Será un concierto que promete ser un viaje sonoro hacia las raíces de América Latina, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un mismo escenario.  

La música de María Cristina Plata no se queda en lo superficial; es una invitación a redescubrir los sonidos que forman parte de la memoria colectiva del continente. Con instrumentos como el requinto, el contrabajo y las guitarras, la propuesta va más allá de un espectáculo: Es una experiencia de conexión emocional y cultural que resuena en quienes buscan algo auténtico. 

La artista ha sido reconocida por su talento a nivel internacional, llegando incluso a ser destacada por la revista Forbes tras aparecer en Times Square, Nueva York. Este tipo de reconocimientos no solo avalan su carrera, sino que también refuerzan la importancia de ver en vivo a una creadora que ha puesto el nombre de Colombia en escenarios globales. 

La presentación será además un punto de encuentro entre generaciones. La obra ‘Casi Te Creo’, su cuarto álbum, dialoga con la tradición latinoamericana desde una mirada contemporánea. En cada canción se percibe la intención de rescatar lo esencial de la música popular, pero con la frescura de una artista que entiende las inquietudes del presente. 

Quienes asistan tendrán la oportunidad de vivir la música de una manera íntima y genuina. No se trata únicamente de escuchar canciones, sino de sentir la energía de una propuesta que combina la fuerza de la interpretación con la delicadeza de lo orgánico, como si cada acorde estuviera diseñado para hablar directamente al corazón. 

Esta fecha marca un nuevo capítulo en la música en vivo de la ciudad. Será el inicio de conversaciones, recuerdos y emociones compartidas que solo un show con estas características puede ofrecer.  

La cita es el 4 de octubre a las 7: 30 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. 

Desde la Laguna de Guatavita se escucha el sonido de Gaita Loop y Beny Esguerra, sus letras escritas en Spanglish, con jerga urbana del hip hop y palabras en ‘Muysccubun’ (lengua muisca), renacen entre las aguas como una apuesta por la descolonización lingüística. 

A través de diez canciones proponen una reinterpretación sonora, poética y política de la leyenda del Dorado. Inspirados en la ceremonia del cacique muisca, devuelven al “oro” su significado ancestral: Ofrenda, fertilidad, conexión con la Madre Tierra y el cosmos. 

““No escribimos en un único idioma porque no venimos de un solo mundo. El Spanglish, el muysccubun y la jerga del barrio son nuestras lenguas vivas; cantarlas es un acto de memoria, resistencia y sanación. Este trabajo nace de un proceso profundo de creación colectiva que compartimos entre abril de 2024 y agosto de 2025”, explicó Beny Esguerra, uno de los directores del proyecto en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’. 

¡Dos colectivos artísticos, una misma visión musical! 

‘Somos el Dorado’ fue concebido como una coproducción entre dos colectivos: ‘New Tradition Music’, dirigido por el artista colombiano-canadiense Esguerra, y Gaita Loop, liderado por el músico colombiano Leang Manjarres Wong. 

El disco entrelaza instrumentos tradicionales como la kuisi bunsi, tambores afrocolombianos y maracas, con guitarras eléctricas, tornamesas, MPCs y tecnología de looping, creando un paisaje sonoro que honra lo ancestral sin renunciar a lo contemporáneo. 

“La gaita es el corazón de mi trabajo. Con ella hemos lanzado discos, recorrido escenarios y creado puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo. ‘Gaita Loop’ nació de esa búsqueda: Fusionar la tradición con la tecnología, explorar su versatilidad con el ‘Loop Station’ y demostrar que este instrumento puede dialogar con el mundo entero”, agregó Gaita Loop, colaborador del álbum y promotor del estilo de la ‘Nueva Gaita’. 

Durante su desarrollo, el proyecto se presentó en festivales como Sunfest, Mixto Festival, Nuit d’Afrique, Drom Taberna y el National Arts Centre (Canadá), junto a artistas como Los Gaiteros de Ovejas.  Actualmente, están de gira por Colombia y el álbum ya está disponible en todas las plataformas. 

