Verónica Linares nació en México y creció entre la grabadora de su abuela y un repertorio de canciones románticas marcadas por la ranchera. Desde los 8 años, emprendió un camino que la llevó a la televisión y la radio, y con el tiempo, empezó a dar vida en escena a artistas como Alicia Villarreal, Rocío Dúrcal, Paquita la del Barrio, Paulina Rubio y Laura León. Un recorrido que hoy la consolida como uno de los referentes del tributo a nivel mundial.

En 2025, la artista visitó Bogotá y Medellín con un gran homenaje filarmónico a Rocío Dúrcal. El evento aclamado por el público ahora regresa al Teatro Jorge Eliécer Gaitán con un repertorio que también rinde tributo a la inolvidable Ana Gabriel.

“Desde muy pequeña, mi familia descubrió mi don para cantar. Empecé interpretando a la reina de la balada ranchera, una voz única que sigue viva en la memoria y en sus canciones. Siempre ha sido un ícono para mí y llevarla al escenario es algo maravilloso. Mi mamá también fue clave en ese camino, me ponía sus discos y me enseñaba canción por canción. La primera que aprendí fue ‘Amor eterno’”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Una serenata diferente para celebrar a mamá! ‘La gata bajo la lluvia’, ‘Amor eterno’, ‘Quién como tú’, o ‘Simplemente amigos’ son algunos de los temas que serán interpretados durante el ‘Homenaje Sinfónico a las Madres’, una producción que estará a cargo de 50 músicos de la ‘Filarmónica Metropolitana Distrito Capital – La Metro’.

“Mi primera vez en Bogotá, en el teatro, fue una experiencia maravillosa. Escuchar las canciones de Rocío con la sinfónica, tal como suenan en el disco, fue impactante. Desde el primer ensayo sentí una energía muy fuerte, como una vibración que me recorría. Ya en el escenario, el público se entregó por completo y coreó cada canción. Salí con una emoción inmensa, eufórica, como si apenas estuviera empezando. Fue realmente inolvidable”, destacó la vocalista.

La dirección musical estará a cargo del maestro Alejandro Vásquez Mejía, con arreglos de Álex Zuluaga. El concierto recorre canciones que han marcado la memoria musical latinoamericana a través de nuevas orquestaciones que abren paso a una lectura instrumental más amplia, cargada de matices y mayor fuerza expresiva. Además, el cambio de vestuario de Verónica se convierte en uno de los momentos más aclamados de la noche.

La cita será el próximo sábado 9 de mayo a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Para conocer más información visite el siguiente link.

En agosto de 2021, el corazón de la ciudad fue testigo del nacimiento del ‘Top Show Colombo’, una plataforma que llegó a rendirle homenaje a la diversidad sonora del país. Más de 775 artistas se inscribieron a su primera convocatoria y cerca de 4.000 personas conectaron con esta escena que pedía espacio, volumen y visibilidad.

Desde entonces, el proyecto suma diversas ediciones que han atravesado lo urbano, lo folk, lo afro y las voces femeninas. En su sexta entrega ‘Unlabeled- #SinEtiquetas’, el arte se presenta como un escenario de transformación social y pone el foco en la comunidad LGBTQ+, abriendo oportunidades a voces que aún enfrentan estereotipos y altos índices de violencia.

“Unlabeled es un lugar para encontrarnos, celebrarnos y reconocernos sin moldes ni fronteras. En Colombia, la homofobia, la lesbofobia y la transfobia siguen siendo formas de violencia simbólica y real que incluso cuestan vidas, solo por expresar una identidad de género u orientación sexual”, explicó Maricela Vélez, directora cultural del Centro Colombo Americano, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La gran cuota de artistas nacionales e internacionales

La nómina reúne 18 agrupaciones de Argentina, Ecuador, México, Chile y distintas regiones de Colombia. Por primera vez, el Festival suma una apuesta internacional con nombres como Kudai, La Bruja de Texcoco, Kumbia Queers, Johann Vera y Amelie Weinhöfer, artistas que, desde distintos géneros, celebran la diversidad y las identidades.

“Nací en Buenos Aires y crecí cerca de donde Carlos Gardel dio sus primeras actuaciones. En Colombia haré un viaje musical que va del maestro hasta Astor Piazzolla. Como mujer trans, he tenido que diversificar mi propuesta para vivir de la música, he cantado en varios idiomas y, en esta ocasión, presentaré un repertorio en inglés y francés”, contó Amelie, una mujer trans que ha recorrido el mundo con su guitarra y el tango argentino.

