Fausto Moreno es un artista que recorre el reggae, el afrobeat y los ritmos caribeños para hablar de la vida, los errores y las lecciones como un lenguaje universal. Criado entre boleros y guitarras, el músico estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ contando sobre la fusión de lo bohemio con beats urbanos en un sonido que une a ambos países.

Desde 2016 ha estado moviendo su música entre bares y festivales guiado por la guitarra y el sonido tradicional, aunque siempre con una mirada inquieta a la nueva onda. Para el 2019 nació el proyecto ‘Fausto Moreno’ con ‘Orgánico, La Tierra es Nuestra’, un álbum de 11 canciones que bailan entre el afrobeat, dancehall y reggae con colaboraciones importantes como Demphra de La Factoría. Ahí su esencia bohemia chocó con ritmos globales, marcando un antes y después en su música.

Panamá, puente cultural, absorbe vallenato colombiano, dancehall jamaiquino y comida venezolana, un mix que le ha servido en su proyecto para explorar la sensibilidad de lo latino e inyectarlo en cada melodía. “Me he empapado de su cultura. Encuentro ecos caribeños en el Pacífico colombiano y celebro la escena dancehall del sur”, contó Fausto.

El álbum ‘Mi Afroesencia’ es una oda a la voz de su madre. Habla de la resiliencia, de la conexión con lo divino, el progreso y las caídas. Es un viaje sonoro donde mezcla los sonidos del Caribe con cortes “picantes” que llevan al romance. “Más que baile, es un mensaje. Es un disco perfecto para reflexionar en la playa o mover el cuerpo”, concluyó el cantautor.

En el país, esta figura dejó de ser vista únicamente como quien anima una fiesta para convertirse en un profesional que debe dominar técnica, criterio artístico y gestión de proyecto. El crecimiento del entretenimiento ha aumentado las demandas para aquellos que buscan vivir de este oficio, impulsando una transición del aprendizaje empírico hacia procesos académicos estructurados.

David Nájera, CEO de DNA Music, habló en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, sobre esta transformación y el lugar que hoy ocupan los artistas colombianos en circuitos internacionales.

“El DJ pasó de ser una imagen secundaria. Por muchos años, los únicos que tenían visibilidad eran los de radio y estábamos lejos de imaginar que llenarían estadios y serían protagonistas de grandes tarimas. Hoy Colombia tiene un papel destacado dentro del panorama musical global”.

En ese mismo sentido, resaltó cómo el trabajo de generaciones anteriores abrió camino para el reconocimiento actual. “Los artistas colombianos recogen lo que sembraron quienes estuvieron antes. Ahora vemos representantes del país en escenarios como Tomorrowland, EDC, Ultra Music Festival o Coachella, que son referentes mundiales, y allí participan como protagonistas”.

A lo largo de los años, gran parte de quienes se dedicaban a mezclar música aprendieron de manera autodidacta. La práctica constante y la intuición bastaban para abrirse camino en bares o eventos pequeños. Sin embargo, la sofisticación tecnológica de los equipos, la digitalización y la expansión de plataformas especializadas han transformado el perfil requerido. Hoy se exige dominio de software, estructura sonora, lectura de audiencias y construcción de identidad artística.

Sobre la importancia de la preparación académica, Nájera explicó. “Hoy en día la formación se vuelve clave para el artista como profesional. La educación acorta distancias. El empirismo es una vía válida, pero formarse de manera adecuada

significa exponerse a distintos equipos y tecnologías, con diversas características y funcionalidades, que permiten desarrollar habilidades con mayor calidad”.

Además, señaló que el proceso formativo no se limita a la técnica. “La preparación también fortalece la manera de relacionarse, la importancia de estar expuesto al networking, la asistencia a eventos, el conocimiento en marketing, la construcción de un plan de negocio y la promoción de la carrera. Ser artista es una de las formas más puras de emprendimiento”.

Finalmente, subrayó que el reconocimiento en la actualidad exige ampliar competencias más allá de la cabina.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

El 14 de febrero, Día de San Valentín, tres agrupaciones explorarán el amor, el desamor, el despecho y la esperanza desde la escena independiente latinoamericana. El productor Diego Carreño, estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando del neobolero chileno, del tango rock argentino y la salsa caleña que se reunirán en un relato emocional que conecta generaciones y países.

