El proyecto, pensado como un lugar de encuentro musical y cultural, debutó con un emotivo show sinfónico en el histórico Teatro El Círculo, acompañado por la Orquesta Casa Páez dirigida por el maestro Javier Mas.

La iniciativa surge tras recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional de Rosario (UNR), y tiene como eje la exploración de su propia obra y la tradición de la música popular latinoamericana, en formatos y lugares especialmente elegidos.

Durante su presentación el artista aseguró con emoción “Acá se construye. Acá no se odia. Acá se ama. A los casi 63, vengo otra vez en mi vida a poner el ladrillo del amor en la construcción del mundo”.

La inauguración de ‘Casa Páez’ incluyó un repertorio de 18 canciones que recorren distintas etapas de su obra, con clásicos como ‘11 y 6’, ‘Tumbas de la gloria’ y ‘Mariposa Tecknicolor’, además de homenajes a referentes de la música regional como Luis Alberto Spinetta y Pablo Milanés. Con este nuevo espacio, el músico reafirma su apuesta por la creación colectiva y por seguir construyendo, desde la música, creando puentes con el público de toda América Latina.

El repertorio incluyó además ‘Parte del aire’ y ‘Ámbar Violeta’, piezas que no formaban parte de sus conciertos desde hacía varios años y que constituyen puntos clave en su obra.

‘Carabelas de la nada’ también sirvió de preludio a uno de los momentos más gloriosos de la jornada. Esta gema revivió el espíritu tanguero que se potenció más adelante con ‘Construcción’, una maravillosa obra de Chico Buarque, otra perla de la música latinoamericana que enriqueció la noche. A diferencia de la orquestación original de Buarque, en sintonía con el John Barry de James Bond y con la bossa, la versión de Páez tiene alma de tango “apiazzolado”.

Así comenzó Casa Páez, un espacio artístico pensado como un punto de encuentro entre la música, la memoria y la comunidad, construido sobre canciones que marcaron la vida de Fito y de generaciones enteras de su público.

Mientras el artista repasa su trayectoria con este nuevo proyecto, Colombia se prepara para su regreso: Páez volverá al país con su gira ‘Sale el Sol’, con la que recorrerá varias ciudades de América Latina. El concierto será el próximo 12 de junio de 2026 en el Movistar Arena, donde presentará un recorrido por los grandes momentos de su carrera. La expectativa es alta entre los seguidores del músico, quien continúa consolidando su legado en la música latinoamericana.

En 1981, el mundo conoció una canción legendaria: ‘Under Pressure’. Lo que empezó como una improvisación y un encuentro casual entre los integrantes de Queen y David Bowie, se convirtió en el sencillo número uno en el Reino Unido y con el tiempo pasó a ser uno de los himnos más recordados del rock de los 80.

La poderosa fusión de la banda de Freddie Mercury y el famoso ‘Duque Blanco’ regresa al escenario, esta vez de la mano de guitarras eléctricas, cuerdas y voces corales con más de 30 artistas en escena.

“El espectáculo reúne canciones de estas dos leyendas en un formato mano a mano, alternando sus temas en el escenario. Más que una competencia, es un homenaje a la camaradería y las colaboraciones entre ambos artistas, que permitirá a los fans disfrutar lo mejor de los dos universos musicales”, contó Harry Howl, vocalista que rinde tributo a Bowie.

Al lado de Harry participarán otros dos solistas, Karen Castiblanco y Camilo Colmenares. El montaje contará con el ensamble de cámara de la Orquesta Sinfónica de Bogotá, la Sociedad Coral de Bogotá y la banda de rock Santceve.

Uno de los momentos de mayor expectativa, será la salida de los personajes más icónicos de Bowie, entre los que destacan ‘Ziggy Stardust’, ‘Aladdin Sane’, ‘The Thin White Duke’ y ‘Halloween Jack’. Además, el repertorio incluirá los clásicos con los que marcaron historia en estadios y escenarios de todo el mundo.

“El mayor reto es rendir un homenaje a David Bowie, una figura camaleónica que transformó la música y siempre estuvo adelantado a su tiempo. El desafío es abarcar su fuerza vocal y escénica, pero sin caer en la imitación: La idea es hacer un tributo que también refleje mi propia identidad como artista”, puntualizó Harry.

