Tras más de veinte años de trayectoria recorriendo los escenarios, Sharif y Rapsusklei presentan una obra que trasciende lo sonoro; se trata de un viaje introspectivo por la existencia, la memoria y la honestidad de dos voces que han definido la estética de varias generaciones. El disco se compone de diez cortes bajo la producción de Gordo Del Funk y Bombony Montana, logrando un equilibrio entre la lírica profunda y un sonido de carácter atemporal. Las colaboraciones de artistas como Horus, Kyr4, Luís Cortés, Aerstame e Ibzen aportan matices diferenciadores, inyectando frescura y una diversidad de texturas a la arquitectura del proyecto.

Piezas como ‘La Flor en los Escombros’, ‘No Me Hables de Amores’ o ‘Escribir Sobre Fuego’ funcionan como espejos de una madurez creativa evidente. En ellas, los autores despliegan una mirada adulta y reflexiva acerca de su propio legado, ratificando que el rap es capaz de ser simultáneamente enérgico, vulnerable y transparente.

Sharif Fernández Méndez, oriundo de Zaragoza (1980), se ha consolidado en la industria por una escritura poética e introspectiva. Su estilo fusiona la rítmica del género con una marcada sensibilidad melódica y constantes referencias literarias, explorando conceptos como la identidad y la espiritualidad. Por otro lado, Rapsusklei (Diego Gil Fernández) ha edificado una de las carreras más sólidas del ámbito independiente. Su propuesta, cruda y genuina, amalgama la crítica social con los fundamentos de la cultura hip-hop clásica, lo que le ha valido el respeto unánime en el panorama internacional.

Con este lanzamiento, la dupla zaragozana confirma que, tras años de vigencia, su capacidad para conmover y sorprender al público permanece intacta. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, invitando a la audiencia a conectar con la esencia más pura del rap de autor.

Durante su paso por el programa ‘Música y Músicos de Colombia’, el artista nos contó acerca de su trayectoria y de cómo su camino no se limitó únicamente a la salsa. Aunque este género ha sido el eje de su carrera, también exploró la música tropical, una mezcla que le permitió desarrollar un estilo particular y conectar con públicos de distintos rincones de Latinoamérica.

El maestro también destacó el vínculo especial que ha construido con Colombia a lo largo de los años, siendo un territorio fundamental en su recorrido artístico, no solo por la acogida del público sino por el cariño constante que ha recibido durante décadas.

De hecho, comentó que cada vez que visita Colombia siente una conexión muy cercana con la gente, al punto de afirmar que se considera “un colombiano más”. Un sentimiento que nace del respeto y la fidelidad que el público ha tenido con su repertorio.

Uno de los mayores regalos que le ha dado su carrera es descubrir que sus canciones como ‘La sirena’, ‘Payaso’, entre otras siguen siendo cantadas por las nuevas generaciones. Jóvenes y adultos continúan escuchando y celebrando su música, incluso en tiempos de nuevos ritmos y tecnologías, es algo que lo emociona profundamente.

Como parte de la celebración de su trayectoria artística, el maestro Luis Felipe González llegará a Bogotá con un concierto especial en el Teatro Astor Plaza, un encuentro con el público donde mostrará parte de ese legado que ha marcado la historia de la salsa y la música tropical en América Latina. Para conocer más de la entrevista, visite nuestro canal de YouTube

Estrenada en 1937, la obra se basa en una colección de poemas medievales hallados en un monasterio bávaro y reúne textos escritos entre los siglos XII y XIII. Estos versos abordan temas como el amor, la fortuna, el destino y los placeres de la vida, elementos que se alejaban de las temáticas estrictamente religiosos predominantes en la época.

Carol López, directora asistente de la Sociedad Coral de Bogotá, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre el origen y el proceso de preparación de esta nueva puesta en escena. Según explicó, el compositor alemán seleccionó parte de los poemas medievales para construir la cantata: “Son textos que hablan de la fortuna, del amor y de los placeres de la vida. Carl Orff eligió 24 de ellos para crear esta obra”.

