Con letras que hablan del amor por la gente y un sonido que evoca al rock andino, la canción ‘Qué sientes’ es también un homenaje a Siglo 0, grupo que dejó huella sin dejar registros sonoros.

La historia comienza en el Teatro La Comedia, lugar que muchos recuerdan como el templo del rock en la capital. Allí se escuchó por primera vez a Siglo 0, una agrupación que compartió época con Humberto Monroy y otros músicos que luego integrarían bandas como Génesis o The Speakers. “Era como estar en la cadena de Liverpool, con un sonido y unas luces que nos fascinaban”, recuerda Miguel Muñoz integrante de Siglo 0.

Lo curioso es que, a pesar de la relevancia del grupo, no quedaron grabaciones. “No hay un registro de fotografía, no hay un boletín de prensa, mucho menos un video”, cuenta Muñoz, quien decidió rescatar ese nombre y convertirlo en un símbolo vivo. ‘Qué sientes’ surge de esa necesidad de darle voz a una memoria que parecía perdida.

Las letras nacieron de manera espontánea. “Yo amo a la gente que ama a la gente, la miras de frente y puedes ver su luz”, esta frase de la canción apareció como un fragmento suelto que luego se fue transformando en melodía. Para él, lo importante era transmitir un mensaje sencillo: querer a las personas es la base de todo.

Además del homenaje, la canción abre paso a un megaproyecto: el álbum ‘El Paladín de la Guitarra’, allí se mezclan influencias diversas, desde flautas que recuerdan al rock latino de los setenta, hasta sonidos más cercanos a Nueva York con pianos y electrónica. “Tengo varias canciones listas, pero no quiero lanzarlas todas de una vez, prefiero ir paso a paso”, explicó.

El proyecto también tiene una intención clara: no tocar únicamente en bares pequeños, sino buscar escenarios grandes. “Quiero enamorar a los managers… que Siglo 0 vuelva a sonar en plazas de diez mil o quince mil personas”, aseguró el músico. Su apuesta no es solo recordar, sino proyectar hacia adelante un legado que habla de sueños colectivos.

Finalmente, ‘Qué sientes’ invita a reflexionar sobre lo que cada persona experimenta al escuchar música. La pregunta que da título al tema no es casual: busca conectar al oyente con sus emociones más profundas. En palabras de Muñoz, “la música es un mundo bello que hay que rescatar de adentro”.

La dualidad del ser y las caras opuestas del ser humano, han sido, desde el 2013, la principal inspiración de Duplex. Un proyecto con raíces manizaleñas que nace de la profundidad de los metales pesados y los cantos guturales.

Checho Pachanga (batería), Chalo Escobar (bajo), Pipe Cantillo (guitarra líder) y Ross Lemus (voz Líder y guitarra rítmica), le dan vida a esta innovación sonora que para el 2025 presenta su cuarta placa: ‘Embrace the Pain’.

“Es una descarga introspectiva que rompe el silencio y enfrenta la oscuridad interior del ser, a causa del dolor que ha ido abrazando a través del tiempo. Este disco expresa la angustia, la inestabilidad, la confrontación y el desahogo”, contó Ross Lemus en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El disco sigue una idea conceptual donde cada canción forma parte de una misma narrativa, buscando retratar el proceso interno de una persona en crisis, desde el colapso y la desestabilización hasta la aceptación del dolor como punto de inflexión y transformación. Esta producción comenzó con el video de ‘Don't Say a Word’, primer adelanto del álbum, y culmina en una obra que integra música, letras y diseño visual para invitar a la aceptación y el caminar de la mano con el dolor.

¡Una trilogía de canciones!

Aunque son doce temas las que dan vida a este álbum, títulos como ‘Chaotic’, ‘Broken Silence’ e ‘Inside the Pain’ marcan el pulso de ese viaje emocional.

-    ‘Chaotic’ abre el ciclo mostrando el estado de confusión y fractura donde las certezas se mueven y todo parece desordenado.

-    ‘Broken Silence’ representa la confrontación: el momento en que se rompe el mutismo, se dicen las verdades ocultas y se enfrenta lo que se ha retenido.

