En un mundo donde las etiquetas parecen necesarias para entenderlo todo, llega ‘POWA’, una iniciativa sonora y audiovisual que rompe moldes, cruza fronteras y se presenta como un canto de libertad artística y emocional. Detrás de esta obra, desde Francia, se encuentra Andrés Rodríguez Bravo, músico colombiano que muchos recordarán como baterista de The Hall Effect, pero que hoy regresa con una propuesta completamente distinta dentro del universo llamado POA (Project of Artists).

‘POWA’ no es solo un álbum. Es una invitación. Un proyecto artístico que mezcla audio, video e imagen para escuchar el corazón, mirar sin filtros y moverse al ritmo de las emociones. Con ocho canciones que mezclan rock alternativo, pop experimental, electrónica, música sinfónica y percusión latina, este disco es una experiencia sensorial que no busca entretener, sino despertar.

En diálogo con ‘Amantes del Círculo Polar’, Rodríguez Bravo compartió la profundidad del proyecto POA, conformada por un colectivo interdisciplinario de artistas que pretende abrir las puertas a nuevas experiencias y emociones artísticas.

“POA es una mesa donde nos sentamos diferentes artistas de varias vertientes. Acá se fusiona el arte circense, el circo contemporáneo no con leones y elefantes, eso es viejo, hablamos del circo hecho con humanos (...) Y en estos escenarios se une la danza contemporánea, la moderna y la folclórica. La música sinfónica, el rap, el rock (...) También está el equilibrio de la parte cinematográfica, la fotografía y las artes plásticas”, reveló respecto a las múltiples disciplinas que se encuentran en Project of Artists.

Se trata de una plataforma libre, colaborativa y profundamente humana. Un espacio vivo donde los artistas co-crean desde la horizontalidad, donde una canción inspira una pieza visual, y una coreografía puede transformarse en una composición sonora. Aquí no hay jerarquías, solo diálogo.

De esa forma, POA propone un camino inverso: crear desde el alma y para el alma. Su primer álbum fue grabado en POA Studios, en Francia, con una producción totalmente artesanal. Todos los instrumentos, voces y letras fueron realizados por Andrés, en un proceso casi íntimo, cargado de intención y que reúne su experiencia en Colombia y Europa.

“Salí de Colombia hace seis o siete años, llegué a Francia y montamos el estudio POA. Acá empezamos a crear y claramente las raíces están ahí. El rock siempre está, y no solamente como género musical sino como poder de decisión, un empuje muy fuerte que nos ayuda a abrir los ojos. Sin embargo, quedan otros matices, otros colores como las tamboras, los alegres, los acordeones y todo se fusiona”, acotó el artista.

En una época donde por la demanda comercial todo va tan rápido, la creación muchas veces se ve reducida a contenido efímero. Con POWA y sus 8 canciones (Orami, Regreso, Putumayo,0 Alma, Nuevos vientos, Dirie, Ois E No y Escucha) POA nos recuerdan que el arte también puede ser pausa, reflexión, resistencia. Lo que contribuye a que la música toque mayores fibras y siga construyendo puentes entre culturas.

Por: Alejandro Poveda.

Llevar un mensaje de rap consciente que transforme la vida de los jóvenes en los barrios bogotanos es el objetivo principal de La Reforma, una agrupación que nació gracias a la unión de tres hermanos: Christian, Sergio y Jhonatan Lacouture.

Inspirados en su padre José Lacouture y una niñez marcada por la música, en 2010 decidieron consolidar un proyecto que revolucionará no solo la industria sino también los corazones. Hoy, quince años después han llegado a diferentes escenarios de Latinoamérica con sus canciones que presentan al mundo un mensaje de esperanza y valentía.

