Con la edición número 26 de Salsa al Parque, Bogotá cerró el ciclo de los Festivales al Parque 2025 con una fiesta inolvidable. Una cita que convirtió el Parque Simón Bolívar en un inmenso salón de baile al aire libre. Durante dos días, 4 y 5 de octubre, más de 320 músicos, 181 bailarines y 18 agrupaciones llenaron la capital de sabor, ritmo y memoria, en un encuentro que reafirmó por qué la salsa sigue siendo un lenguaje que une generaciones y construye identidad urbana.

LAUD 90.4 FM ESTÉREO fue testigo de ello en el marco del cubrimiento especial que adelantó durante este encuentro melómano. Allí tuvo la oportunidad de dialogar con artistas de talla distrital, nacional e internacional que pusieron a vibrar a todos los asistentes con reconocidos clásicos de ayer y de siempre. Desde la Sonora Ponceña, con sus más de 70 años de historia, pasando por Yuri Buenaventura, orgullo nacional, hasta la Orquesta Candombé, promesa distrital, quienes unieron con la salsa a un público, en medio de toda la diversidad que le caracteriza.

Precisamente sobre Salsa al Parque 2025 y los hitos alcanzados durante este año con el programa Festivales al Parque, estuvo dialogando con la verdadera alternativa de la radio la Directora de IDARTES, María Claudia Parias, concluyendo un año con nueve festivales y un año lleno de música y cultura.

“Hoy terminamos la serie de nueve festivales organizados por el Instituto Distrital de las ARTES, IDARTES, que significan la participación de cerca de 700 mil personas en todos estos escenarios de la diversidad musical y creativa. Mismos que han implicado la presentación de 192 agrupaciones de música en todos los géneros de la música, que también son los preferidos por las y los bogotanos”, refirió la funcionaria.

En el caso de Salsa al Parque, por ejemplo, se registró la participación de 60 mil personas, desde todas las localidades de Bogotá, durante los dos días de la edición 26 de Bogotá. Una importante comunidad compuesta por orquestas, bailarines profesionales y aficionados, melómanos y también apasionados por la diversidad musical que compone al género.

Además, la danza tuvo un papel protagónico. Doce parejas y seis compañías de baile acompañaron a las orquestas en escena, mientras que la carpa bailable y las ruedas de casino invitaron al público a participar activamente, transformando el parque en una verdadera escuela de alegría colectiva. A la par de representar una valiosa oferta cultural, en su mayoría de entrada libre, para los bogotanos. Los Festivales al Parque resultan ser un destacado dinamizador económico a lo largo del año.

“Según el Observatorio de Culturas de Bogotá, se ha movido en la economía cotidiana de la gente que viene al Festival, es decir lo que compran para ponerse, lo que compran en comida, lo que gastan para transportarse al evento, más de 20 mil millones de pesos. Una rama económica muy importante, pero lo más destacado es que la ciudad se posiciona internacionalmente como una ciudad cultural”, acotó Parias.

El público, diverso, multigeneracional y profundamente apasionado por la música respondió con entusiasmo a una curaduría que ha buscado combinar tradición y contemporaneidad en materia de rock, joropo, musica popular, jazz, hip hop, vallenato, salsa y muchas otras expresiones sonoras.

El balance es contundente: 192 agrupaciones, 71 distritales, 69 nacionales y 52 internacionales. Además, más de 1.200 músicos que hicieron parte de una programación que llevó a la ciudadanía por un recorrido sonoro por las raíces colombianas más profundas y las nuevas propuestas musicales.

Alfonso Espriella es psicoterapueta de profesión y musico por vocación, sus dos talentos lo han llevado por el mundo moderando talleres de meditación y consolidándose como uno de los pocos solistas colombianos que es compositor, arreglista, productor y director de su propia banda de rock alternativo.