¿El amor puede sentirse como un abrazo cálido o como una herida abierta? Esa contradicción, tan humana y universal, es el motor creativo detrás de ‘No Sé Mañana’, el nuevo sencillo de Checho SASA junto al artista panameño Kandall. Una propuesta musical que refleja la intensidad de las relaciones y de la que el artista capitalino estuvo entregando detalles en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO. 

“Esta canción no solamente habla del amor. Obviamente es 80 % amor, pero se aplica para todo. Creo que en ocasiones uno está también en esa dualidad de ser papá, ser profesor, ser un montón de cosas (...) Me inspiré en esa situación en la que a veces uno dice: “siento mariposas, qué lindo”, sin embargo, uno está mal o la relación está mal y ya no sientes mariposas, sientes murciélagos”, confesó Checho ante los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’. 

El encuentro entre Checho SASA y Kandall se dio gracias a Unión Ska Colombia durante una visita del artista panameño a Bogotá. La química fue inmediata y compusieron juntos. Compartieron sus influencias y terminaron construyendo una pieza donde cada uno aportó su esencia. Kandall grabó su voz con un flow inconfundible que complementa el sello melódico y caribeño de Checho. 

“A Kandall yo no lo conocía, lo conocí en dos semanas y en dos semanas hicimos la canción, grabamos, realizamos el video y se fue. Eso fue rapidísimo y creo que hablando de las experiencias de él y las mías yo empecé a escribir, le dije “tengo esta propuesta” y hubo química, creamos un tema chévere que ha gustado”, agregó el bogotano. 

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El sencillo fue grabado en La Colmena Records en Bogotá bajo la ingeniería de Daniel Restrepo, y contó con la producción de Cfelo, productor de Medellín con quien Checho ya ha trabajado en cuatro canciones que harán parte de su próximo EP “Pa’ Qué”. Este trabajo conjunto, marcado por la experimentación y la búsqueda de nuevos matices sonoros, consolida una línea creativa que combina sensibilidad con innovación. 

El videoclip de ‘No Sé Mañana’ potencia el espíritu colorido de la canción. Grabado en un taller con frescura urbana, rugir de motores y el magnetismo de los protagonistas, transmite un sentimiento moderno y muy cautivador. Un trabajo artístico que tanto en su versión sonora como audiovisual ya está disponible en las principales plataformas. 

La potencia de la voz de Martinika y la dirección musical de ‘Jonas’ han hecho de Alto Grado un referente del ska y el reggae colombiano. Su historia comenzó hace quince años y ha trascendido por países como Estados Unidos, México y Argentina.

Durante este 2025 han compartido tarima con íconos del género como Inspector en la celebración de sus treinta años y Arde Bogotá, Caifanes o Los Ángeles Azules en el ‘Festival Vive Latino’. 

Sin embargo, la fiesta apenas empieza y ‘Amor Perfecto’ fue la inspiración para unirse a una de las bandas de ska más importantes a nivel nacional como lo es ‘The Klaxon’ y junto a ellos traer el sabor mexicano de ‘Cuarto de Queso’.

“Con este nuevo álbum, Alto Grado quiere rendir un merecido homenaje al ska, un ritmo que ha sido parte fundamental de nuestro sonido y trayectoria a lo largo de los años. Cada nota de este disco suena a Bogotá, a México y a Los Ángeles, lugares que han marcado nuestras giras inolvidables y experiencias vitales, dejando una huella imborrable en nuestra música”, contó Martinika, vocalista principal de Alto Grado en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un homenaje a los que ya no están!

‘Amor Perfecto’ es el primer sencillo de lo que se convertirá en la cuarta producción discográfica de este sello musical. En su videoclip retratan una sentida dedicatoria al amor, además de rendir homenaje a aquellos que ya no están físicamente, pero que dejaron una huella imborrable. 

“De hecho, tuve la oportunidad de viajar a Europa y durante ese viaje, viví una catarsis en la relación con mi mamá. Esa experiencia fue clave, me dio el impulso final para terminar la canción. En nuestro más reciente concierto interpretamos por primera vez este tema inédito, que se llama ‘Madre, te debo todo lo que soy’. Una forma de pedir perdón porque en el camino como hijos cometemos muchos errores”, agregó ‘Jonas’, director musical de la banda.