“Quisimos buscar nuestra esencia, nuestro propio lenguaje y creer en lo que somos, es ahí donde nos damos cuenta que siendo originales podríamos trascender. Más allá de ser disruptivos, construimos un proyecto con identidad que lleva en su nombre nuestro legado: La Reforma”, contó Christian Lacouture, vocalista y líder de la agrupación en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Frentiao: Un tema inspirado en la fe que se lanza con valentía

Al mejor estilo del hip hop y bajo la invitación de “proclamar valentía sin miedo a expresar las convicciones”, esta agrupación presenta su más reciente sencillo que narra la historia de un soldado que está listo para la batalla espiritual y un pastor que porta un mensaje de amor y fe.

“Esta letra nace de las batallas que enfrentamos día a día, de lo que es ser un colombiano o latino que en medio de su lucha encuentra en Dios un propósito. Pero no todo es color de rosa, sino que ahora confronta su fe con esquemas sociales y políticos” agregó Christian.

El video oficial de ‘Frentiao’ se grabó en algunos de los lugares más emblemáticos de Bogotá, capturando la esencia y el espíritu de la ciudad, y está disponible en el canal de YouTube de La Reforma.

Desde Panamá llegó Yo Soy Kandall, acompañado de la artista Lyz Martin y el productor Mauro Satori, para compartir los detalles del Festival Skardio Latino 2025, un encuentro que celebra los sonidos afro, mestizos y alternativos con una perspectiva de resistencia y creación colectiva.

Durante la charla, Kandal destacó su trayectoria en el reggae con la banda Séptima Raíz, su tránsito hacia nuevos géneros y el origen de su nombre artístico, recordando cómo desde pequeño su madre le decía a él y a su hermana los "hermanitos Candal" por su carácter escandaloso. Ahora, con su proyecto solista, busca fusionar reggae, bolero, salsa, soul y balada rock, en una apuesta auténtica y diversa. "El reggae es parte de mí, pero también mi herencia familiar me lleva a explorar muchos otros sonidos", explicó.

Por su parte, Lyz Martin compartió cómo su conexión con la música afro ha sido un proceso de reconexión con sus raíces. "Por mucho tiempo estuve desconectada de mi herencia negra, pero ahora es el centro de mi propuesta musical", expresó. Su estilo mezcla reggae, afropop y ritmos afrocaribeños con una poderosa intención: reivindicar su identidad y la de muchas mujeres afrodescendientes.

Festival Skardio Latino 2025, tendrá lugar este viernes 30 de mayo en la Casa Alternativa en Bogotá, reunirá a artistas como Sonora Bristol, Escándalo Hoy, Los Grillos, Camila Bukilá, entre otros. Con entrada libre y una programación diversa que incluye música en vivo, DJs, feria de emprendimientos y una apuesta por la cultura libre, el evento promete ser un espacio de encuentro, memoria sonora y celebración.

Desde el Espacio Odeón, en pleno corazón de la ciudad, el Instituto Distrital de las Artes - IDARTES en compañía de la Secretaría de Cultura de Bogotá y varios representantes del rock capitalino se reunieron para adelantar el lanzamiento del cartel oficial de las bandas que participarán en Rock al Parque 2025. Una cita imperdible para todos los colombianos del 21 al 23 de junio.

Se trata de un encuentro de artistas en el que el talento distrital, nacional e internacional traerá a Bogotá lo mejor de la escena del rock, homenajeando a las bandas que sentaron las bases de este género en la capital y exaltando a aquellas agrupaciones que con sus sonidos alternativos e innovación están asumiendo las banderas del rock.

En el lanzamiento del cartel estuvieron presentes bandas como Info y Cabeza de Culebra, que se encargaron de dar una pequeña muestra de todo lo que se vivirá en el Parque Simón Bolívar, en el marco de los 30 años de Rock al Parque.