Actualmente, está ad portas de celebrar 20 años de trayectoria con cinco sellos discográficos que se enmarcan en los títulos de ‘Trazos de Ser (2009)’, ‘Ánima (2011)’, ‘Somos Estrellas (2013)’, ‘Todo empieza ahora (2017)’ y ‘No somos del tiempo (2021)’. Luego de cuatro años en pausa de nuevos lanzamientos, presenta su sencillo ‘Dolor Fantasma’, el abrebocas de su próximo álbum ‘Nadie’.

“Después de la pandemia hice varios demos, les metía mano, los trabajaba una y otra vez... Fue un proceso de muchos años. Cuando uno compone, no necesariamente está viviendo todo lo que escribe. Un sentimiento casi universal del ser humano es sentir que le hace falta algo: puede ser una relación, dinero, un título... Y ahí aparece lo que yo llamo un bichito, un virus: la carencia”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Dolor Fantasma: Un himno que saldrá a la luz en el mes de noviembre

Espriella explora en este tema una sensación profunda de carencia y vacío en el interior del ser humano, esa impresión de que “algo falta” para sentirse pleno y completo. El personaje se encuentra en una encrucijada: por un lado, están los “cantos de sirena”, esas voces externas que le ofrecen soluciones superficiales para calmar su malestar; mientras que por otro, se hace evidente la opción de resistirse a esas distracciones y permanecer quieto, enfrentando su propio mundo interior, aunque este se sienta incierto, desconocido o incluso oscuro.

Durante los próximos meses, el artista espera dar a conocer las otras canciones de su sexto disco que viajan por momentos dulces y hacen un recorrido por los sonidos más fuertes del rock.

Hasta el próximo 9 de noviembre, la capital colombiana vivirá una de las citas más importantes para la lírica latinoamericana. La ópera, el recital de canto y la música sinfónica, llegarán en diversos montajes que van desde clásicos universales hasta apuestas contemporáneas e innovadoras.

Se trata del XXVIII Festival Ópera al Parque, que se presenta bajo el nombre Ciudad Lírica 2025. Un evento que convoca a diferentes talentos nacionales ganadores del Programa Distrital de Estímulos para la Cultura, artistas emergentes y reconocidos intérpretes del canto lírico.

“Estamos llevando la ópera desde los grandes escenarios hasta los barrios y espacios comunitarios. Una verdadera celebración que invita a la ciudadanía a disfrutar de experiencias memorables alrededor de la música”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

Dentro de los escenarios principales que recibirán al Festival se encuentran el Museo Nacional, el Auditorio Fabio Lozano, el Teatro El Ensueño, el Teatro Delia Zapata, el Centro Cultural La Aldea, el Teatro Bogotá, entre otros. 

¡Algunos de los eventos más destacados!

-    Día Minimalismo de la Ópera: 25 de octubre en el Centro de la Felicidad de Chapinero.

Recitales:

●    Sergio Andrés González Castro ●    Beatriz Batista ●    Andrés Felipe Mejía Pinzón ●    Lucy Andrea Villamizar Rivero ●    Santiago Silva Roldán

Reconocimientos:

Ganadores de los premios “Ciudad Lírica” y “Filarmónico de Canto” -    Concierto Nuevo Mundo Latinoamericano Sinfónico: 25 de octubre a las 7:00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano (Boletería)

Presenta:

●    Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana ●    Nuevo Mundo Latinoamericano Sinfónico

Distinción:

Ganadores de la Beca de Circulación Fusión Filarmónica (LEP)

-    Gran Gala de Cierre:  9 de noviembre a las 3:00 p.m. en Ciudad Bolívar – Teatro El Ensueño Participan:

●    Orquesta Filarmónica Juvenil ●    Coro Filarmónico Juvenil ●    Cantantes ganadores

Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

En medio de la efervescente escena musical de la capital colombiana, y durante los retos que implicó la pandemia por el COVID-19, en 2020 nació una agrupación de metal extremo y hardcore que en sus cortos cinco años ha calado hondo en el panorama emergente gracias a sus múltiples presentaciones a nivel local y nacional, así como también una propuesta original que mezcla sonidos e instrumentos orientales, la agresividad musical y la calma ancestral.

