Ochoa, icono del son cubano y fundador de Buena Vista Social Club, es una de las figuras más representativas de la música latina con proyección mundial. Su guitarra inconfundible y su voz profunda han recorrido escenarios internacionales, llevando el espíritu de Santiago de Cuba a teatros y festivales de todo el planeta. Su presencia en Bogotá no solo evoca nostalgia, sino también la vigencia de un legado que sigue conquistando nuevas audiencias.

A este encuentro se suma Puerto Candelaria, banda colombiana ganadora del Grammy, reconocida por su capacidad de romper moldes. Su propuesta mezcla jazz, cumbia, música andina y una puesta en escena teatral que desafía etiquetas.

Esta presentación coincide con el lanzamiento del álbum, ‘KZ Candelaria’, un trabajo festivo y creativo que dialoga con la cultura popular y el universo digital, consolidando su apuesta por una identidad sonora propia y contemporánea.

En este proyecto, el número quince de su carrera, la agrupación reinterpreta parte de su repertorio en géneros como el vallenato, el corrido, la música popular y la balada.

Aprovechando este maravilloso encuentro en ‘Música y Músicos de Colombia’ conversamos con el maestro Eliades Ochoa, quien habló de su legado en la música latinoamericana y de las melodías que siguen resonando en las nuevas generaciones. Ochoa invitó a todo el público a esta cita imperdible para los amantes de la música latinoamericana que buscan vivir un espectáculo cargado de historia, creatividad y energía escénica.

Esta presentación se proyecta como una experiencia inmersiva en la que el son cubano y la vanguardia colombiana se entrelazarán en arreglos especiales, improvisaciones y momentos de celebración colectiva. La noche promete clásicos, nuevas composiciones y colaboraciones inesperadas que resaltarán los puntos de encuentro entre tradición y experimentación. Además de proponer un recorrido que conectará el son cubano tradicional con las búsquedas contemporáneas de la escena colombiana, en un formato de concierto compartido. La cita es este 28 de mayo a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán – Cra. 7 #22-47.

Más que un recital, será una conversación musical entre el Caribe y los Andes, entre la memoria y la reinvención.

Fractal Caravan lanza su producción debut, un trabajo conceptual que desarrolla una historia centrada en una Inteligencia Artificial rebelde que viaja en el tiempo con la intención de convertirse en rockero. Este estreno representa un punto de afirmación para el grupo, fundado en Nueva York hace más de una década por músicos con raíces en Norteamérica y Sudamérica. Edwin Quirk, cantante y guitarrista, y Fabio Montenegro, bajista y productor, estuvieron en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta nueva etapa creativa.

La iniciativa surgió tras un encuentro entre sus integrantes a través de un anuncio publicado en Craigslist. Desde ese primer ensayo, los músicos consolidaron una dinámica que integró su experiencia como instrumentistas de sesión y su formación académica en Estados Unidos, articulando un enfoque que conecta referentes culturales del norte y el sur del continente.

Aunque la producción no fue concebida inicialmente bajo un formato narrativo unificado, las composiciones terminaron estructurándose dentro de un mismo eje temático. El relato recorre distintas épocas y se apoya en la noción de “Axis Mundi”, idea que plantea que cualquier lugar puede entenderse como el centro del mundo. Según explicó Montenegro, “aparecieron un montón de canciones que parecían estar destinadas a estar juntas”, lo que permitió construir una línea argumental que atraviesa pasado, presente y futuro.

En el plano sonoro, el grupo combina rock and roll, reggae, garage punk, grunge, soul y R&B. A estos elementos se suman influencias latinoamericanas incorporadas recientemente, en particular ritmos como la cumbia, generando un diálogo entre tradición y contemporaneidad. Montenegro señaló que el colectivo ha desarrollado una estética “retrofuturista”, entendida como una sonoridad que conserva bases clásicas proyectadas desde una mirada actual.