Artistas Distritales que tocarán en Rock Al Parque 2025

-    Apolo 7 (Bogotá) -    Bat Habits (Bogotá) -    Buha 2030 (Bogotá) -    Chimó Psicodélico (Bogotá) -    Dead Silence (Bogotá) -    Devasted (Bogotá) -    Herejía (Bogotá) -    Hermanos Menores (Bogotá) -    K93 (Bogotá) -    Keep The Rage (Bogotá) -    Metal Sevicia (Bogotá) -    Mortalem (Bogotá) -    Okinawa Bullets (Bogotá) -    Piangua (Bogotá) -    Piel Camaleón (Bogotá) -    Sin nadie al mando (Bogotá) -    Sin pudor (Bogotá) -    Somberspawn (Bogotá) -    Urdaneta (Bogotá) -    Yo no la tengo (Bogotá)

Artistas Nacionales que tocarán en Rock Al Parque 2025

-    Don Tetto (Bogotá) -    Grito (Medellín) -    La Derecha (Bogotá) -    Polikarpa y sus Viciosas (Bogotá) -    Rain of Fire (Tulua) -    Reencarnación (Medellín) -    Rex Marte (Cali) -    Somer (Circasia, Quindio) -    Tenebrarum (Medellín)

Invitados Internacionales que estarán en Rock Al Parque 2025

-    A.N.I.M.A.L. (Argentina) -    Allison (México) -    Animales Exóticos Desamparados (Chile) -    Bala (España) -    Belphegor (Austria) -    Black Pantera (Brasil) -    Carmen Sea (Francia) -    Cemican (México) -    Comeback Kid (Canadá) -    Derby Motoreta’s Burrito Kachimba (España) -    Descartes a Kant (México) -    Desierto Drive (México) -    Dismember (Suecia) -    El Cuarteto de Nos (Uruguay) -    El Gran Silencio (México) -    El Mató a un Policía Motorizado (Argentina) -    Hermana Furia (España) -    Hirax (Estados Unidos) -    Los Cafres (Argentina) -    Los de Abajo (México) -    Los Rabanes (Panamá) -    Madball (Estados Unidos) -    Mawiza (Chile) -    Parabellum (España) -    Silvestre y la Naranja (Argentina) -    The Monic (Brasil) -    Viniloversus (Venezuela)

Conozca los horarios de Rock Al Parque 2025

Por: Alejandro Poveda.

Con más de veinte años de carrera y canciones que siguen sonando en playlists de recuerdos y desahogos, Melendi regresa a la capital colombiana en un momento clave de su trayectoria. Su presentación en Bogotá hace parte de una gira internacional que ha agotado entradas en otras ciudades del país y de América Latina. Para quienes han crecido con su música o la han descubierto recientemente, esta es una oportunidad para vivir en vivo los temas que más han pegado en el tiempo.

Lo interesante de este concierto es que no se trata solo de un repaso musical, sino de un viaje emocional. La gira ‘20 Años Sin Noticias’ recopila los grandes éxitos del artista español, desde aquellos con ritmos más rockeros hasta sus propuestas más melódicas y actuales. Es un espacio para cantar a grito herido, compartir historias entre amigos y volver a canciones que, probablemente, marcaron algún momento importante.

Para el público joven, la experiencia no solo tiene valor nostálgico. Quienes asistan podrán ver cómo un artista que ha evolucionado con los años mantiene su autenticidad, conecta con nuevas audiencias y adapta su sonido a los tiempos sin perder su esencia. Es también una buena excusa para conocer de cerca una figura que, más allá de su música, ha sabido construir un vínculo directo con los asistentes.

Melendi suma cifras destacadas: 24 discos de platino en España, más de 3,5 millones de discos vendidos y millones de reproducciones en plataformas como Spotify. Pero más allá de los números, su regreso a Bogotá pone en escena una forma de hacer música desde la honestidad, el relato cotidiano y la emoción directa. Su repertorio habla de amores, crisis, despedidas, familia y decisiones difíciles. Y eso conecta.

Para quienes buscan planes con sentido y algo más que un concierto, esta presentación representa una experiencia cultural que mezcla memoria, identidad y afecto. No es necesario haber sido fan desde el primer disco para disfrutarlo. El evento se convierte en un espacio común, multigeneracional, donde cada canción puede tener un nuevo significado.

En resumen, el regreso de Melendi no es solo una fecha en la agenda musical de la ciudad: es una oportunidad para reconectar con lo que la música puede provocar. Para cantar con extraños, recordar con amigos, o simplemente vivir una noche diferente donde cada verso dice algo que alguna vez se sintió.

