Si hay canciones que llegan con pinta de convertirse en la banda sonora de una temporada, ‘Sola’ de SER tiene todos los ingredientes. La agrupación presenta una nueva versión en vivo de este tema junto a Demián “DMIX” Marcelino, compositor y guitarrista de Los Cafres, en una colaboración que cruza el pop, el reggae y ese espíritu festivo que caracteriza a SER.

‘La Vida Baila Live Session’ es un proyecto audiovisual que se está revelando canción por canción y que tendrá su lanzamiento completo hacia finales de 2026.

El álbum no busca ser simplemente otro registro de concierto. SER apostó por una experiencia mucho más cercana: La sesión fue grabada en Buenos Aires con cinco cámaras en mano, mientras el público se ubicó entre los músicos.

El resultado es una propuesta audiovisual que busca transmitir esa sensación de estar en medio del escenario, compartiendo la música de cerca y capturando la energía de una presentación íntima, pero al mismo tiempo llena de fiesta.

La dirección estuvo a cargo de Diego Latorre, ganador de un Premio Gardel, mientras que la producción artística fue realizada por Diego “Chapa” Blanco, de Los Pericos. Y la colaboración no termina en DMIX. En ‘Sola’ también participan Willy Rangone, de Los Cafres, en la trompeta, y Fapeto, de Choque Urbano, en la percusión, sumando nuevas texturas a esta versión en vivo.

La banda argentina llega a este nuevo lanzamiento después de presentar ‘Loco tu forma de SER’ (en vivo), una versión en vivo y de ritmo acelerado del clásico de Los Auténticos Decadentes.

Sobre SER

Desde su aparición en la escena argentina, SER ha construido una propuesta que mezcla pop, rock, reggae, ska y ritmos latinos, siempre con una fuerte apuesta por la energía de sus presentaciones en vivo.

La banda fue descubierta por Zeta Bosio, de Soda Stereo, y cuenta con producción de Diego “Chapa” Blanco. Su álbum ‘La Vida Baila’, lanzado en 2024, amplió esa mezcla de sonidos y colaboraciones. Entre ellas está el tema homónimo junto al colombiano Salo, una canción que conectó a Argentina y Colombia a través del pop latino y el tropipop.

Ahora, con ‘La Vida Baila Live Session’, SER lleva esa energía al formato en vivo y deja que cada canción revele un nuevo capítulo.

Corría la mitad de 1995 cuando un puñado de melómanos curiosos marcó un nuevo hito en la historia musical de Bogotá. El Parque de la Independencia fue testigo de aquel primer encuentro, que reunió a 23 agrupaciones entre el 4 y el 6 de noviembre. Así comenzó un festival que, tres décadas después, llega a su edición número 29, esta vez para explorar el diálogo entre el jazz y las músicas de América Latina.

El próximo 12 y 13 de septiembre, el Parque El Country, abrirá sus puertas para recibir a 17 agrupaciones entre invitados internacionales, artistas nacionales y proyectos distritales. Sus sonidos pondrán sobre el escenario una pregunta que atraviesa el regreso de este encuentro: ¿Qué ocurre cuando el jazz se fusiona con las músicas, los ritmos y las tradiciones de América Latina?

“Una parte fundamental del ‘Jazz al Parque’ ocurre antes de que comiencen los conciertos internacionales: Está en los músicos que llevan años construyendo la escena local, formando públicos, experimentando con sonidos y ampliando las fronteras de lo que puede ser este género en Bogotá. Este año, ocho proyectos distritales ocupan el lugar: Urpi Barco, Solange Prat, Masato, Maljazzviajante, Libardo Cardozo, fatsO, Dorado Kandua y Daniel González Rodríguez”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Un viaje sonoro por el mundo!