La realización del video estuvo a cargo de Asweka Produce, mientras que el styling y maquillaje fueron obra de The Raven Art. Se espera que las demás canciones del nuevo álbum sean publicadas gradualmente en lo que resta del año.

Organizado por la Alcaldía Local de Usme y la Fundación Starcop Humanity, el evento busca apoyar el talento local, fortalecer la formación artística y proyectar a las bandas hacia escenarios distritales y nacionales.

“Usmetal 2025 no es solo un festival de metal: es un espacio para celebrar la riqueza cultural de Usme, reconocer el talento de nuestros artistas y disfrutar de la música que nos une como comunidad”, destacó Ana Isabel Hortua Salcedo, alcaldesa local (e).

Desde su origen en 1998 y consolidación en 2004, Usmetal se ha convertido en un referente de la cultura alternativa en Bogotá y Colombia, construyendo una tradición que trasciende fronteras y une a la comunidad metalera.

El cartel de este año promete potencia y diversidad sonora:

Artistas principales:

•    VITAM ET MORTEM •    YEOS

Invitados distritales:

•    LUCTURIAN •    MERIDIAN

Bandas de Usme:

•    AZAGOTH •    OVERDOSE •    BETRAYAL OF ANGELS •    YIMARK •    IRONCLAD •    EPITAFIO

La selección de las agrupaciones se realizó junto a la Mesa de Rock de Usme, garantizando un proceso participativo y cercano a los artistas. La iniciativa cuenta con el apoyo de medios especializados como La 5 Metal Extrema, Oráculos y Oscura Radio, además de marcas aliadas. Con más de dos décadas de historia, Usmetal se consolida como el festival de metal más importante del sur de Bogotá y una cita obligada para quienes disfrutan de la música como espacio de encuentro, creatividad y resistencia cultural.

El concierto gratuito se realizará en la localidad de Usme este domingo 17 de agosto de 2025, de 7:00 a. m. a 10:00 p. m., en la Zona Dura (Cancha Múltiple), Urbanización San Pedro de Usme, ubicada en la carrera 7H # 65-00 Sur

Nidia Góngora, cantora e investigadora de la música del Pacífico, y sus compañeras, traen al escenario los sonidos ancestrales de marimba, tambores, alabaos, salves y rezos, en una puesta en escena que honra el poder de las voces femeninas como acto de sanación colectiva.

Nidia Góngora, oriunda de Timbiquí (Cauca), es conocida como una de las figuras más destacadas del folclor del Pacífico colombiano. Estudios y trayectorias como la suya la han convertido en embajadora viviente de su cultura, preservando sonidos ancestrales desde el currulao hasta los alabaos. 

Su espectáculo, parte del Festival Afrodiáspora, es descrito como “una experiencia íntima y profunda que conecta saberes ancestrales, rezos, alabaos y cantos de mujeres como acto de resistencia cultural”. 

En el escenario, Góngora y las Cantoras del Pacífico propondrán una experiencia donde la tradición se encuentra con la innovación. Se escucharán géneros como currulao, bunde, abozao, juga, salves y rezos, interpretados con respeto y energía contemporánea. 

Más allá de su carrera artística, Nidia ha dedicado su voz a la formación de nuevas generaciones. Desde su fundación educativa en Cali, promueve el arte como herramienta de transformación social, uniendo memoria, comunidad y creatividad.

Foto: Semana

Esta noche no es solo un concierto, sino un viaje hacia la raíz, a través de voces que sanan. Recordando que la cultura no solo se escucha, se siente y se interpela. Estar allí es experimentar un puente entre el presente y la memoria viva del territorio.

Recuerde que la cita es el sábado 23 de agosto a las 7: 30 p.m. en el Teatro Colsubsidio. Para más información visite el siguiente link.

Este nuevo trabajo del cantautor colombiano Solo Valencia es un recorrido poético y musical que explora el deseo, la unificación y la búsqueda de totalidad. Presentado recientemente en ‘Amantes del Círculo Polar’, el artista compartió el detrás de este proyecto que marca un giro en su carrera hacia una conexión más directa con el público.

