El arte urbano continúa reinventándose, encontrando nuevas formas de hablar sobre realidades profundas y velando por una verdadera inclusión entre los espectadores. Así lo demuestra Chalmy La Revolución, un referente colombiano con más de dos décadas de trayectoria musical, que acaba de lanzar su más reciente sencillo ‘Para Mí’, una fusión vibrante entre el funk brasileño y el ritmo urbano, que invita a mover el cuerpo y reflexionar de la fuerza y el talento de las mujeres.

Pero esta canción no es solo una invitación al baile. Grabada en las coloridas y complejas favelas de Belo Horizonte, ‘Para mí’ es un homenaje a aquellas mujeres que, a pesar de enfrentar críticas y prejuicios constantes, se mantienen firmes y empoderadas. Chalmy pone voz a esas historias que a menudo son invisibilizadas o reducidas a estereotipos superficiales, y así lo explicó este artista en diálogo con ‘Amantes del Círculo Polar’ en donde compartió detalles de este lanzamiento.

Además de un gran ritmo, el tema hace una reflexión acerca de las mujeres que desde su belleza, su empoderamiento y su cuerpo son cosificadas o estigmatizadas por la sociedad, con el fin de que se reconozca sus esfuerzos, su preparación y su inteligencia.

“Hay muchas mujeres que bailan porque se sienten lindas y les gusta mostrar lo que hacen, su talento bailando y su cuerpo bien trabajado y no por eso se están ofreciendo, o prepaguiando ni están incitando a que un hombre las manosee o demás. Quería tocar ese tema de una forma fluida, bailando, y es decir:” Deje ese estereotipo de que todas las que salen mostrando algo en redes o son bandidas, o son malas, o son ignorantes, o solo tienen cuerpo y no cabeza””, destacó.

El videoclip, con imágenes llenas de autenticidad y energía, refleja el corazón de estas comunidades, fue grabado en Belo Horizonte, durante una corta visita del artista colombiano a Brasil, en donde compartió con la gente y los artistas de dicho país.

Además, fiel a su compromiso con la inclusión, Chalmy incorporó en esta propuesta artística la lengua de señas colombiana, una apuesta que ya ha sido reconocida como parte fundamental de la propuesta artística de Chalmy.

“Una canción está hecha para llevar un mensaje con un ritmo, sea el que sea el mensaje. Si estamos señando, si empezamos a aprender de señas, hago una versión que tenga un tratamiento de bajos diferente para que se defina mucho más, estamos llevando como un 80 % de lo que es una canción, pero a la comunidad sorda, vamos a borrar esa barrera”, agregó Chalmy. 

Esta iniciativa rompe estereotipos y convierte la música en un lenguaje verdaderamente universal, acercando su mensaje a personas sordas y oyentes por igual. ‘Para mí’ es un ejemplo de diversidad, del talento femenino y de la inclusión social.

Más de 20 años en la música y sus raíces colombo-mexicanas le han dado a ‘Tappan’, uno de los lugares más importantes en la industria de guitarristas, compositores y productores latinoamericanos.

Son cuatro álbumes de estudio los que componen su trayectoria y para este 2025 presenta un nuevo lanzamiento que recorre las entrañas del ‘Groove’ y un amor que se vuelve obsesión, revolución interna y necesidad pura.

“Yo soy de alma rockera, pero también me encantan otros géneros como el funk y el R&B, de una u otra manera siempre han estado presentes, así que esta canción nace de esa mezcla musical y del amor que siento por mi esposa”, contó ‘Tappan’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Tocarte: Una fusión explosiva de funk y rock

La guitarra, el bajo, los teclados y la batería se entrelazan con precisión y energía, en búsqueda de una base rítmica potente y sensual. Frases como “Me falta tocarte, aún más que soñarte” resumen la urgencia física y emocional que atraviesa toda la canción.

“‘Tocarte’ habla del fuego incontrolable, de querer tocar a quien te enloquece. Es pura energía y deseo, una explosión musical con solos que te sacuden el alma”, agregó el artista.