La programación será de entrada libre y tendrá entre sus nombres a figuras como:

- Arturo O’Farrill: Desde Nueva York llegará el pianista y compositor nacido en Ciudad de México e hijo del reconocido arreglista cubano Chico O’Farrill. Al frente de su Afro Latin Jazz Orchestra ha desarrollado una propuesta que conecta las raíces afrocubanas con el jazz contemporáneo, además de abordar temas como la memoria, la identidad y la diáspora.

- Cimafunk: Cuba estará representada por el proyecto liderado por Erik Alejandro Iglesias Rodríguez, quien parte de los ritmos afrocubanos para mezclarlos con funk, soul y sonidos contemporáneos. Su propuesta ha llegado a escenarios internacionales sin desprenderse de las raíces de la música de la isla.

- Iraida Noriega: Cantante con más de tres décadas de trayectoria y 21 producciones discográficas. Su trabajo conecta el jazz con la canción latinoamericana, la poesía y la improvisación, en una presentación que marcará su primer encuentro con el público colombiano.

- Uli Costa - AfroSambaJazz: Desde Brasil llegará una propuesta que recupera la relación entre las afro-sambas, el samba jazz de los años sesenta y setenta y la improvisación.

- ‘BALTA’: Uruguay estará presente con Facundo Balta, quien cruza la bossa nova, el bolero, el R&B, el trap y el candombe desde sus raíces afrouruguayas.

- Tlapalería Don Chuy: La programación internacional también incluye a esta agrupación, que define su sonido como una “afro-mexi-fiesta” y combina ritmos latinoamericanos con jazz, funk y afrobeat.

¡Colombia será protagonista!

La cuota nacional llegará desde Barranquilla y Medellín con Territorio Gauta y Madera Jazz. A ellos se suma Ricardo Gallo Cuarteto, que celebrará sus 20 años de trayectoria y presentará ‘Danzando sobre el polvo’, su sexto trabajo discográfico, en una jornada que también conmemora las dos décadas de ‘Los cerros testigos’, álbum inspirado en Bogotá.

La cita es el sábado 12 y domingo 13 de septiembre en el Parque El Country, ubicado en la avenida calle 127 #11D-90. Para conocer más información puede visitar el siguiente link

Después de cuatro décadas de ruido, inconformidad y canciones que acompañaron a varias generaciones, La Pestilencia abre el último capítulo de su historia con ‘Es Mi Calma’, una canción que cambia por un momento la rabia característica de la banda por una mirada más íntima hacia la ansiedad, la soledad y la necesidad de encontrar un respiro.

El tema, incluido en ‘Buen Provecho’, su último trabajo discográfico, ahora llega acompañado de un videoclip grabado en Bogotá y dirigido por Peloz ozico. El audiovisual lleva a las calles una historia sobre la vulnerabilidad y esas emociones que muchas veces se viven en silencio.

La propuesta visual pone en el centro a los fanáticos de la agrupación. Sus rostros, miradas y gestos construyen una especie de retrato colectivo en el que la incertidumbre y la necesidad de sentirse acompañado terminan conectando a diferentes personas.

Más que contar una historia de principio a fin, el videoclip busca transmitir una sensación: Cuando el ruido de afuera no se detiene, también hace falta encontrar un espacio para respirar. Y ahí está una de las novedades de esta última etapa de La Pestilencia.

El estreno llega mientras la banda se prepara para uno de los momentos más importantes de su trayectoria: ‘El Último Pogo de La Peste’, el concierto con el que La Pestilencia cerrará definitivamente su historia en los escenarios.

La cita será el 28 de noviembre de 2026 en el Coliseo MedPlus de Bogotá, en un encuentro que reunirá a diferentes generaciones de seguidores para celebrar cuatro décadas de música, memoria y resistencia.

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El concierto también tendrá como protagonista a ‘Buen Provecho’, el álbum que acompaña esta última etapa de la agrupación. De esta manera, canciones nuevas y clásicos de su trayectoria harán parte de un cierre que busca reunir todo aquello que La Peste ha construido junto a su público.