-    ‘Inside the Pain’, donde el dolor se convierte en un punto de partida, en un abrazo consciente a ese individuo roto que por fin aceptó el caos y la angustia que lo atormentan.

El disco ya está disponible en todas las plataformas y redes sociales de la banda.

Su historia no empezó en escenarios grandes, sino en las calles y en los buses de Bogotá, donde encontró su primera escuela como artista. “Salir a cantar en TransMilenio fue algo hermoso. Si no salía a buscar escuchaba en mi mente, ¿cómo crecerá mi música?”, contó Diego. Para él, esos días en los buses fueron la mejor manera de perder el miedo y aprender a conectar con la gente de verdad.

Su primer día cantando lo recuerda como un salto al vacío. “Me quedé una hora en la puerta del bus pensando: lo hago, no lo hago. Ese día decidí que, sí quería dedicarme a la música, tenía que empezar ahí. Fue un cambio de mentalidad”, relató. Con un ukelele en la mano y dos canciones de Andrés Cepeda, dio el primer paso que marcaría su camino.

El proceso de componer y grabar también estuvo lleno de dudas. Lanzó una primera canción en 2018 sin mucha fe en sí mismo, pero con el tiempo entendió que escribir era parte de lo que lo hacía feliz. “Ha sido un proceso más de creer en mí y no demostrarle nada a la gente. Si no lo haces, el tiempo pasa y se va la oportunidad”, afirmó.

Sobre el título de ‘11:11’, Diego explicó que nació de un gesto muy personal: “Siempre que veo esa hora pido un deseo. Cuando empecé a escribir la canción pensé en lo afortunado que me sentía de estar con mi pareja. Entonces lo incluí como símbolo de ese deseo cumplido”.

El videoclip refleja esa misma intimidad: “No tenía presupuesto para un video grande, así que usé recuerdos con mi novia. Fueron retazos de momentos que siempre documentamos y que, al final, cuentan la verdadera historia detrás de la canción”, explicó.

Más allá del amor de pareja, el artista insiste en un mensaje más profundo: “El amor propio es lo más importante. Cuando lo tienes, puedes atraer a alguien que vibre en la misma sintonía”.

Con ‘11:11’, Diego Foes muestra que su música no solo es un medio para soñar, sino también una invitación a confiar en uno mismo, a valorar los pequeños deseos y a creer que siempre hay un nuevo comienzo posible.  

Martinica es una región de ultramar francesa, en sus olas envuelve una historia que mezcla las raíces africanas y los sonidos caribeños. Sus melodías se extienden por el mundo y llegaron hace varios años a la vida del compositor canadiense-argentino Jorge Martínez, quien decidió investigar este territorio y sin pensarlo su mayor descubrimiento fue la cantante franco-colombiana Lorena Ortegón.

Así, desde el 2021, en un intercambio cultural espontáneo se forjó ‘La Morena’, un proyecto que recorre la salsa, la rumba cubana y la rumba flamenca, con melodías pop y arreglos contemporáneos.  

"La Morena no es solo un dúo, es una propuesta artística que celebra la mezcla, el sentimiento y la autenticidad musical, desde la raíz hasta la emoción contemporánea. Lorena tiene una voz con una fuerza expresiva fuera de lo común, y desde el instante que la conocí nació una conexión creativa que, años más tarde, dio vida al proyecto", explicó Jorge Martínez en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Bajo el Sol: Un disco independiente con alma internacional y corazón latino

El pasado miércoles 3 de septiembre, el Teatro Charlot fue el epicentro del lanzamiento de ‘Bajo el Sol’, álbum debut del dueto. Allí son protagonistas el flamenco moderno, las sonoridades del Caribe afroantillano y la emoción profunda de la canción latinoamericana.

‘Tenerte a mi lado’, es la canción principal del disco y fue escrita durante los días inciertos del encierro, convirtiéndose en una declaración de anhelo, cercanía y amor sin fronteras. Su letra directa y poética, combinada con la voz envolvente de Lorena y la guitarra profunda de Jorge, resume el espíritu del álbum: un viaje emocional que toca la piel y el alma.

