Con un elenco fenomenal integrado por Rodrigo Candamil, Rafael Zea, Andrea Guzmán, Carolina Sabino, Jennifer Leibovici y Paula Estrada, la obra muestra que la amistad, el amor y la inmadurez siguen siendo parte de la vida, incluso cuando ya se es adulto.

El director Fernando Arévalo contó que adaptar la puesta en escena a la realidad colombiana fue un reto importante. “Es diferente montar una obra escrita en el 2010 y estrenarla en el 2025. La sociedad y las relaciones han cambiado, por eso prefiero hacer la adaptación yo mismo”, explicó. El objetivo era lograr que los diálogos y las situaciones conectaran con el público colombiano.

La historia gira en torno a Matías y Palillo, dos amigos que se reencuentran después de un divorcio. Lo que parece una charla entre adultos responsables termina siendo un recorrido lleno de enredos, verdades incómodas y mucho humor. Según Arévalo, aquí se refleja cómo muchos hombres creen haber madurado, aunque en realidad siguen atrapados en viejos hábitos, mientras que las mujeres suelen asumir la madurez a más temprana edad.

Rodrigo Candamil, quien interpreta a Matías, describió con humor a su personaje: “Si quieren conocerlo, solo obsérvenlo diez minutos y verán lo inmaduro que podemos ser los hombres”. Con esa mezcla de humor y realidad, el actor hace que su personaje se sienta cercano al público.

La expectativa es que el público se identifique con la historia. Según el director, las mujeres probablemente saldrán felices y los hombres reflexionando sobre su madurez. También se espera que muchas espectadoras asistan en grupo y se reconozcan en las situaciones que se plantean.

Más allá de las risas, ‘Inmaduros’ deja frases que se quedan en la mente. Candamil lanzó una que resume la obra: “No traten de madurar a nadie, cada quien se toma su tiempo… en el caso de los hombres, entre los 14 y los 65 años”. Un comentario que provoca risa, pero también invita a pensar en lo complejo que resulta “hacerse adulto”.

Con un reparto encantador, una dirección que apuesta por lo cotidiano y un guion que combina humor y realidad, ‘Inmaduros’ se convierte en una de esas obras que no únicamente entretienen, sino que también quiere conectar con quienes se preguntan si realmente han madurado… o solo han aprendido a fingirlo.

El próximo viernes 22 de agosto, las palabras y los actos teatrales se tomarán la capital colombiana en una mezcla única que se enmarca en el concepto de ‘lectura dramática’. A partir de esto, los lectores se embarcan en una modalidad de interpretación de textos en la que utilizan su voz, expresión corporal y entonación para dar vida a los personajes, emociones y situaciones de una obra.

“Hicimos una convocatoria y de allí salieron tres grupos ganadores que participarán con sus lecturas dramáticas, además, un grupo seleccionado por las instituciones educativas con las que trabajamos desde Apulo y Funza, Cundinamarca. Este último, tendrá la responsabilidad de emitir su voto como jurado ¡Todos ellos concursarán en una gala espectacular!”, comentó Liliana Jaimes, directora del Festival en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Los asistentes al Primer Festival de Lectura Dramática podrán disfrutar gratuitamente de cuatro obras de distintas compañías artísticas: ‘Las Hermanas Loaiza S.A’ de Vesania en Escena, ‘Rigor Futurus’ de La Compañía Teatro, ‘Ópera Punk’ de Teatro Clase Z y ‘Contra Reloj’ de la Institución Educativa Departamental Antonio Nariño. 

“El evento trasciende espacio, tiempo, voz y público, ofreciendo una experiencia fuera de lo convencional. Hoy, el arte combina lectura e interpretación; el teatro nos conecta con la emoción, mientras la lectura comunica mensajes poderosos, creando una unión que genera una auténtica catarsis artística”, agregó Andrés Hernández, actor y tallerista.