Desde las montañas de La Calera, en medio del bosque de niebla y a la misma altura de Monserrate, surge ‘Tierra D’ Agua’, un proyecto que trasciende lo artístico para convertirse en una propuesta de vida. Durante su participación en ‘Amantes del círculo polar’, Diana Aguirre, compositora de la canción compartió el origen de esta iniciativa, inspirada en más de una década de trabajo con la comunidad, la tierra y el agua. La melodía, según narró, fue dictada por las ondinas, espíritus del agua, en una sentada junto a la laguna, esta representa una ofrenda sonora que conecta con lo emocional y espiritual.

El tema nace en sincronía con el movimiento ‘Canto al Agua’, impulsado por artistas y activistas como Héctor Buitrago y Catalina Salguero, y se entrelaza con la historia de una pareja que decidió cambiar la ciudad por el campo, iniciando un proceso de restauración ecológica en un terreno que comenzó siendo potrero. Luis Herney Herrera relató cómo esta transformación del paisaje se convirtió también en un cambio interno, donde conocer los ciclos del agua permitió sembrar no solo plantas, sino nuevas formas de habitar el territorio.

‘Tierra D`Agua es un campamento familiar que se volvió una pedagogía viva. Diana Victoria, bióloga de formación y educadora, explicó cómo su aprendizaje científico se ha entretejido con el arte para generar procesos de enseñanza con niños, jóvenes y adultos. Desde la agricultura, las danzas circulares y el canto, ha logrado traducir conceptos complejos sobre los ecosistemas en experiencias sensibles que tocan corazones y despiertan la conciencia ambiental. La pedagogía, señaló, se convirtió en una vía para comunicar sin barreras técnicas, alcanzando comunidades rurales y urbanas por igual.

La propuesta también plantea una crítica amorosa al lenguaje técnico de la ciencia, que muchas veces resulta inaccesible para la mayoría de la población. Frente a ello, la música y el arte aparecen como lenguajes universales que borran títulos, niveles educativos o clases sociales. Luis, con su experiencia en publicidad y diseño, ha aportado su experiencia para construir estrategias de comunicación que integren el conocimiento ecológico con relatos cercanos y transformadores.

En esta conversación, los oyentes conocieron no solo una canción, sino una visión de mundo: una apuesta por el cuidado del agua como ser vivo, por la educación como herramienta de transformación social y por la vida en comunidad como forma de resistencia y esperanza. La historia de ‘Tierra D´ Agua’ demuestra que el arte y la naturaleza pueden caminar juntos y que es posible vivir de manera coherente con lo que se canta, se enseña y se siembra.

La invitación está abierta a conocer este espacio restaurado, un rincón vivo en las montañas donde se cultiva música, se protege el agua y se educa con amor. ‘Tierra D´ Agua’ no es solo un proyecto ambiental: es una experiencia que inspira a repensar el lugar que cada ser humano ocupa en el planeta y cómo desde lo cotidiano se puede sembrar un futuro más armónico.

La ciudad de Cienfuegos, Cuba, fue testigo del nacimiento de una de las agrupaciones más emblemáticas de la charanga cubana: La Orquesta Aragón. Su historia se remonta a 1939, alcanzando su época dorada en los años 60 y 70, llevando al mundo la música bailable de su Isla.

La charanga suele estar formada por instrumentos de cuerda y viento, como violines, flautas y otros de procedencia europea. Además, su estilo sonoro está estrechamente relacionado con géneros como la pachanga. 

En Colombia goza de gran popularidad, tanto así que la Filarmónica de Bogotá se unió con la Orquesta Aragón para producir el primer disco sinfónico en la historia de esta legendaria agrupación cubana.

“Aragón Filarmónico es más que una fusión de sonidos: es un puente cultural que conecta la riqueza rítmica del Caribe con la fuerza expresiva de una gran orquesta sinfónica. El proyecto es fruto de una colaboración con el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y la producción del sello El Cerrito Records”, resaltó la Filarmónica de Bogotá en el comunicado oficial de lanzamiento.