La interpretación que se presentará en Bogotá corresponde a la versión realizada por Wilhelm Killmayer, discípulo de Orff, una adaptación que conserva la estructura y la fuerza sonora de la partitura original, pero con un formato instrumental reducido que resalta la presencia del coro y la percusión.

Uno de los elementos que explica la permanencia de la muestra en el repertorio internacional es su carácter rítmico y dramático. López señaló que el compositor concebía la música como una experiencia física: “Orff pensaba la música como algo hecho para mover el cuerpo. El ritmo y la percusión hacen que la obra se sienta casi como un pulso constante”.

El montaje coral exige además una preparación vocal y escénica compleja. Los intérpretes trabajan textos en latín, alemán antiguo, francés y arpitano, lo que implica estudiar no solo la pronunciación, sino también el sentido de cada poema para trasladarlo al escenario.

El espectáculo reúne cerca de 80 voces en escena, además de un coro infantil que interpreta algunas de las secciones escritas originalmente para voces jóvenes. Propuestas que busca acercar la música coral a nuevas audiencias.

A lo largo de las décadas, ‘Carmina Burana’ ha sido interpretada en temporadas sinfónicas, montajes de ópera y producciones de ballet, y su fuerza dramática la ha llevado también al cine y a distintas adaptaciones musicales. Su movimiento inicial, ‘O Fortuna’, se ha convertido en uno de los fragmentos más reconocibles de la música clásica contemporánea.

Las funciones se realizarán el 11 y 12 de abril a las 4:00 p.m., con la participación de la Sociedad Coral de Bogotá, el Coro Polifónico del Gimnasio de Los Pinos y el coro infantil Xuacha, acompañados por el Ensamble de Percusión Sinfónica y dos pianos de la Orquesta Sinfónica de Bogotá. El montaje estará bajo la dirección de la maestra María José Villamil.

Las agrupaciones Malacates Trébol Shop y Gondwana unieron sus trayectorias en ‘Fueguito’, un sencillo que articula el sonido de ambas bandas dentro del reggae latinoamericano. La canción combina ritmos del género con una letra que utiliza la imagen del fuego como metáfora de los vínculos afectivos.

El sencillo presenta una narrativa que une esa energía interior con las emociones que acompañan las relaciones humanas. Fran Páez, vocalista y compositor de Malacates Trébol Shop, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que una de las primeras ideas de la canción surgió como un ejercicio íntimo en el que imaginó un mensaje de su padre, ya fallecido, dirigido a su madre. A partir de esa imagen comenzó a construir una estrofa que posteriormente se integró al concepto del tema. “Todos los seres humanos cuando nos enamoramos tenemos un volcán dentro que no deja de sacar fueguito”, señaló el músico al explicar la metáfora que articula la canción.

La colaboración se originó tras un encuentro entre ambas agrupaciones, en el que compartieron ideas. A partir de ese proceso, Gondwana se integró al proyecto y aportó su estilo dentro del reggae latino, consolidando una alianza entre dos bandas con trayectoria en la escena regional.

Esta canción también está acompañada por un videoclip grabado en la región de San Marcos, en Guatemala. La producción muestra distintos paisajes del país, incluidos escenarios volcánicos y arquitectónicos, y fue dirigida por el realizador guatemalteco Carlos Juárez. Según explicó la banda, el proyecto audiovisual involucró a integrantes de comunidades locales que históricamente han mantenido tensiones, por lo que la grabación se planteó como un ejercicio simbólico de encuentro y diálogo entre ambos grupos.

‘Fueguito’ se encuentra disponible en plataformas digitales desde el 27 de febrero. Como parte de su lanzamiento, los grupos realizaron una presentación en el Centro Intercultural de Quetzaltenango, donde interpretaron el tema ante el público.