Por su parte, la cuota nacional llega con Aguas Ardientes, La Ramona, Mayra Sánchez, Asael Cuesta, La Morena del Chicamocha, LoMaasBello, Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, Yela Quim, Lady Arias, Dolores te Canta, Flor de Lava y Lola Mento, en una muestra que recorre distintos sonidos y territorios del país.

¡Los imperdibles de la agenda!

En total, son cinco eventos en escenarios emblemáticos que completan la programación, todas gratuitos bajo el lema “porque la música, cuando se vive sin etiquetas, se convierte en un acto de libertad”.

Además, la actividad contará con una agenda pedagógica en distintos puntos de la ciudad, destacando el barrio Santa Fe, con conversatorios, encuentros comunitarios y espacios de reflexión que buscan incidir, desde las artes, en las discusiones sobre derechos culturales y políticas públicas para artistas LGBTIQ+. Estas son algunas de las fechas:

- Miércoles 6 de mayo en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán:

Apertura de puertas: 5:00 p.m.

Artistas: La Ramona, Lady Arias, LoMaasBello, Dolores te Canta

- Sábado 9 de mayo en el Parque de los Hippies: Apertura: 3:00 p.m. Artistas: Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, La Morena del Chicamocha y Lola Mento.

- Miércoles 13 de mayo en el Centro Colombo Americano

Apertura de puertas: 6:30 p.m.

Artistas: Amelie Weinhöfer y Yela Quim

- Jueves 14 de mayo en el Centro Colombo Americano Apertura de puertas: 6:30 p.m. Artistas: Asael Cuesta y Flor de Lava

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La agrupación se abre paso en la escena con una mezcla de rock y sonoridades latinas, articulando un discurso ligado a la exploración personal y a la continuidad de los procesos creativos. Desde su formación en Bogotá, el dúo ha ido consolidando un enfoque que conecta experiencia, identidad y búsqueda artística. “Queríamos más, volver a tocar, volver a tener un público”, explicó Andreas en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nombre del grupo funciona también como una declaración de principios. Más que una idea asociada a lo material, se plantea como una búsqueda abierta; insistir, explorar y no conformarse. Esta premisa se traslada a su sencillo debut, ‘Quiero Más’, un tema que marca el punto de partida conceptual de su trabajo.

La construcción del proyecto responde a ese mismo impulso. Herrera convocó inicialmente a distintos músicos, pero el proceso fue decantándose hasta consolidarse como una dupla. “Nos dimos cuenta de que nosotros queríamos más (…) y quedamos solo los dos”, señaló el artista.

En lo sonoro, la propuesta se sostiene sobre una base de rock que incorpora elementos de la música latina, especialmente de la salsa. Más que una fusión deliberada, esta mezcla responde a las trayectorias de sus integrantes. Andreas, formado en Alemania y con experiencia en música latina en Europa, encontró en Latinoamérica un espacio para profundizar en estos lenguajes, mientras que Herrera ha desarrollado su camino entre el teatro musical y la escena rock.

El proceso creativo se construye desde esa dualidad. Por un lado, una exploración intuitiva que expande ideas; por otro, una estructura que permite organizarlas y llevarlas a una forma concreta. “Yo quiero, yo quiero, yo quiero”, describe Herrera sobre su manera de componer, mientras Andreas complementa ese impulso con una mirada más técnica. Esta dinámica se traduce en canciones que avanzan progresivamente tanto en lo rítmico como en lo instrumental.

Además del trabajo central de sus integrantes, el dúo suma colaboraciones con músicos invitados en distintas etapas de producción, integrando aportes que van desde la interpretación hasta la construcción de arreglos.

Más allá de lo musical, la iniciativa se articula alrededor de un mensaje que cuestiona las ideas tradicionales sobre el tiempo y el desarrollo personal. “Los sueños no tienen fecha de vencimiento” es uno de los ejes que atraviesa su discurso. Desde su experiencia, Herrera plantea la necesidad de insistir incluso en momentos en los que socialmente se asume un límite. “Me vi con 40 años y pensé ¿ya se acabó?, y decidí intentarlo igual”, señaló.

Esta línea se extiende a otras composiciones como ‘50 Millones’, una canción que parte de una premisa económica para desarrollar una reflexión sobre el deseo, la migración y las posibilidades de transformación. A través de la ironía, el tema plantea una mirada que va de lo individual a lo colectivo.