La identidad artística se nutre de las dinámicas culturales de ciudades como Brooklyn y Bogotá, escenarios caracterizados por su diversidad y producción independiente. En ese marco, la música es asumida como un espacio de integración que trasciende límites geográficos o divisiones culturales.

El nombre del proyecto sintetiza esa perspectiva: “Fractal” remite a patrones que se repiten en distintas escalas, mientras que “Caravan” evoca desplazamiento continuo. Con este lanzamiento, el conjunto proyecta una fase de fortalecimiento que articula su trayectoria internacional con su vínculo latinoamericano.

‘DENY’ abre un nuevo capítulo en su trayectoria luego de un periodo de inactividad, concretando su regreso con un anuncio que agotó las entradas en el centro artístico y cultural ‘Complejo C Art Media’. En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ estuvo Juan Pablo Uberti, bajista y corista del proyecto, quien se refirió al recorrido del grupo y a las presentaciones previstas tras esta reactivación.

Fundada en 2007, la banda ha desarrollado un proceso sostenido entre producciones discográficas, giras internacionales y participación en festivales de gran formato, consolidándose como uno de los referentes del post-hardcore en América Latina. Desde sus primeros años trascendió el circuito independiente: En 2009 abrió el concierto de ‘Silverstein’ y en 2011 compartió escenario con A Day to Remember en el Teatro Vorterix, año en el que presentó su segundo álbum, ‘Reino de Tormentas’, trabajo que amplió su visibilidad dentro del género.

En 2014 publicó ‘Invencible’, material que fue presentado con un concierto a sala llena en el Teatro Vorterix y con una actuación en el ‘Festival Ciudad Emergente’. A partir de entonces fortaleció su proyección regional con recorridos por distintos países latinoamericanos y presencia en escenarios más relevantes en el género.

En 2015 agotó localidades en el Teatro de Flores y abrió el show de System of a Down en el estadio GEBA. Un año después teloneó a Bring Me the Horizon y en 2017 integró el escenario principal del ‘Lollapalooza Argentina’, compartiendo jornada con Metallica. Estas participaciones marcaron su inserción en el circuito internacional.

Uberti señaló que el retorno “no responde a una estrategia puntual, sino a la necesidad de volver a tocar y reencontrarse con el público”, y agregó que la pausa permitió revisar el enfoque creativo del grupo. Según explicó, esta fase integra la experiencia acumulada en giras con una mirada actual del contexto musical latinoamericano.

El anuncio del regreso se realizó a través de redes sociales y obtuvo una respuesta inmediata de su audiencia. El primer sencillo de este ciclo superó las 250.000 reproducciones en sus primeras semanas, reflejando la permanencia de su base de seguidores y la circulación activa de su catálogo en plataformas digitales.

Con más de una década de actividad, DENY proyecta esta etapa un proceso de consolidación que articula su experiencia en escenarios masivos con las dinámicas actuales del consumo musical, reafirmando su lugar dentro del post-hardcore.

De Chaparral Tolima pal mundo, Renato inició su camino musical desde muy joven interpretando la flauta y posteriormente instrumentos andinos como la quena y la zampoña. A los 17 años recibió su primera guitarra, instrumento que marcaría su rumbo como compositor y daría inicio a su historia musical.

A lo largo de su trayectoria ha explorado distintos géneros, desde la música andina y la infantil hasta la balada y sonidos más contemporáneos. Sin embargo, en los últimos años ha encontrado en la carranga una forma cercana y auténtica de narrar historias del día a día, conectadas con la cultura popular y con el lenguaje cotidiano que caracteriza muchas expresiones del folclor colombiano.

Precisamente esa mirada cotidiana inspira ‘La Plaza de la Perse’, una canción que tiene como escenario la emblemática Plaza de la Perseverancia en Bogotá. Allí, entre la sazón de la comida tradicional y la dinámica diaria del rebusque, surge una historia que retrata las dificultades y sueños de un artista que persiste en su pasión, incluso en medio de las adversidades.