"Regreso a mi ciudad natal para presentar este trabajo íntimo, vibrante y auténtico. La Morena también es un manifiesto de lo mestizo, lo femenino, lo libre. Para mí, lanzar este disco en Bogotá es volver al corazón de mi historia", agregó Lorena Ortegón.

La producción incluye colaboraciones destacadas, como Vladimir Romero (de La 33 y doble nominado a los Latin Grammy 2024), encargado de los arreglos de vientos y trombón; Sebastián Forero, prodigio del bajo en su país; además de músicos de Colombia y Martinica que aportan riqueza y diversidad sonora al proyecto.

Para conocer más sobre el proyecto puede visitar el siguiente link.

El 2025 ha sido un año en el que la música se ha apropiado de calles y diversos espacios urbanos en Bogotá con la estrategia Festivales al Parque. El ingenio del hip hop, la tradición del joropo y el sentimiento del vallenato ya han hecho gala en la capital y ahora, el próximo fin de semana, el turno será para el misticismo del saxofón con Jazz al Parque 2025, que se realizará el 6 y 7 de septiembre.

Se trata de un encuentro que se llevará a cabo en el Parque El Country bajo el concepto ‘El jazz y la ciudad: un diálogo constante’, cuyo objetivo es reconocer el impacto urbano de este género musical, su valor como expresión social y su riqueza sonora con la participación de agrupaciones internacionales de Estados Unidos, Alemania, Chile, México.

Según se ha confirmado desde la administración distrital, este año Jazz al Parque contará con ocho artistas distritales, tres nacionales y artistas internacionales, distribuidos de la siguiente manera:

Sábado 6 de septiembre: 

Domingo 7 de septiembre:

Para este encuentro de los amantes del jazz las presentaciones arrancarán a partir del mediodía y la entrada será libre. Los menores de edad podrán asistir en compañía de un adulto responsable y estará permitido el ingreso de mascotas. 

Para mayor información puede ingresar a la página web.

El mes del amor y la amistad, llega con un concierto único preparado por el Circuito Clásico de Compensar y la Orquesta Sinfónica de Bogotá. El próximo sábado 6 de septiembre a las 7:00 p. m., el Teatro Compensar de la Av. 68 será escenario de un emotivo recital a cargo del pianista estadounidense Mac McClure, reconocido mundialmente por su interpretación del repertorio español y latinoamericano.

El programa propone un viaje musical que une la pasión del romanticismo con la fuerza de las compositoras contemporáneas. Obras de Chopin, Schumann, Rachmaninoff y Brahms convivirán con creaciones de Modesta Bor, Gabriela Ortiz, Carlota Garriga y Tania León, quienes aportan nuevas narrativas y expresiones desde lo femenino y latinoamericano.

El público estará inmerso en la nostalgia de Rachmaninoff, la melancolía de Schumann y la poesía de Brahms, junto al ritmo vibrante de Ortiz o el “Tumbao” de Tania León, dedicada a Celia Cruz. Una experiencia donde la música se convierte en un lenguaje universal para celebrar el amor y la amistad. Mac McClure, nació en Florida (EE. UU.), inició sus estudios musicales en Carolina del Norte y se trasladó a Barcelona en 1984 para perfeccionarse en la prestigiosa Academia Marshall. 

Su trayectoria incluye más de 40 producciones discográficas disponibles en plataformas como iTunes, Amazon y Spotify. Críticos internacionales destacan la autenticidad y fuerza comunicativa de su interpretación: “envuelve a los oyentes en el mundo mágico que crea”, señaló Dan Stevens, de la revista International Record Review.

Además de su carrera como intérprete, ha trabajado como editor musical y docente. En Colombia fue director del Conservatorio Nacional y actualmente es profesor asociado de la Universidad Nacional de Colombia.

El recital del 6 de septiembre, será una cita imperdible en el Teatro Compensar, que promete ser uno de los conciertos más especiales del año: un puente entre la poesía romántica del siglo XIX y la fuerza creativa de compositoras contemporáneas que transforman la manera de entender la música hoy.