Una travesía sonora que fluye entre cumbia, currulao y bullerengue da vida a la más reciente propuesta de Urpi Barco. Se trata de una pieza artística que sitúa la ancestralidad y las narrativas de género en el epicentro de su universo musical.

En diálogo con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, la cantautora reflexionó sobre los desafíos de encabezar procesos creativos: “Ser cabeza de proyecto nunca es fácil… como mujer a veces tienes que demostrar que lo haces bien, a veces no nos creen”.

Con la participación de doce invitadas, ‘Golondrina’ se consolida como una creación colectiva donde convergen instrumentos tradicionales, armonías contemporáneas y exploraciones vocales: “El unirme con otras compañeras que también están en este camino ha sido poderoso”, aseguró sobre este tejido de talentos.

La esencia de la obra parte de un lugar íntimo. El tema homónimo es un tributo a su madre, quien dejó su hogar siendo joven para perseguir una vocación artística: “Quise hacer un homenaje a ella y a todas las que han tenido que dejar cosas atrás para seguir sus sueños”, explicó Barco.

Ese recorrido también se adentra en la herencia de sus ancestras. En Kencha Colibrí, la intérprete explora su origen muisca a través de una pieza construida junto al Cabildo Indígena de Suba para recuperar sonoridades de una lengua en reconstrucción: “Es un proceso en el que me hice muchas preguntas por mis raíces”, señaló.

Asimismo, la artista replantea el concepto del jazz, alejándolo de visiones elitistas para acercarlo a las expresiones populares: “A veces pensamos que es una música muy cerrada, pero si vamos al origen, es la expresión de un pueblo”, sostuvo, destacando el vínculo entre la improvisación y los relatos comunitarios atravesados por la herencia africana.

La dimensión social del proyecto se refleja en piezas como ‘Niña Pies de Sal’, inspirada en una fotografía sobre la explotación infantil en México: “Compuse esa canción justamente para visibilizar el trabajo infantil”, reafirmó, vinculando su arte con la reflexión crítica.

Tras tres años de maduración, este lanzamiento representa la culminación de una búsqueda estética profunda: “Fue mucha emoción contenida, porque es ver materializar los sueños”, concluyó. El concierto no solo recorrerá su nueva música, sino que será una celebración del territorio narrado desde la diversidad y la voz femenina.

La tierra de Delicias, en Chihuahua, vio nacer a Hugo ‘Poyo’ Segovia, un trovador lagunero que hizo de los caminos su canción y ha llevado su música a distintos continentes.

Un hombre soñador que descubrió su gran pasión al lado de una modesta guitarra acústica michoacana y los cancioneros que le compraba su abuela. Allí comenzó un viaje que hoy suma dos décadas de trayectoria y abre un nuevo capítulo con ‘Onirismo’, su más reciente trabajo de estudio.

“Me interesa escribir sobre emociones complejas como el desamor, la tristeza o la soledad, pero con una mirada distinta, sin victimizar y buscando que quien escuche se identifique. A veces compongo sin vivirlo y luego la vida me alcanza, como si las canciones también fueran para mí. Esa sensibilidad está marcada por el indie mexicano, que ha definido mi forma de construir música desde lo independiente”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Alegrías, hazañas, veinte años de trayectoria y un camino por recorrer!

El artista ha consolidado su sonido a través de una sofisticada mezcla de indie pop con tintes de funk, jazz y ritmos latinos. En su carrera, ha compartido con públicos de escenarios emblemáticos y festivales internacionales como ‘SXSW’ en Austin, ‘Zapal’ en Saltillo, ‘Cielo Mágico’ en Monterrey y distintos encuentros culturales entre Colombia y Perú.

“Hoy mi música es más diversa, pasé de lo acústico a un formato de banda completa, donde experimento con ritmos latinos como el mariachi o la cumbia. Los viajes y el contacto con otras culturas han transformado mi sonido y me permito no encasillarme. Ahora parto de lo que me hace sentir y ahí empiezo a componer”, agregó Segovia.

Onirismo: Un viaje por los sueños y la consciencia humana

La palabra ‘Onirismo’ parte de un estado de alteración de la conciencia donde surgen fantasías similares a los sueños y se diluye el sentido de la realidad. Este concepto le da vida al más reciente EP del cantautor, una experiencia sensorial que se revelará canción por canción a lo largo del año, acompañada de sus respectivos materiales visuales.