Con este sencillo, Malacates Trébol Shop y Gondwana amplían sus colaboraciones dentro del circuito musical latinoamericano, una dinámica que ha permitido fortalecer los intercambios entre artistas de distintos países y proyectar el reggae de la región hacia nuevas audiencias.

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La banda colombiana LUTTER presenta su sencillo ‘Cuando Se Acaba el Amor’, una balada que aborda el momento final de una relación y las emociones que acompañan la última despedida. El estreno marca una nueva etapa dentro del proceso creativo del grupo, que continúa fortaleciendo su presencia en la escena alternativa nacional. Julián Rojas, guitarrista de la agrupación, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre esta reciente propuesta sonora.

El tema se sitúa en el instante en el que una historia afectiva llega a su cierre definitivo, cuando quedan palabras pendientes y el paso del tiempo transforma los sentimientos. Desde una atmósfera melancólica e introspectiva, la pieza plantea una reflexión sobre la aceptación y el proceso de dejar atrás un vínculo. Según explicó Rojas, la composición “habla de ese momento en el que una relación se acaba y uno se queda con muchas cosas por decir, pero ya es demasiado tarde”.

La producción musical estuvo a cargo de Steven Baquero, quien desarrolló un trabajo orientado a resaltar el carácter íntimo de la obra. El resultado es un proyecto construido sobre una estructura de balada que privilegia la claridad de los arreglos y la intensidad interpretativa.

El estreno se complementa con un videoclip dirigido por Gabriel Gómez, una propuesta audiovisual que muestra una narrativa acorde con la carga emocional del tema. La identidad visual fue desarrollada por César García, responsable del arte de portada que acompaña el lanzamiento.

Su enfoque conceptual, se distancia de una mirada centrada en el conflicto para situarse en el terreno de la aceptación. “No es una canción desde el rencor, sino desde la aceptación de que a veces hay que soltar para poder seguir adelante”, concluyó Rojas.

Con este lanzamiento, LUTTER continúa ampliando su repertorio dentro del circuito alternativo y avanza en el posicionamiento de su música en medios radiales, plataformas digitales y espacios audiovisuales.

Ochoa, icono del son cubano y fundador de Buena Vista Social Club, es una de las figuras más representativas de la música latina con proyección mundial. Su guitarra inconfundible y su voz profunda han recorrido escenarios internacionales, llevando el espíritu de Santiago de Cuba a teatros y festivales de todo el planeta. Su presencia en Bogotá no solo evoca nostalgia, sino también la vigencia de un legado que sigue conquistando nuevas audiencias.

A este encuentro se suma Puerto Candelaria, banda colombiana ganadora del Grammy, reconocida por su capacidad de romper moldes. Su propuesta mezcla jazz, cumbia, música andina y una puesta en escena teatral que desafía etiquetas.

Esta presentación coincide con el lanzamiento del álbum, ‘KZ Candelaria’, un trabajo festivo y creativo que dialoga con la cultura popular y el universo digital, consolidando su apuesta por una identidad sonora propia y contemporánea.

En este proyecto, el número quince de su carrera, la agrupación reinterpreta parte de su repertorio en géneros como el vallenato, el corrido, la música popular y la balada.

Aprovechando este maravilloso encuentro en ‘Música y Músicos de Colombia’ conversamos con el maestro Eliades Ochoa, quien habló de su legado en la música latinoamericana y de las melodías que siguen resonando en las nuevas generaciones. Ochoa invitó a todo el público a esta cita imperdible para los amantes de la música latinoamericana que buscan vivir un espectáculo cargado de historia, creatividad y energía escénica.

Esta presentación se proyecta como una experiencia inmersiva en la que el son cubano y la vanguardia colombiana se entrelazarán en arreglos especiales, improvisaciones y momentos de celebración colectiva. La noche promete clásicos, nuevas composiciones y colaboraciones inesperadas que resaltarán los puntos de encuentro entre tradición y experimentación. Además de proponer un recorrido que conectará el son cubano tradicional con las búsquedas contemporáneas de la escena colombiana, en un formato de concierto compartido. La cita es este 28 de mayo a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán – Cra. 7 #22-47.