Sobre este proyecto sonoro estuvieron hablando en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ dos de sus integrantes: El bajista Jean Jiménez y el guitarrista Kurakash quienes que revelaron detalles de su trayectoria y el trabajo que adelantan en materia de un nuevo álbum que pretende encapsular el verdadero concepto de Okinawa Bullet.

“Esto que viene para Okinawa ha sido un proceso que intentamos todos meterle mano absolutamente a todo. Que tenga el sello personal pero que  genere una identidad de la banda. Por eso decidimos lanzarlo como longplay y no solo como sencillos (…) Esto ya quiere contar una historia y cerrar un concepto de lo que realmente viene a ser Okinawa Bullets el día de hoy”, reveló Kurakash.

Además del gusto compartido por la cultura japonesa, lo que motivó a los Okinawa Bullets a llamar su agrupación como la ciudad oriental fue la resiliencia que ha caracterizado a dicha parte del mundo y la riqueza de sus creencias espirituales, música y pintura.

A lo largo de su carrera la agrupación bogotana ha alcanzado importantes hitos como el compartir tarima con bandas de la talla de Carnifex, Underoath o Escape the Fate. En cuanto a escenarios, participó este 2025 en el Festival Rock al Parque y también el Bogotá Music Market BOom 2025. Mientras que en años anteriores ha llevado su irreverencia musical a espacios como Catatumbo Rock Fest y Valle Rock Festival.

Por el momento, para los interesados en este talento con sello capitalino, pueden escuchar su EP ‘BANZAI’, en el que destacan canciones como ‘Dualidad’, ‘Hatori’, ‘Miyagi’, ‘Bushido’, temas que cuentan también con su respectivo videoclip.

Leonardo de Lozanne la voz inconfundible de Fobia y Los Concorde, llegó al escenario de Ozzy Bar para mostrar su faceta más personal como solista. En el show presentó su más reciente sencillo ‘Antártida’ y adelantó parte de su próximo EP ‘Recuerdos de la Antártida’, un proyecto con el que marca un nuevo capítulo musical.

La carrera de Leonardo no se entiende sin hablar de Fobia, una de las bandas más icónicas del rock mexicano. Con ellos construyó un repertorio que marcó generaciones y que aún hoy sigue vigente. Él mismo lo reconoce: “Hasta hoy ‘El Microbito’ es la canción más escuchada, y lo que en su momento fue censura terminó dándole más vida”, recordó entre risas. Esa mezcla de irreverencia y creatividad lo convirtió en una figura clave del rock latino de los noventa.

Pero Leonardo siempre ha buscado nuevos horizontes. Con Los Concorde exploró una faceta distinta, juntándose con otros músicos de peso para darle forma a un proyecto que mezclaba rock, frescura y colaboraciones. Ahora, con su carrera solista, se da la libertad de hablar de lo que siente sin necesidad de cumplir expectativas. “Antes quería probar que podía hacerlo solo, en este momento lo hago por pura música, porque me nace y no tengo nada que demostrarle a nadie”, confesó.

Uno de esos temas es ‘Antártida’, una canción que, según él, habla del autoengaño. “Somos los únicos seres que cometemos el mismo error dos o tres veces, y creemos que va a ser diferente. Esa es la metáfora que me inspiró”, explicó. También adelantó que pronto lanzará ‘Necesito saber’, un sencillo que mostrará otra faceta de lo que está construyendo.

El concepto de su próximo EP, ‘Recuerdos de la Antártida’, también dio mucho de qué hablar. Aunque nunca ha estado en ese lugar, para él representa algo más simbólico: “Son recuerdos inventados, fantasías que no van a pasar, pero igual nos las creemos”, dijo. Esta idea de mezclar lo real con lo imaginado le da una identidad distinta a su nueva etapa, más libre y experimental.

