Tras una etapa en la que estuvo escribiendo y actuando en eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y sumido en la experiencia de la paternidad, Rushwell canalizó esos momentos de crecimiento humano y artístico en ‘Bitácora’, su quinto trabajo de estudio, que se presenta como un diario musical de pensamientos y vivencias. 

‘Bitácora’ explora temas complejos como la depresión, el miedo, la soledad y la frustración con el sistema, combinando influencias de bandas clásicas del rock latinoamericano como Poligamia, Enanitos Verdes y Pedro Aznar, junto con ecos de grupos como Dio y Foo Fighters. 

“Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma”, comentó Rushwell sobre su proyecto. 

Musicalmente, el álbum es una oda al rock latinoamericano de los años 80 y 90, con una producción más madura que en trabajos anteriores y una composición que satisface plenamente al artista. 

‘Bitácora’ ofrece una mezcla diversa de estilos dentro del rock en español, con temas que van desde un sonido pegajoso hasta composiciones más introspectivas:

•    ‘Cinema del ayer’– rock pegajoso •    ‘Alguien más’– rock melódico cargado de frustración •    ‘Tu nombre’ – versión rock de un clásico de Nek •    ‘Destino final' – manifiesto honesto de la vida •    'Espiral' – canto desesperado por el cambio •    ‘Me da igual’ – retrato sonoro de la actualidad •    ‘No podrás’ – hit de Cristian Castro reinterpretado en hard rock •    ‘Hijos del Microchip’ – crítica a las nuevas generaciones •    ‘Sin oxígeno’ – grito de ayuda con beats noventeros •    ‘Fin de la transmisión’ – pieza técnica de inconformidad musical 

Rushwell ve en ‘Bitácora’ un recordatorio de que la música sigue viva y continúa alimentando las esperanzas de artistas y oyentes por igual. Su intención es mantener la autenticidad y el espíritu del rock en español frente a un panorama musical cada vez más dominado por tendencias digitales y producciones artificiales. 

Presentación íntima en Bogotá

Para celebrar el lanzamiento, J. Rushwell realizará un evento privado en Bogotá el 20 de febrero de 2026, un show íntimo donde presentará parte de su repertorio solista junto a las nuevas canciones de ‘Bitácora’ ante amigos, prensa y agentes de la industria. Tras este concierto, continuará buscando oportunidades para llevar su música en vivo y compartir su obra con más público. 

De esta manera, ‘Bitácora’ es una propuesta auténtica de rock en español, ideal para quienes buscan una conexión personal con la música a través de letras profundas y guitarras que laten con fuerza emocional.

‘Mr. Barz’ es un disco que habla del propio artista, de su forma de ver el mundo y de las emociones que atraviesan al ser humano: El amor, el deseo, la soledad y los demonios internos. El álbum nació de la necesidad de hacer música sincera, sin máscaras, con canciones que lo muestran tal como es y que reflejan su madurez artística tras diez años de carrera.

“Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer reales los sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente”, comentó William Barz.

Musicalmente, ‘Mr. Barz’ es un álbum donde el indie pop se fusiona con el R&B y el soul, bajo una producción minimalista, pero profundamente cálida. Beats de texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk y sintetizadores atmosféricos construyen una narrativa emocional coherente y envolvente.

“En este trabajo regresé al principio, a donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin DeGraw, Mac Miller y Rex Orange County. Además, hubo una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum: poesía antológica de autores como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos”, agregó el barranquillero.

Canciones que cuentan historias

El álbum se abre con ‘Dura Dú Dú’, un opening potente cargado de flow. ‘Fresh’ es cien por ciento Barz, mientras que ‘Dime que sientes’ combina música y poesía. ‘Solo’ es un groove honesto que conecta, y ‘Por cuarta vez’ se convierte en la joya del disco: El focus track y la primera canción compuesta para este proyecto, hace ocho años.

En ‘Modo avión’, William Barz le recuerda al rock que sigue presente en su esencia, aportando energía y fuerza. ‘Las horas’ es poesía pura; ‘Poker Face’, una historia cantada que brilla por su valor literario y musical; ‘Blowjob’ explora el deseo, el pecado y el atrevimiento; y ‘Los trucos’ cierra el álbum como una escena final de película, un collage emocional que retrata múltiples situaciones complejas.

