Esos sonidos viven en su cuerpo, en su sangre y en esa manera particular de abrazar la música andina desde una sensibilidad íntima y consciente.

Hacer música sin una gran estructura detrás también fue parte central de la charla. Su proyecto empezó resolviéndolo con lo que había: Amigos, redes cercanas y mucha convicción. Pero lejos de ser un camino cómodo, trabajar desde la independencia le ha exigido más disciplina y más compromiso. “Cuando todo depende de ti, no hay espacio para la improvisación irresponsable”, aseguró la artista.

Más que una carrera solitaria, su camino ha sido colectivo. Sentarse a trabajar con otros artistas, construir desde la confianza y exprimir cada recurso ha fortalecido una propuesta que entiende la música como comunidad.

También hubo un momento honesto sobre la dualidad que viven muchos creadores. Shagro Música es el sueño y el escenario. Pero detrás de ese nombre hay una mujer que sostiene otra vida, otro trabajo y otras responsabilidades. Esa tensión entre el arte y la cotidianidad no la frena, por el contrario, le da profundidad a su proceso creativo.

Durante la entrevista, la artista habló de la música como un sentimiento que cambia según el lugar y el momento. Cada escenario es distinto, cada escucha es única. Para Shagro Música, el arte no es un producto terminado, es una experiencia viva que se transforma con el territorio y con quienes la reciben.

Desde los tres años, cuando tomó por primera vez un violín en Manizales, Alejandra Torres entendió que su camino estaría profundamente marcado por la música. Lo que quizás no imaginaba era que esa decisión temprana la llevaría a convertirse en la primera latinoamericana en integrar la Orquesta Filarmónica de Viena, uno de los escenarios más prestigiosos del mundo clásico.

La artista nos habló en ‘Música y Músicos de Colombia’ más del proceso que del premio. Aunque recientemente fue reconocida como Mejor Artista Clásica en los World Entertainment Awards, insistió en que los galardones son consecuencia del trabajo constante, la disciplina y, sobre todo, la conexión emocional con su repertorio.

Su más reciente producción discográfica, New Journeys, reúne sonatas de Mozart. Cada pieza lleva títulos como ‘Ascender’, ‘Traspasar’ y ‘Trascender’, nombres que nacen de tres grandes inspiraciones en su vida: Su maestro Mozart, el respaldo incondicional de sus padres y los recuerdos de chiquita. Más que un simple trabajo discográfico, el álbum refleja etapas, emociones y decisiones que han marcado su historia.

Además de continuar con sus próximos lanzamientos, Alejandra empieza a explorar un nuevo campo creativo con el lanzamiento de su podcast ‘Inspiración’, un espacio en el que compartirá aprendizajes y experiencias personales que han marcado su camino artístico, ampliando su voz más allá del escenario.

La música clásica, lejos de ser distante, se convierte en su lenguaje para hablar de memoria, familia y perseverancia, lo invitamos a ver la entrevista completa que tuvimos en ‘Música y Músicos de Colombia’ con la violinista Alejandra Torres en nuestro Facebook.

En ‘Música y Músicos de Colombia’ Anica explicó que el disco nace de experiencias personales que necesitaban convertirse en música. Es por eso que el nombre no es casual, ‘PLASMA’ representa energía en constante movimiento y transformación, una idea que sostiene tanto el concepto del álbum como su construcción sonora. Más que una colección de canciones, es una obra pensada como un recorrido emocional y creativo.

El álbum se sostiene sobre una base de rock y pop, pero se expande hacía sonidos latinoamericanos que le permiten encontrar la identidad que buscaba para este trabajo. Esa mezcla no pretende encasillarse en un género fijo, refleja la diversidad cultural que inspira a la cantautora y que termina dando coherencia a cada una de las once canciones dentro de un mismo universo sonoro.

Grabado en Bogotá y dirigido creativamente por ella misma, el proceso en estudio marcó el rumbo definitivo del disco. Desde los primeros sencillos hasta el cierre con ‘Volver a Empezar’, el trabajo evidencia una búsqueda consciente por escribirle al ser humano en toda su complejidad, entendiendo la música como un espacio para transformar lo vivido en creación.

En ‘Música y Músicos de Colombia’, la artista habló del respeto profundo que siente por este género, al que reconoce como una parte esencial de su formación y de su camino artístico. Para ella, acercarse al bambuco implica estudiarlo, valorarlo y honrarlo, pero también abrirles espacio a nuevas formas de creación y a la manera en la que hoy se vive y se aprecia la música.