Hugo se reconoce en el escenario por su dinamismo, se da tiempo para bromear y compartir las historias detrás de sus canciones. Con esa esencia, y en la celebración de sus 20 años de trayectoria, adelanta una gira que se extiende hasta noviembre por Latinoamérica y Europa.

Desde finales de los 80 cuando el punk, el metal y el rock en español marcaban la pauta la banda apostó por una estética distinta, fusionando lo visual, el new wave y el tecno. Hoy, décadas después, ese espíritu experimental los lleva a un nuevo nivel con este proyecto junto a la Orquesta Filarmónica Metropolitana del Valle de Aburrá, (La Metro).

El disco reúne 10 canciones esenciales en vinilo distribuidas entre el lado A y el lado B mientras que la versión digital incluirá 12 temas, sumando ‘Guayaquil’ y ‘Caí’. Como adelanto, ya está disponible ‘Seres de la noche’, un clásico que revive con una nueva dimensión orquestal.

Durante su paso por el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, los músicos Elvis y Ricky compartieron el detrás de este proceso que tomó años de trabajo: “Estamos lanzando este disco, que es un formato físico, un vinilo, de un concierto sinfónico … ha sido un trabajo largo y muy meticuloso”.

El proyecto, completamente independiente, nació tras una invitación al Medellín Music Week, donde grabaron el concierto que luego se transformaría en álbum. “Cuando nos invitan al Teatro de la Metropolitana en Medellín y tenemos la primera grabación, allí empieza el sueño de transformar un show en un sinfónico… era algo inesperado, pero siempre deseado por Estados Alterados”, aseguraron.

Una de las historias más curiosas es que la idea de un sinfónico ya rondaba antes de que la banda se involucrara directamente: “La Filarmónica Metropolitana ya tenía algunas canciones para hacernos un homenaje sin que nosotros supiéramos”.

Para los integrantes el resultado final no busca la perfección de estudio, sino capturar la esencia del nuevo formato. “Es una narrativa, es como un libro totalmente conectado. Hay errores, hay sonidos que se filtran, pero esa es la magia de un en vivo”.

Más que un disco,’ Sinfónico’ representa un punto muy importante en la trayectoria del grupo. “Lo vemos como un paso hacia adelante, tener un sinfónico no es algo que se da todos los días, y mucho menos trabajar con una orquesta como la Metro. Este es un momento crucial, de traer esas canciones, de seleccionarlas y decir, ya estamos cumpliendo un sueño, ¿Ahora qué forma le damos? ¿Qué mensaje llevamos a través de esta música? Pues precisamente, cuando uno estudia esos primeros temas y las revisa de la mano de músicos tan formados y tan estructurados, se da cuenta de lo empíricos que éramos. Pero es por eso que nos hemos tomado el tiempo y el cuidado que requiere, y ahora estamos muy contentos haciendo este proyecto”, concluyeron.

El álbum llegará primero en vinilo como parte del Record Store Day Colombia 2026, convirtiéndose en una joya exclusiva para coleccionistas antes de su estreno en plataformas digitales.

De esta manera, ‘Sinfónico’ no es solo un álbum: Es la prueba de resistencia de una banda que nunca deja de evolucionar.

En los años 90, dos primos inquietos, marcados por la vida de barrio entre bares, cerveza y fútbol, decidieron convertir su entorno en canciones que terminarían por marcar a toda una generación. Rober y ‘Pajarillo’, nacidos en Hortaleza, Madrid, comenzaron a darle forma a Porretas, un proyecto que trascendería las calles y se convertiría en un referente mundial del punk rock.

Con cerca de 20 trabajos discográficos y temas como ‘Pongamos que hablo de Madrid’, ‘Marihuana’, ‘Un velero llamado libertad’ y ‘Última generación’, la banda ha recorrido decenas de países y hoy celebra 35 años de trayectoria entre guitarras distorsionadas y letras de barrio.

“Éramos dos primos, Rober (fallecido) y yo, juntándonos a tocar versiones de bandas como Iron Maiden, Judas Priest o Ramones, en espacios pequeños, entre amigos, sin pensar en nada más. Todo nació desde la ilusión y las ganas de pasarla bien, hasta que empezaron a aparecer las canciones propias y ese juego fue tomando forma, creciendo poco a poco hasta convertirse en un proyecto que ha trascendido años”, contó Juan Carlos Díaz ‘Pajarillo’, vocalista y fundador de la agrupación.

