David Guetta, sumaron millones de reproducciones y estrenaron su sexto álbum, ‘Artificial Paradise’, que ya tiene versión deluxe con colaboraciones sorprendentes. También han unido fuerzas con artistas de distintas latitudes, como Kygo, Jelly Roll, Ikky y Karan Aujla, mostrando su versatilidad y apertura sonora.

La ciudad de Colón, Panamá, vio nacer a Liz Grimaldo, una pequeña niña con dos grandes talentos: la actuación y la música. Su carrera se consolidó en la televisión y luego dio un salto a la gran pantalla con películas como ‘Algo Azul’ y la serie de Telemundo ‘Al Otro Lado del Muro’.

Pero más allá de las cámaras y el carácter fuerte que la representa, su esencia es dulce y la resiliencia se ha convertido en su mayor arma. Una guitarra y su inspiración han sido sus fieles compañeras y las terapeutas de las crisis más audaces de su vida.

De allí surge ‘Garabatos’ un EP que recorre un mapa emocional a través de seis canciones partiendo desde el silencio, la sanación y el renacimiento.

“Cada canción representa una etapa emocional, y hay una en particular que habla de esa recaída que muchas personas experimentan en pleno proceso de duelo. El luto no es lineal, a veces vuelves al mismo lugar para recordar por qué saliste de ahí. Esa canción es ese lugar. Le puse ‘Garabatos’ al EP porque eso era justo lo que escribía en mi agenda en ese momento: garabatos que luego se convirtieron en canciones”, recordó Liz en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Garabatos’ recopila títulos como ‘Mi Versión’, ‘Respirar Despacio’, ‘Dos Pies Izquierdos’, ‘Solo Yo’ y ‘Circo’, esta última inspirada en el obstáculo que aparece justo antes de recuperar el centro.

“Malabares hago por los dos y este circo de amor se acabó” es una de las frases más icónicas de esta creación que cuenta con un videoclip basado en un momento de intimidad y deseo profundo de reconstrucción.

“Es ese desgaste emocional que intentamos disfrazar de amor. Este tema representa ese momento en que una persona finalmente dice basta, se baja del escenario y cierra el telón de un espectáculo que solo ella sostenía”, agregó la artista.

La producción fue liderada por el productor Marcos Sánchez desde Puerto Rico, la nueva casa de Grimaldo. La cantautora en este momento recorre Colombia para llevar su música a muchos corazones.

Compositores como Verdi, Puccini, Bellini, Mozart y Saint-Saëns reviven en la capital colombiana. Sus obras consideradas como pilares de la lírica mundial serán interpretadas al estilo de las ‘Bellas Voces de la Ópera Italiana’.

Carlo María Cantoni, Giuseppe Tedeschi y María Ratkova  quien nos acompaño en el programa 'Amantes del Circulo Polar' para hablarnos acerca del evento que ofrecerá un viaje que partirá desde la cuna del ‘bel canto’ hasta los teatros argentinos. Tanto en solitario como en dúos y tríos, los artistas mezclarán sus voces con una escenografía minimalista y elegante, la iluminación teatral adaptada a cada pieza y un pianista acompañante en vivo de renombre europeo.

‘Bellas Voces de la Ópera Italiana’ es más que un espectáculo: Es un encuentro con la historia del arte, una celebración de la voz humana y una puerta de entrada a las emociones más profundas a través de la música. En tiempos donde lo efímero gobierna, esta gala invita a reconectarse con lo eterno”, señaló el comunicado oficial de lanzamiento.

¿Cuál será el repertorio?

Entre las piezas que se interpretarán se encuentran célebres arias de la ópera como “La donna è mobile” de Rigoletto(Verdi), “Oh mio babbino caro” de Gianni Schicchi (Puccini), “Mon cœur s’ouvre à ta voix” de Samson et Dalila (Saint-Saëns), “Casta Diva” de Norma (Bellini), “Recondita armonia” de Tosca (Puccini), “Di Provenza il mar” de La Traviata(Verdi), “Stride la vampa” de Il Trovatore (Verdi) y “Madamina, il catalogo è questo” de Don Giovanni (Mozart).

¡Hablemos de los artistas!