Asimismo, el sencillo ‘Lo que soy’ tiene un peso importante en el plano visual. El videoclip fue grabado en el Teatro Colón de Bogotá, un escenario clave en la historia cultural del país, por donde han pasado grandes artistas y producciones. En el video, las flores aparecen como una imagen de renacer y del trabajo constante, una idea que la artista comparte y desarrolla durante su visita a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

A lo largo de la charla, Sara María también compartió cómo su formación en música y comunicación han influido en su manera de crear y de pensar la tradición. Desde esa doble mirada, se refirió al bambuco no como un género del pasado, sino como un legado vivo que sigue contando historias y conectando con nuevas generaciones.

La cantautora adelantó, además, que este lanzamiento no será el único. ‘Lo que soy’ marca el punto de partida de lo que viene, con nuevas canciones y distintos proyectos que ya se están preparando, manteniendo una misma intención, seguir explorando el bambuco y los lenguajes tradicionales desde una sensibilidad cercana y actual.

La entrevista completa de Sara María De Los Ríos ya está disponible en nuestro canal de YouTube, una invitación para escuchar con calma y conocer estos nuevos sonidos del bambuco.

Este trabajo reúne 14 canciones y 10 de ellas son inéditas, compuestas por miembros emblemáticos como Justo Valdés, Panfido Valdés y Enrique Tejedor, manteniendo viva la esencia musical de San Basilio de Palenque.

Para esta conmemoración, el grupo lanzó una edición limitada en vinilo verde de 140 gramos con 12 temas, que incluye cuatro canciones en lengua palenquera: ‘Chamukina’, ‘Monasito’, ‘Balica Mi’ y ‘Musumbi’, piezas que resaltan la riqueza lingüística y espiritual de esta comunidad ancestral.

El álbum también recorre ritmos afrocaribeños como la champeta con ‘Rincón de África’, ‘Chapeto’ y ‘Novia de Barranquilla’, junto a géneros tradicionales como la chalupa, el sexteto y el bullerengue, reafirmando la diversidad musical de Palenque y su aporte al sonido del Caribe colombiano.

‘Rincón de África’ se convierte en una obra que celebra la memoria colectiva, el lenguaje, las raíces y la resistencia cultural de San Basilio, mostrando la vitalidad de una tradición que sigue transformándose sin perder su identidad.

No se pierda la entrevista completa con Son Palenque en nuestro canal de YouTube y conozca más sobre este lanzamiento que honra la historia y la herencia palenquera.

El lanzamiento captura la fuerza y la energía ancestral de la gaita y la cumbia del Caribe colombiano, con un sonido grabado completamente en vivo y la conexión especial que se dio con el público europeo.

El álbum incluye clásicos como ‘La Maestranza’, ‘Candelaria’, ‘Tengo Amores con la Gaita’, además de piezas tradicionales como ‘Palito e’ Coco’, ‘Orgullo Colombiano’, ‘Tal Vez Tú’, ‘La Ceiba’ y ‘El Camino del Indio’.

La producción estuvo a cargo de OM Producciones con la dirección musical de Javier Mutis García, presentando un registro fiel que mantiene viva la esencia tradicional de la agrupación.

El vinilo de edición limitada en color azul es distribuido por el sello estadounidense Electric Cowbell con el apoyo del Programa Distrital de Apoyos Concertados de la Secretaría de Cultura de Bogotá y Idartes.

Lo invitamos a ver la entrevista completa en nuestro canal de YouTube y conocer más sobre este lanzamiento.

Interpretada por Eder Polo junto a Freda, y compuesta por Correa Bruges, la canción combina sentimiento, raíz y modernidad para abrir un nuevo capítulo dentro del género más representativo del Caribe colombiano.

Con más de tres décadas de trayectoria, Eder Polo miembro histórico de Carlos Vives y La Provincia lidera este proyecto como una apuesta por mantener viva la esencia del folclor vallenato, pero conectándolo con los sonidos contemporáneos. En La Región, Polo se une a una nueva generación de músicos para construir un puente entre el pasado y el futuro del vallenato.

‘Pa’ que te quedes’ busca conquistar corazones y también reafirmar que el vallenato sigue evolucionando sin perder su alma. Con una producción auténtica, la agrupación se perfila como una de las propuestas más prometedoras dentro del panorama musical colombiano.

