Con el fin de cantarle al paisaje paramoso, a la pérdida y a la poesía, el proyecto sonoro A Media Lengua, presentó durante los últimos días su primer trabajo discográfico, siete canciones que conforman el EP ‘Páramo’ acompañados de un estilo que fusiona el rock, el slowcore, el sadcore y el indie. Una propuesta sonora de la que sus integrantes hablaron con ‘Amantes del Círculo Polar’, revelando los momentos que han marcado el proyecto. 

Conformado por Zahara Lasso, Fabio Martínez y Rafael Lasso, el trabajo musical ‘AML’ tiene sus orígenes en el sur del país, en Pasto, que une la trayectoria como DJ de Rafael, el chelo y la voz de Zahara y la pasión poética de Fabio. Una mezcla de la que nació como primera canción ‘Frío’.

“Con ‘Frío’ iniciamos este proyecto, tratando de ganar nuestra propia voz que básicamente es una voz que incluye cuerdas frotadas y todo el sonido del chelo que es un instrumento que evoca la tranquilidad, la soledad, que de alguna manera es muy nostálgico. Decidimos empezar a darle vida desde esa sonoridad y ese paisaje”, reveló Fabio.

Definido como un viaje sonoro que consta de siete estaciones sonoras, con ‘Páramo’ el público recorre canciones como ‘Puerta’, que es la apertura del EP y plantea una pregunta inicial ¿Cómo sonaría un páramo? y ¿Cómo recordar la ausencia de un ser querido? Luego, hay títulos como ‘Tiembla’, ‘Rápido’, ’Tempestad’ y ‘AML’, este último como cierre del disco.

“El sonido de A Media Lengua sería como muy acústico, pero con esta atmósfera de los ritmos electrónicos muy característicos por ejemplo del slowcore. En general si la quieres describir sería una propuesta como muy nostálgica”, agregó por su parte Felipe.

La letra poética también tiene un papel muy determinante. Composiciones sensibles, profundas y reflexivas que giran en torno a la pérdida y la ausencia, inspiradas en gran parte por un episodio en la vida de uno de sus integrantes.

“Esa vivencia personal tiene nombre: se llama Nicolás Martínez. Es mi hermano menor, él se suicidó en el año 2019, tenía 18 años y fue un momento muy fuerte para nuestra familia. Así que de alguna manera la lógica de las letras, incluso el paisaje sonoro, permite resignificar este tema de la pérdida”, agregó Fabio. Esta iniciativa musical ha calado profundo en sus espectadores, dando voz al dolor, la nostalgia y la inestabilidad de la vida. Permitiendo además diversas interpretaciones de las canciones y un recorrido minuciosamente cuidado desde la primera canción.

“A mí me gusta transitar el ‘Páramo’ y creo que tal vez iniciar el recorrido por la primera canción nos da un tránsito de emociones y situaciones”, reveló por su parte Zahara quien invitó a todos los oyentes de LAUD 90.4 FM ESTÉREO a descubrir A Media Lengua y a conocer este EP.

La tierra de las montañas del oriente antioqueño, el buen café y el turismo rural vieron nacer a Camila, quien ha forjado su carrera artística como ‘Mila Days’. Una joven colombiana que lleva la bandera de Copacabana por el mundo. 

Su primer debut en la música inició en julio del 2022, mientras terminaba su carrera en derecho, rendía los exámenes ‘ECAES’ y se recuperaba de un esguince. En medio de la saturación emocional, encontró en la composición y beats creados sobre su computadora la forma de transitar del desamor a la plenitud y de la duda a la calma.

“El proceso de creación de ‘Del principio al fin’ se desarrolló entre jornadas de escritura nocturna y exploraciones sonoras matutinas. Las letras se entrelazan con referencias literarias y musicales que viajan entre géneros, dejando que la voz se mueva libre entre la electrónica, el pop alternativo y el rap”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una narrativa visual que amplifica la música

El disco reúne nueve canciones y también se expande en imágenes. La artista ha acompañado varios de sus sencillos con videoclips que trascienden al lenguaje audiovisual, como por ejemplo:

-    Turismo: Fue grabado en Chinatown, Nueva York, junto al realizador Patrick Ames, refleja la crudeza del desamor con humor y empoderamiento.

-    Lunes: Dirigido por el artista colombiano Junior Ward, radicado en Nueva York, transforma la rutina y el desamor en un himno de esperanza.

Track por track: Del principio al fin

1.    Intro: Un inicio íntimo con la voz de Idea Vilariño recitando sobre un fondo sin batería. Prepara al oyente para la travesía emocional que sigue.

2.    Larry J: Un guiño al hip hop clásico con flow directo y honesto. Es una declaración de raíces sonoras que conecta con quienes valoran la esencia del género.