El paso por Bogotá fue además una oportunidad para estar junto a StayWay, una banda local que ya completa casi 20 años de trayectoria. Para su vocalista Diego Abril, fue un honor: “Cuando uno empieza nunca imagina que va a tocar con los artistas que escuchaba en la radio. Para nosotros es un regalo compartir con Leonardo”.

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La visita dejó claro que más allá de los conciertos, Leonardo sigue siendo un referente que inspira tanto a músicos nuevos como a quienes crecieron con su voz. Su historia es la de alguien que no se conforma con lo ya logrado, sino que continúa abriendo caminos en el rock latinoamericano.

Con este paso por Bogotá, Leonardo de Lozanne demostró que su carrera sigue en evolución. Del éxito masivo con Fobia a la exploración colectiva con Los Concorde, y ahora a la intimidad de su proyecto, el artista mexicano mantiene la chispa intacta. Y aunque el concierto ya pasó, dejó la sensación de que lo mejor de su faceta solista apenas está comenzando.

Con sonidos que van del metal al punk y letras que ponen el dedo en la llaga, el grupo se ha convertido en una voz incómoda pero necesaria.

Todo empezó como pasa con muchos sueños: Un parche de amigos queriendo hacer música. “Nos reunimos cuatro a joder, a hacer ruido, y terminamos hablando de lo que nos incomoda como sociedad. Así nació Narcocracia”, contó Leandro Martínez vocalista de la banda. El nombre mismo lo dice todo: Una crítica directa a la realidad colombiana atravesada por corrupción y violencia.

Formar la agrupación no fue fácil. Julián Osorio el bajo de la banda recordó su llegada después de una audición exigente: “Competí con dos colegas, unos tipos grandes que tocaban muy técnico… y al final quedé yo. Gané la esperanza de metal”, dijo entre risas. Esa mezcla de humor y resistencia define buena parte de la identidad del grupo.

Su estilo no se encasilla. “Para unos somos metal, para otros punk o hardcore. Nosotros decimos que somos una orquesta de rock y metal. Lo importante es que la gente encuentre algo que le guste”, explicó Leandro. Así, pueden pasar de un black metal oscuro a un trash metal rabioso según lo que quieran denunciar en sus letras.

Las canciones han salido de improvisaciones en ensayo. “Narcocracia es una sopa de cuatro ingredientes. Yo traigo ideas, otros meten riffs, y vamos armando entre todos. Lo bueno es que fluyen rápido”, contó Julián. Así han nacido trabajos como ‘Narcoaventura’, ‘Realismo Trágico’ y su más reciente álbum ‘Triunvirato’.

El nuevo disco es un retrato de cómo el poder manipula a la gente. “’Triunvirato’ habla de la religión, la prensa y el gobierno como formas de control. Es un concepto para mostrar cómo nos dividen para mantenerse arriba”, explicó Leandro. Canciones como Epifanía reflejan esas tensiones y, al mismo tiempo, historias personales marcadas por la violencia del país.

A pesar de lo duro del camino, la motivación de la banda es clara: “Quiero pagar mi arriendo y llevar a mi esposa a comer con lo que gane. Pero sobre todo quiero hacer música y divertirme con esto”, dijo Leandro. Entre humor, crudeza y riffs pesados, Narcocracia sigue demostrando que el metal en Bogotá es más que música: Es resistencia hecha canción.

Luis Antonio Álvarez nació el 25 de diciembre de 1967 en la Ciudad de México, creció en una familia humilde en la zona de Tlalnepantla. En sus primeros años fue apodado como ‘El Haragán’, que curiosamente significa “el flojo” o “el perezoso”, sin embargo, decidió resignificarlo y convertirlo en una identidad popular y rebelde que caracteriza su música.

En el año 89 fundó oficialmente El Haragán y Compañía, agrupación que recopila cerca de 35 años de trayectoria y 1.5 millones de oyentes mensuales. En sus letras refleja versatilidad, fuerza, honestidad, resistencia y múltiples historias populares.

