Su proceso musical comenzó en Medellín, donde inició su formación en la Escuela de Música de Antioquia, y posteriormente continuó sus estudios en el reconocido ´Berklee College of Music´, institución que ha formado a algunos de los músicos más influyentes del jazz y la música contemporánea.

Ese recorrido académico y artístico le permitió desarrollar una propuesta en la que el jazz dialoga con los sonidos de Colombia y de América Latina. La mezcla entre estas influencias se convierte en una forma de construir una identidad musical propia dentro de un mundo multicultural.

Asimismo, el artista habló sobre otra faceta que ha ido tomando fuerza en su vida musical, la enseñanza. Compartir conocimientos con estudiantes y jóvenes músicos se ha convertido en una experiencia que amplía su mirada ante la música y el papel que puede cumplir dentro de ella.

Aun así, el escenario sigue siendo su principal motor, el paisa continúa enfocado en conciertos, colaboraciones y giras que le permitan seguir viviendo de la música y fortalecer su proyecto artístico dentro del circuito internacional del jazz.

La entrevista completa con Federico Aristizábal Acevedo ya está disponible en nuestro canal de YouTube donde se conversó más de fondo de su experiencia en Estados Unidos y su visión del jazz con identidad colombiana.

Durante su paso por el programa ‘Música y Músicos de Colombia’, el artista nos contó acerca de su trayectoria y de cómo su camino no se limitó únicamente a la salsa. Aunque este género ha sido el eje de su carrera, también exploró la música tropical, una mezcla que le permitió desarrollar un estilo particular y conectar con públicos de distintos rincones de Latinoamérica.

El maestro también destacó el vínculo especial que ha construido con Colombia a lo largo de los años, siendo un territorio fundamental en su recorrido artístico, no solo por la acogida del público sino por el cariño constante que ha recibido durante décadas.

De hecho, comentó que cada vez que visita Colombia siente una conexión muy cercana con la gente, al punto de afirmar que se considera “un colombiano más”. Un sentimiento que nace del respeto y la fidelidad que el público ha tenido con su repertorio.

Uno de los mayores regalos que le ha dado su carrera es descubrir que sus canciones como ‘La sirena’, ‘Payaso’, entre otras siguen siendo cantadas por las nuevas generaciones. Jóvenes y adultos continúan escuchando y celebrando su música, incluso en tiempos de nuevos ritmos y tecnologías, es algo que lo emociona profundamente.

Como parte de la celebración de su trayectoria artística, el maestro Luis Felipe González llegará a Bogotá con un concierto especial en el Teatro Astor Plaza, un encuentro con el público donde mostrará parte de ese legado que ha marcado la historia de la salsa y la música tropical en América Latina. Para conocer más de la entrevista, visite nuestro canal de YouTube

De Chaparral Tolima pal mundo, Renato inició su camino musical desde muy joven interpretando la flauta y posteriormente instrumentos andinos como la quena y la zampoña. A los 17 años recibió su primera guitarra, instrumento que marcaría su rumbo como compositor y daría inicio a su historia musical.

A lo largo de su trayectoria ha explorado distintos géneros, desde la música andina y la infantil hasta la balada y sonidos más contemporáneos. Sin embargo, en los últimos años ha encontrado en la carranga una forma cercana y auténtica de narrar historias del día a día, conectadas con la cultura popular y con el lenguaje cotidiano que caracteriza muchas expresiones del folclor colombiano.

Precisamente esa mirada cotidiana inspira ‘La Plaza de la Perse’, una canción que tiene como escenario la emblemática Plaza de la Perseverancia en Bogotá. Allí, entre la sazón de la comida tradicional y la dinámica diaria del rebusque, surge una historia que retrata las dificultades y sueños de un artista que persiste en su pasión, incluso en medio de las adversidades.

Con ritmo de merengue carranguero y una historia cercana al público, el tema se convierte en un homenaje al amor por la música y a la perseverancia de quienes hacen del arte su forma de vida. Para conocer más ingrese a la entrevista completa en nuestro canal de YouTube.

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Más que un estreno, esta es una reafirmación de identidad para una de las familias más influyentes en la historia de la salsa colombiana.

La interpretación está a cargo de Adalberto Manyoma, director del proyecto y heredero de esta tradición musical, quien nos contó en ‘Música y Músicos de Colombia’ que la pieza exalta el orgullo por las raíces africanas desde la fuerza rítmica de la salsa caleña, manteniendo la esencia clásica del género e integrando sonidos que reflejan la profunda influencia de la música cubana en su propuesta.