La despedida no solo marca el final de una banda. También cierra un capítulo de la música colombiana: Desde sus comienzos en los años 80, La Pestilencia convirtió el punk y el rock en una forma de hablar acerca de la realidad del país y poner sobre la mesa temas que incomodaban.

 Hay lugares que terminan convirtiéndose en recuerdos. Para LP, muchas de esas historias ocurrieron en habitaciones de hotel, entre viajes, escenarios y momentos de pausa. De ahí nace ‘Room 12’, su esperado octavo álbum de estudio, estrenado el pasado 2 de septiembre.

La idea detrás del título va precisamente por ahí: Las habitaciones de hotel que LP ha conocido durante sus viajes se transformaron en espacios de reflexión, recuerdos y creatividad. Más que lugares de paso, se convirtieron en escenarios para reencontrarse consigo misma.

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El álbum recorre distintas emociones y experiencias alrededor del amor, el desamor, la identidad, la memoria y el autodescubrimiento. El resultado es un trabajo que combina su característica sensibilidad con sonidos que transitan entre el pop, el rock y otras influencias que hacen difícil encasillarlo en un solo género.

Junto con el álbum llegó ‘Don’t Stop’, una canción pop-rock construida alrededor de guitarras, palmas y una energía mucho más luminosa. El tema fue escrito por LP en compañía de Imad Royal y Chloe Angelides, compositora que ha trabajado con artistas como Lily Allen y Demi Lovato. Para LP, el tema representa una celebración de esos momentos en los que simplemente vale la pena disfrutar y dejar que las cosas fluyan.

El single se suma a los adelantos que ya habían abierto el camino hacia ‘Room 12’: ‘Shelly’, ‘Love Is All I Have’, ‘Best In Life’ y ‘Mi Corazón’.

De ‘Lost On You’ a una nueva etapa

Para LP, este lanzamiento llega en un momento especial de su carrera. La artista alcanzó reconocimiento mundial con ‘Lost On You’, canción que se convirtió en uno de sus mayores éxitos y que ahora cumple una década.

Precisamente, durante 2026 LP continúa con su gira mundial ‘All Is Not Lost’, en la que combina las canciones de ‘Room 12’ con una presentación especial de ‘Lost On You’ para celebrar sus diez años. El tour ya pasó por Norteamérica y contempla nuevas fechas internacionales.

Por eso, los conciertos tributo van mucho más allá de imitar a un artista o repetir sus grandes éxitos. Se han convertido en encuentros con la memoria, espacios donde los asistentes vuelven a cantar esas canciones que alguna vez fueron parte de su propia historia.

Con esa idea llega ‘Noche de Leyendas’, un espectáculo tributo que reunirá en un mismo escenario las grandes canciones de José José, Camilo Sesto y Raphael, tres voces que dejaron una huella en la música romántica en español y que continúan conquistando a diferentes generaciones.

El evento propone un recorrido por algunos de los temas más representativos de estos tres artistas, reconocidos por su influencia en la música en español.

José José, conocido como ‘El Príncipe de la Canción’, dejó una amplia trayectoria vinculada a la balada romántica; Camilo Sesto se consolidó como uno de los referentes de la canción melódica en español, mientras que Raphael ha mantenido una extensa carrera artística que lo convirtió en una de las voces más reconocidas de España y Latinoamérica.

Sus repertorios tienen en común temas que trascendieron su época y que continúan presentes en reuniones familiares, historias de amor y recuerdos personales. Por eso, ‘Noche de Leyendas’ plantea el concierto como algo más que un homenaje, es una oportunidad para reencontrarse con un repertorio que permanece vigente. Para mayor información puede consultar el siguiente link.

La cita será el sábado 24 de octubre de 2026, a las 8:00 p. m., en el Auditorio Zea Mays de Chía, ubicado en la cra. 8a #16-54.