El sencillo está disponible en todas las plataformas y se grabó en Estudios Eón, 5ta Estudio, Warner Chappell y Tappan Music estudio, bajo la producción de William Tappan. La mezcla de la canción es de Andy Quiroga y fue masterizada por Carlos Silva en C1 Mastering.

Su nuevo disco, ‘Rendirse no es opción’, es una muestra de fuerza, introspección y lucha colectiva hecha música.

La agrupación, liderada por los hermanos Leonardo y María Fernanda Mora, compartieron cómo este nuevo trabajo recoge la historia de una banda que ha crecido entre parches, conciertos autogestionados y una escena que, como ellos mismos afirman, se mueve más por convicción que por pretensión. Las canciones hablan de la resiliencia diaria, de la rabia canalizada, de la resistencia ante un país que a veces se vuelve hostil con quienes piensan diferente. “Este disco es más íntimo, más personal... es esa conversación con uno mismo que ayuda a seguir en pie”, señalaron.

Durante la charla, también nos contaron que este álbum conformado por 12 canciones incluye colaboraciones nacionales e internacionales que dan cuenta del respeto que No Dependiente se ha ganado dentro y fuera del país. Destacan nombres como Pierre Pelbu, vocalista de bandas icónicas británicas como Knuckledust, y Manzano, líder de la mítica banda paisa Grito.

Uno de los momentos más emotivos de la entrevista fue cuando relataron lo que significó ver su proyecto prensado por primera vez. “Fue como sostener años de lucha en las manos. Nos costó mucho, pero aquí está”, dijeron con orgullo. Y es que, además del componente musical, la banda también cuida su propuesta visual, con diseños que, como su música, invitan a no olvidar ni rendirse.

No Dependiente es más que una banda: es una familia elegida que vibra con fuerza en cada acorde. Su nuevo trabajo ya está disponible en plataformas digitales y pronto se podrá conseguir en formato físico. 

Este encuentro gratuito, que transformó a Bogotá en el epicentro musical de la región, reunió a miles y miles de personas alrededor de sonidos que van desde el metal hasta el punk, el reggae, el ska y las nuevas expresiones del rock alternativo. Más que un festival, Rock al Parque es una plataforma de resistencia cultural, un espacio de diversidad sonora y un símbolo del poder transformador de la música. Durante tres días, Bogotá fue el escenario de una celebración musical diversa y poderosa, donde miles de asistentes llenaron el parque para vibrar con bandas distritales, nacionales e internacionales. 

Algo que se destacó de la edición número 29 fue la comunión y la convivencia que se presentó en los seguidores de los distintos géneros musicales. Desde punkeros y rockeros, hasta metaleros bailando juntos en un mismo pogo. 

Rock al Parque 2025 ofreció una programación que cruzó géneros, edades y fronteras, reafirmando su compromiso con la cultura libre y el acceso a la música del rock que por muchos años ha sido estigmatizada. Entre pogos, coros, lluvia pasajera y cielo nublado, se vivió una edición cargada de energía, memoria y emociones colectivas que fortalecieron el papel del Festival como un símbolo cultural de resistencia y encuentro ciudadano.

Desde Francia, Carmen Sea, deslumbró con su propuesta instrumental cargada de tensión y dramatismo. La agrupación le contó a LAUD 90.4 FM ESTÉREO que esta fue su primera vez en América Latina y el público bogotano los recibió con brazos abiertos, en un diálogo emocional donde la música hablaba sin necesidad de palabras. La banda se mostró emocionada por la respuesta de los asistentes, destacando la conexión profunda que sintieron desde el primer acorde.

Por otro lado, otra de las bandas que pasó por los micrófonos de La Verdadera Alternativa fue Rex Marte que, con su vestimenta colorida y estética psicodélica, llevaron a sus seguidores en un viaje sensorial donde el rock se mezcló con el performance y la teatralidad. La banda sorprendió con su propuesta visual y sonora, generando una experiencia inmersiva que fue celebrada tanto por los fans como por quienes los descubrían por primera vez. 

