La artista colombiana Laura Lizcano estuvo en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde habló acerca del origen de ‘Amor Tranquilo’, una canción que nació durante la pandemia y que parte de una experiencia cotidiana para reflexionar respecto a la forma en que las personas aprenden a habitar su cuerpo y reconciliarse con sus transformaciones.

La composición surgió tras la aparición de una cana, un momento que llevó a la cantante a cuestionar la manera en que suele asumirse el envejecimiento. "No vamos a vivirlo como algo negativo, sino como algo bonito", explicó. A partir de esa idea comenzó a construir una obra en la que las canas, las estrías y el mar funcionan como metáforas de un cuerpo que cambia constantemente, pero que conserva su historia.

Asimismo, ese concepto marcó la construcción musical del sencillo. Aunque el tema fue escrito inicialmente en inglés, terminó encontrando en la chacarera, un ritmo y danza folclórica tradicional de Argentina, el lenguaje sonoro que mejor acompañaba su narrativa. El resultado es una pieza que dialoga con la tradición latinoamericana mientras desarrolla una visión contemporánea sobre el amor propio, la feminidad y la aceptación.

Su acercamiento a las músicas latinoamericanas ocurrió después de varios años de formación en jazz. Creció escuchando principalmente música en inglés, pero fue durante sus estudios universitarios cuando comenzó a explorar las tradiciones musicales de la región y a encontrar referentes como Natalia Lafourcade, Mon Laferte y Silvana Estrada. Ese proceso terminó definiendo una propuesta artística que hoy combina la libertad del jazz con las raíces del folclor latinoamericano.

La artista, radicada en Nueva York desde los diez años, señaló que vivir en una ciudad atravesada por la migración fortaleció esa búsqueda de identidad. "Cuando estás con muchas personas que hacen la misma música, lo mejor que puedes hacer es ser tú mismo", afirmó al referirse a una escena cultural donde conviven múltiples lenguajes, tradiciones y formas de entender la creación musical.

Más allá de hablar de las relaciones de pareja, esta canción plantea una reflexión sobre la relación que cada persona construye consigo misma. Para Lizcano, el amor propio no puede entenderse como una idea idealizada ni como una experiencia permanentemente armoniosa. "El amor propio no es algo que necesariamente siempre es bonito o fácil", afirmó, al señalar que aceptar las imperfecciones también hace parte del proceso de crecimiento personal.

Hay canciones que nacen para contar una historia y otras que terminan convirtiéndose en la única forma posible de expresar aquello que las palabras no alcanzan a decir. En ese lugar se encuentra ‘Clavel’, el más reciente lanzamiento de Noah Froid, un proyecto que ha construido su identidad alrededor de la introspección, la honestidad emocional y la exploración de los distintos matices del amor.

Detrás de Noah Froid está Samuel Gallego Mesa, cantante, guitarrista y tecladista colombiano que comenzó a desarrollar este universo creativo en Medellín durante 2023. El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de su trabajo musical y lo que representa esta canción para su nueva etapa discográfica.

Aunque el nombre podría sugerir la existencia de un alter ego, el cantante entiende ambas identidades como parte de una misma persona. ‘’Noah Froid no representa una ruptura con Samuel, sino una manera de proyectar sobre el escenario las emociones y reflexiones que nacen durante el proceso creativo, manteniendo un constante vínculo con quien las experimenta.

"Siempre he tenido muy presente que Samuel y Noah hagan parte del mismo mundo. No quiero desligar el personaje artístico de quien soy en el día a día, porque siento que ahí está la autenticidad del proyecto", explicó el cantautor. También aseguró que perderse completamente en el personaje puede resultar contraproducente y que su intención es que el público conecte con experiencias reales antes que con una figura fabricada. construida.

La propuesta busca abrir un espacio para que las personas conecten con sus emociones a través de canciones construidas desde experiencias personales. Sus composiciones abordan estados como la tristeza, la esperanza, la fuerza interior y los distintos matices del amor, apoyadas en influencias que van del rock, el blues y el jazz hasta la música clásica y el rock psicodélico.