Durante nueve días, el Teatro Colsubsidio reunirá a artistas de distintas generaciones y procedencias en el ‘Festival Internacional de Jazz 2026’. La improvisación, el intercambio y la creación colectiva serán protagonistas de una cartelera en la que el jazz hablará diferentes idiomas, con propuestas que pasan por el flamenco, las músicas afrocaribeñas, las sonoridades del Pacífico colombiano, el funk, el soul, los ritmos africanos y la tradición jazzística.

“Bogotá está en el foco de los artistas más importantes del mundo, ya es una parada obligada y eso resulta siendo un reto para los programadores y una ilusión muy grande para los espectadores”, contó Paulo Sánchez, gerente del Teatro Colsubsidio, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Los mejores del mundo! Seis fechas imperdibles

El Festival Internacional de Jazz tendrá lugar del 9 al 17 de septiembre y reunirá seis propuestas que muestran distintas generaciones, trayectorias y maneras de entender el género.

1. Al Di Meola- 9 de septiembre: Uno de los guitarristas más influyentes del jazz contemporáneo. Con más de cinco décadas de trayectoria, ha construido un lenguaje propio en el que convergen el jazz fusión, el rock, el flamenco, el tango y las músicas del mundo. Esta será su primera presentación en Colombia con su banda.

2. Skokiaan Brass Band - 10 de septiembre: Desde Francia llega esta agrupación inspirada en el espíritu de las calles de Nueva Orleans. Su propuesta combina la tradición de las brass bands con second line, funk, soul, ritmos afrocaribeños y highlife africano.

3. David Sánchez Quartet - 11 de septiembre: Ganador de un Grammy y un Latin Grammy, el saxofonista puertorriqueño es una de las figuras del jazz latino contemporáneo. Su música conecta el jazz moderno con las raíces afrocaribeñas, una búsqueda que también lo llevó a investigar las tradiciones musicales de San Basilio de Palenque y Palomino.

- Sant Andreu Jazz Band - 12 de septiembre: El proyecto nacido en Barcelona se ha convertido en un referente internacional de formación musical y práctica jazzística. Bajo la dirección de Joan Chamorro, varias generaciones de jóvenes músicos han encontrado allí un espacio para aprender, tocar y crecer sobre el escenario.

- Harlinson Lozano Quinteto & Figaro’s Jazz Club - 16 de septiembre: Una alianza entre Colombia y Cuba que pone en diálogo la improvisación contemporánea con las músicas afrocolombianas, el Pacífico, el currulao y el latin jazz. La presentación también marcará el estreno en Bogotá de ‘Redbone’, el más reciente trabajo de Harlinson Lozano.

- Chano Domínguez, Javier Colina & Guillermo McGill - 17 de septiembre: Tres referentes de la escena europea que volverán a encontrarse después de más de dos décadas. Su propuesta explora la relación entre jazz y flamenco, conjugando improvisación, tradición y libertad creativa.

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La propuesta del cantautor caribeño se articula alrededor de las músicas de raíz afrocolombiana, la memoria del territorio y las experiencias vinculadas con la identidad del Caribe. Estos elementos atraviesan ‘Canto Cimarrón’, su tercer disco de estudio, compuesto por once canciones que recorren distintos paisajes y tradiciones de la región.

El álbum plantea un recorrido que parte de la Sierra Nevada de Santa Marta, sigue el curso del río Magdalena y llega hasta el mar Caribe, con una conexión particular con San Basilio de Palenque y la figura de Benkos Biohó. En este trayecto convergen referencias al son palenquero, la nueva trova cubana y la canción de autor latinoamericana, elementos que hacen parte de una propuesta que denomina “Afrotrova”.

El proyecto construye un territorio sonoro en el que la tradición y las experiencias contemporáneas se encuentran. Las composiciones abordan asuntos como la identidad afro, la libertad, la memoria, el territorio y la relación con la naturaleza.

El concepto de cimarronaje funciona como uno de los ejes del álbum. Históricamente asociado con las personas esclavizadas que escapaban de la esclavitud para buscar su libertad, el término es retomado por Bantú como una idea relacionada con la resistencia y la autonomía artística.