De cara al 2026, William Barz planea duplicar los lanzamientos realizados en 2025, con la publicación de al menos 20 canciones nuevas, consolidando su independencia creativa y su apuesta por una música libre y auténtica.

“Es importante que las personas se den la oportunidad de escuchar Mr. Barz porque es un proyecto honesto y eso pesa. Estoy seguro de que, al reproducirlo, la gente se identificará con mínimo una canción. No es un álbum hecho para agradar, sino para desahogar el alma”, enfatizó el artista.

Antes del lanzamiento del disco, Ariel Tobo dio a conocer los sencillos ‘El Viaje’, ‘Hasta el Final’, ‘Tu Silencio’ y ‘Tu Silencio’ (versión acústica), piezas que anticiparon el tono emocional y narrativo del proyecto.

‘Jet Lag’ nació de un proceso largo y honesto. Las canciones fueron compuestas en distintas etapas de la vida del artista y, aunque parten de emociones diversas, juntas construyen una sola historia: La de sentirse desfasado, pero en constante reconstrucción.

“El concepto se basa en esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento”, explicó Ariel Tobo.

El proyecto aborda la confusión y la búsqueda personal como estados válidos del ser humano. Su mensaje central es claro: Está bien no estar bien, detenerse y realinearse también hace parte del camino. No hay viaje sin turbulencias.

Musicalmente, ‘Jet Lag’ es un recorrido por las influencias que han marcado al cantautor: Rock, blues, funk, pop alternativo, junto a matices íntimos y acústicos. Guitarras protagónicas, riffs con slide, líneas de bajo cargadas de emoción, baterías sólidas y sintetizadores nocturnos construyen una atmósfera de carretera y madrugada. Es un disco orgánico, pero con una sensibilidad moderna.

“La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida”, afirmó el artista, influenciado por sonidos de jazz, blues, rock, salsa y pop, y referentes como John Mayer, Gary Clark Jr., Jorge Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.

La canción que da nombre al álbum fue escrita en medio de una crisis, entre el insomnio y el ruido mental. Combina rock alternativo con elementos del blues y transmite agotamiento, y vulnerabilidad. Su letra habla de sentirse atrapado dentro de uno mismo y de la necesidad de encontrar una señal o un refugio.

De cara al futuro, Ariel Tobo proyecta para 2026 una gira nacional, la gestión de fechas internacionales especialmente en México, nuevas colaboraciones, el fortalecimiento de su comunidad digital y el inicio de la preproducción de un nuevo proyecto musical, sin perder la esencia de ‘Jet Lag’.

La Camerata de Guitarras de Colombia es un ensamble profesional conformado por guitarristas que decidieron explorar las posibilidades colectivas de un instrumento que suele escucharse en solitario. El proyecto reúne a músicos formados en distintas universidades públicas de Bogotá, muchos de ellos egresados de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas de la Facultad de Artes ASAB, lo que convierte a la Camerata en un ejemplo del impacto académico y artístico que surge desde la educación pública.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’ sus integrantes explicaron que el término “camerata” hace referencia a una orquesta de pequeño formato. Aunque todas las guitarras son clásicas, cada grupo cumple un rol específico, similar al de violines, violas o cellos (violonchelos) en una orquesta sinfónica.

El ensamble está conformado por 12 guitarristas, además de percusión, contrabajo y dirección. “El instrumento es el mismo, pero cada guitarra tiene una función distinta”, explicaron, destacando que esa división permite construir capas sonoras más amplias y complejas. Este enfoque abre un campo poco explorado para la guitarra en Colombia, tradicionalmente ausente de formatos orquestales estables.

Las composiciones de la Camerata son amplio y diverso. Incluye adaptaciones de obras europeas, música colombiana y latinoamericana, así como piezas emblemáticas del repertorio guitarrístico nacional. Entre ellas se encuentran composiciones de Gentil Montaña, como Johnny y Capricho, proyectos que han sido adaptadas para el formato colectivo. “La idea es mostrar que la guitarra es transversal a muchos géneros”, afirmaron durante la conversación.

El proyecto nació a partir de una experiencia previa en la ASAB, donde existió una orquesta institucional de guitarras. Al finalizar ese proceso, varios músicos decidieron continuar de manera independiente. “Fue también una necesidad de darle un lugar a la guitarra”, explicaron, resaltando que la Camerata surge de la autogestión y el trabajo colectivo, más allá de intereses comerciales.