La noche estará centrada en la leyenda musical Macha y El Bloque Depresivo, encabezados por Aldo Asenjo, quienes llegan tras dos sold out en el Estadio Nacional de Chile ante 60.000 personas, hazaña comparable a Los Prisioneros o Víctor Jara, según Carreño. Su neobolero ofrece una nueva visión de la poesía musical en la que se atreve a versionar a Bad Bunny, a Maroon 5 y clásicos latinoamericanos que trascienden a lo largo de los años. La agrupación fusiona elementos del vals peruano y del bolero en un son que se presta para llorar y bailar al mismo tiempo.

Pero antes del cierre final, Julieta Laso llega desde Buenos Aires, Argentina, ella será la encargada de iniciar la presentación con tango del arrabal. Laso es recocida por su voz recia que rescata los sonidos latinoamericanos alimentados desde la ciudad porteña. Formada en Colombia junto a Petronila Martínez, la cantautora emerge como figura clave del Cono Sur, estableciendo un tono íntimo y salvaje.

La noche no se quedará ahí, pues Colombia hará presencia en este evento con Jacobo Vélez y La Mambanegra, agrupación caleña que aportará salsa–hip hop con elementos del funk, la timba y ritmos caribeños. Su energía clausura la velada, equilibrando melancolía previa con esperanza vital, como explicó Carreño: “Es la alegría que sigue al desamor. Es un anti San Valentín para celebrar rupturas y segundas oportunidades”.

El show iniciará a las 8:00 p.m. en el Bar Calle Trece, en Los Sauces de las Américas en la ciudad de Bogotá. Las boletas se podrán conseguir en la página Web de Latino Power o en la taquilla.

En ‘Música y Músicos de Colombia’, la artista habló del respeto profundo que siente por este género, al que reconoce como una parte esencial de su formación y de su camino artístico. Para ella, acercarse al bambuco implica estudiarlo, valorarlo y honrarlo, pero también abrirles espacio a nuevas formas de creación y a la manera en la que hoy se vive y se aprecia la música.

Asimismo, el sencillo ‘Lo que soy’ tiene un peso importante en el plano visual. El videoclip fue grabado en el Teatro Colón de Bogotá, un escenario clave en la historia cultural del país, por donde han pasado grandes artistas y producciones. En el video, las flores aparecen como una imagen de renacer y del trabajo constante, una idea que la artista comparte y desarrolla durante su visita a LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

A lo largo de la charla, Sara María también compartió cómo su formación en música y comunicación han influido en su manera de crear y de pensar la tradición. Desde esa doble mirada, se refirió al bambuco no como un género del pasado, sino como un legado vivo que sigue contando historias y conectando con nuevas generaciones.

La cantautora adelantó, además, que este lanzamiento no será el único. ‘Lo que soy’ marca el punto de partida de lo que viene, con nuevas canciones y distintos proyectos que ya se están preparando, manteniendo una misma intención, seguir explorando el bambuco y los lenguajes tradicionales desde una sensibilidad cercana y actual.

La entrevista completa de Sara María De Los Ríos ya está disponible en nuestro canal de YouTube, una invitación para escuchar con calma y conocer estos nuevos sonidos del bambuco.

La composición emerge tras operativos federales en Twin Cities que terminaron en las muertes de Renée Good y Alex Pretti, incidentes que han desatado manifestaciones en todo el país americano. La canción surge en respuesta inmediata a uno de esos episodios, incorporando relatos de testigos y contrastes entre versiones oficiales y grabaciones públicas. Evoca memorias de víctimas a través de imágenes, fusionando lo particular con cuestionamientos estructurales sobre fuerza estatal.

Este nuevo himno llega al primer puesto de ‘Digital Song Sales’ gracias a 16.000 descargas durante su semana inicial, al tiempo que alcanza el puesto 20 en ‘Hot Rock & Alternative Songs’ mediante streams y rotaciones radiales. Acumula millones de reproducciones en plataformas digitales y domina tendencias en múltiples países, consolidándose como fenómeno transnacional en iTunes y YouTube. Este impulso refleja la vigencia de las ventas directas en un panorama dominado por el streaming.