Asimismo, Hermana Furia hizo su debut con una descarga de rock crudo, actitud punk y letras poderosas. Fue una presentación valiente, cargada de emoción y simbolismo, donde la banda destacó el papel del rock y celebró la libertad de tocar en un festival tan emblemático como lo es Rock al Parque. 

Por su parte, Tenebrarum volvió a sacudir los cimientos del Simón Bolívar con su propuesta inconfundible que mezcla el metal gótico, lo sinfónico y una fuerza escénica que lleva décadas construyéndose. David Rivera, vocalista, violinista y guitarrista le contó al equipo de la emisora el significado de regresar a los escenarios, fue reafirmar su legado dentro del metal colombiano y demostrar que, tras más de 30 años de trayectoria, su música sigue evolucionando sin perder la intensidad ni la profundidad que los caracteriza.

De esta manera, LAUD 90.4 FM ESTÉREO vivió intensamente cada jornada acompañando a los oyentes desde todos los escenarios con una cobertura comprometida, cercana y constante. Desde entrevistas exclusivas con artistas hasta transmisiones en vivo y análisis de cada presentación, el equipo periodístico de la emisora de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas se sumergió en el corazón del Festival para llevar a su audiencia cada detalle, cada emoción y cada acorde de las diferentes bandas. 

El cierre de Rock al Parque 2025 no solo estuvo marcado por la música y la energía del público, sino también por los balances positivos que deja una edición que reafirma el poder de la música como herramienta de transformación social. María Claudia Parias, directora de IDARTES, quien compartió un balance final del Festival, destacó la masiva asistencia, la diversidad artística y el ambiente de convivencia que se vivió durante los tres días. Parias resaltó la importancia de seguir fortaleciendo este espacio gratuito como un referente continental y agradeció a los artistas, al público y al equipo logístico que hizo posible esta gran fiesta cultural.

La Cumbia no llega, irrumpe. Así es el lema del nuevo trabajo discográfico de una de las voces más empoderadas del Caribe Colombiano. Carmen Antolinez, creadora de Cumbia Queen, cuenta con una formación directa por maestros de la música folclórica y tropical de quienes aprendió la mística de la composición e interpretación de las músicas tradicionales.

Con casi dos décadas de trayectoria, se ha consolidado como una de las voces más importantes para el folclor nacional y se caracteriza por su poder en la palabra, capaz de decir lo que piensa a través de la música.

“Recuerdo que a mis diez años me regalaron un CD con la música de Totó La Momposina y Petrona Martínez. Así empezó este viaje musical que me ha llevado por diferentes territorios para aprender de la gaita y la interpretación, cómo la viven y la sienten los maestros y maestras. Hoy en día, este trabajo es la recopilación de un gran recorrido por Latinoamérica”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar.

Un tarot para leer el alma a ritmo de cumbia

El misticismo y el talento se fusionan en el nuevo proyecto de Cumbia Queen que lleva por nombre ‘Llego la Cumbia’. Son siete canciones y cada una representa una carta que revela verdades, duelos, libertades, amor propio y poder. 

Su creadora lo compara con un oráculo sonoro, tanto así que el proyecto incluye un tarot físico con cartas ilustradas por George Barros, en donde se presenta una extensión simbólica del mensaje de cada canción.

“Este álbum es la recopilación de diferentes momentos de mi vida. Representa a todas las mujeres que soy. Las letras y melodías invitan a una transformación, a llorar y sanar, a amar sin miedo, a poner límites, a reconocerse y abrazarse con fuerza”, agregó Cumbia Queen.

El disco está disponible en todas las plataformas y se compone de los siguientes temas: ‘Llegó la cumbia’, ‘Dime que Quieres’, ‘Rocío’, ‘Noche y Día’, ‘A curarte el alma’, ‘Furtiva’ y ‘No se lo da’.