Bajo el concepto de la ‘Charanga eterna’, este álbum reinterpreta sus clásicos con nuevos arreglos sinfónicos, ofreciendo una experiencia sonora inédita para los seguidores de  ambas agrupaciones.

Además, surge de la presentación en vivo del proyecto que tuvo lugar el pasado 4 de agosto de 2024 en el Teatro Mayor. Allí se reunieron más de 80 músicos en escena en una noche de fiesta, historia y homenaje a la música tradicional cubana.

“El lanzamiento coincide con tres celebraciones clave: los 85 años de la Orquesta Aragón, conmemorados en 2024 con giras y reconocimientos; los 487 años de la fundación de Bogotá y los 15 años del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, centro vital de la vida musical en la capital", agregó el documento.

El disco ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y usted puede disfrutarlo en el siguiente link.

Durante su paso por el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, la artista reveló los recuerdos, sabores y paisajes que inspiraron esta obra profundamente íntima y sonora.

Desde Barcelona, ciudad donde actualmente reside, Sara Aldana ha creado un universo musical representando el sancocho no solo es una receta, sino una metáfora cultural. En la entrevista, la cantautora recordó los paseos de olla con su familia, las subidas al Puente Rojo en Ginebra y los momentos en que la olla, la gallina y los plátanos eran los protagonistas de un ritual colectivo que unía generaciones. De esa memoria nace ‘Sancocho’, una canción que condensa sabor, nostalgia y vida cotidiana.

La artista, formada académicamente en la Universidad del Valle y con estudios de maestría en composición en el Conservatorio del Liceo en Barcelona, destacó cómo este lanzamiento representa el inicio de un proyecto más amplio titulado ‘Matices’. En este álbum se reúnen canciones compuestas durante más de una década, algunas escritas a los 12 años, y otras más recientes marcadas por su tránsito entre Colombia y Europa. Cada creación es un color, una emoción, un territorio.

‘Sancocho’, en palabras de Aldana, está vinculado al color verde, símbolo de lo sano, lo natural y lo que se comparte. Así como el plato evoca reunión y celebración, este tema se convierte en un espacio donde se cruzan los sonidos, la canción y los recuerdos de infancia. La inspiración no se queda solo en la cocina: la letra, la instrumentación y el ritmo crean un retrato sonoro de lo que significa pertenecer, migrar y reconstruirse lejos de casa.

La artista también compartió su emoción por contar con la participación de Marta Gómez en una de las canciones de ‘Matices’. Para ella, colaborar con una referente de la música latinoamericana, a quien admira desde pequeña, fue un sueño cumplido. Además, reveló que la canción ‘Somos’ del álbum está basada en comentarios reales de migrantes, recolectados a través de Instagram con frases y mensajes que le dejaron sus seguidores y otro rinde homenaje a su abuela materna, afrodescendiente del Chocó, en un ejercicio de memoria y tradición oral.

Asimismo, Sara Aldana habló del choque cultural y del aprendizaje al vivir en España, país en el que ha sabido mantener su identidad sin perder la apertura a nuevas expresiones, como “me hace mucha ilusión” se mezclan con las palabras vallecaucanas que sigue utilizando con orgullo, como una forma de afirmarse en sus raíces sin importar el territorio en el que habite.

Con ‘Sancocho’, Sara Aldana ofrece algo más que una canción: una experiencia cargada de memoria, paisaje, familia y sabor. Este lanzamiento representa el inicio de un viaje sonoro donde cada nota conecta con una historia, una vivencia o un lugar. Una invitación a reconocerse en lo propio, aun desde la distancia, y a celebrar la riqueza de la identidad afrocolombiana y popular por medio de la música.

Encasillar la música en un solo género nunca ha sido el objetivo de ‘Velandia y La Tigra’, por el contrario, la banda se ha convertido en un referente del mundo alternativo. Durante el 2007, en Colombia se conoció un nuevo término que poco a poco cobraría popularidad en la revolución del arte: ‘Rasqa’.