En el transcurso del próximo viernes habrá un grupo de jurados conformado por Paola Andrea Guarnizo, Adelaida Palacios y el afamado Clown Maladrés; todo esto bajo la dirección de Macarios Teatro.

La cita será en el Teatro Villa Mayor, ubicado en la localidad Antonio Nariño. Las puertas se abrirán desde las 6:00 p.m. y para la inscripción puede acceder al siguiente link.

Artistas de 10 ciudades colombianas y 6 países llegan para expresar, desde el arte, la resistencia, la memoria y la construcción de paz.

Más que una muestra escénica, este Festival es una declaración política y cultural. Nacido hace 34 años como el primero de su tipo en América Latina, ha sido un espacio donde el teatro se convierte en herramienta de transformación, en voz de denuncia y en escenario de reconciliación. En sus tablas no hay ficción superficial: hay vida, historia, cuerpo y verdad.

Este año se presentarán 44 grupos nacionales provenientes de Bogotá, Medellín, Cali, Duitama, Facatativá, Pereira, Riohacha, Soacha, Valledupar y Barichara. A ellos se suman 6 agrupaciones internacionales de Costa Rica, Ecuador, Venezuela y España. El arte, aquí, no tiene fronteras ni géneros únicos: danza, teatro, performance, cuentería y lecturas dramáticas componen una programación diversa y urgente.

Uno de los ejes más potentes del evento es el XV Foro Polifónico de Mujeres, Lideresas: Arte y Cultura por la Paz, que propone encuentros sobre poesía, dramaturgia, nuevas masculinidades y el rol de las mujeres en la construcción de paz. Las preguntas que guían estos espacios son incómodas, necesarias y contemporáneas: ¿por qué seguimos necesitando festivales de mujeres? ¿cómo reescribir la historia desde el cuerpo?

Los talleres también hacen parte del corazón del encuentro. Desde maquillaje para no profesionales hasta creación colectiva, dramaturgia infantil, rituales corporales y coro teatral, las actividades están pensadas como espacios de aprendizaje colectivo y reflexión crítica. Participan maestras y artistas de Colombia, España, México y Cuba.

Además de las funciones, habrá homenajes, lanzamientos de libros y revistas, y una programación que conecta arte y pensamiento. Patricia Ariza, directora del Festival, recuerda que cuando empezó, solo el 2 % de las personas en dirección teatral en Colombia eran mujeres. Hoy ese número ha crecido, pero el desafío sigue. “Las mujeres artistas estamos dispuestas a otorgarle a la paz y a la dimensión cultural”, afirmó.

Los escenarios de la programación incluyen el Teatro La Candelaria, la Corporación Colombiana de Teatro, el Centro Cultural Gabriel García Márquez, el Teatro Hilos Mágicos, y espacios no convencionales como Casa Suba, Casa Lunaria, la Casa Luciérnagas en Bosa, y el Centro Cultural Compartir Sumapaz, entre otros. Así, el teatro se desborda de las salas tradicionales y se instala en territorios donde también se crea y se sueña.  

Un evento gratuito que se toma los barrios, las plazas, los parques y los teatros de la ciudad con más de 70 funciones, 400 artistas en escena y una programación pensada para todos los públicos. El arte escénico se descentraliza, se pone en movimiento, y llega donde siempre debió estar: En la calle, con la gente.

Pero la fiesta empieza antes. Este 7 de agosto se realiza Bogoteatro, una jornada que presenta 38 obras en las salas concertadas de la ciudad. Es la antesala perfecta para vivir el espíritu del Festival y conocer la diversidad de propuestas locales: Teatro contemporáneo, narración oral, títeres y formatos experimentales que reflejan el talento de las agrupaciones que mantienen viva la escena.

El Festival de Teatro y Circo de Bogotá no es solo una programación intensa de diez días. Es el resultado de 20 años de trabajo constante por hacer del arte algo cercano y cotidiano. Desde 2005, este evento ha llegado a bibliotecas, plazas públicas, colegios, centros culturales y espacios no convencionales en localidades como Suba, Bosa, Kennedy, Usaquén, Ciudad Bolívar, Engativá o San Cristóbal. La ciudad entera se convierte en escenario.