3.    Principio: El punto de partida del relato: todo está por suceder. Ligero, expectante y lleno de promesas.

4.    Mila: Tema autobiográfico y revelador: La artista se nombra y se reconoce. Una canción fresca que reafirma su identidad y autenticidad en la escena independiente.

5.    Visaje: Fotografía sonora de un domingo lluvioso tras una ruptura. Con influencias de salsa y referencias a Rubén Blades, Mila entrega un relato de vulnerabilidad que conmueve desde el primer acorde.

6.    Centro: Canción que simboliza el equilibrio y el foco. Representa un momento de recogimiento y claridad dentro del relato del disco.

7.    Universo: Cierre luminoso y espiritual del álbum. Inspirada en una experiencia con Yagé, se convierte en un himno de resiliencia y amor propio. Su progresión jazzística aporta frescura y optimismo, consolidándola como una de las piezas más poderosas de la carrera de Mila Days.

Actualmente el álbum se encuentra disponible en todas las plataformas.

La canción no solo trae un sonido poderoso; también despierta memoria, identidad y crítica social desde una mezcla explosiva de ska, dub y rock.

Jahsong, vocalista de Lion Family Band, explicó que la idea no era solo sacar un sencillo más, sino “hacer música que hable de lo que somos como país, con todo lo bonito y lo duro que llevamos dentro”. Para él, ‘Punto Red’ es un viaje sonoro que conecta con la historia de la Punto Rojo, una variedad de cannabis nacida en el corazón de Colombia y convertida en símbolo cultural en los años 70.

Este tema reúne a músicos de Skampida, Lion Family Band, The Klaxon y ex Alto Grado, mostrando algo que pocas veces ocurre en la escena: Artistas de diferentes generaciones tocando por una misma causa. Jahsong lo resumió así: “Esto no es un featuring comercial, es una familia musical que se junta porque la música nos une más que cualquier industria”.

El sonido de ‘Punto Red’ está lleno de energía y capas sonoras: Baterías que marcan el pulso del ska, bajos profundos del dub y una base electrónica que lleva a este proyecto a un territorio moderno. Según Jahsong, “queríamos que la canción se pudiera bailar, pero que también dejara pensando… que la gente sienta el bajo en el cuerpo y el mensaje en la cabeza”.

Además de su fuerza musical, el sencillo despierta conversación sobre las raíces colombianas y la percepción cultural de la planta en el país. No desde el estigma, sino desde su lugar en la memoria colectiva. “Aquí no se trata de promover nada, se trata de reconocer que hay historias que hacen parte del territorio, y que la música ayuda a contarlas sin juzgar”, comentó Jahsong durante la entrevista.

El lanzamiento también marca el inicio de una gira donde las bandas interpretarán este tema en vivo en varios escenarios del país. Para Jahsong, lo más importante es la conexión con la gente: “Ojalá el público escuche ‘Punto Red’ no solo como una canción, sino como un sonido que nos recuerda de dónde venimos y lo que todavía podemos transformar”.

En una escena musical fragmentada, ‘Punto Red’ llega como un experimento colectivo que apuesta por la autenticidad, la memoria y el poder del arte.

En Colombia, el reggae ha crecido a contracorriente, construyendo su historia desde la independencia artística, los sonidos de barrio y la conexión con las raíces afrocaribeñas. A lo largo de las últimas décadas, este género ha evolucionado más allá de los clichés tropicales para convertirse en un lenguaje de resistencia, espiritualidad y amor. Dentro de esa historia, pocos nombres resuenan con tanta coherencia y autenticidad como el de Javier Alerta, pionero y voz emblemática del reggae hecho en Colombia.

Desde los días en que fundó Alerta Kamarada, Javier Alerta ha mantenido una búsqueda constante por el equilibrio entre la raíz y la renovación. Su música ha acompañado marchas, festivales y despertares colectivos, pero también ha sabido volverse íntima, reflexiva y humana. Así lo demuestra de nuevo con ‘Brixton in Love’, una exploración que alcanza una nueva dimensión y de la que el artista habló en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

“El año pasado tuvimos la oportunidad de viajar con la banda a Londres y fue una experiencia inolvidable, realmente algo maravilloso. La misión era ir a grabar, grabar un álbum (...) y apareció Dennis Bovell, tuvimos la oportunidad de entrar y producir con este señor, escribir canciones allá, componer algo muy lindo y el pasado 10 de octubre ya quedó en las plataformas. Ya la gente puede encontrar el lado A”, reveló Javier Alerta. 

Grabado en el mítico Map Studios de Londres, el álbum marca un homenaje al espíritu del lovers rock, subgénero nacido en los años setenta en el Reino Unido que transformó el reggae en un vehículo de ternura y afecto. Alerta se une a Dennis Bovell, figura fundamental del reggae británico y arquitecto del sonido lovers, quien se encargó de la producción y mezcla del disco. Todo junto a un equipo técnico de nivel internacional, con Duncan Thornley en la grabación y Manuel Scaramuzzino en la masterización, quien aportó la calidez y profundidad sonora que caracterizan su trabajo.