Si quiere conocer más sobre esta historia y los sonidos detrás de ‘Pa’ que te quedes’, lo invitamos a ver la entrevista completa con La Región en nuestro programa ‘Música y Músicos de Colombia’.

Con esta canción, la cantautora abre un espacio para sanar desde la música y reconectarse con la fuerza interior que nace cuando se aprende a soltar el pasado.

Más que una simple composición, este sencillo representa un renacer, se dio en un momento de profunda transformación, cuando Francis decidió mirar hacia adelante y dejar atrás la nostalgia de la migración. “La escribí cuando empecé a liberarme del pasado para ser quien realmente quiero ser”, aseguró la artista, quien ha hecho de su música una forma de reencontrarse con su identidad y con la alegría de vivir.

El tema combina la potencia de los tambores afrocaribeños con los beats modernos de la electrónica, creando un sonido que es a la vez ancestral y contemporáneo. Es una fusión que invita al movimiento, al gozo y a la conexión espiritual, en una suerte de ritual sonoro donde la artista les recuerda a los oyentes que la vida se celebra bailando y agradeciendo.

El videoclip, grabado en la ciudad de Bogotá, le da vida visual a esa energía. A través de la danza, el color y los símbolos, Francis transmite la emoción de liberarse y reencontrarse con la esencia. Es una producción que logra capturar la espiritualidad de la canción y convertirla en una experiencia visual vibrante y emotiva.

Si quiere conocer más sobre la historia detrás de este lanzamiento y escuchar a Francis Carolina hablar de su proceso creativo, le invitamos a ver la entrevista completa en nuestro programa ‘Música y Músicos de Colombia’.

La entrevista completa a continuación:

Las voces de las mujeres del bullerengue se alzan contra el silencio y el olvido. Durante la entrevista el colectivo habló sobre cómo este trabajo musical se ha convertido en un acto de resistencia cultural y una manera de devolverle la voz a comunidades que por años estuvieron invisibilizadas.

El bullerengue se ha transformado en una voz colectiva para toda una región que históricamente fue silenciada. Sus cantos, transmitidos de generación en generación por mujeres mayores, son hoy un grito de memoria que reivindica la cultura afrocolombiana y la protege de ese olvido que amenaza con extinguirse. Cada canción es un recordatorio de que estas comunidades existen, resisten y mantienen viva su identidad.

El nuevo proyecto, grabado con tecnología de sonido inmersivo, abre un camino innovador en la manera de registrar la tradición oral y musical. Esta experiencia combina lo ancestral con lo contemporáneo, mostrando cómo el bullerengue puede dialogar con la modernidad sin perder su esencia. Escuchar estas grabaciones es como entrar a su cultura, donde los tambores, las palmas y las voces se entrelazan en un mundo digital perfecto.

Para Voces del Bullerengue, este disco no es un punto de llegada, sino un nuevo comienzo. Lo que viene son giras, talleres y más espacios donde estas mujeres podrán compartir sus cantos y sus historias. Porque su música no solo revive una tradición, también abre el camino para que nuevas generaciones reconozcan en el bullerengue una fuerza viva que sigue resistiendo frente al paso del tiempo. Lo invitamos a ver la entrevista completa en ‘Música y Músicos de Colombia’ y descubrir cómo estas voces, que un día fueron silenciadas, hoy se convierten en un canto de libertad y memoria.  

Con esa fuerza llega este artista a ‘Música y Músicos de Colombia’, donde presentó su nuevo disco homónimo, un proyecto que confirma su versatilidad y su gran talento.

En la entrevista, Eduardo contó que su misión es demostrar que el arpa no solo pertenece al folclore llanero, sino que tiene la capacidad de adaptarse a cualquier género musical. Con emoción, habló de cómo fue el reto de transformar canciones tan conocidas como ‘Cali Pachanguero’, ‘Sin medir distancias’ o ‘Billie Jean’ en piezas con un sonido único, sin perder la esencia de lo que representan para el público.

También hubo espacio para mirar atrás, recordó su primer disco ‘Mi Identidad’, y la influencia de su familia en su carrera, resaltando que las raíces son lo que lo mantiene firme en cada paso que da. Por supuesto, compartió sus nuevos proyectos audiovisuales y un tercer álbum que verá la luz en 2026.

“El Príncipe del Arpa” mostró que está construyendo un camino propio en la música colombiana. Su llegada al programa fue una invitación a descubrir cómo un instrumento tradicional puede sonar moderno, emocionante y universal.

Escuche la entrevista completa y déjese sorprender por la magia del arpa.