Desde 2024, la Camerata ha participado en festivales, conciertos universitarios y giras distritales, llevando música a espacios no convencionales y fortaleciendo nuevos públicos. Para sus integrantes, el objetivo es claro: “Queremos que la gente escuche la guitarra con otra perspectiva”. Así, la Camerata de Guitarras de Colombia se consolida como una propuesta que amplía el panorama musical y propone nuevas formas de encuentro entre la academia, la tradición y la creación contemporánea.

En Europa del Este, se entreteje una historia marcada por las teclas blancas y negras, un sonido que emerge en una de las cunas más famosas de pianistas del mundo: Ucrania. De allí han salido talentos como Vladímir Horowitz y reconocidos nombres de la música clásica y contemporánea como Anna Fedorova y Nadia Shpachenko.

Sin embargo, hay una propuesta emergente que cruza territorios, memorias y emociones. Se trata de Anastasia Pánik, una mujer que emprendió su vida marcada por la búsqueda de nuevos espacios de diálogo entre la música académica, contemporánea y los públicos diversos.

“Estudié y viví en República Checa durante diez años; fue el primer país al que me mudé. Allí me enamoré, me casé y luego decidimos empezar una nueva etapa en Panamá. Me formé como pianista clásica desde los seis años, pero a los 20 descubrí la composición, que hoy es mi mayor pasión”, relató la artista en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Anastasia llegará a Bogotá durante la temporada de fin de año, su visita busca generar encuentros que vayan más allá del concierto tradicional, apostándole a espacios de escucha cercana donde sea posible interpretar composiciones originales y al mismo tiempo compartir su trayectoria como artista migrante.

“Quiero viajar, conectar con muchas personas y tocar en vivo. Estoy planeando una presentación en Medellín a finales de enero o comienzos de febrero. La música instrumental es una forma extraordinaria de expresar las impresiones de la vida, las emociones y las experiencias”, agregó.

Durante el 2023, Anastasia presentó al mundo su primer álbum de autoría ‘Universe’, allí plantea la música instrumental como una forma de transmitir las impresiones de la vida. Su interés por Colombia nace de la admiración por la escena cultural y por el compromiso como artista con la creación y la formación de nuevas generaciones. 

Desde Bogotá, ciudad a la que se mudó siendo niña, Georgina ha construido un universo creativo que funciona como una extensión emocional de sus vivencias más profundas. Su música nace de aquello que no siempre pudo decirse en palabras durante la infancia y la adolescencia, y se transforma en canciones que buscan acompañar, validar y generar espacios seguros para transitar las emociones humanas. Con ese objetivo, y bajo el proyecto musical de Agraciada, está presentando su nuevo EP ‘Dos de corazones’.

"A través de mis canciones quiero enviar mensajes de validación de las emociones en vivencias que la mayoría de las personas hemos experimentado: el amor, la rabia o el miedo. Busco ser una puerta o simplemente una melodía que pueda generar dopamina y entretener el corazón. Cuento historias en donde los oyentes se pueden sentir seguros", aseguró la artista.

Su propuesta artística se mueve entre géneros como el bedroom pop, el dream pop, el indie experimental, el bolero clásico y la folktrónica, una experiencia integral que incluye lo audiovisual, lo performático y lo conceptual, todo desarrollado de manera completamente independiente.

‘Dos de corazones’ es el tercer EP de su carrera y está inspirado tanto en ‘Alicia en el país de las maravillas’ y en la simbología de la carta de póker. El trabajo funciona como una metáfora del amor incipiente: ese momento en el que la conexión con otra persona se vive desde la ternura, lo absurdo y la idealización, pero también a partir del temor a la herida emocional que implica abrir el corazón. 

El EP está compuesto por dos canciones: ‘Subrealia’ y ‘Así me haces sentir’. La primera explora la fragilidad emocional y el miedo a enamorarse tras experiencias de dolor previo. A través de sintetizadores expansivos, atmósferas melancólicas y capas vocales procesadas, la canción construye un paisaje onírico que confronta el deseo de entregarse con el temor a la vulnerabilidad. Es una pieza que oscila entre la introspección y la inevitabilidad del amor cuando la conexión es genuina.