“Cubierto bajo su gabán, ‘El Haragán’ gesta una serie de reflexiones del rutinario caos citadino, pintando en el imaginario historias convertidas en melodías, ideando cómo salir adelante, como cualquier creativo necesita un tiempo y un espacio donde la mente de rienda suelta a la inspiración. Un haragán muy chambeador”, relató el vocalista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Un poderoso regreso a la escena musical mundial!

Para marcar su regreso a los escenarios, la agrupación mexicana presenta un nuevo sencillo que parte de una serie de preguntas: “¿Dónde está el trabajo del hombre? La economía familiar está por los suelos ¿Dónde está el trabajo de tantos años?”. Así, invita a reflexionar sobre el sistema económico que rodea Latinoamérica, combinando espacios reales y simbolismos.

El tema titulado ‘El Trabajo del Hombre’ llega acompañado de un videoclip que retrata la lucha diaria, el desgaste, la esperanza y la resistencia de quienes sostienen al mundo con su esfuerzo.

Una cita ante más de 20 mil espectadores

La celebración de los 35 años de El Haragán y Compañía comenzó en el Festival Internacional Unirock Alternativo (FIURA) en la ciudad de Cali. Además, se presentaron el pasado 4 de octubre en Relevant Music Hall en Bogotá. Sin embargo, su cita más importante se aproxima y será en un gran concierto el próximo 23 de octubre en la mítica Arena CDMX.

El artista peruano Casimismo presenta su primer single en solitario, ‘Quemar’, la canción nace como juicio a una relación pasada, pero termina convirtiéndose en un manifiesto de transformación y autodescubrimiento. Con una propuesta que fusiona rock alternativo, drum & bass y pop experimental, el artista construye un nuevo lenguaje emocional dentro de la música alternativa en español.

Detrás de Casimismo se encuentra Adrián Mora, cofundador del dúo Cruz Caimán, referente del movimiento neoafroperuano. Con este proyecto compartió escenarios en festivales internacionales como Primavera Sound y el Festival de la Hispanidad en España. Su paso por estos escenarios, junto a una inquietud creativa constante, lo impulsan ahora a emprender un trayecto más visceral e introspectivo, donde cada canción se convierte en un espejo de su propio tránsito emocional.

“Lo que parecía ser una crítica para alguien más, terminó siendo una advertencia a mí mismo. ‘Quemar’ me confrontó con todo lo que no quería ver, pero necesitaba cambiar”, explicó el músico.

Casimismo no es solo un proyecto musical: Es también una filosofía. Parte de la premisa de que nunca se es completamente uno mismo, sino que siempre se está en tránsito.

Con una producción híbrida, ‘Quemar’ se inscribe en el mapa emocional de artistas como Latin Mafia, Odd Liquor, Nsqk o DELLAFUENTE, pero lleva la propuesta hacia un terreno más abrasivo y desgarrado.

Este lanzamiento se complementa con una serie de piezas visuales que refuerzan el imaginario del solista. Casimismo es más que música, es un espacio para cambiar, aprender y reconstruirse. No se trata solo de mostrar emociones, sino de enfrentarlas con honestidad”, afirmó Casimismo.

Con este debut, se posiciona como una de las voces más prometedoras de la nueva generación de artistas latinoamericanos que exploran el dolor, la crudeza emocional y la experimentación sonora sin miedo a traspasar límites.

Desde el primero de septiembre hasta el 30 de noviembre de 2025, músicos de todo el país pueden inscribirse en los concursos y encuentros que celebran la música andina colombiana.

Según Ana María Rodríguez Monroy, primera voz del Dueto Luar, el Festival “es uno de los más antiguos e importantes del país; un espacio que busca mantener viva la música andina colombiana y abrir oportunidades para que músicos de todas las edades puedan mostrar su talento”.