A lo largo del tiempo, Porretas ha construido un repertorio donde caben la crítica social, el humor, la amistad y lo cotidiano sin filtros. Su más reciente sencillo es ‘35 Tacos’ en honor a su aniversario que será celebrado con una ambiciosa gira mundial.

De esta forma, el espíritu combativo del proyecto llegará por primera vez a Colombia con un show de única fecha el próximo 30 de abril en la capital.

“En 1990 sacamos el primer disco con la formación ya completa, Bode, Luis, Rober y yo, y fue entonces cuando una pequeña discográfica, liderada por el locutor Mariano García, apostó por nosotros. A partir de ahí empezamos a girar sin parar, viendo cómo las canciones conectaban primero en España y luego en Latinoamérica, todo de forma muy progresiva. Hoy estamos en un momento muy dulce: Celebrando 35 años, llenando salas, sumando conciertos y disfrutando el camino”, agregó el artista.

La cita con los españoles es en el Capital Live, ubicado en la Carrera 13 # 48 – 90, en lo que será además su única presentación en Suramérica durante 2026. Para conocer más información visite el siguiente enlace.

‘Nadie’ es el sexto trabajo discográfico de Alfonso Espriella, músico y compositor bogotano que completa más de dos décadas de trayectoria como solista. En este lanzamiento, el artista propone un camino que conecta la exploración interior con una búsqueda sonora que amplía los límites de su propio lenguaje musical.

El álbum se construye a partir de influencias del post-rock, el rock stoner, el doom y el rock alternativo, integrando también elementos como el piano, los sintetizadores y secciones de cuerdas. A esto se suman tres piezas completamente instrumentales, que refuerzan la idea de un disco pensado como un recorrido más que como una suma de canciones aisladas.

Este viaje musical parte de una reflexión sobre la identidad. Inspirado en corrientes como el budismo y el Advaita Vedanta, que plantea la no dualidad y la idea de que todo forma parte de una misma conciencia, a lo que cuestiona la necesidad de definirse constantemente como “alguien”. En contraste, el título ofrece una mirada hacia una identidad menos fija, más abierta y en relación con lo que la rodea.

Durante su paso por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, Espriella explicó que este enfoque surge de un recorrido personal que ha ido tomando forma a lo largo del tiempo. En esa línea, el disco aborda el ego no como algo que deba eliminarse, sino como una construcción que puede observarse y flexibilizarse.

Otro de los puntos que atraviesa el álbum es el lugar del sufrimiento. Lejos de plantearlo desde una lógica de victimización, el artista lo entiende como una experiencia común que también puede convertirse en motor de transformación. “Se trata de un proceso de reconocerlo, habitarlo y, eventualmente, transformarlo dentro de la creación musical”, contó Espriella.

Con un camino que inició en San Diego y que se ha desarrollado en Colombia desde 2008, Espriella ha mantenido una presencia constante dentro de la escena independiente, moviéndose entre distintos formatos y escenarios. En esta etapa, su propuesta se consolida como una mezcla entre la narrativa sonora y la reflexión personal.

‘Nadie’ está disponible en plataformas digitales, una decisión que responde tanto a los cambios en los hábitos de escucha como a las dinámicas actuales de circulación musical. Bajo esa mirada, el disco se presenta como una invitación a detenerse y escuchar con atención, en medio de un entorno marcado por la sobreoferta de contenidos.

El resultado es un trabajo que no solo expande su universo sonoro, sino que también abre un espacio para pensar la relación entre identidad, conciencia y experiencia cotidiana a través de la música.

Zecko 574 es un proyecto de hip-hop colombiano liderado por Sebastián Gutiérrez, que inició como un ejercicio personal y, con el tiempo, se convirtió en una apuesta sostenida dentro de la música. Sus primeras aproximaciones al rap estuvieron ligadas al gusto y a la experimentación, antes de consolidarse como una alternativa de vida.

La construcción de su identidad ha estado atravesada por influencias del freestyle y del rap más lírico, con referentes como Nash y Kase.O. Sin embargo, el proyecto no se inscribe en una sola línea estética. Por el contrario, ha buscado moverse entre distintas formas del género, evitando encasillamientos y priorizando una voz propia. “Todos los elementos me han brindado herramientas, pero ninguno me ha definido”, señaló el artista durante su paso por ‘Amantes del Círculo Polar’.

En esa búsqueda, su propuesta se sostiene en una idea clara: Decir desde lo personal. Sus letras parten de experiencias directas y de una exposición emocional que no intenta suavizar el discurso. Sobre esto, el artista explicó que el proceso implica atravesar ciertos límites: “Siempre está el qué dirán, pero cuando uno se enfoca en expresarse, esa barrera se rompe”.