En ese contexto aparece ‘Clavel’, una composición que aborda el deseo de acercarse a una persona, evocando recuerdos, anhelos y la necesidad de expresar aquello que resulta difícil comunicar en una conversación. La canción nació a partir de una experiencia personal que permaneció durante años antes de convertirse en música y cuyo proceso creativo se extendió por varios meses hasta encontrar su forma definitiva.

"La historia nace cuando conocí a una persona muy importante. El tema terminó siendo como una declaración y un desahogo de todo aquello que tenía que decir, pero que en palabras era casi imposible expresar", contó Froid.

El tema desarrolla ideas como la esperanza, el amor genuino y la intensidad emocional. Su recorrido musical acompaña esa evolución narrativa: Parte desde un ambiente íntimo y contenido para desembocar en un cierre de mayor fuerza, reflejando el crecimiento emocional que propone la obra.

La agrupación está integrada por Samuel Gallego Mesa (voz, guitarra y teclados), Juan Esteban López Arango (batería), Juan Pablo Restrepo Guzmán (bajo) y Juan Pablo Orozco Martínezaparicio (teclados y atmósferas), quienes acompañan una propuesta que busca construir experiencias donde la emoción ocupa un lugar central.

Aunque inicialmente ‘Clavel’ fue concebida como parte de un EP, finalmente se publicó como sencillo debido a la fuerza que adquirió como obra independiente. El lanzamiento abre una nueva etapa para Noah Froid, que continúa explorando una estética cálida e introspectiva centrada en las distintas formas del amor.

Con una identidad sonora cada vez más sólida, el grupo continúa explorando una propuesta donde las líneas de bajo, los sintetizadores y las percusiones se convierten en protagonistas. En esta ocasión, ‘Dame To’ apuesta por un sonido contagioso, acompañado de una letra que invita a dejarse llevar por el momento, disfrutar la fiesta y conectar con la energía del baile.

El lanzamiento hace parte de una nueva etapa artística para la agrupación, que ha venido consolidando su presencia en la escena alternativa latinoamericana. La banda, radicada en Barcelona y liderada por el productor peruano Ginope, ha llamado la atención por mezclar funk contemporáneo, pop alternativo y música electrónica con influencias latinas, una combinación que le ha permitido construir un estilo propio.

En los últimos meses, Funky Munchies también dio un paso importante en su internacionalización al presentarse por primera vez en Colombia durante BIME Bogotá, uno de los encuentros más relevantes para la industria musical iberoamericana. Allí mostró parte de su propuesta en vivo y confirmó su interés por fortalecer su conexión con el público latinoamericano.

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Más allá de un lanzamiento musical, ‘Dame To’ refleja la esencia del proyecto: Canciones dinámicas, grooves pegajosos y una producción que apuesta por la fusión de géneros sin perder la identidad. El sencillo busca convertirse en la banda sonora de reuniones, festivales y noches de baile, manteniendo ese equilibrio entre sonidos orgánicos y electrónicos que caracteriza a la agrupación.

La proyección internacional de la banda también sigue creciendo gracias a colaboraciones con artistas de diferentes países y a la preparación de nuevo material discográfico, con el que esperan ampliar su alcance dentro de la escena independiente y consolidarse como una de las propuestas emergentes más interesantes del circuito alternativo latino.

Con ‘Dame To’, Funky Munchies demuestra que su apuesta va mucho más allá de un sencillo: Es una invitación a disfrutar la música sin prejuicios, a bailar con libertad y a descubrir un proyecto que continúa sumando seguidores gracias a su mezcla de ritmos, frescura y personalidad.

Mientras el mundo observa la guerra a través de cifras, edificios destruidos y titulares, hace algunos meses un profesor palestino decidió responder de otra manera. Rodeado de niños desplazados por el conflicto, convirtió el incesante sonido de los drones militares en una canción improvisada. Aquella escena, grabada con un celular, terminó inspirando una de las producciones más recientes del dúo Cumbiáfrica.