Desde que inició su camino como solista en 2012, Solo Valencia ha construido una carrera sólida entre escenarios de Colombia, América Latina y Europa. Pero este disco, grabado en el mítico estudio El Desierto en las afueras de Ciudad de México, representa un momento clave de madurez artística. “Es la síntesis de muchos años de hacer música. Grabado con mi equipo de hace más de diez años, con mucho cuidado en las letras y el sonido”, expresó en entrevista.

'Sed del Mar' transita por diversos géneros —bolero, bossa nova, pop, reggae— sin perder una identidad propia que lo hace reconocible y fresco a la vez. Pero más allá de la fusión musical, lo que destaca es su intención: “Esta vez me interesó componer canciones más fáciles de cantar, que conecten más con la gente. Quise que fueran recordables, que el público las pueda hacer suyas”, explicó el artista al hablar de la evolución en su manera de componer.

Solo Valencia también reflexionó sobre cómo ha cambiado desde sus primeras grabaciones en 2008: “Antes quería demostrar todo lo que había aprendido como músico, usar la armonía compleja. Pero ahora busco lo contrario: crear desde la sencillez, desde lo que pueda emocionar sin complicar”. Este giro revela no solo madurez artística, sino sensibilidad con su audiencia.

Este sencillo comparte una atmósfera íntima, envolvente y profundamente emocional, que se construye como un viaje sonoro progresivo, donde la canción es una estación para detenerse a sentir. 

Solo Valencia demuestra que se puede hacer música sofisticada sin perder cercanía. En un mundo musical saturado por fórmulas, apuesta por lo auténtico. “Este disco lo grabamos con el corazón. Y ojalá, al escucharlo, puedan encontrar algo que también les pertenezca”, concluyó.   

'SOMOS' no es solo un álbum, sino —como la artista MaYita lo afirma— "un rezo vivo", una herramienta para recordar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos como humanidad. La cantante colomboamericana, compositora, mujer medicina e ingeniera de sonido, fusiona en esta obra su trayectoria musical con su camino espiritual. Cada canción es una frecuencia para reconectar con lo esencial y sanar desde el arte.

Durante la entrevista, MaYita explicó que este proyecto nace del contacto con comunidades indígenas, abuelos, abuelas y rituales de sanación. “Este disco viene inspirado en las raíces de la humanidad: la tierra, los elementos, los ancestros. Es un llamado a este momento de transición que vivimos en la Tierra”, dijo, haciendo énfasis en el rol de la música como medicina colectiva. La apertura del álbum, por ejemplo, es un rezo de la abuela Ana María Hoyos, del Consejo de Abuelas de Colombia, que da paso a un recorrido entre el pasado y el futuro.

MaYita reflexionó sobre la función profunda del arte sonoro, más allá del entretenimiento. “La música ha sido el puente más claro hacia mi espiritualidad. Este trabajo fue un proceso de autosanación y mi mayor deseo es que también lo sea para quien lo escuche”, comentó. Su intención con 'SOMOS' es que se convierta en un legado espiritual y artístico, más que en un producto comercial.

La propuesta musical no se encasilla: integra cantos medicina, mantras, tambores, flautas, cuencos, música electrónica sutil y sonidos orgánicos que se entrelazan con una producción contemporánea. Incluye un canto en lengua muisca y composiciones que invitan a la meditación, al silencio interior y al encuentro con la memoria espiritual. “Cada tema ha sido tejido como un portal que nos recuerda que ‘SOMOS’ parte de un tejido cósmico que nos sostiene”, señaló.

En la conversación, MaYita dejó en claro que su arte busca ser un puente entre generaciones, tradiciones y territorios. “Mi deseo es que este disco inspire a reconectar con la esencia, con nuestras culturas, con el camino espiritual. Que sirva como herramienta de cambio, de expansión y de amor”, expresó. 'SOMOS' ya está siendo compartido en ceremonias, festivales de medicina, encuentros espirituales y escenarios en América y Europa.