Con ritmo de merengue carranguero y una historia cercana al público, el tema se convierte en un homenaje al amor por la música y a la perseverancia de quienes hacen del arte su forma de vida. Para conocer más ingrese a la entrevista completa en nuestro canal de YouTube.

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Tras la sensibilidad romántica de ‘Loco de Corazón’ y la descarga rítmica de ‘Estampida’, la agrupación cambia el pulso para ofrecer una canción más introspectiva, que invita a bajar el ritmo y mirar hacia adentro.

‘Sal’ funciona como un punto de equilibrio dentro del álbum y refuerza la identidad sonora de esta nueva etapa: Guitarras envolventes, atmósferas densas y una producción que privilegia lo orgánico.

Parte del disco fue trabajado junto al productor argentino Tweety González, figura clave del rock latinoamericano por sus colaboraciones con Soda Stereo, Fito Páez, Illya Kuryaki and the Valderramas y Bersuit Vergarabat. Su aporte potencia la profundidad y el carácter del sonido que la banda ha venido consolidando.

El trabajo surgió de una improvisación en estudio y terminó convirtiéndose en una reflexión musical sobre el hogar como refugio emocional. Sin embargo, también plantea la tensión inevitable: El mundo exterior siempre termina irrumpiendo. Pipe Bravo, vocalista del grupo, explica que el tema aborda ese espacio íntimo donde es posible detenerse y pensar, aunque tarde o temprano la realidad obliga a salir de esa quietud para seguir funcionando.

Con más de dos décadas de carrera y una discografía que supera los diez álbumes, Superlitio reafirma su vigencia dentro de la escena alternativa latinoamericana. ‘Sal’ no solo anticipa la narrativa de ‘Días Perfectos,’ sino que propone una experiencia de escucha consciente, una invitación a desconectarse del ruido y reencontrarse con la música como refugio.

Un tambor urbano se levanta, el eco, las voces y las heridas toman forma desde las calles y una camada de artistas vuelve al ruedo. Luis7Lunes, Vic Deal y Maco Maat presentan su nuevo álbum ‘La Ausencia del Descanso’ bajo el sello de Afterclass. Una mezcla de buenos beats, rimas contundentes y la esencia del hip-hop adulto.

“‘La Ausencia del descanso' es un título que representa muy bien lo que somos como colectivo. Es una promesa que nos hicimos de mantenernos activos, de llevar nuestra música a ciudades pequeñas e intermedias y no bajar el ritmo. Para nosotros es una obsesión con el arte: Cuando tienes una visión clara como rapero, no puedes simplemente detenerte”, contó Vic Deal en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El disco compuesto por diez temas y la producción de Eztone, Ignorancia Sofisticada, Kid Sánchez y el propio Vic Deal busca reafirmar los triunfos conseguidos, las metas que todavía los mantienen hambrientos y la competencia que los guía como estrella polar.

¡Una gira para revolucionar el rap mundial!

Entre marzo y junio, se llevará a cabo el ‘Afterclass World Tour 2026’, que el evento contará con un repertorio profundo y contundente de más de una década, brillando tanto en lo colectivo como en lo individual. Desde el 21 de marzo se tomarán las tarimas de Bucaramanga, La Ceja, Manizales, Pereira, Cali, Bogotá, Villavicencio, Berlín, Estocolmo, Madrid, Barcelona y Medellín.

“Hay dos rimas que representan mi vida: ‘Señora, aquí está el rap, dígale a su hijo que baje’, que aunque suene presumida refleja cómo asumimos nuestro lugar, como raperos que mantienen esto firme en la escena; y ‘Luego el rap se acercó y me dijo: Mijo, lo quiero mucho’, que para mí es sentir que el arte te abraza y se honra a través de la forma en que lo vivimos y lo defendemos”, agregó Vic Deal.