Algunos detalles de las tres voces protagonistas son:

Carlos María Cantoni (Barítono): Se trata de una de las voces más aclamadas de Italia, estrella habitual de la Arena de Verona, con actuaciones en teatros de Europa, Asia y América. Se le referencia como especialista en Verdi y Puccini.

María Ratkovi (Mezzosoprano): Solista por más de una década del Teatro de la Ópera de Roma, ha recorrido los más importantes teatros de Europa y América. Reconocida por la intensidad de su interpretación, su versatilidad escénica y una voz cálida y poderosa. 

Giuseppe Tedeschi (Tenor): Con más de 30 años como tenor principal en la Ópera de Roma y actual director artístico del Coro del Vaticano, es una leyenda viva del canto italiano. Su repertorio incluye los grandes roles del tenor lírico-spinto como Cavaradossi, Alfredo, Radamés y Calaf. 

Una sola noche: un público que vibra al compás de la ópera 

La cita será de única función y tendrá lugar el próximo 31 de julio en el Teatro William Shakespeare. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

Nick Murphy, el hombre detrás de Chet Faker, lanza un nuevo sencillo cargado de emociones crudas. En ‘Far Side of the Moon’, canta sobre lo que pasa cuando una persona se entrega tanto a una relación que termina perdiéndose en ella. No es una balada más: es un viaje musical que mezcla poesía, nostalgia y honestidad brutal.

La canción dura apenas tres minutos, pero logra situar al oyente en una atmósfera flotante, como si se estuviera en el lado oscuro de la luna. La voz suave y desgarrada de Chet se mezcla con sonidos electrónicos y una letra que golpea donde más duele. Él mismo lo explica así: “Trata de estirarte demasiado por alguien a quien amas hasta el punto de que no es sano para la relación en absoluto”.

Desde que explotó en 2011 con su primer EP, ‘Thinking in Textures’, Chet Faker no ha parado de evolucionar. Su estilo mezcla lo íntimo con lo experimental, y eso lo ha llevado a colaborar con artistas como Flume y Marcus Marr, y a publicar varios álbumes aclamados bajo su propio nombre.

Su versión de ‘No Diggity’ lo catapultó a la fama mundial y su disco ‘Built on Glass’ lo posicionó como una figura clave del pop alternativo. Pero nunca se ha quedado en un solo lugar. Con cada lanzamiento, Chet Faker demuestra que lo suyo es reinventarse sin perder la esencia.

En ‘Far Side of the Moon’ vuelve al alias con el que se hizo famoso, pero trae algo nuevo. Es como si estuviera cerrando un ciclo y abriendo otro al mismo tiempo. Es un recordatorio de que la música también puede ser un espacio para sanar, para soltar lo que duele y entender lo que se fue. Para quienes alguna vez han sentido que amaron tanto que se olvidaron de sí mismos. No se trata de melodrama, sino de reconocer las emociones que a veces se prefieren callar.  

El 16 de agosto, las bandas sonoras de Hans Zimmer cobrarán vida en Bogotá en un concierto sinfónico que lo llevará al corazón de sus películas favoritas. No es solo música: es cine en estado puro, tocado en directo.

Hans Zimmer desde los años setenta su carrera ha marcado la evolución de la música para cine. Es conocido por integrar sonidos electrónicos con arreglos sinfónicos ‑ orquestales, un estilo que ha definido más de 150 películas, Ganador de 2 Oscar —por El Rey León (1994) y Dune (2021)—, también ha recibido Globos de Oro, BAFTA, Grammys y Emmys.

Su obra incluye bandas sonoras emblemáticas: Gladiator, Inception, Interstellar, Piratas del Caribe, Batman: El caballero de la noche y, por supuesto, El Rey León y Dune. Su uso del sonido “BRAAAM”, un fuerte viento de metal que crea tensión monumental, se volvió característico en tráilers modernos. Estas obras se destacan por su carácter épico, su estructura orquestal y su capacidad de crear atmósferas narrativas a través del sonido.

Zimmer fundó Remote Control Productions, una firma dedicada a componer para cine que ha trabajado en sagas como Piratas del Caribe, Iron Man y Batman Begins. Allí colabora con otros artistas, amplificando su influencia y formando de nuevas generaciones de compositores.