Más que un recital, será una conversación musical entre el Caribe y los Andes, entre la memoria y la reinvención.

Fractal Caravan lanza su producción debut, un trabajo conceptual que desarrolla una historia centrada en una Inteligencia Artificial rebelde que viaja en el tiempo con la intención de convertirse en rockero. Este estreno representa un punto de afirmación para el grupo, fundado en Nueva York hace más de una década por músicos con raíces en Norteamérica y Sudamérica. Edwin Quirk, cantante y guitarrista, y Fabio Montenegro, bajista y productor, estuvieron en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta nueva etapa creativa.

La iniciativa surgió tras un encuentro entre sus integrantes a través de un anuncio publicado en Craigslist. Desde ese primer ensayo, los músicos consolidaron una dinámica que integró su experiencia como instrumentistas de sesión y su formación académica en Estados Unidos, articulando un enfoque que conecta referentes culturales del norte y el sur del continente.

Aunque la producción no fue concebida inicialmente bajo un formato narrativo unificado, las composiciones terminaron estructurándose dentro de un mismo eje temático. El relato recorre distintas épocas y se apoya en la noción de “Axis Mundi”, idea que plantea que cualquier lugar puede entenderse como el centro del mundo. Según explicó Montenegro, “aparecieron un montón de canciones que parecían estar destinadas a estar juntas”, lo que permitió construir una línea argumental que atraviesa pasado, presente y futuro.

En el plano sonoro, el grupo combina rock and roll, reggae, garage punk, grunge, soul y R&B. A estos elementos se suman influencias latinoamericanas incorporadas recientemente, en particular ritmos como la cumbia, generando un diálogo entre tradición y contemporaneidad. Montenegro señaló que el colectivo ha desarrollado una estética “retrofuturista”, entendida como una sonoridad que conserva bases clásicas proyectadas desde una mirada actual.

La identidad artística se nutre de las dinámicas culturales de ciudades como Brooklyn y Bogotá, escenarios caracterizados por su diversidad y producción independiente. En ese marco, la música es asumida como un espacio de integración que trasciende límites geográficos o divisiones culturales.

El nombre del proyecto sintetiza esa perspectiva: “Fractal” remite a patrones que se repiten en distintas escalas, mientras que “Caravan” evoca desplazamiento continuo. Con este lanzamiento, el conjunto proyecta una fase de fortalecimiento que articula su trayectoria internacional con su vínculo latinoamericano.

‘DENY’ abre un nuevo capítulo en su trayectoria luego de un periodo de inactividad, concretando su regreso con un anuncio que agotó las entradas en el centro artístico y cultural ‘Complejo C Art Media’. En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ estuvo Juan Pablo Uberti, bajista y corista del proyecto, quien se refirió al recorrido del grupo y a las presentaciones previstas tras esta reactivación.

Fundada en 2007, la banda ha desarrollado un proceso sostenido entre producciones discográficas, giras internacionales y participación en festivales de gran formato, consolidándose como uno de los referentes del post-hardcore en América Latina. Desde sus primeros años trascendió el circuito independiente: En 2009 abrió el concierto de ‘Silverstein’ y en 2011 compartió escenario con A Day to Remember en el Teatro Vorterix, año en el que presentó su segundo álbum, ‘Reino de Tormentas’, trabajo que amplió su visibilidad dentro del género.

En 2014 publicó ‘Invencible’, material que fue presentado con un concierto a sala llena en el Teatro Vorterix y con una actuación en el ‘Festival Ciudad Emergente’. A partir de entonces fortaleció su proyección regional con recorridos por distintos países latinoamericanos y presencia en escenarios más relevantes en el género.