La grabación se realizó entre Cali, La Habana y Medellín, con la participación de músicos que han integrado orquestas como la de Isaac Delgado y Los Van Van. El videoclip se rodó en Varadero el 30 de agosto, en medio de su participación en el Festival Varadero Josone, uno de los encuentros musicales más importantes de la isla.

Durante la entrevista Manyoma también resaltó que presentarse en la Feria de Cali ha sido uno de los momentos más significativos en su trayectoria, así como el reconocimiento obtenido con el Premio Internacional Cubadisco 2023 en La Habana, logros que han fortalecido su proyección fuera del país y han sido el puente cultural entre Colombia y Cuba.

Con ‘Negro por Excelencia’, la agrupación no solo honra la memoria de Wilson “Saoko” Manyoma, sino que demuestra que su camino continúa con identidad propia, dejando huella en la salsa colombiana y consolidando su presencia más allá de las fronteras. 

Más que un musical, la propuesta muestra cómo un ritmo que muchos asocian con fiesta y nostalgia puede sostener tensión, emoción y romance cuando la historia se desarrolla entre un cuerpo médico, una jefa estricta y un paciente que llega a cambiarlo todo.

Durante la entrevista, ambas coincidieron en algo muy claro, aunque son jóvenes, este género siempre ha estado presente en sus vidas, “La música nunca se pone vieja” afirmaron, recordando cómo el merengue ha acompañado a generaciones enteras y sigue conectando públicos sin importar la edad. Para ellas, este proyecto demuestra que el ritmo puede sentirse igual de vigente sobre un escenario.

Entre los mayores desafíos del montaje está mantener la intensidad del merengue mientras se construyen personajes con profundidad. Actuar y bailar al mismo tiempo implica una exigencia física y emocional que va más allá de la coreografía. Aquí el ritmo no adorna, sino que ayuda a contar la historia y a marcar el pulso en cada escena.

Asimismo, resaltaron el liderazgo de Yacko Márquez, director y creador del proyecto, quien impulsó una propuesta que equilibra risa, emoción y romance en un formato íntimo, pensado para conectar con el público desde la memoria musical y la experiencia del teatro en vivo.

‘La Ventanita’ se presenta en el Bar Restaurante ‘WOW’, con funciones los viernes y sábados a las 7:00 p.m., en un formato cercano que permite vivir la experiencia a pocos pasos del escenario.

Esos sonidos viven en su cuerpo, en su sangre y en esa manera particular de abrazar la música andina desde una sensibilidad íntima y consciente.

Hacer música sin una gran estructura detrás también fue parte central de la charla. Su proyecto empezó resolviéndolo con lo que había: Amigos, redes cercanas y mucha convicción. Pero lejos de ser un camino cómodo, trabajar desde la independencia le ha exigido más disciplina y más compromiso. “Cuando todo depende de ti, no hay espacio para la improvisación irresponsable”, aseguró la artista.

Más que una carrera solitaria, su camino ha sido colectivo. Sentarse a trabajar con otros artistas, construir desde la confianza y exprimir cada recurso ha fortalecido una propuesta que entiende la música como comunidad.

También hubo un momento honesto sobre la dualidad que viven muchos creadores. Shagro Música es el sueño y el escenario. Pero detrás de ese nombre hay una mujer que sostiene otra vida, otro trabajo y otras responsabilidades. Esa tensión entre el arte y la cotidianidad no la frena, por el contrario, le da profundidad a su proceso creativo.

Durante la entrevista, la artista habló de la música como un sentimiento que cambia según el lugar y el momento. Cada escenario es distinto, cada escucha es única. Para Shagro Música, el arte no es un producto terminado, es una experiencia viva que se transforma con el territorio y con quienes la reciben.

Desde los tres años, cuando tomó por primera vez un violín en Manizales, Alejandra Torres entendió que su camino estaría profundamente marcado por la música. Lo que quizás no imaginaba era que esa decisión temprana la llevaría a convertirse en la primera latinoamericana en integrar la Orquesta Filarmónica de Viena, uno de los escenarios más prestigiosos del mundo clásico.

La artista nos habló en ‘Música y Músicos de Colombia’ más del proceso que del premio. Aunque recientemente fue reconocida como Mejor Artista Clásica en los World Entertainment Awards, insistió en que los galardones son consecuencia del trabajo constante, la disciplina y, sobre todo, la conexión emocional con su repertorio.

Su más reciente producción discográfica, New Journeys, reúne sonatas de Mozart. Cada pieza lleva títulos como ‘Ascender’, ‘Traspasar’ y ‘Trascender’, nombres que nacen de tres grandes inspiraciones en su vida: Su maestro Mozart, el respaldo incondicional de sus padres y los recuerdos de chiquita. Más que un simple trabajo discográfico, el álbum refleja etapas, emociones y decisiones que han marcado su historia.