Además de las funciones, la edición 2025 incluye actividades especiales, una gran feria de cierre y la participación de colectivos emergentes, compañías reconocidas y agrupaciones universitarias. Esta mezcla entre experiencia y renovación fortalece el tejido artístico local y da oportunidades reales a nuevos talentos de mostrarse y crecer.

Lo más potente del evento no está solo en la tarima, sino en la forma en que transforma el espacio público. Al llevar espectáculos a barrios y territorios que no suelen tener acceso frecuente al teatro o al circo, este encuentro redefine la relación entre ciudadanía y cultura. 

Por eso, ‘Donde cada ilusión encuentra su escenario’ no es solo un lema. Es una declaración de lo que Bogotá puede ser cuando el arte está en el centro: una ciudad que se celebra a sí misma desde la creación, el juego, la palabra y el cuerpo. 

Desde las calles de la ciudad, pasando por el Jardín Botánico, La Media Torta, la Plazoleta del Concejo o la Biblioteca El Tintal, este evento demuestra que el arte no tiene fronteras ni un solo público. Es una invitación a mirar lo cotidiano con otros ojos, a reencontrarse con el asombro, y a celebrar que en Bogotá, la cultura ocupa su lugar en el centro de la vida colectiva.

Programación completa aquí.

El Círculo Colombiano de Artistas presenta una breve temporada de ‘Un Noviazgo en 1920’, pieza clásica del escritor Álvaro Salom Becerra, que regresa como homenaje a la ciudad y como propuesta escénica para mirar el pasado con ojos distintos: no desde la nostalgia ingenua, sino a partir de la memoria afectiva capaz de transformar.

Ambientada en la Bogotá conservadora de inicios del siglo XX, esta comedia ácida y entrañable plantea una mirada crítica —y a la vez tierna— sobre los códigos familiares de otra época. La obra permite revisar valores, silencios, normas y violencias simbólicas que aún resuenan en muchas casas. Reconocerse en esas escenas es el primer paso para transformar lo heredado.

El montaje invita a una experiencia compartida entre generaciones, abuelos, padres e hijos pueden verse reflejados en los personajes, en sus frases y gestos. El espectador se descubre riendo de su propia historia, comprendiendo a sus mayores o reconciliándose con figuras familiares. En escena, el teatro se vuelve un espacio de escucha, memoria y diálogo.

Aunque retrata una época de normas rígidas y desigualdades marcadas, la puesta también rescata la ternura, el respeto y los rituales que construyeron vínculos. ‘Un Noviazgo en 1920’ sugiere que el hogar, lejos de ser un lugar idealizado, puede ser un espacio de transformación donde es posible sembrar paz.

Con ironía sutil y humor fino, el texto de Salom Becerra permite hablar de lo difícil sin solemnidad. La risa compartida se convierte en un puente emocional. Sin imponer discursos, para despertar la reflexión y la emoción. El montaje recrea con detalle la atmósfera de la Bogotá antigua: vestidos de encaje, patios con olor a eucalipto, valses, serenatas y cartas escritas a mano.

Más que una pieza histórica, ‘Un Noviazgo en 1920’ es un tributo a la ciudad, una forma de celebrar su aniversario volviendo a lo esencial: las palabras, los gestos, las memorias compartidas. Es Bogotá contándose a sí misma, desde el amor, la contradicción y la intimidad de sus hogares.

Las funciones se realizarán durante el mes de agosto en el Teatro Bernardo Romero Lozano, ubicado en la Calle 46 No. 28-30, barrio Belalcázar (Teusaquillo). El horario de presentación es a las 7:30 p. m.

A finales de los años 80, la televisión colombiana fue testigo de los primeros pasos de Luly Bossa, una actriz que ha deslumbrado con su talento en más de 60 producciones nacionales e internacionales. 