En esa línea se presenta ‘Amor Difuso’, un sencillo que aborda el desamor desde un lugar menos evidente. La canción no sigue una narrativa convencional; se construye a partir de imágenes más abiertas, que se van revelando a medida que avanza. El videoclip, por su parte, lleva esa idea a lo visual, traduciendo el dolor emocional en una representación física.

El trabajo audiovisual fue desarrollado junto a Cuboto Films, equipo que planteó una estética cercana a lenguajes cinematográficos y una puesta en escena centrada en el conflicto interno. El resultado se articula como una extensión del discurso musical, más que como un complemento.

En lo sonoro, Zecko 574 ha incorporado elementos del trap y el drill, en un recorrido que responde tanto a influencias externas como a una necesidad de ampliar su propio registro. Esta exploración no rompe con el rap, pero sí lo desplaza hacia otros lugares.

Parte de ese proceso también se ha nutrido de su paso por ciudades como Bogotá, Medellín y Boston. En este último contexto, el contacto con escenas latinas evidenció diferencias en la forma en que se asumen los géneros urbanos, especialmente frente al desarrollo del trap, más presente en espacios internacionales que en el circuito colombiano.

Gutiérrez también se refirió al lugar del rap dentro de la música actual, destacando su capacidad para abordar distintas dimensiones de la experiencia. En ese tránsito, el género ha dejado de ser exclusivamente marginal para ocupar nuevos espacios y audiencias.

Actualmente, Zecko 574 continúa trabajando en la circulación de su música y en el desarrollo de nuevas piezas, manteniendo una línea que cruza exploración sonora y una narrativa centrada en lo emocional.

Desde Cali, Primal Sinner ha construido una propuesta que se articula en torno a lo que denomina “dramatic metal”: Una síntesis entre el metal moderno, el desarrollo motívico de tradición clásica y una intención narrativa orientada hacia lo dramático y lo cinematográfico. Esta categoría, definida por la propia banda, responde a la necesidad de nombrar una búsqueda estética que integra diversas influencias dentro de un mismo marco conceptual.

En los micrófonos de Amantes del Círculo Polar, Fabián Tejada, integrante de la agrupación, contó sobre los fundamentos de esta propuesta y su desarrollo sonoro.

El proyecto parte de una comprensión de la música como un espacio de exploración intelectual. La banda, con formación académica, plantea sus composiciones como plataformas para el desarrollo de ideas filosóficas y literarias, en las que el sonido funciona como punto de partida para la construcción de sentido.

El sencillo establece el eje narrativo de ‘Drâma’, estructurado sobre la tríada fuerza, de la belleza y la fuerza poética. La pieza retoma la tragedia de Sófocles desde una lectura contemporánea influenciada por el pensamiento de Jean-Paul Sartre.

En esta versión, Edipo es presentado como un sujeto atravesado por sus decisiones, creencias y el entorno que lo condiciona, más allá de la idea de un destino predeterminado. La narrativa enfatiza el sacrificio como resultado de un entramado de convicciones personales.

La metodología de la banda inicia en la composición instrumental. Posteriormente, las letras emergen a partir de un proceso de escucha e interpretación que traduce el lenguaje musical en una narrativa conceptual.

Este enfoque se refleja en una estructura que alterna momentos de alta intensidad con pasajes melódicos y atmosféricos, integrando guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores y un tratamiento vocal que oscila entre lo agresivo y lo lírico.

Este álbum fue mezclado por Jens Bogren y masterizado por Bob Katz, lo que sitúa el proyecto dentro de estándares técnicos asociados a circuitos internacionales del metal. Este componente técnico refuerza la proyección de la banda hacia escenarios especializados fuera del país.

El trabajo discográfico fue presentado en una experiencia de escucha inmersiva en el Planetario Yawa de Cali, donde se dio a conocer en formato físico antes de su despliegue digital.

El evento incluyó la reproducción íntegra de la obra, proyecciones visuales en domo y un espacio de conversación sobre sus fundamentos filosóficos y musicales, proponiendo una aproximación distinta a los esquemas tradicionales de circulación discográfica.

‘Drâma’ se plantea como una obra en desarrollo. Su publicación progresiva responde a una estructura narrativa que busca articular música, pensamiento y experiencia en un mismo proyecto.