Integrado por Lina Rojas y Leonardo Gómez Jattin, este proyecto nació en Colombia durante la pandemia con el lanzamiento de 'Morenita'. Poco después encontró un nuevo hogar en Sevilla, España, donde comenzó a tender puentes entre culturas al fusionar tamboras, bullerengue, músicas afrocolombianas y voces tradicionales con la fuerza del Latin House y el Afro House.

“España es una especie de eslabón perdido que conecta el mundo de Medio Oriente con Latinoamérica. Es una vía que genera mestizaje, comunicación e intercambio entre culturas. En Cumbiáfrica, cada canción parte de la curiosidad y del aprendizaje, ha sido una forma renovada de hacer lo que siempre nos ha gustado: Música tradicional colombiana”, contó Jattin en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Su más reciente lanzamiento, 'Sheel Sheel (Drone Song)', toma como punto de partida una canción tradicional palestina sobre la lucha y el arraigo. Para escribir la versión en español, recopilaron testimonios de víctimas del conflicto en Gaza y los convirtieron en versos como "Somos olivos que no pueden desenterrar".

La producción mezcla sonidos del Arab House, un género de electrónica inspirado en los sonidos de Medio Oriente, con influencias del flamenco y la música latina. Además, el videoclip reúne imágenes de niños palestinos, bailarines de dabke, escenas grabadas en Sevilla y registros del colectivo ‘Gaza Birds Singing’, una escuela de música que trabaja con menores afectados por el conflicto y a la que el dúo asegura destinará el cien por ciento de las regalías generadas.

‘Batonga’: La segunda parada del viaje musical

Cumbiáfrica une por primera vez su universo sonoro con el de Angélique Kidjo, una de las voces más influyentes de la música africana y ganadora de cinco premios Grammy. Interpretada en fon, lengua originaria de Benín, y español, el tema revive uno de los clásicos de la artista desde una nueva propuesta que incorpora percusiones afro house, ritmos latinoamericanos y versos inéditos sobre la fuerza femenina.

La agenda de lanzamientos continuará durante los próximos meses con 'Alma Mía', inspirada en la champeta africana; 'La Escalera', una reinterpretación de la tradición musical del Pacífico colombiano con la marimba de chonta como protagonista; y 'Navegar', una propuesta de sonidos antillanos que cerrará esta nueva etapa creativa.

Con una carrera dedicada a preservar y llevar la música tradicional colombiana a escenarios de todo el mundo, Martina Camargo continúa demostrando que el folclor también puede dialogar con las emociones del presente. Esta vez lo hace con ‘Gritan los Corazones’, una obra inspirada en el ambiente mundialista que utiliza el fútbol como un lenguaje capaz de conectar culturas, generaciones e historias alrededor de un mismo sentimiento.

Durante la entrevista, la artista habló de la inspiración detrás del lanzamiento y de cómo la música, al igual que el deporte, tiene la capacidad de derribar fronteras. Para Martina, el balón y las canciones comparten algo esencial: Ambos despiertan emociones que pueden convertirse en un mensaje de paz, respeto y esperanza para el mundo.

La colaboración con Chaco marcó otro de los momentos destacados del lanzamiento. El productor compartió cómo fue construir una propuesta que mezcla los sonidos tradicionales del Caribe colombiano con una producción contemporánea. Martina, por su parte, no dudó en expresar la admiración que siente por él y aseguró que trabajar juntos ha sido un honor y un verdadero placer, una conexión artística que quedó reflejada en cada detalle de la canción.

La entrevista completa con Martina Camargo y Chaco ya está disponible en el canal de YouTube, donde compartieron más detalles sobre este lanzamiento que une tradición, fútbol y un mensaje de paz.