Su legado se expande durante el mes de agosto en las tablas y traerá una propuesta escénica que mezcla drama, humor y reflexión social. Será uno de los retos actorales más importantes de la artista al interpretar en menos de dos horas cinco personajes distintos.

“‘Ponte en mi Lugar’ es una obra para reír, llorar y reflexionar. Una experiencia teatral que pone el corazón sobre la mesa y nos recuerda que nunca es tarde para hablar, sanar y mirar al otro con ojos nuevos, con los ojos de la empatía y el amor”, explicó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Cinco vidas, una sola actriz!

Bossa le dará vida a una madre, una adolescente influencer, un padre salsero, una abuela de 80 años y una hermana gemela trans. Todos se encuentran en un espacio íntimo y sincero para compartir sus miedos, frustraciones, alegrías y deseos, dando lugar a la risa, la empatía y la reflexión.

“Uno de los mayores retos ha sido conectar con la energía de una adolescente de 15 años y mantenerme ahí, con coherencia. La voz del papá también tiene su complejidad, y con Cris siento que todavía sigo descubriendo nuevas capas del personaje”, agregó la artista.

Bajo la dirección y dramaturgia de Sandra Corrales, el público podrá ver en escena a: 

-    Karoll: Una adolescente influencer con miles de seguidores, que busca validación tanto en redes como en su casa. -    Lulú: Una madre sobreprotectora, llena de heridas no sanadas y sueños postergados.  -    Oli: Un papá salsero, amoroso, atrapado entre su rol de proveedor y su deseo de conexión emocional. -    Tía Albita: Una mujer de 80 años que se vuelve sensación en TikTok y decide, por fin, contar su verdad.-    Cris: El hermano gemelo que encuentra su verdadera identidad al convertirse en la mujer que siempre soñó ser.

Las funciones estarán disponibles los jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m. en el Auditorio Las Bethlemitas. Para conocer más detalles puedes visitar el siguiente link.

En un mundo que corre a la velocidad de un clic,’ Don Clock’ y la rutina diaria de los aparatos olvidados propone un acto radical: detenerse. Está puesta en escena, donde una plancha de carbón y un televisor a blanco y negro cobran vida sin decir una sola palabra, hace del silencio una herramienta poderosa para reflexionar sobre el ritmo actual y los vínculos que se están perdiendo.

“La historia nace de los cuentos de María Luna, una niña de 10 años que ve vida en los objetos viejos que encuentra en su casa”, explicaron los actores Sara Alonso y Diego Duarte. Desde esa premisa, los personajes —inspirados en electrodomésticos antiguos— se convierten en espejos de nuestros abuelos, de sus rutinas lentas, su sabiduría quieta y su presencia cada vez más ignorada. “Los personajes están basados en los adultos mayores: su ritmo, su manera de mirar el mundo, su cotidianidad pausada”.

La obra se desarrolla sin diálogos, desde el teatro del silencio y la acción física. Cada objeto tiene su propio ritmo, como si cada uno fuera un instrumento. Esa coreografía sutil esconde una exploración profunda por parte de los actores: “Fue difícil. Tuvimos que buscar en nuestro cuerpo joven, cómo habita el tiempo, un cuerpo viejo, y eso fue muy extenuante, aunque muy bonito”, contó Sara Alonso.

Más allá de lo visual y lo onírico, la obra toca fibras muy reales. “A veces uno va tan de afán que deja de ver a quienes siguen en otro ritmo. Me pasó caminando en el centro: siempre pasaba por la misma esquina, hasta que un día paré y vi a un señor arreglando relojes. Siempre estuvo ahí, pero yo nunca lo vi”, reflexionó Sara Alonso. Y ese es quizás el mensaje más fuerte: detenerse para mirar a quienes viven a otro tiempo, especialmente a los mayores que acompañan —en silencio— la vida diaria.