Por su parte, ‘Así me haces sentir’ es una serenata pasional y luminosa que celebra el amor inocente. Con influencias del bolero ranchero y el corrido, marcadas por la guitarra y las trompetas, la canción dialoga con elementos del bedroom pop y el dream pop, creando un contraste entre lo clásico y lo contemporáneo. Inspirada en las novelas latinoamericanas, especialmente las mexicanas, el tema utiliza recursos literarios como la metáfora y la hipérbole para narrar un romance vivido sin reservas ni cálculos.

“La inspiración del EP ha sido mi pareja, con la que he descubierto de manera muy distinta el amor, una la cual siempre quise vivir y sentir. Encontré una versión diferente y más real de mí misma, retratada de forma conceptual en lo risueño y en la introspección de las experiencias vividas que en algún momento me cohibieron de volver a sentir como si fuera la primera vez al ser tan íntimo y diferente”, agregó Agraciada.

Desde su debut en 2022 con ‘Caperucita Roja’, un EP conceptual que abordaba las relaciones abusivas con una narrativa de cuento infantil, Agraciada ha demostrado una visión artística clara y comprometida. Su obra se sostiene en la autogestión total en el que composición, producción, mezcla, máster y dirección visual forman parte de un mismo proceso creativo.

Desde el 2014, y a pocos meses de cumplir sus primeros 12 años, Oscura Radio TV se ha convertido en una potente plataforma para la protección, creación y divulgación del rock, el metal y las músicas extremas de la escena artística bogotana. Una labor encabezada por su director, Jasa Rehm, quien visitó los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO para hablar de este trabajo y presentar su compilado vol. 3. Un regalo para todos los amantes del rock con sello capitalino.

Se trata de un CD doble que reúne a 32 exponentes capitalinos del rock, el metal y todos sus derivados, que celebra la diversidad, la autogestión y el esfuerzo que todo el circuito local, conformado por cantantes, músicos, empresarios y escenarios, hacen para mantener vivo el rugido artístico bogotano.

“Desde que iniciamos hasta el día de hoy, el objetivo ha sido muy claro: visibilizar la escena o el movimiento de la cultura extrema independiente. Entonces, no únicamente estamos hablando de música porque dentro de la radio tenemos un programa también dedicado a la literatura, al cine, a la gestión cultural, a las otras expresiones artísticas. ¿Inició, en su momento, enfocado solo al metal? La respuesta es no. Y es que con los años hemos venido abriendo espacios, desde el periodismo cultural, pero sobre todo a mostrar al artista nacional. Eso es lo más importante del trabajo”, reveló Rehm en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Con la participación, en el primer disco, de agrupaciones como Boca de Serpiente , Both Faces , Cuarto Oscuro, Ennui , Fantasía del Moribundo , Fátima Push , Huracán , La Farsa , Mortis y Los Desalmados y muchos otros, el compilado muestra una gran diversidad sonora y conceptual que se ve aún más reforzada con los artistas en el disco dos, entre quienes destacan Ashes , Eclipse , Las Poker , Legio Inferi , Los Sordos , Psycho Mosher , Ramera , Self Deceiver , Stenches Beyond Repulsive , Storm of Darkness , Stomp Roller , The Last Opportunity , Tumulario , Ubasuka , Yimark y Vein.

En un momento en el que la música empieza a dejar atrás el formato físico, y las diversas apps y plataformas musicales se consolidan como el principal canal de divulgación, Oscura Radio TV se mantiene en los formatos tradicionales como un homenaje a su esencia y a su historia. Misma en la que el acetato, el cassette y el CD han trazado el éxito de agrupaciones a nivel nacional e internacional.

“El disco, el material físico, para el rock y el metal, hace parte de la dinámica propia de esta música. Se ha mantenido, todavía con los artistas independientes que sacan discos en físico, incluso las agrupaciones internacionales de renombre se mueven en lo digital, pero siguen creyendo en el físico. Es muy necesario el físico para el rock y el metal porque ha sido el puente de las relaciones entre los rockeros y rockeras de Bogotá, de Colombia y del mundo”, acotó el invitado.

Además de los discos, el compilado incluye dos librillos de 20 páginas cada uno, que hacen gala de una cuidadosa ilustración de una Bogotá futurista creada por Iván Navarrete, quien rescata elementos de las entregas anteriores y presenta una estética más colorida y divergente que hace de Oscura Radio Tv Vol. 3 una pieza infaltable en la colección de todo melómano y conocedor del rock nacional.