Desde algún lugar del multiverso llega un viajero dispuesto a cuestionar la sociedad a través del sonido. Con su icónico traje azul, gafas plateadas y una estética retrofuturista inspirada en la ciencia ficción, Swami Castro tiene como objetivo trascender los formatos tradicionales para convertir cada canción en una historia y cada concierto en una experiencia inmersiva.

Entre las calles de Nueva York y Nueva Jersey, el cantautor independiente encontró la identidad musical con la que hoy busca conquistar al público. En ese camino nació el ‘Latin Dancing Rock’, una fórmula que abre un nuevo portal llamado ‘6 razones para no amar’.

“Soy un nómada interdimensional que busca información en lugares donde han pasado cosas, la convierto en canciones para ayudar a las personas y ayudarme a mí mismo a superar esto que llamamos vida. El que se queda con lo que le dicen y no investiga, está viviendo la historia de alguien más”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este disco no busca definir qué es el amor, sino mostrar todo aquello con lo que suele confundirse. A través de seis canciones, plantea una especie de "manual" para que el oyente descubra si realmente está construyendo un vínculo genuino o simplemente viviendo una relación pasajera.

La idea surgió de una pregunta que Swami se hizo desde niño: ¿Qué es realmente el amor? Con el paso de los años, esa inquietud se convirtió en el eje conceptual de este álbum que explora el autoengaño, la soledad y las contradicciones humanas. El recorrido inicia con ‘Bye Bye Corazón’ y continúa con canciones como ‘Terriblemente Bien’, ‘Corazón Amnésico’ y ‘Daño Colateral’.

"Uno normalmente se da cuenta de que ama a alguien cuando ya salió de eso y piensa: 'Ahí sí había algo que valía la pena y no lo valoré'. Si estás siguiendo alguna de estas seis razones, déjame decirte que no estás amando; la estás pasando rico, pero no es amor”, agregó el músico.

Actualmente, este piloto retro-futurista, recorre Latinoamérica con la gira ‘Volvería a Empezar’, una travesía que busca llevar al público más allá del concierto convencional y sumergirlo en un portal de luces neón, efectos glitch y referencias retrofuturistas.

La cuenta regresiva comenzó. Bogotá volverá a convertirse en la pista de baile más grande de Colombia con el regreso de Monumentum: Bogotá Distrito Rave 2026, el festival gratuito de música electrónica que celebrará su quinta edición el próximo 25 de julio, consolidándose como uno de los encuentros más importantes para la escena electrónica nacional.

Desde la 1:00 p. m. hasta las 9:00 p. m., la histórica Plaza de Bolívar cambiará por completo su ambiente para recibir a miles de amantes del techno, house y otros sonidos electrónicos en una jornada que promete música, arte, cultura y una puesta en escena de gran formato. El ingreso será libre hasta completar el aforo y estará habilitado únicamente para mayores de edad.

Más que un festival, Monumentum se ha convertido en un símbolo del crecimiento de la cultura electrónica de la ciudad. Lo que comenzó como una apuesta por abrir espacios para este género musical hoy reúne a artistas de talla internacional, talentos locales, colectivos independientes y una comunidad que cada año demuestra que la música electrónica también hace parte de la identidad cultural de la ciudad.

La edición 2026 también contará con experiencias culturales, zonas de bienestar, emprendimientos creativos y actividades enfocadas en promover la convivencia y el respeto entre los asistentes. La iniciativa es liderada por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) y hace parte de la estrategia que busca fortalecer el centro de Bogotá como un escenario para las grandes manifestaciones culturales.

Uno de los aspectos que más expectativa ha generado este año es la convocatoria para descubrir al nuevo talento bogotano que tendrá la oportunidad de abrir el evento, una iniciativa que busca impulsar a los DJs emergentes y darles visibilidad ante miles de espectadores.

Con esta nueva edición, Monumentum reafirma el papel de Bogotá como un referente latinoamericano de los eventos musicales gratuitos. Así como Rock al Parque revolucionó la escena del rock durante décadas, este encuentro busca consolidar a la capital como un destino obligado para la música electrónica y la cultura rave.