La cita será en el Teatro Cassia en dos únicas funciones: 28 de marzo a las 7:00 p.m. y 19 de abril a las 4:00 p.m. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

A finales de los años 70’, el mundo conoció una nueva forma de entender la música, el pop se fue transformando al lado de sintetizadores y ritmos electrónicos que le dieron vida al subgénero del ‘Synthpop’.

Aunque sus orígenes están en Alemania y Reino Unido, la bumanguesa Laura Ríos, decidió darle un sello propio a este género al mezclarlo con ritmos folclóricos colombianos. Así presenta al mundo ‘Ojos Rojos’, un sencillo que explora el diseño sonoro a través de un diálogo entre lo retro y lo contemporáneo.

“’Ojos Rojos’ marca un nuevo capítulo en mi evolución sonora. Con esta canción busco consolidar una nueva identidad estética y una propuesta emocionalmente honesta, que me acerca a sonidos electrónicos y un poco más oscuros. Este sencillo es además un adelanto de una nueva colección de canciones llamada ‘Puente’, que iré publicando a lo largo de este año”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El nacimiento del ‘Río’: Emociones que navegan entre beats electrónicos Laura Ríos es compositora, arreglista y productora. A simple vista puede parecer tímida, pero ella se define como una mujer profunda que ha encontrado en la música una forma de darle voz al silencio y a la salud mental, abordando en sus canciones temas como la depresión y la ansiedad.

Una de sus mayores inspiraciones es Radiohead y con ese tinte le da su propio sello a la música andina. Su carrera musical comenzó en 2013 con el EP ‘El silencio’, un trabajo de tres canciones cercanas al bambuco y al joropo atravesadas por sonoridades modernas.

En su camino decidió hacer un alto durante varios años, sin apagar su sueño. Este 2026 regresó con el nacimiento de ‘El Río’, su nuevo nombre artístico.

“En ese tiempo decidí realizar una pausa para estudiar música, producción y arreglos. También empecé a escribir ‘Río en reversa’, un libro de poesía que aún no ha sido publicado. Fue un proceso en el que me permití experimentar con sintetizadores, jugar con expresiones colombianas y, al mismo tiempo, honrar el legado de artistas como Charly García y Gustavo Cerati, buscando una fusión muy personal entre la tradición y lo moderno”, agregó ‘El Río’.

Durante el presente año, espera iniciar una gira nacional que tendrá como primera parada su tierra natal, Bucaramanga.

Tras más de veinte años de trayectoria recorriendo los escenarios, Sharif y Rapsusklei presentan una obra que trasciende lo sonoro; se trata de un viaje introspectivo por la existencia, la memoria y la honestidad de dos voces que han definido la estética de varias generaciones. El disco se compone de diez cortes bajo la producción de Gordo Del Funk y Bombony Montana, logrando un equilibrio entre la lírica profunda y un sonido de carácter atemporal. Las colaboraciones de artistas como Horus, Kyr4, Luís Cortés, Aerstame e Ibzen aportan matices diferenciadores, inyectando frescura y una diversidad de texturas a la arquitectura del proyecto.

Piezas como ‘La Flor en los Escombros’, ‘No Me Hables de Amores’ o ‘Escribir Sobre Fuego’ funcionan como espejos de una madurez creativa evidente. En ellas, los autores despliegan una mirada adulta y reflexiva acerca de su propio legado, ratificando que el rap es capaz de ser simultáneamente enérgico, vulnerable y transparente.

Sharif Fernández Méndez, oriundo de Zaragoza (1980), se ha consolidado en la industria por una escritura poética e introspectiva. Su estilo fusiona la rítmica del género con una marcada sensibilidad melódica y constantes referencias literarias, explorando conceptos como la identidad y la espiritualidad. Por otro lado, Rapsusklei (Diego Gil Fernández) ha edificado una de las carreras más sólidas del ámbito independiente. Su propuesta, cruda y genuina, amalgama la crítica social con los fundamentos de la cultura hip-hop clásica, lo que le ha valido el respeto unánime en el panorama internacional.

Con este lanzamiento, la dupla zaragozana confirma que, tras años de vigencia, su capacidad para conmover y sorprender al público permanece intacta. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, invitando a la audiencia a conectar con la esencia más pura del rap de autor.