Fecha: sábado 6 de septiembre Hora: 7:00 p. m. Lugar: Teatro Compensar – Av. 68

El sabor de la Isla y el son cubano corren por las venas de Alayn García, un artista que se educó en la academia, pero se formó en las calles de Camagüey, una región conocida por la comunidad afro que la habita y el don que les fue dado por los dioses para tocar los tambores.

Su vida musical inició hace un poco más de 16 años con una propuesta sonora que fusiona la salsa tradicional con elementos modernos. Incluyendo presentaciones en showcases junto a figuras como Sergio Vargas, Rey Ruiz, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuel y Tito Nieves.

Durante este 2025, se lanzó al ruedo como solista y desde este primero hasta el próximo 3 de septiembre es uno de los invitados de honor de la ‘Sexta Edición de los Premios Monitor Latino’. Un importante debut para la industria que se lleva a cabo en Barranquilla, capital del Atlántico.

“Es un honor compartir este espacio con artistas que admiro profundamente. Barranquilla será testigo de una celebración musical inolvidable, y estoy listo para entregar lo mejor de mí en cada nota”, resaltó el artista en su comunicado de lanzamiento.

‘Muy Bien’: Una propuesta musical cien por ciento salsera

Las facetas de salsero, productor y compositor de García, se entremezclan en su primer álbum de estudio que a través de doce canciones resaltan la percusión y un mensaje positivo en la mayoría de sus letras.

Ya radicado en Miami presenta títulos como ‘Se Va’, ‘El Ganador’, ‘A Fuego Lento’ y su más reciente track promocional, ‘Que estamos haciendo’, participando en todas como compositor.

"‘Muy Bien’ incluye también dos versiones de canciones que siempre he querido interpretar, llevándolas a mi estilo particular. Una es ‘Llamado de emergencia’ de la leyenda Daddy Yankee, y la otra es ‘A Fuego Lento’ de Mario Ortiz", agregó Alayn.

Los planes del cantautor para lo que resta del 2025, incluyen la expansión de su música a otros territorios como Colombia, México, Ecuador, Perú y Chile.

Edwin Vesga nació entre la guacharaca, el acordeón y el tambor y aunque el vallenato se robó su corazón, el rock alternativo se convirtió en su vocación. Por su sangre corre una dinastía que trasciende grandes figuras de la música como Álex Manga, ex-vocalista de ‘Los Diablitos’.

Sin embargo, en el año 2022 en un acto de valentía y pasión, decidió tomar su propio rumbo, el riff de las guitarras y los metales pesados se fusionaron con la experiencia impartida por su familia. Fue entonces cuando le dio vida a su proyecto como solista que lleva su apellido: ‘Vesga’.

“Concierto a concierto, he ido demostrando que el rock tiene un lugar y una voz potente que resuena incluso en los contextos más inesperados. Mi música es un testimonio de la perseverancia frente a las obligaciones diarias y las expectativas familiares; es un sonido forjado con corazón y autonomía”, explicó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Renacer’: El primer paso hacia un nuevo álbum y una exploración del desamor

Inspirado en la cruda narrativa de un corazón roto y un cambio de perspectiva a través de la lente de aceptación y fortaleza, Vesga crea un nuevo tema fusionando la energía del rock latinoamericano con la complejidad del j-rock y la elegancia del jazz. 

“Íconos como Spinetta, Cerati y Charly García, junto a referentes colombianos como Aterciopelados, Superlitio y The Mills, forman la base de mi identidad musical. A todo eso se suma la herencia del vallenato: la figura del cantor, la poesía de lo cotidiano y la convicción de que la música debe ser el vehículo más puro del sentimiento”, agregó Vesga.

‘Renacer’ es la puerta de entrada a un álbum recopilatorio que verá la luz este año, incluyendo los 4 sencillos ya lanzados por el artista y 7 nuevas canciones inéditas que continúan explorando la fusión de géneros y emociones.

Para Vicente, la inspiración nació de un hallazgo en la calle: “Vi la frase grafiteada, ‘Ternura Radical’, y me hizo clic. Después descubrí que era también un movimiento político en Latinoamérica que invita a responder al odio con empatía. Eso me atrapó y lo llevé a mi música”, contó el artista. La idea de suavidad como fuerza se convirtió en el centro de este proyecto.