Lejos de ser una obra infantil, ‘Don Clock’ es teatro familiar en su sentido más profundo: conecta generaciones, rescata memorias y plantea preguntas sobre el abandono, la tecnología y el valor de lo aparentemente inútil. “Esta niña protagonista no aparece en escena, pero es quien crea el universo. Es imaginación pura, pero también una invitación a mirar con otros ojos lo que ya no usamos”, explican.

La obra, que nació como un homenaje para adultos mayores de Ciudad Bolívar, se expande ahora a distintos escenarios de Bogotá. Pero más allá de las funciones, deja en el aire una pregunta que cada espectador puede llevarse a casa: ¿a quiénes he dejado de ver por ir tan rápido?

Eliana Diosa y Freddy Ordóñez se unen en escena para protagonizar ‘El Suplente’, una historia donde las identidades se cruzan y las ambiciones personales se vuelven excusa para una sátira política y social. Ella interpreta a Candy, una periodista coqueta que desarma con astucia a un senador vanidoso. Él da vida a Antonio, un escritor frustrado que encuentra en el engaño una oportunidad para alcanzar el reconocimiento que siempre ha perseguido.

Para Eliana, el papel de Candy es un juego de máscaras: “le encanta sentirse deseada, pero también controla la situación. Es vanidosa, más no ingenua”, dice, al explicar cómo su personaje navega entre la seducción y el poder. Aunque la puesta en escena es una comedia, sostiene que “la vanidad a veces es muy cara”, y que la obra plantea hasta qué punto estamos dispuestos a negociar nuestra dignidad.

Por su parte, Freddy encarna a un escritor que ha sido ignorado por el sistema, pero que al fin ve una posibilidad de brillar, aunque tenga que prestarle su talento al político de turno. “Este es un juego de equívocos, nadie es quien dice ser”, afirmó. Con una trayectoria marcada por la disciplina —fue becado por sus calificaciones antes de dedicarse a la actuación— reconoce que su personaje le ha exigido rapidez, memoria y un manejo preciso del ritmo cómico.

Ambos actores coinciden en que la dirección de Víctor Hugo Morán ha sido clave. “Él es obsesivo con los tiempos de la comedia, cada palabra importa”, comentó Freddy. Y aunque el texto es riguroso, también hay espacio para la improvisación. Eliana cuenta que “hay apuntes de Freddy que se han quedado en la obra, otros que el director ha tenido que cortar por exceso de juego”.

Más allá del guion, lo que se vive entre estos actores es complicidad. En la entrevista, el intercambio de bromas y anécdotas dejó claro que su química en escena no es casual. “No hay ensayo en el que no terminemos muertos de la risa”, confiesa Eliana, entre risas que también se cuelan en el montaje final. “Somos personajes que todo el tiempo están ocultando algo, y eso se presta para muchos conflictos en escena”, agregó.

‘El Suplente’ se revela, así como una crítica disfrazada de carcajada, una comedia que, entre risa y risa, se atreve a hablar de lo que muchos callan. Porque detrás del maquillaje, el traje y las falsas apariencias, lo que queda al desnudo es el juego humano más viejo de todos: fingir para sobrevivir.

La obra se presenta en el Teatro Bernardo Romero Lozano del 18 de julio al 2 de agosto del 2025.

En 1664 el mundo conoció por primera vez a ‘Tartufo’, un personaje que nació en medio de una sociedad gobernada por la monarquía y los eclesiásticos. Su creador Jean-Baptiste Poquelin, conocido por su seudónimo ‘Molière’, retrato a través del humor, crítica social y reflexión moral la hipocresía de los falsos devotos.

Sin saberlo, estaba creando uno de los pilares fundamentales del teatro universal y fue tanta la controversia que ocasionó que fue prohibida por el rey Luis XIV tras la presión de la iglesia de la época.

A lo largo de los años, se ha convertido en una de las obras más estudiadas en el mundo y esta vez Ricardo Camacho (director) y Diego Barragán (escritor), presentan una nueva adaptación que cobra vida en las tablas capitalinas.