Este tema comienza con una guitarra y una armónica, enalteciendo la estética sonora íntima característica de Springsteen, asimismo, va tomando fuerza con coros potentes que subrayan los reclamos sociales ante la injusticia de ICE. La música remite a baladas previas de su repertorio, actualizando fórmulas del folk contestatario con alusiones directas a políticas contemporáneas. Varios críticos han resaltado su herencia en himnos de los sesenta, adaptados a dinámicas virales de la era digital.

Esta canción debutó el 30 de enero en el recital benéfico organizado por Tom Morello, destinado a apoyar a allegados de las víctimas y defensores de Derechos Humanos. En tan poco tiempo ya ha generado debates que vinculan su mensaje a precedentes

musicales de protesta, desde Dylan hasta actos punk y folk modernos. ‘Streets of Minneapolis’ trasciende métricas comerciales para posicionarse como un canto en contra de las políticas de migración en la actual administración estadounidense.

El Planetario de Bogotá presenta French Touch, una función inmersiva sonora llena de ritmo, luces y nostalgia. corrientes más influyentes de la música electrónica: el french house. Una experiencia que revive el auge de la electrónica francesa que, durante los años 90 y 2000, marcó una época con sonidos filtrados, bases funk y un espíritu elegante y experimental.

El show La presentación tendrá lugar en la cúpula 360° del Planetario, el público vivirá una experiencia envolvente donde la música, el diseño visual y el ritmo se fusionan en una auténtica fiesta sensorial. La selección curada de artistas y tracks icónicos, desde Daft Punk hasta Cassius y Justice, lo que permitirá transportar a los asistentes a un viaje sonoro cargado de luces y energía.

Fechas y horarios

· Fechas: 10, 17 y 24 de febrero de 2026

· Hora: 5:00 p. m.

Tenga en cuenta que, el show French Touch incluye visuales de ritmo acelerado, imágenes de movimiento rápido y sonidos de alto impacto. Estas características pueden causar incomodidad en personas con sensibilidad visual o auditiva, y provocar mareos, vértigo o migrañas fotosensibles.

Se recomienda que quienes tengan antecedentes de epilepsia fotosensible o alta sensibilidad a estímulos visuales y sonoros deben informar antes de ingresar al evento.

De esta manera, los capitalinos podrán seguir contando con el acceso a la cultura, la innovación y las experiencias que inspiran a la ciudadanía.

Para mayor información puede vivistra el siguiente link.

Este escenario, continúa consolidándose como uno de los teatros culturales más importantes de Bogotá al reunir en una misma tarima los legados de dos gigantes del rock.

Desde los años noventa, Pantera, irrumpió en la escena del metal con una propuesta cruda y poderosa que transformó el sonido de este género musical y marcó a generaciones de seguidores. Por su parte, Metallica, a lo largo de los años, ha construido un lugar central en la historia del heavy metal, expandiendo los límites del género y manteniendo una vigencia poco común gracias a su constante evolución musical.

El show propone un recorrido por canciones que marcaron la historia. En tarima, Ozzy Company interpretará clásicos de Metallica y Pantera, con un formato by request que permitirá a los asistentes elegir parte del repertorio.

Logan Parra, director de la compañía, pasó por LAUD 90.4 FM ESTÉREO para contarnos cómo nació esta idea, qué hay detrás de este reto artístico y por qué los tributos siguen siendo una experiencia viva sobre el escenario.

El evento se suma a la programación del Teatro Cafam como una apuesta por ampliar su oferta musical y convocar a públicos de distintas edades en torno al rock y el metal. La cita será el viernes 6 de febrero de 2026, a las 8:00 p. m., e incluirá invitados especiales y el sorteo de una guitarra Jackson entre los asistentes.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

El reconocido cantautor español Diego El Cigala regresará al país en mayo de 2026 para conmemorar el aniversario de ‘Lágrimas Negras’, el álbum que marcó un hito en la fusión del flamenco con la música afrolatina y que lo consagró como una de las voces más influyentes del flamenco contemporáneo.

La gira nacional rendirá homenaje al histórico trabajo grabado junto al pianista cubano Bebo Valdés, publicado originalmente en 2003 y considerado hoy una obra fundamental de la música iberoamericana. Más de dos décadas después de su lanzamiento, ‘Lágrimas Negras’ mantiene una vigencia indiscutible, respaldada por la crítica internacional y por el entusiasmo del público en recientes presentaciones del artista en escenarios europeos, donde ha sido recibido con ovaciones y llenos totales.