Luis7Lunes, Vic Deal y Maco Maat han forjado su camino en el rap colombiano con álbumes en solitario como ‘El Armador del Sol (2018)’, ‘La Costa Nostra (2020)’ y ‘Kamikaze (2021)’. En 2022 unieron sus fuerzas para publicar ‘Rap Cum Laude’, su primer álbum colectivo como Afterclass, una graduación simbólica en la que reclaman todos los laureles que merecen como alumnos tan aventajados como comprometidos.

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La banda colombiana Últimos Nietos presenta ‘Otro Día Más’, un sencillo que aborda la experiencia de la vida cotidiana desde una mirada íntima y honesta, convirtiendo la repetición diaria y las tensiones emocionales de la adultez en el eje central de su narrativa musical.

Escrita por la vocalista Juliana López, la creación surge a partir de la observación de la rutina y de la sensación de desgaste asociada a las dinámicas contemporáneas. La agrupación propone así una lectura generacional en la que experiencias comunes, como las jornadas laborales, los cambios personales y los cuestionamientos emocionales, se transforman en materia creativa, una línea temática presente en la realidad contemporánea. Mariano Henao, bajista de la banda, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde habló sobre el significado y el proceso creativo detrás de la canción.

‘Otro día más’, nace de reconocer emociones cotidianas que suelen pasar desapercibidas, señalando que el interés del grupo ha sido hablar de situaciones reales que atraviesan sus integrantes y su entorno cercano. Según Henao, “el objetivo no fue construir un relato extraordinario, sino reflejar aquello que ocurre en cualquier día común”, una idea que terminó dando forma conceptual al sencillo.

En lo sonoro, el tema se mueve dentro del rock alternativo incorporando matices de punk suave y elementos pop que amplían el espectro musical del proyecto. El sencillo fue producido por la propia banda en Cali, con captura y mezcla de Xavier Martinex y masterización de Camilo Silva, consolidando un proceso creativo ligado al circuito independiente.

Henao también señaló que esta nueva etapa responde a una búsqueda por explorar atmósferas más contenidas, priorizando la construcción emocional de las canciones sobre la velocidad característica de trabajos anteriores. Esta transición anticipa el camino que desarrollará el próximo EP ‘De nuevo al final’, un proyecto que profundiza en un tono más introspectivo mediante la incorporación de sintetizadores y ritmos pausados.

Originaria de Cali, Últimos Nietos ha construido una propuesta dentro del indie rock colombiano caracterizada por contrastar letras melancólicas con arreglos enérgicos, explorando temas vinculados a la vida adulta, la amistad y los procesos personales.

Más allá del esmoquin o el vestido largo negro, Bogotá abre un nuevo espacio para la música sinfónica, esta vez desde la comodidad de unos tenis y unos jeans. Una apuesta que busca romper protocolos, eliminar distancias y transformar la experiencia en un plan cercano y familiar.

“Al despojarse de los trajes formales y vestir jeans, los músicos buscan generar una conexión más genuina con los asistentes, creando un ambiente relajado y sin etiquetas, donde la cercanía, la autenticidad y el disfrute del público son los protagonistas”, resaltó el comunicado oficial de lanzamiento.

¡Conciertos gratuitos!

La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia dará inicio el sábado 28 de febrero a su edición 2026 de la franja anual de conciertos gratuitos al aire libre. La cita será a las 4:00 p. m., en la Plazoleta del Centro Nacional de las Artes.

- La gran apertura: Danzando por el mundo

El acto inaugural estará bajo la dirección del maestro Yeruham Scharovsky, director artístico y titular de la Orquesta. Con el título de ‘Danzando por el mundo’, se propone un recorrido por distintas expresiones de la danza en la música, combinando repertorio sinfónico europeo, obras del siglo XX y piezas vinculadas a tradiciones populares y latinoamericanas.

La selección incluye la ‘Danza húngara n.º 1’ de Johannes Brahms’; la ‘Danza de los caballeros’ del ballet ‘Romeo y Julieta’ de Serguei Prokofiev; la ‘Danza macabra’ de Camille Saint-Saens; y el tercer movimiento de la ‘Sinfonía n.º 7 en re menor’ de Antonin Dvorak.