Con sonidos que mezclan metal, trap y cine, su propuesta sacude, incómoda y conecta. Desde sus inicios, GUL ha buscado romper con las fórmulas fáciles de la industria para proponer una experiencia sonora y visual potente. Más que música, cada canción es un manifiesto: hablan de la salud mental, la presión de las redes sociales, el estallido social y el dolor del desplazamiento forzado. Lo suyo no es solo entretenimiento, sino memoria y catarsis.

Los integrantes Manuel Bueno, guitarrista y Leonardo Ahumada, vocero, contaron cómo nació el proyecto, cómo se han unido sus afinidades musicales, pero también a partir de las preocupaciones comunes por lo que pasa en el país. Su más reciente sencillo, ‘Paz mental’, es una sátira cargada de ironía que retrata la ansiedad de los tiempos actuales, la necesidad de estar “al día” y la identidad impuesta por las redes sociales.

Lo más interesante es que GUL no solo compone desde la furia, sino desde el detalle. Sus canciones nacen de imágenes, escenas y atmósferas. Cada letra parte de una idea visual que luego se transforma en sonido. Esa mirada cinematográfica hace que su propuesta en vivo se convierta en una experiencia intensa, visceral y profundamente emocional.

Además, la banda apuesta por un universo visual coherente. Colores fríos, escenas oscuras y letras que no temen nombrar lo incómodo. Junto a su VJ, logran un espectáculo que no busca agradar, sino provocar preguntas. ¿Qué estás callando? ¿Con qué rutina estás sobreviviendo? ¿Dónde quedó tu voz?

Con próximas canciones como ‘Sirimiri’ y ‘Súper Parchado’, GUL sigue explorando temas como la tristeza cotidiana o el desgaste emocional en trabajos alienantes. Más que música para la fiesta, GUL propone una fiesta para liberarse. Porque, como ellos dicen, "hay veces que convulsionar bailando es lo único que queda".

El tono sentido y la emotiva letra de la música romántica llega a Bogotá de la mano de ‘Señor Bolero el Musical’, una producción que rinde homenaje al género que marcó generaciones enteras en Latinoamérica: el bolero. Esta comedia musical, escrita y dirigida por Ricardo Stevan, se presenta como el plato fuerte de la temporada ‘Las estrellas se toman el escenario’, del 12 de junio al 6 de julio en el Teatro Libre de Chapinero.

Con más de 30 boleros inolvidables, una puesta en escena de alta factura y un elenco de primer nivel, ‘Señor Bolero el Musical’ combina teatro, música en vivo y narrativa emocional para ofrecer al público una experiencia que va más allá del entretenimiento: es una invitación a revivir historias de amor y memoria a través de la música.

El elenco está conformado por figuras destacadas de la escena colombiana, cuya trayectoria en la música, la televisión y el teatro enriquece la propuesta. Yolanda Rayo, Nina Caicedo, Michelle Gutty, Bruno Díaz, María Cristina Gálvez y Fernando Monge, destacan en esta producción que cuenta además con músicos en vivo.

Precisamente sobre esta puesta en escena estuvieron hablando ante los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO el director Ricardo Stevan, la actriz Nina Caicedo y Hasbleydi Rodriguez, productora general de ‘Señor Bolero el Musical’.

“Me ofrecieron hacer este personaje que se llama Lucrecia, es una chica de los años 50, con esa luz y esa energía de esa época. Trabaja en la radio… (...) Llego a esta producción muy feliz porque puedo ‘muñequear’ con el vestuario. Yo he hecho varios personajes que en los años 50 nos ponen de esclavas, o somos no sé qué, y nunca he podido entrar y muñequear y ponerme un peinado bonito”, aseguró Nina Caicedo.

Ambientada en la mítica Nueva York de los años 50, la obra se desarrolla en un bar que está por cerrar sus puertas. Allí confluyen seis personajes con vidas y heridas muy distintas: una diva internacional, un galán en apuros sentimentales, una joven rebelde, una banquera estricta, un cantante soñador y un caballero que comienza a perder sus recuerdos.

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Tras su éxito en Nueva York y Miami, que agotó funciones, la obra llega a Bogotá con la promesa de conquistar también al público colombiano. No es casual que el bolero, con su carga emocional y su lirismo atemporal, vuelva a ser protagonista en tiempos donde la sensibilidad parece estar desapareciendo.