Desde esta perspectiva, la propuesta también cuestiona algunas dinámicas de la industria musical contemporánea, particularmente la presión por responder a los algoritmos, las plataformas de streaming y las estrategias de posicionamiento. El concepto de una música “cimarrona” se relaciona así con la intención de conservar una identidad propia frente a las exigencias comerciales.

La construcción partió de un proceso de composición desarrollado durante varios años. Cerca de treinta canciones fueron escritas entre 2017 y 2023, de las cuales once fueron seleccionadas para integrar el repertorio. La elección respondió a la necesidad de que las piezas compartieran una relación narrativa y contribuyeran al recorrido planteado por el disco.

La naturaleza también ocupa un lugar central en el proceso creativo. Su presencia atraviesa la obra de Mulato Bantú desde sus trabajos anteriores y aparece vinculada con la manera en que el compositor entiende su relación con el territorio y con las experiencias que alimentan sus canciones.

La producción estuvo a cargo Bantú y Nacho Nieto. El proceso se desarrolló desde una dinámica colaborativa que permitió incorporar diferentes perspectivas a los arreglos y a la construcción sonora del repertorio. La grabación y mezcla se realizaron en los estudios Jambo Récords, en Barranquilla, mientras que la masterización estuvo a cargo del ingeniero Camilo Silva, en Bogotá.

La propuesta también ha encontrado espacios de circulación fuera de Colombia. La canción ‘Benkos’, incluida en el repertorio fue seleccionada por Putumayo World Music, hecho que contribuyó a ampliar la presencia de la música del artista en circuitos internacionales. Su obra ha despertado interés en mercados y escenarios de países como Francia, Alemania, España, Australia, Argentina y Costa Rica.

Esta circulación internacional se relaciona además con uno de los objetivos de la propuesta: Establecer vínculos con África. Más allá de los principales circuitos musicales europeos o norteamericanos, contemplando la posibilidad de llevar su música a países como Camerún y Nigeria, en una búsqueda de conexión con los territorios vinculados históricamente con las raíces africanas de las músicas afrocolombianas.

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En el ámbito local, la relación con las comunidades también hace parte de la experiencia artística. Proyectos y encuentros desarrollados en barrios de Bogotá, como ‘Renacer de Techo’, en la localidad de Kennedy, han permitido vincular la música con procesos comunitarios y con experiencias compartidas junto a habitantes de distintos sectores de la ciudad.

presenta ‘Sol de Lluvia’, es un álbum de diez canciones que explora diferentes formas de relacionarse con las emociones. El proyecto reúne elementos de la canción de autor, el pop, el rock y otras sonoridades latinoamericanas, a través de una propuesta construida desde la experiencia personal y el trabajo colaborativo.

El disco continúa el recorrido iniciado con ‘Niebla’, producción en la que el artista había profundizado en experiencias relacionadas con el dolor y la pérdida. En ‘Sol de Lluvia’, esa mirada se transforma en una búsqueda de luz dentro de momentos difíciles, sin dejar de lado emociones como la tristeza, el deseo, el duelo y el enamoramiento.

Santiago Mejía estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el origen de Humano en Tránsito y el proceso creativo detrás de su nueva producción, la cual El proyecto comenzó como un ejercicio personal de composición, a partir de canciones que el músico escribía desde su adolescencia como una forma de procesar aquello que estaba sintiendo. Con el tiempo, esas composiciones dejaron el ámbito privado y se convirtieron en una plataforma para desarrollar su faceta como cantautor.