La convocatoria incluye el 32.º Concurso Nacional de Duetos Príncipes de la Canción y el 29.º Concurso Nacional de Composición Leonor Buenaventura, además de eventos como ‘Los niños al encuentro de la música colombiana’, el ‘Encuentro Universitario’ y el ‘Encuentro Nacional de Músicas de las Regiones’. “Hay espacios para todos: Niños, universitarios, duetos y compositores, lo importante es participar con tiempo y cumplir los requisitos”, explicó Ana María. 

Los duetos interesados deberán presentarse en formato vocal-instrumental, con acompañamiento de guitarra y tiple, interpretando aires tradicionales como bambuco, pasillo, torbellino, guabina o vals. “El tiple es obligatorio, hace parte del alma de esta música”, aclaró la cantante.  

La bolsa de premios supera los 100 millones de pesos. El concurso de duetos entregará hasta 20 millones al primer lugar, mientras que el de composición repartirá 29 millones entre los ganadores. Pero más allá del dinero, Ana María resaltó lo que significa formar parte del festival: “Para nosotros como Dueto Luar fue una experiencia inolvidable. Ganar el título de Princesas de la Canción nos permitió grabar un disco, compartir escenario con artistas increíbles y seguir llevando la música andina a nuevos públicos”.

La artista también recordó el reciente concierto homenaje a la mujer en la música andina, realizado el 2 de octubre en Ibagué, donde compartieron escenario con Dueto Camino Real, Dueto Entre Cantos, Katie James, Los Gaiteros de San Jacinto, la Rondalla Ibaguereña y la Orquesta del Liceo Musical Santa Cecilia. “Fue una noche muy bonita, llena de música y de público feliz. Ese tipo de eventos nos recuerdan por qué hacemos lo que hacemos”. Este Festival no es solo para competir, es para encontrarnos, aprender y seguir haciendo que nuestra música suene viva”, afirmó la artista.

Quienes deseen participar pueden consultar todos los detalles, reglamentos y formularios en la página oficial.

El proyecto musical Sueños de un Tulpa, liderado por Jhon González, llega con sonidos que mezclan misticismo, emociones intensas y una apuesta por experimentar sin reglas. Su más reciente lanzamiento, ‘Malleus Maleficarum’, es una muestra de esa propuesta única.

Jhon contó que la música lo acompaña desde niño, cuando su papá le enseñó a tocar el bajo. Después de pasar por varias bandas decidió crear su propio proyecto: “Quería tener más control, decidir de qué hablar en mis canciones y no estar atado a un solo género”.

El nombre tiene un trasfondo especial. González explicó: “El tulpa viene del budismo, es la idea de que a través de la meditación se pueden materializar pensamientos. Para mí, cada canción es un pensamiento que toma vida propia cuando llega a quien la escucha”. Así, su música no solo suena, también se transforma en experiencias distintas para cada persona.

Las letras de Sueños de un Tulpa abordan emociones profundas: El duelo por la pérdida de un ser querido, relaciones tóxicas, la voz de una madre que perdió a su hijo en la guerra y, en su más reciente sencillo, la voz de mujeres perseguidas en tiempos de la Inquisición. “Quise contar la historia desde la víctima, esa impotencia de saber que su destino era la hoguera”, dijo el artista.

Sobre su estilo, Jhon fue claro: No busca encasillarse. “Trato de experimentar con sonidos que van del dream pop al dark wave, incluso con toques góticos. No quiero parecerme a alguien más, quiero crear una identidad propia”. Ese espíritu lo lleva a explorar distintos matices, sin preocuparse por los moldes de la industria.

La propuesta se refleja en lo visual. El videoclip de ‘Malleus Maleficarum’ cuestiona la imagen tradicional de las “brujas” y plantea quiénes eran realmente los verdugos en esa historia. “El conocimiento era visto como un privilegio masculino, y cualquier mujer que se saliera de esa norma era acusada de bruja”, explicó.

Para Jhon, la música es un ejercicio de empatía y libertad. Sus temas buscan que el oyente se identifique o, al menos, se detenga a sentir. Como él mismo resumió: “No hago canciones para complacer ni para ser producto, hago música que me guste a mí y que logre mover emociones”.