“Tenemos una banda de cinco artistas, que están interpretando en vivo. Justo pensando en toda su historia y que el año antepasado se cumplieron 100 años del bolero oficialmente, decidimos llevarla a la década de oro del bolero que es 1950, para que la obra tuviera todo ese outfit, ese look, para que cuando entres te encuentres un viaje al pasado”, afirmó el director y también actor Ricardo Stevan.

Cada 21 de junio, desde 1982, el mundo celebra el poder transformador de la música con ‘La Fête de la Musique’, una iniciativa nacida en Francia que hoy por hoy se extiende a más de 120 países, convirtiendo calles, plazas y espacios públicos en escenarios abiertos y gratuitos para músicos de todas las trayectorias. Esta fiesta global festeja la diversidad sonora, promueve el acceso libre a las artes y fomenta el encuentro entre culturas a través del lenguaje universal de la música.

En 2025, la capital colombiana se une nuevamente a esta vibrante celebración con apoyo de la Alianza Francesa de Bogotá, que lidera una programación rica en géneros, tradiciones y propuestas contemporáneas. El evento central tendrá lugar el 21 de junio, a partir de las 4:00 p.m., en la plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, donde más de 30 artistas transformarán la tarde bogotana en un recorrido sonoro que cruza fronteras.

Carolina Bernal, Directora de Asuntos Culturales de la Alianza Francesa de Bogotá, y Leonel Merchan, Director Musical de ‘Phonoclórica’, una de las agrupaciones invitadas para esta versión, estuvieron conversando con ‘Amantes del Círculo Polar’ sobre esta imperdible invitación para todos los bogotanos.

“Este es un evento que exalta la música en todos sus géneros y permite democratizar la cultura hacia el público. Es llevar la música a plazas, calles, parques, espacios públicos y es lo que buscamos como Alianza Francesa, promotores de la enseñanza del idioma francés y del intercambio cultural entre los países francófonos y Colombia”, aseguró Carolina Bernal.

El repertorio del día incluirá jazz gitano, cumbia, bullerengue, champeta, electropical, fusiones afrocolombianas y beats electrónicos. La jornada comenzará con Ritzy Cats Jazz, que reinterpretará clásicos de la chanson française con una mezcla de big band y elegancia escénica.

Luego será ‘La Perla’, grupo bogotano que combina ritmos del Caribe colombiano con una fuerza contemporánea y reivindicativa también participará al igual que ‘Phonoclórica’ y ‘La Mojarra Eléctrica’, que aportarán sus fusiones electrónicas y afrocolombianas, mientras que la artista francesa Christie, invitada especial, cerrará el evento con un set enérgico lleno de texturas electrónicas y percusión que invitan al baile.

“Phonoclórica trae una propuesta de currulao, de música Caribe y Pacífico, principalmente de nuestra investigación en los acervos y los saberes de las mujeres afrocolombianas con música electrónica. Es un género que se llama electro folklore con canciones que componemos”, manifestó por su parte Leonel Merchán de ‘Phonoclórica’. 

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A lo largo del mes de junio se han organizado una serie de eventos que amplían la experiencia musical. El 19 de junio, en la sede Cedritos de la Alianza Francesa, ‘Ritzy Cats Jazz’ ofrecerá un concierto tributo a Édith Piaf, integrando música y pedagogía para redescubrir la cultura francesa.

Como cierre destacado, el 23 de junio, la banda instrumental francesa Carmen Sea se presentará en el escenario 3 de Rock al Parque.

‘La Fête de la Musique’ es mucho más que una serie de conciertos: es una celebración de lo que somos cuando compartimos lo que suena, un homenaje a la música como bien común. Los interesados podrán descubrir más información sobre la programación de la Fiesta de la Música en las redes sociales de la Alianza Francesa de Bogotá.

Esta es una salsa romántica con la firma del reconocido compositor Jorge Luis Piloto y los arreglos del maestro Ramón Sánchez. 