El tránsito hacia ese papel también significó un cambio en su relación con la música. Después de iniciar su recorrido como baterista, Mejía pasó a ocupar el frente del escenario y a asumir directamente la voz de sus canciones. Este proceso representó una forma de exposición personal que el propio artista relaciona con la dec

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‘Sol de Lluvia’ toma su nombre de una imagen asociada con Bogotá y sus cambios de clima. La ciudad aparece como parte del contexto emocional del álbum, a través de una mirada sobre sus contrastes, su diversidad y las distintas experiencias que pueden convivir en ella. La propuesta busca que esa relación con el territorio también pueda reconocerse en los temas.

Entre las canciones se encuentra ‘Sin voz’, una composición que tiene una relación particular con la memoria de su abuela. El músico había registrado en su teléfono conversaciones en las que ella relataba episodios de su vida, pero el dispositivo fue robado y la grabación se perdió. La experiencia terminó vinculándose con una canción que aborda la ausencia y la dificultad de conservar aquello que forma parte de la memoria.

La dimensión colectiva también se extiende al componente audiovisual de Humano en Tránsito. El proyecto ha desarrollado piezas visuales y videoclips que amplían el universo de las canciones y complementan su propuesta musical, con trabajos realizados en diferentes espacios de Bogotá.

Santiago Mejía explicó que ‘Sol de Lluvia’ parte de una relación directa con las emociones y de la necesidad de no evadirlas. “Si la vida nunca te toca, nunca te rasguña, nunca te pone de rodillas, pues no estás viviendo”, señaló el músico, al referirse a la importancia de atravesar también los momentos difíciles como parte de la experiencia humana.

El encuentro se realizará en un ecoparque ubicado a aproximadamente una hora de Bogotá, un escenario que combina bosque, río, piscina, zonas de camping, cabañas, alimentación saludable y feria artesanal. La propuesta busca que el público no solo asista a conciertos, sino que viva una experiencia alrededor de la música, el territorio y el bienestar.

Uno de los grandes invitados de esta edición será Nadishana, músico y compositor originario de Siberia reconocido por su dominio de más de 200 instrumentos de diferentes culturas. El artista tendrá su primera presentación en Colombia durante el festival, el domingo 27 de septiembre. Además, ofrecerá el 23 de septiembre una masterclass de handpan en Bogotá.

La programación internacional también contará con Till Sunday Pirate, proyecto solista del músico portugués Renato Oliveira, quien combina el sonido del didgeridoo con elementos de la música electrónica. A ellos se suman propuestas nacionales como Bandejas Espaciales, Pedro Bombo, Fluido Cósmico y Daniel Michel, cada una con búsquedas sonoras que pasan por la psicodelia latinoamericana, la música andina, los polirritmos y la electrónica.

El evento también tendrá espacios dedicados a la danza, las tradiciones de diferentes culturas. Entre las actividades anunciadas están una ofrenda de agua, hielo y cristales liderada por Anthar Kharana, una ceremonia de chicha a cargo de la abuela Mati, un taller de danza Odissi de la India dirigido por Ana Vélez y un taller de danza africana con La Gran Chócolo.

La programación oficial incluye además actividades como Qigong, danza gitana artística y espacios de exploración corporal y cultural.

Con ‘Fuerza Vital’, la edición 2026 propone nuevamente salir de los escenarios convencionales y encontrarse con la música en medio de la naturaleza. Una opción para quienes buscan un plan diferente cerca de Bogotá y quieren descubrir sonidos que cruzan fronteras, culturas y generaciones.

Para mayor información puede ingresar a la página web del evento.

Lugar: San Francisco, Cundinamarca

Fecha: 25, 26 y 27 de septiembre de 2026

El tiempo puede cambiar la escena musical, transformar las formas de escuchar canciones y abrir espacio para nuevas generaciones. Sin embargo, hay bandas cuyos temas permanecen vinculadas a una época y terminan convirtiéndose en parte de la memoria.

Ese vínculo explica, en buena medida, el regreso de Rey Gordiflón a los escenarios y el encuentro de la agrupación colombiana con Todos Tus Muertos, una de las bandas argentinas que marcó la escena latinoamericana de rock, punk y reggae.