Los interesados en conocer más acerca de este proyecto y adquirir este compilado podrán encontrar más información en las redes sociales de Oscura Radio Tv y las tiendas físicas especializadas.

La Causa Maldita es un proyecto musical nacido en Querétaro en 2018 que comenzó como un ejercicio de experimentación y terminó consolidándose como una propuesta sonora con identidad propia. Su música mezcla electrónica con instrumentos convencionales como guitarra, bajo y voces femeninas, y se expande hacia otras disciplinas artísticas. “Empezó como hobby, pero conforme me fui juntando con músicos se volvió una pasión”, explicó Arturo, fundador y compositor del proyecto.

La identidad sonora de la banda se construye desde la mezcla y la curiosidad. Arturo contó que escucha géneros muy distintos entre sí y que esa diversidad se refleja en su música. “Me gusta desde el pop hasta el metal más pesado, pasando por el techno y otros sonidos electrónicos. De ahí nace la idea de mezclar todo, pero dándole forma, que sea coherente”, señaló en ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nuevo lanzamiento de La Causa Maldita llega en formato lado A / lado B, con dos canciones que dialogan entre sí. `Bruscos Modales’ aborda el caos, la tensión y la relación que muchas personas mantienen con el sistema y las redes. “Más que criticar, lo que busco es que la gente se haga preguntas: cuestionar dónde estamos parados y hacia dónde vamos”, explicó Arturo sobre su proceso de escritura.

La otra cara del lanzamiento es ‘Curación de las Creencias’, una canción que propone una lectura distinta del mismo contexto. Para el compositor, ambas piezas funcionan como una dualidad. “Puede haber momentos caóticos, pero también hay que recordar que vivir es algo único”, afirmó. En ese sentido, el tema apunta a la decisión personal de mantenerse en equilibrio incluso en escenarios difíciles.

El nombre del proyecto también responde a esa lógica de contraste. Arturo relató que La Causa Maldita surgió después de varios tropiezos al inicio del camino. “Arrancar no fue nada fácil, hubo momentos desagradables y de ahí salió la idea: esta causa está maldita”, contó. Con el tiempo, el nombre se convirtió en una forma de asumir el caos como parte del proceso creativo.

De cara al futuro, La Causa Maldita continúa explorando nuevas formas de creación. Aunque las giras y los recursos siguen siendo un reto para la música independiente, Arturo tiene claro el rumbo. “Quiero sacar un disco largo, unas ocho canciones, incluso retar un poco al sistema actual, donde todo es sencillo”, señaló. Por ahora, el proyecto sigue avanzando canción por canción, manteniendo la experimentación y el cuestionamiento como ejes centrales.

La capital colombiana vuelve a ocupar un lugar clave en el mapa mundial del freestyle. Este viernes 19 de diciembre, el Movistar Arena será escenario de la cuarta jornada de la FMS World Series 2025, el circuito internacional que reúne a algunas de las figuras más influyentes de la improvisación en español en la disputa por el título de ‘Greatest Of All Time (GOAT)’.

La superliga organizada por Urban Roosters, contempló cinco paradas estratégicas en esta edición: Valencia, San Salvador, Ciudad de México, Bogotá y Santiago de Chile, sede del cierre de temporada.  “La Superliga, al final, es un proyecto donde conviven las grandes leyendas, los superhéroes del freestyle. Hay desde campeones históricos hasta artistas que conectan profundamente con el público.

Cualquiera puede ganar. Por eso esta noche es más mágica y capaz de dejar momentos únicos”, contó Asier Fernández, cofundador y CEO de Urban Roosters, durante la rueda de prensa de lanzamiento que acompañó LAUD 90.4FM ESTÉREO.

Una de las noticias más inesperadas fue la baja del artista chileno ‘El Menor’, quien por temas de seguridad no podrá continuar en el ciclo. Sin embargo, será Alex Boris Pino Carrasco, más conocido como ‘Kaiser’, quien tomará su lugar.

La jornada en Bogotá estará marcada por una serie de enfrentamientos de alto calibre entre diez MCs que han definido el freestyle contemporáneo. Entre los cruces programados se encuentran duelos como Zasko vs Aczino, Lokillo vs Chuty, Kaiser vs Gazir y Aczino vs Bnet, junto a otros emparejamientos que prometen sumar puntos decisivos en la tabla general.