Durante su paso por el programa ‘Música y Músicos de Colombia’, el artista nos contó acerca de su trayectoria y de cómo su camino no se limitó únicamente a la salsa. Aunque este género ha sido el eje de su carrera, también exploró la música tropical, una mezcla que le permitió desarrollar un estilo particular y conectar con públicos de distintos rincones de Latinoamérica.

El maestro también destacó el vínculo especial que ha construido con Colombia a lo largo de los años, siendo un territorio fundamental en su recorrido artístico, no solo por la acogida del público sino por el cariño constante que ha recibido durante décadas.

De hecho, comentó que cada vez que visita Colombia siente una conexión muy cercana con la gente, al punto de afirmar que se considera “un colombiano más”. Un sentimiento que nace del respeto y la fidelidad que el público ha tenido con su repertorio.

Uno de los mayores regalos que le ha dado su carrera es descubrir que sus canciones como ‘La sirena’, ‘Payaso’, entre otras siguen siendo cantadas por las nuevas generaciones. Jóvenes y adultos continúan escuchando y celebrando su música, incluso en tiempos de nuevos ritmos y tecnologías, es algo que lo emociona profundamente.

Como parte de la celebración de su trayectoria artística, el maestro Luis Felipe González llegará a Bogotá con un concierto especial en el Teatro Astor Plaza, un encuentro con el público donde mostrará parte de ese legado que ha marcado la historia de la salsa y la música tropical en América Latina. Para conocer más de la entrevista, visite nuestro canal de YouTube

Estrenada en 1937, la obra se basa en una colección de poemas medievales hallados en un monasterio bávaro y reúne textos escritos entre los siglos XII y XIII. Estos versos abordan temas como el amor, la fortuna, el destino y los placeres de la vida, elementos que se alejaban de las temáticas estrictamente religiosos predominantes en la época.

Carol López, directora asistente de la Sociedad Coral de Bogotá, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando sobre el origen y el proceso de preparación de esta nueva puesta en escena. Según explicó, el compositor alemán seleccionó parte de los poemas medievales para construir la cantata: “Son textos que hablan de la fortuna, del amor y de los placeres de la vida. Carl Orff eligió 24 de ellos para crear esta obra”.

La interpretación que se presentará en Bogotá corresponde a la versión realizada por Wilhelm Killmayer, discípulo de Orff, una adaptación que conserva la estructura y la fuerza sonora de la partitura original, pero con un formato instrumental reducido que resalta la presencia del coro y la percusión.

Uno de los elementos que explica la permanencia de la muestra en el repertorio internacional es su carácter rítmico y dramático. López señaló que el compositor concebía la música como una experiencia física: “Orff pensaba la música como algo hecho para mover el cuerpo. El ritmo y la percusión hacen que la obra se sienta casi como un pulso constante”.

El montaje coral exige además una preparación vocal y escénica compleja. Los intérpretes trabajan textos en latín, alemán antiguo, francés y arpitano, lo que implica estudiar no solo la pronunciación, sino también el sentido de cada poema para trasladarlo al escenario.

El espectáculo reúne cerca de 80 voces en escena, además de un coro infantil que interpreta algunas de las secciones escritas originalmente para voces jóvenes. Propuestas que busca acercar la música coral a nuevas audiencias.

A lo largo de las décadas, ‘Carmina Burana’ ha sido interpretada en temporadas sinfónicas, montajes de ópera y producciones de ballet, y su fuerza dramática la ha llevado también al cine y a distintas adaptaciones musicales. Su movimiento inicial, ‘O Fortuna’, se ha convertido en uno de los fragmentos más reconocibles de la música clásica contemporánea.

Las funciones se realizarán el 11 y 12 de abril a las 4:00 p.m., con la participación de la Sociedad Coral de Bogotá, el Coro Polifónico del Gimnasio de Los Pinos y el coro infantil Xuacha, acompañados por el Ensamble de Percusión Sinfónica y dos pianos de la Orquesta Sinfónica de Bogotá. El montaje estará bajo la dirección de la maestra María José Villamil.