“La historia de ‘Tartufo’ gira en torno a una familia de la alta burguesía que cae bajo la influencia de un supuesto hombre piadoso, cuya verdadera naturaleza resulta ser opuesta a la imagen que proyecta. A través de situaciones tanto cómicas como tensas, la obra expone cómo la apariencia de rectitud puede convertirse en un instrumento de manipulación y control”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

Uno de los objetivos de la adaptación de Barragán es que el público comprenda fácilmente está historia para evitar complicaciones con las traducciones originales. Por ejemplo, ‘la criada’, uno de los personajes principales, usa varios refranes de las abuelas colombianas.

“Esto no significa que la obra se haya colombianizado por completo, pero sí se buscó que el lenguaje resonara con el público local, sin sacrificar el fondo de la obra”, agregó el comunicado.

Además, suelen incorporarse algunas escenas que pueden incomodar en un inicio al espectador, pues aún sigue siendo escandalosa la figura de un guía espiritual que se aprovecha de su posición para obtener favores sexuales o apropiarse de los bienes de la familia.

La puesta en escena puede disfrutarse en el Teatro Libre sede Centro con funciones los viernes y sábados a las 8:00 p.m. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

La Casa del Teatro Nacional estrena una propuesta que aborda la naturaleza humana desde los traumas, los celos y la falta de comunicación marital. Se trata de la obra de teatro, ‘Helena o variaciones sobre la banalidad del mal’, un montaje artístico que, bajo la dirección de Carlos Sepúlveda, se inspira en el conocido ensayo de Hannah Arendt, ‘Eichmann en Jerusalén’, para reflexionar acerca del peso de la memoria, la culpa y los secretos que habitan en cada ser humano.

Juan Esteban Rojas y Juana Cruz encarnan a Hans y Helena, una pareja cuya aparente discusión de vida cotidiana desvela la tensión de un pasado inescapable. La obra se ambienta años después del Holocausto y nos cuenta la historia de Hans, un hombre que atormentado por la sospecha, exige conocer las verdades enterradas por Helena y una supuesta relación clandestina, hasta que ella confiesa un trauma que ya no puede callar.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con los protagonistas de esta puesta en escena, que, cabe resaltar, está hecha por estudiantes del último semestre de la Escuela de Formación en Artes Dramáticas de la Fundación Teatro Nacional, convirtiéndose en la plataforma ideal para nuevos rostros y talentos del teatro.

“Helena y Hans son una pareja de esposos que tienes traumas del pasado. (…) Helena tiene un trauma durísimo, ya que fue víctima en los campos de concentración Auschwitz; mientras que Hans arrastra un trauma muy fuerte por sus inseguridades y todo lo que significa para él encontrarse con la sospecha de que su esposa lo engaña con un hombre misterioso", relató el director Carlos Sepúlveda a los micrófonos de la LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Lejos de usar la guerra como telón de fondo, esta pieza se adentra en sus consecuencias, y en las secuelas invisibles que resuenan a pesar del paso de los años. Los amantes del teatro podrán atestiguar un diálogo que se convierte en batalla, mientras el suspenso por descubrir los secretos de los protagonistas llena la sala.

Con funciones del 19 de junio al 4 de julio los jueves, viernes y sábados a las 7: 00 p.m., en la Casa Sinagoga del Teatro Nacional, Helena plantea la pregunta subterránea: ¿qué estarías dispuesto a hacer por amor? Y más importante aún, ¿hasta dónde llegarías para liberar o justificar los actos del otro?

“Este es un reto muy duro para los actores porque tuvieron que enfrentarse a un tipo de material dramatúrgico completamente diferente a lo que ellos estaban acostumbrados, y empezaron a sumergirse en ese universo histórico de la Segunda Guerra Mundial. El gran reto de los actores acá es entrar en el mundo de los personajes”, puntualiza el director de la obra.