El proceso creativo fue tan orgánico como fiel a las raíces: La agrupación grabó en vivo, al estilo de las sesiones clásicas de los años dorados del reggae. Esa decisión le dio al disco una textura real, un respiro compartido entre los músicos, que se siente en cada acorde y cada línea vocal. El resultado es un trabajo de madurez artística que celebra el amor, no solo como tema lírico, sino como fuerza que une geografías, culturas y generaciones.

“Queremos coger la energía de lo que estamos viviendo y en la música me parece que es muy necesario. Coincidimos con los de la banda en eso (...) Lo de Londres queríamos hacerlo igual. Londres para nosotros marca un destino súper importante para el reggae porque muchos artistas de reggae han pasado por Londres, han hecho grabaciones en este lugar, entonces hay una energía que quisimos vivir y caminar”, agregó Alerta en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Este lanzamiento incluye además una edición especial en vinilo doble de 10 pulgadas, con un atractivo contraste entre las versiones originales y reinterpretaciones dub que expanden la experiencia sonora. Este formato físico no solo apela a los coleccionistas, sino que reafirma la apuesta de Alerta por mantener vivo el sonido raíz del reggae.

Desde su nacimiento en Tunja en 2016, Nasa Histoires ha tejido un universo sonoro propio donde la poesía se funde con el jazz gitano, el folk y los ritmos latinoamericanos. Con un lenguaje que abraza la nostalgia y la alegría por igual, la banda ha logrado cautivar audiencias en Colombia y Latinoamérica con canciones que son relatos de vida convertidos en melodías.

Sobre esta trayectoria, su nuevo sencillo ‘Garras’ y un concierto único que tendrá lugar el próximo 25 de octubre en donde acompañarán sus éxitos con la Orquesta Sinfónica de Bogotá, dos de sus integrantes: El bajista Daniel Díaz y el saxofonista Víctor Hugo Cely, estuvieron hablando en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

Nasa Histoires, cuyo nombre es una mezcla del wayuunaiki ‘Nasa’ que significa ‘aquellas’ y el francés ‘Histoires’, es decir, ‘historias’, resume su espíritu: Un proyecto que cuenta historias universales desde una mirada sensible, mestiza y profundamente humana.

“Grabamos ‘Bugambilia’, grabamos ‘Flora’, y fue cuando de eso explotó la banda a través de Tik Tok en esa época, en 2023. A partir de entonces han sido unos años de locura en los que hemos viajado por México, Argentina, Chile, Ecuador, ahora vamos al Lollapalooza el otro año (...) se cumplió el sueño de dedicarnos completamente a la música”, reveló Víctor Hugo.

Con dos discos que ya son referencia en la escena alternativa, la agrupación boyacense ha consolidado una estética donde lo íntimo se vuelve celebración y que el próximo 25 de octubre, se unirá en el Teatro Cafam junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá.

Ahora, después de recorrer escenarios en CDMX, Guadalajara, Puebla, Quito, Medellín y Bogotá, la banda llega a un nuevo capítulo: el cierre de su gira mundial Flor Morada Tour con un concierto sin precedentes junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá para presentar ‘La Sinfonía de las Flores’, un encuentro entre lo sinfónico y lo alternativo que transformará el repertorio de Nasa Histoires en una experiencia orquestal. Sus canciones más queridas florecerán entre violines, maderas y metales, dando vida a un jardín sonoro donde cada nota será un tributo a la emoción y la memoria.

“Es un reto muy grande. Tengo la expectativa muy alta y emocionalmente me siento muy cargado porque escuchar las canciones que tú haces, las canciones que has tocado en tu trayectoria, en un formato que nunca has escuchado pero que sé que la primera nota, marcada por los vientos, por todos los instrumentos que están rondando en la atmósfera, va a ser eternamente mágico. Va a ser ese momento de cerrar los ojos, soñar y dejarse llevar por la música”, señaló sobre el concierto el bajista Daniel Diaz. 

Con ‘La Sinfonía de las Flores’, la agrupación boyacense no solo marca el cierre de una gira: Es una celebración de lo que ocurre cuando las historias se convierten en música y la música en emoción compartida. Una noche para florecer al ritmo de Nasa Histoires.

Mientras se preparan para este concierto sinfónico que marca el cierre de una etapa, Nasa Histoires también abre otra: Una exploración hacia lo instintivo y lo salvaje con su nuevo sencillo ‘Garras’. 

Se trata de una canción que le canta a la salud mental y a la lucha constante contra la ansiedad. Una pieza que viene acompañada de un videoclip que mezcla conceptos como los videojuegos, el viejo oeste y un entorno futurista, mientras hace un homenaje al paisaje árido de La Guajira. 