Las agrupaciones Malacates Trébol Shop y Gondwana unieron sus trayectorias en ‘Fueguito’, un sencillo que articula el sonido de ambas bandas dentro del reggae latinoamericano. La canción combina ritmos del género con una letra que utiliza la imagen del fuego como metáfora de los vínculos afectivos.

El sencillo presenta una narrativa que une esa energía interior con las emociones que acompañan las relaciones humanas. Fran Páez, vocalista y compositor de Malacates Trébol Shop, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que una de las primeras ideas de la canción surgió como un ejercicio íntimo en el que imaginó un mensaje de su padre, ya fallecido, dirigido a su madre. A partir de esa imagen comenzó a construir una estrofa que posteriormente se integró al concepto del tema. “Todos los seres humanos cuando nos enamoramos tenemos un volcán dentro que no deja de sacar fueguito”, señaló el músico al explicar la metáfora que articula la canción.

La colaboración se originó tras un encuentro entre ambas agrupaciones, en el que compartieron ideas. A partir de ese proceso, Gondwana se integró al proyecto y aportó su estilo dentro del reggae latino, consolidando una alianza entre dos bandas con trayectoria en la escena regional.

Esta canción también está acompañada por un videoclip grabado en la región de San Marcos, en Guatemala. La producción muestra distintos paisajes del país, incluidos escenarios volcánicos y arquitectónicos, y fue dirigida por el realizador guatemalteco Carlos Juárez. Según explicó la banda, el proyecto audiovisual involucró a integrantes de comunidades locales que históricamente han mantenido tensiones, por lo que la grabación se planteó como un ejercicio simbólico de encuentro y diálogo entre ambos grupos.

‘Fueguito’ se encuentra disponible en plataformas digitales desde el 27 de febrero. Como parte de su lanzamiento, los grupos realizaron una presentación en el Centro Intercultural de Quetzaltenango, donde interpretaron el tema ante el público.

Con este sencillo, Malacates Trébol Shop y Gondwana amplían sus colaboraciones dentro del circuito musical latinoamericano, una dinámica que ha permitido fortalecer los intercambios entre artistas de distintos países y proyectar el reggae de la región hacia nuevas audiencias.

Lea tambien: Gondwana vuelve a encender el reggae en Bogotá

La banda colombiana LUTTER presenta su sencillo ‘Cuando Se Acaba el Amor’, una balada que aborda el momento final de una relación y las emociones que acompañan la última despedida. El estreno marca una nueva etapa dentro del proceso creativo del grupo, que continúa fortaleciendo su presencia en la escena alternativa nacional. Julián Rojas, guitarrista de la agrupación, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre esta reciente propuesta sonora.

El tema se sitúa en el instante en el que una historia afectiva llega a su cierre definitivo, cuando quedan palabras pendientes y el paso del tiempo transforma los sentimientos. Desde una atmósfera melancólica e introspectiva, la pieza plantea una reflexión sobre la aceptación y el proceso de dejar atrás un vínculo. Según explicó Rojas, la composición “habla de ese momento en el que una relación se acaba y uno se queda con muchas cosas por decir, pero ya es demasiado tarde”.

La producción musical estuvo a cargo de Steven Baquero, quien desarrolló un trabajo orientado a resaltar el carácter íntimo de la obra. El resultado es un proyecto construido sobre una estructura de balada que privilegia la claridad de los arreglos y la intensidad interpretativa.

El estreno se complementa con un videoclip dirigido por Gabriel Gómez, una propuesta audiovisual que muestra una narrativa acorde con la carga emocional del tema. La identidad visual fue desarrollada por César García, responsable del arte de portada que acompaña el lanzamiento.

Su enfoque conceptual, se distancia de una mirada centrada en el conflicto para situarse en el terreno de la aceptación. “No es una canción desde el rencor, sino desde la aceptación de que a veces hay que soltar para poder seguir adelante”, concluyó Rojas.

Con este lanzamiento, LUTTER continúa ampliando su repertorio dentro del circuito alternativo y avanza en el posicionamiento de su música en medios radiales, plataformas digitales y espacios audiovisuales.

Ochoa, icono del son cubano y fundador de Buena Vista Social Club, es una de las figuras más representativas de la música latina con proyección mundial. Su guitarra inconfundible y su voz profunda han recorrido escenarios internacionales, llevando el espíritu de Santiago de Cuba a teatros y festivales de todo el planeta. Su presencia en Bogotá no solo evoca nostalgia, sino también la vigencia de un legado que sigue conquistando nuevas audiencias.