Quienes planeen asistir deberán llegar con anticipación, ya que el ingreso será por orden de llegada hasta completar aforo. Además, las autoridades recomendaron utilizar transporte público, hidratarse constantemente y seguir las indicaciones del personal logístico para disfrutar de una experiencia segura.

La agrupación bogotana No Futuro presentó ‘Punk de Terapia’, su primer álbum de estudio. El trabajo reúne aborda temas como la salud mental, la incapacidad de amar, el sentimiento de insuficiencia y las contradicciones emocionales que atraviesan la vida cotidiana, sin abandonar la fuerza y la crudeza propias del género.

A diferencia de la tradición del punk centrado en la crítica política y social, el disco dirige la mirada hacia el mundo interior. Canciones como ‘Pésimo Servicio’ retratan la frustración de no lograr conectar con los demás pese al esfuerzo, mientras que otras composiciones recorren procesos de ansiedad, vulnerabilidad y crecimiento personal. Además, incorpora momentos de experimentación sonora, entre ellos un bolero llevado al lenguaje del punk, ampliando los límites de la propuesta musical.

Milo Escorcia y Hesner Durán estuvieron en los micrófonos de 'Amantes del Círculo Polar', donde explicaron que este álbum nació a partir de procesos personales y de la importancia que ambos le otorgan a la terapia psicológica. "Decidimos crear música en los sentimientos y en la terapia que hemos venido trabajando", dijo Escorcia al referirse al origen de esta puesta sonora.

Durán señaló que el propósito del proyecto no es presentar la música como sustituto de un proceso terapéutico, sino convertirla en un espacio de expresión. "Cuando tú lo puedes expresar lo empiezas a entender", afirmó, al explicar que el punk les permite exteriorizar de manera directa aquello que muchas veces permanece guardado.

Las canciones parten de experiencias personales de ambos integrantes, aunque sin convertirse en relatos autobiográficos. Según explicó la banda, cada composición transforma vivencias, conversaciones y emociones en historias abiertas a distintas interpretaciones. Entre ellas sobresale ‘Suficiente’, la pieza que cierra el álbum y que, de acuerdo con Durán, representa el momento en que una persona logra reconocerse como suficiente después de atravesar un proceso de crecimiento emocional.

El proyecto también refleja la filosofía ‘Do It Yourself’ que ha acompañado a la agrupación desde sus inicios. Las baterías fueron grabadas en Baltika Records entre 2023 y 2026, mientras que las voces, bajos, guitarras y demás arreglos se registraron en el estudio casero de Hesner Durán, quien además estuvo a cargo de la edición, mezcla y masterización del disco. La portada fue ilustrada por una artista anónima de 16 años y la banda desarrolló un ecosistema digital propio donde los oyentes pueden consultar las letras, los créditos, fotografías del proceso creativo y otros contenidos relacionados con la producción.

No Futuro presenta esta producción independiente que convierte el punk en un espacio para hablar de emociones, salud mental y procesos personales, manteniendo el espíritu de explorar nuevas formas de entender la catarsis y la vulnerabilidad humana.

El músico puertorriqueño continúa ampliando el universo de ‘Más Allá’, su primer álbum de proyección internacional, con el lanzamiento del videoclip de ‘Voy detrás de ti’, una de las canciones que abre el disco y que reúne el concepto que atraviesa toda la producción. La pieza audiovisual reconstruye el recorrido del artista a partir de imágenes de conciertos, giras y anteriores videoclips, para ofrecer una nueva lectura sobre la búsqueda y la identidad latinoamericana.

El video está construido con fragmentos de ‘La Fe’, ‘Desde el más allá’, ‘Continuar’, ‘Dime’, ‘Esfera’, ‘Hey tú’ y ‘Mía’, además de registros de presentaciones y recorridos promocionales realizados en Bogotá, Bolivia, México, Nueva York, Miami y Puerto Rico. En lugar de desarrollar una historia lineal, la producción reorganiza esos momentos para convertirlos en un retrato emocional del camino recorrido por el artista durante la internacionalización del trabajo.