Un homenaje a una obra esencial de la música en español

El viernes 15 de mayo de 2026 en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Diego El Cigala ofrecerá un repertorio centrado en las canciones que dieron vida a ‘Lágrimas Negras’, acompañado por una banda de primer nivel. Con su voz profunda y expresiva, el artista propone un recorrido musical cargado de emoción, elegancia y raíz, que reafirma la vigencia de un espectáculo pensado para celebrar una obra que transformó la música en español.

Esta gira será una oportunidad única para que el público colombiano reviva uno de los álbumes más influyentes de las últimas décadas y se reencuentre con un artista que ha sabido tender puentes entre tradiciones musicales y generaciones.

Con este aviso, junio de 2026 deja de ser un mes sin espectáculos y se consolida como una de las temporadas más atractivas para los amantes de la música en vivo.

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Un recorrido por los clásicos y nuevas canciones

La cita será el próximo viernes 12 de junio en el Movistar Arena, allí el público celebrará los grandes clásicos de su carrera, como ‘El amor después del amor’ y ‘Mariposa Tecknicolor’, junto a canciones de su etapa creativa más reciente. La promesa es un viaje musical por lo que muchos consideran la banda sonora de varias generaciones.

De esta manera, Fito Páez reafirma su estrecho vínculo con los asistentes colombianos y promete una noche inolvidable que marcará la agenda cultural de 2026.

‘Cocotera’ es descrita por sus creadores como un refugio sonoro: La paz de un mar tranquilo, la sombra en un día de sol, el instante en el que el cuerpo se relaja y el alma encuentra su lugar. La ‘Cocotera’ es planta, fruto, sombra y aire, pero también representa una energía femenina sostenida en la naturaleza, asociada al cuidado, la calma y el alimento.

“Es una narración estática de un instante presente, donde encuentras el mar calmo y la sombra de la cocotera, que también puede ser alguien que te ofrece un coco refrescante. Mezclamos músicas que nos inspiran de las costas de Colombia, Brasil y Argentina. De ahí venimos y hacia ahí vamos”, explicaron los artistas. La composición es una invitación a soltar el ritmo acelerado de la ciudad, dejar atrás el peso cotidiano y permitir que el cuerpo y el alma encuentren su propio compás, como si se tratara de tenderse en la arena sin prisa ni artificios.

El proyecto nació de una necesidad artística compartida. Oye Sebas y Alan Da Silva, cohabitantes de un circuito creativo en constante movimiento y con Barcelona como ciudad de residencia, comenzaron a reunirse para conversar, cocinar y crear, encontrando en la playa el escenario común desde donde contar sus historias y construir “otra” idea de tropicalidad.

“Tanto el lugar de donde venimos como aquel en el que vivimos tienen a la playa como fundamento, como espacio de permanencia, memoria y recuerdo. En ese escenario surge una añoranza frutal que no encontramos en Barcelona, y así nace ‘Cocotera’: una energía femenina e híbrida, que puede ser mujer o puede ser árbol”, señalaron.

Además, agregaron “Hoy pareciera que la música debe sonar siempre espectacular. ‘Cocotera’ no es el caso: decidimos que suene real, cercana y emotiva, dándole lugar a la canción y a su esencia”.

Para sus creadores, es una canción ideal para el fin de la tarde, aunque muchos oyentes la han percibido como un tema matinal: Relajado, sutil y con la dosis justa de energía positiva para comenzar el día.

El lyric video acompaña esta propuesta desde un lenguaje visual igualmente minimalista. La letra aparece en primer plano junto a una musa inspiradora: Una madre, una mujer afrodescendiente, la naturaleza misma. 

“Creemos que esta canción genera un impacto positivo en quienes la escuchan y la bailan. Así como su creación fue una fuente de alegría para nosotros, queremos que esté disponible para cualquiera que necesite un instante de música y un sorbo de calma”, concluyen Oye Sebas y Alan Da Silva, quienes esperan que ‘Cocotera’ no solo se comparta como canción, sino como un sentir capaz de abrir nuevos caminos musicales y emocionales.