A este encuentro se suma Puerto Candelaria, banda colombiana ganadora del Grammy, reconocida por su capacidad de romper moldes. Su propuesta mezcla jazz, cumbia, música andina y una puesta en escena teatral que desafía etiquetas.

Esta presentación coincide con el lanzamiento del álbum, ‘KZ Candelaria’, un trabajo festivo y creativo que dialoga con la cultura popular y el universo digital, consolidando su apuesta por una identidad sonora propia y contemporánea.

En este proyecto, el número quince de su carrera, la agrupación reinterpreta parte de su repertorio en géneros como el vallenato, el corrido, la música popular y la balada.

Aprovechando este maravilloso encuentro en ‘Música y Músicos de Colombia’ conversamos con el maestro Eliades Ochoa, quien habló de su legado en la música latinoamericana y de las melodías que siguen resonando en las nuevas generaciones. Ochoa invitó a todo el público a esta cita imperdible para los amantes de la música latinoamericana que buscan vivir un espectáculo cargado de historia, creatividad y energía escénica.

Esta presentación se proyecta como una experiencia inmersiva en la que el son cubano y la vanguardia colombiana se entrelazarán en arreglos especiales, improvisaciones y momentos de celebración colectiva. La noche promete clásicos, nuevas composiciones y colaboraciones inesperadas que resaltarán los puntos de encuentro entre tradición y experimentación. Además de proponer un recorrido que conectará el son cubano tradicional con las búsquedas contemporáneas de la escena colombiana, en un formato de concierto compartido. La cita es este 28 de mayo a las 8:00 p.m. en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán – Cra. 7 #22-47.

Más que un recital, será una conversación musical entre el Caribe y los Andes, entre la memoria y la reinvención.

Fractal Caravan lanza su producción debut, un trabajo conceptual que desarrolla una historia centrada en una Inteligencia Artificial rebelde que viaja en el tiempo con la intención de convertirse en rockero. Este estreno representa un punto de afirmación para el grupo, fundado en Nueva York hace más de una década por músicos con raíces en Norteamérica y Sudamérica. Edwin Quirk, cantante y guitarrista, y Fabio Montenegro, bajista y productor, estuvieron en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre esta nueva etapa creativa.

La iniciativa surgió tras un encuentro entre sus integrantes a través de un anuncio publicado en Craigslist. Desde ese primer ensayo, los músicos consolidaron una dinámica que integró su experiencia como instrumentistas de sesión y su formación académica en Estados Unidos, articulando un enfoque que conecta referentes culturales del norte y el sur del continente.

Aunque la producción no fue concebida inicialmente bajo un formato narrativo unificado, las composiciones terminaron estructurándose dentro de un mismo eje temático. El relato recorre distintas épocas y se apoya en la noción de “Axis Mundi”, idea que plantea que cualquier lugar puede entenderse como el centro del mundo. Según explicó Montenegro, “aparecieron un montón de canciones que parecían estar destinadas a estar juntas”, lo que permitió construir una línea argumental que atraviesa pasado, presente y futuro.

En el plano sonoro, el grupo combina rock and roll, reggae, garage punk, grunge, soul y R&B. A estos elementos se suman influencias latinoamericanas incorporadas recientemente, en particular ritmos como la cumbia, generando un diálogo entre tradición y contemporaneidad. Montenegro señaló que el colectivo ha desarrollado una estética “retrofuturista”, entendida como una sonoridad que conserva bases clásicas proyectadas desde una mirada actual.

La identidad artística se nutre de las dinámicas culturales de ciudades como Brooklyn y Bogotá, escenarios caracterizados por su diversidad y producción independiente. En ese marco, la música es asumida como un espacio de integración que trasciende límites geográficos o divisiones culturales.

El nombre del proyecto sintetiza esa perspectiva: “Fractal” remite a patrones que se repiten en distintas escalas, mientras que “Caravan” evoca desplazamiento continuo. Con este lanzamiento, el conjunto proyecta una fase de fortalecimiento que articula su trayectoria internacional con su vínculo latinoamericano.