“'SOMOS' es una invitación a escuchar desde el alma. A sentir cada sonido como un llamado a la unidad, la coherencia y la sanación. En un tiempo donde las respuestas parecen escasas, esta música aparece como un gesto profundo de memoria, belleza y verdad”, afirmó la artista.   

La interpretación en la guitarra, la profundidad de su voz y los infaltables crespos han hecho de Andrés Cepeda uno de los artistas bogotanos con mayor reconocimiento a nivel mundial. En su quinceavo álbum de estudio presenta una carta abierta de su corazón, origen e historias vividas.

Con una mezcla de rock latino, pop, bolero y ritmos del Caribe, el artista retrata una mirada íntima de la Bogotá que define como más joven, diversa y grande, mientras él envejece. Esta edición Deluxe busca generar una experiencia para el oyente y lo transita a un viaje en el tiempo a través del vinilo.

“Quería dedicarle un álbum completo a mi ciudad, sumergirme y cantar sobre los lugares, las calles, los parques, los bares, las avenidas donde nací y crecí. Estuve varias semanas andando por la ciudad, tomando nota, recordando personajes y lugares que han sido importantes para mí”, contó el artista durante el lanzamiento en vivo de su edición Deluxe.

¡Tres colaboraciones inesperadas!

A propósito del cumpleaños 487 de la capital colombiana, el artista hizo el lanzamiento en vivo de su álbum, convocando al público a revivir sus recuerdos en el emblemático Teatro Colón. 

Desde el escenario, interpretó sus tres nuevas canciones que incluyen el enérgico tema ‘Bien’ acompañado de Morat, el folk melancólico ‘Imagínate’ con Luis Fonsi, y el pop-rock eufórico ‘Próxima estación’ junto a Ha*Ash.

“Me encanta colaborar con ellos porque siento que estoy regresando a esos orígenes. A cualquier persona que oiga ‘Bogotá Deluxe’ le puede pasar lo que me pasó a mí cuando escuchaba cantar a Charly García sobre Buenos Aires, a Joaquín Sabina sobre Madrid o a Billy Joel sobre Nueva York”, agregó Cepeda.

Actualmente, Andrés emprendió una gira por las principales ciudades de Colombia y luego tendrá espacio en República Dominicana y Estados Unidos, entre ellos su debut el 2 de noviembre en el ‘James L. Knight Center de Miami’, un emblemático escenario de la música latina.

Un bajo, una batería y dos guitarras se entretejen con el eco de La Sábana y sus ancestros. Las melodías y ondas sonoras son el transmisor de una historia que se remonta al 2021 y trasciende en la vida de cinco jóvenes.

El amor, la pasión, los sueños y la entrega son su principal musa de inspiración y las letras que componen buscan un camino más allá de la industria convencional. El punk y el pop se mezclan en ‘Opah’, un proyecto que lucha para que la música no sea un término más a encasillar.

“Inicialmente esta fue una propuesta de cuatro hermanos, los Parra. Nació con la idea de crear música que nos liberara, que nos permitiera explorar lo que llevamos dentro y reforzar ese lazo de hermandad que siempre nos ha unido”, explicó Eleider Parra, guitarrista de la agrupación en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Otra Puerta al Horizonte: Una invitación a cruzar límites emocionales y explorar nuevos comienzos

Junto a su playlist de introspección y liberación, la banda presenta su segundo sencillo que enfrenta los miedos, la soledad y sobre todo el juego de escapar de las creencias limitantes. ‘Otra Puerta al Horizonte’ se inspira en un nuevo amanecer en medio de los vacíos de la vida cotidiana. "Venimos de la Costa Caribe, pero nos trasladamos a Bogotá siendo muy niños. Para el videoclip fuimos bastante recursivos; la intención era reflejar ese recorrido personal, conectar con nuestro pasado y mostrar cómo encontramos una salida. La canción trata de todo eso que uno lleva dentro y necesita liberar, pensamientos que lo mantienen atrapado, como una voz interna que busca expresarse", agregó el artista.

La canción está disponible en todas las plataformas. Para seguir la nueva música de Opah puede visitar el siguiente link.