El EP explora emociones muy humanas, desde la ansiedad hasta los recuerdos de amores adolescentes. “Hay una rola que se llama Ataque de Pánico y fue catártico escribirla, porque desde la prepa sufrí ansiedad. Ahora veo que las nuevas generaciones hablan más de salud mental y eso es necesario”, explicó. También hay canciones como ‘Flechazo’, que recuerda un amor de escuela que nunca se dio, y ‘Lava’, más psicodélica e introspectiva.

En lo sonoro, Vicente apostó por jugar y experimentar. “Usé sampleos porque le dan un aire más electrónico y hacen que el rock no suene tan tradicional. Me gusta entrar al estudio con ánimo lúdico, sin límites, y que la música te invite a un viaje hacia adentro”, dijo. El resultado son 20 minutos pensados para escuchar de corrido, dejar el celular a un lado y conectar con uno mismo.

La relación con Colombia también atraviesa su historia. Jáuregui debutó en el país con la banda San Pascualito Rey y regresó a Rock al Parque, experiencia que lo marcó: “Como mexicano uno sueña con tocar en Rock al Parque. Para mí fue un lujo debutar aquí y ahora volver con mi trabajo como solista me emociona mucho”, expresó.

El videoclip de la canción principal refleja esa idea de transformación personal. “Soy yo en tres etapas: alguien conflictuado, alguien que se busca en el espejo y finalmente alguien liberado. Lo filmamos en el barrio chino de Ciudad de México y creo que quedó bastante poderoso”, relató.

Con ‘Ternura Radical’, Vicente invita a escuchar sin prisa y con mente abierta. “La vida se construye de instantes y de recuerdos. Lo importante es conectarnos, y si es a través de la música, mucho mejor”, concluyó.

El EP ‘Ternura Radical’ trae cinco canciones cargadas de emoción: ‘Más Amor’, ‘Lava’, ‘Flechazo’, ‘Ataque de Pánico’ y la que da nombre al disco, ‘Ternura Radical’ —que habla de vencer los demonios internos con ternura—. Como lo asegura el propio Vicente: “Ante una realidad atroz, ejercer la ternura se vuelve un acto radical... construir redes donde todos quepamos”.

A comienzos de los años 90, La Plata, Argentina, vio nacer una de las bandas más consagradas de su país. Las letras poéticas, el tango, la lírica determinante y en especial el legado del rock en español se fusionaron para dar vida a Estelares.

La voz y el talento de la composición de Manuel Moretti se mezclaron con el riff y los solos en guitarra de Víctor Bertamoni y los sonidos del bajo conducido por Pablo ‘Pali’ Silvera; creando una mezcla sonora que ha cautivado decenas de escenarios y que este año regresa al lado de ‘Los Lobos’.

“Este es un álbum poderoso que parte de una idea muy simple: Los lobos son animales gregarios, suelen utilizar aullidos para comunicarse entre sí y como advertencia para con otras manadas, la defensa de su territorio… pero los lobos solitarios rara vez responden a los aullidos. Esta vez nuestros aullidos son nuestras canciones”, explicó Victor ‘Torio’ Bertamoni, guitarrista líder de Estelares, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

“Vuelan mil pájaros perdidos en la noche, sin comprender el desprecio y el desdén. Allí los ves, curando sus heridas. Hazlo bien, esta es tu oportunidad”, es una de las frases emblemáticas de ‘Te Enfadas’, que se acompaña de once canciones trascendiendo por una mirada íntima del ser humano y evocando a los lobos como una especie de clan social, de salvajismo, de necesidad de protección.

“Son muchos años juntos. Hemos compartido escenarios, países y momentos a lo largo de décadas. Me encanta esa guitarra con espíritu de rock americano de los 50, entre el canto y el blues. Y también me gusta rescatar el tango, el folklore argentino… todo lo que nos forma y atraviesa”, agregó ‘Torio’.

El pasado 6 de agosto, Estelares emprendió una gira por Latinoamérica, resaltando México, Argentina y una fecha en Colombia. El próximo 14 de septiembre, será su cita en Bogotá durante el Festival Cordillera.