En contraste, el repertorio presenta diversas muestras latinoamericanas como ‘Taquito militar’ de Mariano Mores, ‘El cumbanchero’ de Rafael Hernandez Marin, ‘Navidad negra’ de Jose Barros y ‘San Pedro en El Espinal’ de Milciades Garavito.

“Este es el plan ideal para disfrutar de un sábado en el centro de la ciudad, tanto para quienes nunca han escuchado a La Orquesta como para los fieles seguidores

de la música clásica. Al ser al aire libre, es el espacio perfecto para compartir en familia, con amigos y hasta con tu mascota”, puntualizó el comunicado.

Para conocer más detalles de la programación puede visitar.

Más que un estreno, esta es una reafirmación de identidad para una de las familias más influyentes en la historia de la salsa colombiana.

La interpretación está a cargo de Adalberto Manyoma, director del proyecto y heredero de esta tradición musical, quien nos contó en ‘Música y Músicos de Colombia’ que la pieza exalta el orgullo por las raíces africanas desde la fuerza rítmica de la salsa caleña, manteniendo la esencia clásica del género e integrando sonidos que reflejan la profunda influencia de la música cubana en su propuesta.

La grabación se realizó entre Cali, La Habana y Medellín, con la participación de músicos que han integrado orquestas como la de Isaac Delgado y Los Van Van. El videoclip se rodó en Varadero el 30 de agosto, en medio de su participación en el Festival Varadero Josone, uno de los encuentros musicales más importantes de la isla.

Durante la entrevista Manyoma también resaltó que presentarse en la Feria de Cali ha sido uno de los momentos más significativos en su trayectoria, así como el reconocimiento obtenido con el Premio Internacional Cubadisco 2023 en La Habana, logros que han fortalecido su proyección fuera del país y han sido el puente cultural entre Colombia y Cuba.

Con ‘Negro por Excelencia’, la agrupación no solo honra la memoria de Wilson “Saoko” Manyoma, sino que demuestra que su camino continúa con identidad propia, dejando huella en la salsa colombiana y consolidando su presencia más allá de las fronteras. 

La agrupación colombiana lanza un proyecto sonoro que convierte la tristeza en energía lírica. Una mezcla de rock clásico con AOR moderno, indagando contrastes como la luz y la oscuridad, el sueño y la realidad o la pérdida y la renovación, elementos que estarán presentes en escena el próximo 28 de febrero junto a una de las leyendas de la música: ‘FM’. Harold Waller y Fabio Barrera estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar' hablando sobre los desafíos que conlleva mantener vigente este género en Latinoamérica.

Counterline nace del sueño de su vocalista y líder Harold Waller, quien aspira a revolucionar el rock melódico rompiendo el estereotipo de voces duras y carrasposas. Propone en cambio una voz potente y lírica que destila emoción cruda, fusionando melodic hard rock, power ballads y guitarras sinfónicasapara narrar pérdidas, rupturas y transformaciones personales.

La banda construye un espacio donde las emociones se transmutan en fuerza propulsora dando, así como resultado la conexión entre la crudeza de la realidad con la vulnerabilidad de la conciencia.

El álbum ‘II’, editado por Lions Pride Music, despliega temas de resiliencia donde la melancolía sirve de puente hacia la superación cotidiana. "Es el disco más personal que hemos hecho. Queríamos algo poderoso, pero profundamente humano, que hablara a la mente y al corazón", afirmó Waller.

‘FM’, referente del AOR con clásicos como ‘That Girl’ e ‘I Belong to the Night’, recorre Latinoamérica con un set nostálgico que mantiene vivo el rock melódico por cuatro décadas.

Counterline, por su parte, lanza el sencillo ‘Find Me’, antesala de su tercer álbum previsto para finales de 2026 con Lions Pride Music. "A través de nuestra música queremos llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar", concluyó Waller.

La banda prepara nuevos proyectos discográficos que profundizarán en emociones universales y vías de superación a través del melodic hard rock.