Danny Fraticelli estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde contó cómo ha sido el proceso de creación de este nuevo trabajo discográfico y lo que significa este disco en su carrera musical.

"(Voy detrás de ti) Es cuando vas en pos de algo o de alguien. En este caso detrás de este amor, pero también puede ser motivador en la vida para lograr cosas", señaló Fretti. Según indicó, el tema fue elegido para abrir tanto el álbum como sus presentaciones en vivo por la energía que transmite.

El artista también contó que el videoclip reúne algunos de los momentos que marcaron la gira de promoción de ‘Más Allá’, proceso que considera fundamental para la expansión internacional del proyecto. "Ha sido la punta de lanza para internacionalizar el álbum. De verdad que lo atesoro mucho", afirmó.

Más allá del lanzamiento audiovisual, explicó que esta producción recoge una búsqueda personal relacionada con los lazos entre los países latinoamericanos. "Puerto Rico es parte de Latinoamérica y la unión de todos los que hablamos español. Este álbum lleva mucho de esa vulnerabilidad de nosotros los latinoamericanos, pero al mismo tiempo presenta ese tema de unión y conexión con la fuerza del rock", comentó.

Con más de 25 años de trayectoria, Fraticelli ha construido una propuesta del hard rock en español que inició en la agrupación ‘Materia Prima’ y consolidó posteriormente su carrera como solista. Un reto grande dentro del contexto en el que está la música en Puerto Rico debido al predominio de otros sonidos en la isla.

"Me he dado cuenta de que el momento histórico es perfecto. Hay personas esperando volver a escuchar rock latinoamericano, rock en su idioma. Pasa en Puerto Rico, pasa en Bogotá y pasa en los demás países que he visitado", concluyó el artista.

‘Love Is All I Have’, el reciente trabajo musical de la artista llega acompañado de un videoclip cinematográfico y del anuncio oficial de su próximo proyecto, ‘Room 12’, que verá la luz el 2 de septiembre de 2026.

El nuevo tema mantiene el sello que convirtió a LP en una de las voces más reconocibles del pop alternativo: Una interpretación intensa, letras honestas y una mezcla de folk, rock y pop que conecta con quienes han vivido el desamor, pero también con aquellos que buscan volver a empezar. La canción fue escrita junto al productor Mike Del Rio y explora el crecimiento personal después de una ruptura, demostrando que incluso las despedidas pueden convertirse en inspiración.

El videoclip, dirigido por Zack Mizurik, acompaña esa carga emocional con una propuesta visual elegante. LP recorre una finca rodeada de paisajes naturales y escenarios imponentes, reforzando el mensaje de introspección y libertad que transmite la canción.

El lanzamiento también marca el inicio de una nueva etapa para la artista, que este año recorre Europa, Reino Unido y Norteamérica con una gira mundial que celebra el décimo aniversario de ‘Lost On You’, el disco que la catapultó al reconocimiento internacional. En estos conciertos, además de interpretar el álbum completo que la convirtió en un fenómeno global, LP presenta por primera vez canciones de ‘Room 12’.

Aunque muchas personas la conocieron gracias al éxito de ‘Lost On You’, la trayectoria de LP va mucho más allá. Antes de consolidarse como solista, escribió canciones para artistas como Rihanna, Cher, Christina Aguilera, Backstreet Boys,Rita Ora, Leona Lewis y Céline Dion, demostrando que su talento también ha dejado huella detrás de escena.

Con ‘Love Is All I Have’, LP demuestra que sigue apostándole a la vulnerabilidad como su mayor fortaleza artística. Mientras sus seguidores esperan la llegada de ‘Room 12’, el nuevo sencillo confirma que la artista continúa reinventándose sin perder la esencia que la convirtió en una de las voces más auténticas de la escena musical internacional.