“Al final no todo depende cien por ciento de mí. Yo voy a hacer mi parte, que es ganar las batallas que me quedan. Y el resto lo voy a encomendar a San Jhony Beltrán, a quien intentaré convencer con una veladora y una bandeja paisa”, contó Aczino, uno de los MCs más aclamados por el público.

La temporada mantiene la figura del ‘Extra Player’, un competidor invitado con la posibilidad de arrebatar puntos clave. En esta edición, ese rol lo asume Bnet, uno de los nombres más influyentes del freestyle internacional. Además del line up oficial que quedó integrado por Chuty, Gazir, Aczino, Teorema, Kaiser, Lokillo, Zasko, Jony Beltrán, Dani Ribba y Azuky (única mujer de la competencia).

“Para mí, estar en este escenario y que otras chicas jóvenes me vean enfrentándome a rivales del más alto nivel es motivo de orgullo y felicidad. Sé que hay muchas chicas que quieren rapear y freestylear, pero a veces el miedo nos hace dudar de si podemos lograrlo. Cuando vemos que otra lo consiguió, algo se enciende: pensamos yo también puedo”, comentó Azuky, una de las rivales más jóvenes y talentosas de la edición.

A lo largo de la FMS World Series 2025 se disputarán 55 batallas, once por cada sede, en una gira que busca ampliar el alcance global del formato. En 2022, Chuty se coronó campeón internacional en Corferias y, en 2024, protagonizó junto a Aczino uno de los enfrentamientos más vistos en la historia del formato durante la primera edición de la Superliga en el Movistar Arena. Ahora, Bogotá vuelve a ser escenario de batallas que pueden marcar el rumbo del campeonato.

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‘Villa de Leyva’ nace de una experiencia intensa y concreta. SANIA contó que la historia comenzó durante un viaje al reconocido municipio boyacense, en medio de una situación que la llevó a replantear la confianza depositada en alguien cercano. “Sentí que conocía a una persona y de un instante a otro era otra completamente distinta”, explicó en ‘Amantes del Círculo Polar’, al recordar el momento que detonó la composición.

Lejos de quedarse en la tristeza, la artista decidió canalizar esa vivencia a través de la música. Inicialmente pensó escribir una balada, pero con el paso del tiempo la emoción cambió. “Ya no sentía la historia como algo solo triste, sino que necesitaba otra narrativa”, señaló. Ese giro la llevó a rescatar un antiguo bolero que había escrito años atrás y a resignificarlo desde una mirada más reflexiva.

La canción terminó construyéndose a partir de una mezcla poco común: milonga, bolero, flamenco y matices de música indie, con una base rítmica contemporánea. SANIA dijo que este cruce de sonidos responde a su historia musical: “Crecí escuchando música latinoamericana todo el tiempo en la radio, pero también me escapaba a descubrir música anglo. Esa mezcla soy yo”. El resultado es una sonoridad que dialoga entre lo tradicional y lo actual.

Uno de los elementos más llamativos de ‘Villa de Leyva’ es la inclusión de fragmentos en francés. SANIA aclaró que no fue una decisión estética gratuita, sino parte del relato. “El personaje hablaba francés, pero no francés europeo, sino quebequense”, explicó. Para lograrlo, pidió apoyo a un músico radicado en Montreal, quien la ayudó con la pronunciación y las expresiones propias de ese dialecto.

El nombre de la canción no es casual. SANIA relató que la experiencia ocurrió la noche de un festival en Villa de Leyva, cuando decidió quedarse en el pueblo tras una presentación. “Esa noche me sentí completamente traicionada, fue muy fuerte”, recordó. A la mañana siguiente, acompañada por otras cantautoras, tomó una decisión clara: “Esto no se va a quedar así, voy a escribir sobre esto, y se va a llamar ‘Villa de Leyva’”.

Más allá del desamor, la canción propone una lectura sobre la resiliencia y la transformación personal. Para SANIA, escribir fue una forma de cerrar un ciclo. “Volví a Villa de Leyva después para resignificarlo y fue muy bonito”, contó. Así, la canción se convierte en un espacio de reflexión donde la experiencia personal se transforma en un relato musical que conecta desde la honestidad y la exploración sonora.