La historia de Rey Gordiflón está ligada a la escena alternativa colombiana de finales de los años noventa y comienzos de los 2000. Desde Medellín, la banda construyó una identidad alrededor del ska punk, el rock y el reggae, con canciones que encontraron eco entre una generación que buscaba nuevas formas de expresión y pertenencia.

Juan Antonio Murillo, conocido como Juan Astronauta, integrante de Rey Gordiflón, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando sobre lo que representa esta nueva etapa.

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Para el músico, la experiencia vivida en los inicios del grupo fue la escuela donde aprendió buena parte de lo que posteriormente llevaría a otros proyectos. Por eso, el regreso no representa únicamente la recuperación de un repertorio, sino también el reencuentro con una parte esencial de su historia.

“El primer amor nunca se olvida y el cariño de las personas con Rey es increíble”, señaló Murillo al describir la emoción de retomar el proyecto. “Volver a la tarima con la banda y sentir que la gente todavía está conectada con esas canciones, con esa época que nos marcó tanto, es como una alegría infinita”.

La decisión de volver a tocar juntos estuvo relacionada, además, con una demanda que permaneció por varios años entre quienes habían acompañado a la agrupación. Uno de los momentos que terminó impulsando el reencuentro fue cuando una canción de Rey Gordiflón comenzó a sonar durante un festival en la playa. Al reconocer a Juan entre el público, varias personas levantaron sus bebidas y cantaron el tema mientras lo miraban.

“Eso hizo algo impresionante dentro de mí”, recordó el artista sobre aquel episodio. “Fue muy fuerte”. La escena terminó convirtiéndose en la señal del vínculo que todavía existía entre la obra y sus oyentes.

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Aquel momento resume una de las características de las reuniones de agrupaciones que marcaron época: La música funciona como un mecanismo de memoria. A diferencia del consumo actual en plataformas digitales, marcado por una oferta masiva e inmediata, aquellas letras quedaron fijadas en momentos específicos de la vida diaria.

“En esa época éramos personas que no teníamos la sobresaturación de música que hay ahora (…) Entonces las canciones se quedaron ahí, marcaron una etapa. Volver a ellas significa recordar cuando salías del colegio, estabas en la universidad o te parabas con tus amigos a escuchar un cassette”, mencionó el artista.

Pero la permanencia de esas composiciones va más allá de quienes las escucharon originalmente. En sus recientes presentaciones, Murillo ha encontrado a jóvenes y adolescentes coreando las canciones de la banda, confirmando que el mensaje ha logrado traspasar las fronteras generacionales. “Ver niños de 12 o 15 años cantando a todo pulmón me parece muy hermoso. Ahí se demuestra cómo las canciones pueden llegar a ser infinitas, y ese es el legado más bonito de la música”.

En ese contexto aparece Todos Tus Muertos. La agrupación argentina, liderada por Fidel Nadal, desarrolló una propuesta que integró reggae, punk, ska y hip hop en español, convirtiéndose en una referencia de la música alternativa latinoamericana. Compartir con la banda bonaerense representa para el grupo colombiano un hito de gran responsabilidad.

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El encuentro entre ambas agrupaciones permite conectar dos momentos clave de la música independiente del continente: Por un lado, las cuatro décadas de recorrido de Todos Tus Muertos; por el otro, el regreso de Rey Gordiflón a Bogotá, una ciudad fundamental en la trayectoria de la banda y a la que no volvían desde hace varios años.

“Para nosotros es un gran honor volver a Bogotá. Como Rey Gordiflón no vamos hace muchos años, así que es una alegría infinita reencontrarnos con nuestro público en un escenario de este formato”, concluyó Murillo.

La cita está programada para el viernes 2 de octubre en Lourdes Music Hall, en Bogotá. Rey Gordiflón repasará junto a su público capitalino los clásicos que marcaron a una generación, en una noche que reunirá la trayectoria de dos agrupaciones fundamentales para entender el rock alternativo de la región.