Además de continuar con sus próximos lanzamientos, Alejandra empieza a explorar un nuevo campo creativo con el lanzamiento de su podcast ‘Inspiración’, un espacio en el que compartirá aprendizajes y experiencias personales que han marcado su camino artístico, ampliando su voz más allá del escenario.

La música clásica, lejos de ser distante, se convierte en su lenguaje para hablar de memoria, familia y perseverancia, lo invitamos a ver la entrevista completa que tuvimos en ‘Música y Músicos de Colombia’ con la violinista Alejandra Torres en nuestro Facebook.

En ‘Música y Músicos de Colombia’ Anica explicó que el disco nace de experiencias personales que necesitaban convertirse en música. Es por eso que el nombre no es casual, ‘PLASMA’ representa energía en constante movimiento y transformación, una idea que sostiene tanto el concepto del álbum como su construcción sonora. Más que una colección de canciones, es una obra pensada como un recorrido emocional y creativo.

El álbum se sostiene sobre una base de rock y pop, pero se expande hacía sonidos latinoamericanos que le permiten encontrar la identidad que buscaba para este trabajo. Esa mezcla no pretende encasillarse en un género fijo, refleja la diversidad cultural que inspira a la cantautora y que termina dando coherencia a cada una de las once canciones dentro de un mismo universo sonoro.

Grabado en Bogotá y dirigido creativamente por ella misma, el proceso en estudio marcó el rumbo definitivo del disco. Desde los primeros sencillos hasta el cierre con ‘Volver a Empezar’, el trabajo evidencia una búsqueda consciente por escribirle al ser humano en toda su complejidad, entendiendo la música como un espacio para transformar lo vivido en creación.

En ‘Música y Músicos de Colombia’, la artista habló del respeto profundo que siente por este género, al que reconoce como una parte esencial de su formación y de su camino artístico. Para ella, acercarse al bambuco implica estudiarlo, valorarlo y honrarlo, pero también abrirles espacio a nuevas formas de creación y a la manera en la que hoy se vive y se aprecia la música.

Asimismo, el sencillo ‘Lo que soy’ tiene un peso importante en el plano visual. El videoclip fue grabado en el Teatro Colón de Bogotá, un escenario clave en la historia cultural del país, por donde han pasado grandes artistas y producciones. En el video, las flores aparecen como una imagen de renacer y del trabajo constante, una idea que la artista comparte y desarrolla durante su visita a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

A lo largo de la charla, Sara María también compartió cómo su formación en música y comunicación han influido en su manera de crear y de pensar la tradición. Desde esa doble mirada, se refirió al bambuco no como un género del pasado, sino como un legado vivo que sigue contando historias y conectando con nuevas generaciones.

La cantautora adelantó, además, que este lanzamiento no será el único. ‘Lo que soy’ marca el punto de partida de lo que viene, con nuevas canciones y distintos proyectos que ya se están preparando, manteniendo una misma intención, seguir explorando el bambuco y los lenguajes tradicionales desde una sensibilidad cercana y actual.

La entrevista completa de Sara María De Los Ríos ya está disponible en nuestro canal de YouTube, una invitación para escuchar con calma y conocer estos nuevos sonidos del bambuco.

Este trabajo reúne 14 canciones y 10 de ellas son inéditas, compuestas por miembros emblemáticos como Justo Valdés, Panfido Valdés y Enrique Tejedor, manteniendo viva la esencia musical de San Basilio de Palenque.

Para esta conmemoración, el grupo lanzó una edición limitada en vinilo verde de 140 gramos con 12 temas, que incluye cuatro canciones en lengua palenquera: ‘Chamukina’, ‘Monasito’, ‘Balica Mi’ y ‘Musumbi’, piezas que resaltan la riqueza lingüística y espiritual de esta comunidad ancestral.

El álbum también recorre ritmos afrocaribeños como la champeta con ‘Rincón de África’, ‘Chapeto’ y ‘Novia de Barranquilla’, junto a géneros tradicionales como la chalupa, el sexteto y el bullerengue, reafirmando la diversidad musical de Palenque y su aporte al sonido del Caribe colombiano.

‘Rincón de África’ se convierte en una obra que celebra la memoria colectiva, el lenguaje, las raíces y la resistencia cultural de San Basilio, mostrando la vitalidad de una tradición que sigue transformándose sin perder su identidad.

No se pierda la entrevista completa con Son Palenque en nuestro canal de YouTube y conozca más sobre este lanzamiento que honra la historia y la herencia palenquera.