Este evento es una invitación a profundizar en cómo la música puede transformar las emociones y conectar lo tecnológico con lo artístico. Si le gusta el cine, la música o simplemente quiere entender mejor por qué Hans Zimmer es un referente del siglo XXI, este concierto en Bogotá es una oportunidad perfecta. La presentación ‘La Música de Hans Zimmer’ se llevará a cabo el sábado 16 de agosto de 2025 a las 7: 00 p.m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, en el escenario estarán presentes una orquesta con 45 músicos quienes interpretarán en vivo las bandas sonoras más icónicas del compositor.

Vecinos, amigos y habitantes del barrio Aranjuez, en pleno corazón de la capital antioqueña, se unieron para presentar al mundo ‘Pillo’, canción acompañada de un videoclip que relata la historia de los barrios populares de Colombia y evidencia las problemáticas que persisten desde hace décadas.

Un rugido en contra de la indiferencia se escucha en su letra y las calles siguen siendo la inspiración de Henry Arteaga, conocido como JKE. Un hombre que lleva más de 26 años en la escena musical y hoy en día se dedica a impulsar el hip hop como un género catalizador de vidas.

“Yo creo que cada ser humano es un pueblo, porque todos hemos enfrentado dificultades. La palabra ‘pillo’ suele usarse para señalar a quienes, desde sus habilidades, hacen algo —a veces bueno, a veces no—, pero casi siempre se asocia con la gente de los barrios más bajos. Nadie se detiene a analizar lo que pasa arriba: en el Congreso, en la Fuerza Pública. Pillos hay en todos lados”, expresó JKE en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Esta producción busca ser tanto una crónica lírica como una experiencia audiovisual, explorando la diversidad sonora de los barrios del país a través de la mirada del artista. Además, abre paso a su próximo y tercer álbum ‘Aranhood de Borondo’.

Hoy en día, JKE es conocido por liderar una de las escuelas de hip hop más grandes del mundo, ‘4Eskuela’. Desde allí, busca resignificar el propósito de cientos de jóvenes y extender el talento nacional al mundo.

“Aranjuez es mi maestra, escuela y universidad; me ha enseñado a vivir y subsistir en mi territorio. Buscamos resaltar lo que nos representa como barrio: la comunidad, el extender la mano al vecino, eso que realmente construye desarrollo. Me crie aquí, y a quién más podría aportar mi saber. En esta escuela hay espacio para el breaking, el graffiti y el rap, la conexión que tengo con este lugar es única”, agregó el artista.

‘Pillo’ llega a la escena luego de ‘Narcopoli$’, primer debut de JKE como solista, su álbum A.R.T.E.A.G.A y su segundo disco experimental conocido como ‘Otro Lugar’. Su música se puede disfrutar en todas las plataformas.

Asistir a Ópera Queen significa vivir los clásicos de Freddie Mercury como nunca: ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Somebody to Love’, ‘Don’t Stop Me Now’ y ‘We Are the Champions’, se transforman en una paleta orquestal que potencia su carga emocional y melódica. La combinación de guitarras legendarias con metales, cuerdas y un coro juvenil multiplica el impacto sonoro y convierte cada tema en una vivencia épica. 

Más de un centenar de intérpretes estarán en escena, incluidos la Orquesta Filarmónica de Mujeres y el Coro Filarmónico Juvenil, bajo la batuta de la directora invitada María Camila Barbosa y la dirección coral de Johanna Molano. Para el público joven, presenciar tanto talento reunido es inspirador: demuestra que la disciplina académica y la pasión por el rock pueden coexistir y abrir nuevos caminos profesionales en la industria cultural. 

La producción técnica del espectáculo garantiza proyecciones visuales, iluminación y sonido de estándar internacional. Los asistentes no solo disfrutarán de un concierto; experimentarán un montaje multisensorial que enriquece la apreciación musical y estimula la creatividad, ideal para quienes buscan ideas frescas en proyectos artísticos, audiovisuales o de emprendimiento cultural. 

La cita será este 31 de julio en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán a las 8: 00 p.m.