Adriel es un artista con tres décadas de historia y más de 30 años de experiencia, que ha construido una sólida carrera como vocalista y corista, colaborando con figuras de talla internacional como Eddie Palmieri, Jerry Rivera, La India, Ismael Miranda, Lalo Rodríguez, Héctor Tricoche y Giro. 

Su versatilidad vocal y madurez artística han quedado plasmadas en sus cuatro producciones musicales, entre las que destacan Esta noche (1996), A toda máquina (2001), Como debe ser (2010) y ahora Hecho y Derecho (2023).

Heredero de una tradición familiar vinculada a la música romántica en Puerto Rico, Adriel encontró su pasión por la salsa en su adolescencia en El Bronx, cuando descubrió los sonidos de Willie Colón, Héctor Lavoe y El Gran Combo de Puerto Rico. También fue influenciado por la ola de salsa romántica de los 80 y 90, inspirándose en voces como Frankie Ruiz, Luis Enrique, Gilberto Santa Rosa, Tony Vega y Eddie Santiago.

Este nuevo trabajo discográfico reúne ocho canciones, producidas con arreglos de reconocidos maestros como Carlos ‘Cuto’ Soto, Adan Pérez y Efraín ‘Junito’ Dávila, grabadas en Puerto Rico en estudios de alto nivel como Magic Rhythms Studio’s y Rolo Studio.

El álbum explora dos vertientes clásicas del género: la salsa boricua, representada por la participación de Nino Segarra, y la salsa neoyorquina, con la colaboración de Herman Olivera, quien aparece en el tema ‘Hecho y Derecho’.

Tracklist de ‘Hecho y Derecho’:

1.    Somos 2.    No lo sé 3.    Hecho y Derecho feat. Herman Olivera 4.    El culpable soy yo 5.    ¿Qué pasará? 6.    Lo reconozco 7.    Cosas del amor feat. Nino Segarra 8.    Ya es tarde

Adriel continúa firme en su compromiso con la salsa, honrando su historia sin dejar de evolucionar. ‘¿Qué pasará?’ ya está disponible en plataformas digitales, una nueva joya que reafirma su lugar dentro de los grandes exponentes del género.

Estas son las obras maestras que marcaron un hito en la música del romanticismo europeo. Pues este concierto especial propone una experiencia sonora que transportará al público a los paisajes naturales de Austria y Suiza que inspiraron al célebre compositor alemán.

La velada será acompañada por un despliegue audiovisual inmersivo que situará a los asistentes en los contextos naturales e históricos donde Brahms realizó la composición de estas piezas, permitiendo una conexión sensorial y emocional única con su legado musical.

Las Sonatas para violín y piano de Brahms plantean un verdadero reto para los intérpretes, quienes deben explorar una gama de contrastes expresivos que evocan la profundidad emocional y la grandeza de los entornos donde surgieron estas composiciones. Lo que promete para los asistentes ser una experiencia de altísimo nivel musical y artístico.

Previo al concierto, el público podrá participar en un conversatorio multimedia que combina poesía, historia y reflexión. A través de textos escritos por amigos del compositor y referencias a su vida, se buscará comprender más profundamente al hombre detrás de la música. 

Artistas invitados de talla internacional

María Valverde (España), pianista y divulgadora musical, será la encargada de dar vida al piano. Formada en prestigiosas instituciones europeas, ha sido reconocida por su capacidad de conectar la música con nuevas generaciones a través de propuestas innovadoras.

La artista estará acompañada del violinista colombiano Pablo Hurtado, destacado solista y actual integrante de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Hurtado ha sido premiado a nivel nacional e internacional, y ha compartido escenario con las principales orquestas del país y del continente. Su maestría técnica y expresiva hacen de él uno de los referentes actuales del violín en Colombia.

Esta será una noche para los sentidos, el pensamiento y el alma.

No se pierda este homenaje a la música romántica y al genio de Brahms. La cita será el próximo jueves 19 de junio en el Teatro Compensar de la avenida 68, a partir de las 7: 00 p.m.