En 2015 agotó localidades en el Teatro de Flores y abrió el show de System of a Down en el estadio GEBA. Un año después teloneó a Bring Me the Horizon y en 2017 integró el escenario principal del ‘Lollapalooza Argentina’, compartiendo jornada con Metallica. Estas participaciones marcaron su inserción en el circuito internacional.

Uberti señaló que el retorno “no responde a una estrategia puntual, sino a la necesidad de volver a tocar y reencontrarse con el público”, y agregó que la pausa permitió revisar el enfoque creativo del grupo. Según explicó, esta fase integra la experiencia acumulada en giras con una mirada actual del contexto musical latinoamericano.

El anuncio del regreso se realizó a través de redes sociales y obtuvo una respuesta inmediata de su audiencia. El primer sencillo de este ciclo superó las 250.000 reproducciones en sus primeras semanas, reflejando la permanencia de su base de seguidores y la circulación activa de su catálogo en plataformas digitales.

Con más de una década de actividad, DENY proyecta esta etapa un proceso de consolidación que articula su experiencia en escenarios masivos con las dinámicas actuales del consumo musical, reafirmando su lugar dentro del post-hardcore.

De Chaparral Tolima pal mundo, Renato inició su camino musical desde muy joven interpretando la flauta y posteriormente instrumentos andinos como la quena y la zampoña. A los 17 años recibió su primera guitarra, instrumento que marcaría su rumbo como compositor y daría inicio a su historia musical.

A lo largo de su trayectoria ha explorado distintos géneros, desde la música andina y la infantil hasta la balada y sonidos más contemporáneos. Sin embargo, en los últimos años ha encontrado en la carranga una forma cercana y auténtica de narrar historias del día a día, conectadas con la cultura popular y con el lenguaje cotidiano que caracteriza muchas expresiones del folclor colombiano.

Precisamente esa mirada cotidiana inspira ‘La Plaza de la Perse’, una canción que tiene como escenario la emblemática Plaza de la Perseverancia en Bogotá. Allí, entre la sazón de la comida tradicional y la dinámica diaria del rebusque, surge una historia que retrata las dificultades y sueños de un artista que persiste en su pasión, incluso en medio de las adversidades.

Con ritmo de merengue carranguero y una historia cercana al público, el tema se convierte en un homenaje al amor por la música y a la perseverancia de quienes hacen del arte su forma de vida. Para conocer más ingrese a la entrevista completa en nuestro canal de YouTube.

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Tras la sensibilidad romántica de ‘Loco de Corazón’ y la descarga rítmica de ‘Estampida’, la agrupación cambia el pulso para ofrecer una canción más introspectiva, que invita a bajar el ritmo y mirar hacia adentro.

‘Sal’ funciona como un punto de equilibrio dentro del álbum y refuerza la identidad sonora de esta nueva etapa: Guitarras envolventes, atmósferas densas y una producción que privilegia lo orgánico.

Parte del disco fue trabajado junto al productor argentino Tweety González, figura clave del rock latinoamericano por sus colaboraciones con Soda Stereo, Fito Páez, Illya Kuryaki and the Valderramas y Bersuit Vergarabat. Su aporte potencia la profundidad y el carácter del sonido que la banda ha venido consolidando.

El trabajo surgió de una improvisación en estudio y terminó convirtiéndose en una reflexión musical sobre el hogar como refugio emocional. Sin embargo, también plantea la tensión inevitable: El mundo exterior siempre termina irrumpiendo. Pipe Bravo, vocalista del grupo, explica que el tema aborda ese espacio íntimo donde es posible detenerse y pensar, aunque tarde o temprano la realidad obliga a salir de esa quietud para seguir funcionando.

Con más de dos décadas de carrera y una discografía que supera los diez álbumes, Superlitio reafirma su vigencia dentro de la escena alternativa latinoamericana. ‘Sal’ no solo anticipa la narrativa de ‘Días Perfectos,’ sino que propone una experiencia de escucha consciente, una invitación a desconectarse del ruido y reencontrarse con la música como refugio.