“Rasqa es la palabra con la que definimos nuestra música, viene del argot circense, donde se le dice así al payaso vago. El concepto nació cuando pasé de la guitarra acústica a la eléctrica, y ese cambio marcó una transformación muy clara en el sonido. Puede parecerse al rock, aunque nunca he pertenecido a esa cultura o podría asemejarse más al jazz, pero no encaja del todo allí”, contó Edson Velandia, líder de la agrupación, en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Once Rasqas’, ‘El Sietemanes’, ‘Superzencillo’, ‘Balada’, ‘Oh, ¡Porno!’ y ‘Eggipto: requien rasqa pa’ cielito’ son algunos de los títulos más exitosos de los primeros años de carrera de la banda. Pese a que hicieron un receso de casi una década para retomar proyectos personales, en el 2023 regresaron con ‘Proverbios Burros’, un álbum que contiene temas como ‘Ñera’, ‘Venganza’ y ‘Venezuela’.

“Esta canción es un elogio a partir de recuerdos al país más cercano a Colombia, cuya hermandad se ha visto debilitada en el último tiempo por culpa del imperialismo occidental”, agregó Edson.

‘Velandia y La Tigra’ en el VI Concierto de La Esperanza

Con el lema ¡Latinoamérica Migrante Resiste!, Bogotá vivirá la sexta edición del Concierto de la Esperanza que este año presentará a ‘Mago de Oz’, ‘Inti-Illimani’, ‘Bersuit Vergarabat’, ‘Los Prisioneros (con Miguel Tapia)’, ‘Apache’, ‘Ali A.K.A. Mind’, ‘Motilonas Rap’ y Joseito Oviedo.

A su lado estarán ‘Velandia y La Tigra’, quienes prometen un repertorio precedido de sensibilidad social. La cita será el próximo 8 de junio en la Plaza de Bolívar de Bogotá.

La entrevista a continuación: 

Enfrentar el racismo y reivindicar la palabra “negra” en la industria musical ha sido uno de los retos principales de la carrera de Daymé Arocena, una mujer que creció en una familia numerosa del barrio Santos Suárez de La Habana y hoy en día se ha convertido en una de las voces más representativas de la isla.

Tuvo que enfrentar el abuso, la discriminación e incluso salir de su tierra porque por su arte fue tachada como “capitalista”, sin embargo, la música fue su salvación y la fuerza de su voz la ha llevado a varios de los escenarios más importantes del mundo. 

En noviembre del 2024, protagonizó uno de los momentos más emocionantes de los Latin Grammy cuando interpretó ‘A Fuego Lento’, nominada como ‘Canción del Año’. Ahora, regresa con un EP que reúne letras íntimas que viajan por su testimonio y sus raíces.

“Si hay un aporte importante que ha hecho el continente africano a la humanidad, es la música. No es que todos los negros seamos músicos, pero sí existe una sensibilidad especial para crearla. Lo más valioso es hablar desde la educación, la sanación y la orientación, para que no sigamos enfrascados en luchas de razas, identidades o etnias”, contó Daymé Arocena en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Daymé y yo: La sensación del soul

El pasado 15 de mayo la artista presentó ‘Mean’, su primera canción de blues que escribió a los 17 años. Con esta da apertura a su próximo lanzamiento ‘Daymé y yo’, que resalta los ritmos del soul afrocubano.

"Proviene de un momento en el que descubrí que el blues podía ser un superpoder para mí. Pocas cosas me hacen sentir más en mi centro que cantar y escribir desde ese lugar. Saca mi versión más salvaje, irreverente y auténtica”, agregó la artista.

Este EP está compuesto por siete canciones que incluyen temas inéditos, así como versiones íntimas de sus éxitos. Por ejemplo, hay fusiones de solo voz y piano, grabadas en vivo en la Ciudad de México.

‘Daymé y yo’ estará disponible en su totalidad el próximo 30 de mayo en todas las plataformas.