Este no es un concierto común: Es una experiencia para dejarse llevar por el ritmo, la emoción y la sorpresa.

Lo interesante de esta propuesta es que rompe la idea de que el flamenco es solo para expertos o para quienes lo escucharon toda la vida. Aquí, la voz tradicional se mezcla con sonidos nuevos, y eso hace que cualquiera pueda disfrutarlo, incluso las personas que nunca han ido a una presentación de este tipo. Es una manera de ver cómo una música con tanta historia puede sonar completamente actual.

Los protagonistas de este encuentro son Rocío Márquez y Bronquio, dos artistas que vienen de mundos distintos, pero que al juntarse crearon algo completamente nuevo. Rocío Márquez es una de las grandes voces del flamenco actual. Nacida en Huelva, ha recibido premios como la Lámpara Minera, la Medalla de Oro de la Petenera y el Victoires du Jazz en Francia. Su carrera se ha caracterizado por la búsqueda constante de nuevas formas de interpretar el cante, sin perder la profundidad emocional que define al flamenco. 

Bronquio, cuyo nombre real es Santiago Gonzalo, es un productor y músico originario de Jerez que ha revolucionado la escena electrónica española. Su estilo mezcla bases urbanas, sonidos experimentales y ritmos que se mueven entre lo digital y lo orgánico. Juntos han recorrido más de 30 países con un proyecto que demuestra que la tradición también puede bailar con el futuro.

El show ha pasado por escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, la Philharmonie de París y el Festival Primavera Sound, donde ha sido recibido con ovaciones. En cada lugar, la propuesta ha conectado con públicos muy distintos, mostrando que el flamenco no pertenece solo a una época, sino que sigue vivo y en movimiento.

En el show, los sonidos electrónicos, las voces y las luces se combinan para crear una experiencia que va más allá de la música. Es una puesta en escena que invita a dejarse llevar, a mirar con atención y a descubrir cómo una tradición centenaria puede renovarse sin perder su esencia.

Para muchos, ‘Tercer Cielo’ es una forma de acercarse por primera vez al flamenco desde otro ángulo: Uno más libre, más cercano y lleno de energía. No hace falta conocer del género para disfrutarlo; basta con tener curiosidad y ganas de vivir algo distinto.

Asistir a este espectáculo es una oportunidad para ver cómo dos artistas, desde caminos diferentes, se unen para mostrar que el arte siempre puede transformarse. En una ciudad que respira diversidad, ‘Tercer Cielo’ llega como una experiencia que une generaciones, rompe fronteras y recuerda que la música, cuando se siente de verdad, no necesita explicación.

El embajador de la salsa colombiana en el mundo, regresa a la ciudad tras una exitosa gira internacional para presentar oficialmente su nuevo álbum ‘Ámame’. La cita será el sábado 8 de noviembre a las 7:30 p.m. en el Teatro Colsubsidio, en una velada que promete ritmo, emoción y una profunda conexión con la esencia del Pacífico colombiano.

Esta esperada presentación reunirá lo mejor del repertorio del artista y el estreno en vivo de su más reciente producción discográfica. El evento marca el regreso de Yuri Buenaventura a los escenarios nacionales luego de una gira mundial entre 2023 y 2025, en la que ofreció más de 38 conciertos en los lugares más prestigiosos de Europa, África y el Caribe.

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Durante este recorrido, el salsero colombiano conquistó espacios icónicos como la Sala L’Olympia de París y la Salle Pleyel, además de destacarse en los principales festivales de verano europeos, consolidando su lugar entre las grandes figuras de la salsa a nivel internacional.

Ahora, el artista nacido en Buenaventura, Valle del Cauca, vuelve a su país con una propuesta cargada de identidad, memoria y sabor. ‘Ámame’ es un homenaje a las raíces afrocolombianas y al espíritu del Caribe, una obra que combina la salsa tradicional con los ritmos del Pacífico que han definido su carrera.

El público bogotano podrá disfrutar de una noche inolvidable, con los nuevos temas de ‘Ámame’ y los clásicos que han hecho de Yuri Buenaventura uno de los grandes referentes de la música latina.

No se pierda de esta cita el próximo 8 de noviembre en el Teatro Colsubsidio a las 7:30 p.m. Para mayor información visite el siguiente link.

El trío colombiano El Feeling, radicado en Los Ángeles, continúa consolidando su propuesta sonora fusionando los ritmos tradicionales con la estética del pop alternativo y los matices electrónicos. En su más reciente lanzamiento, ‘Bacatá’, la banda celebra sus raíces y le rinde un homenaje musical a Bogotá, la ciudad donde comenzó su historia.

Formada por Carolina Cobo (voz), Carlos Hernán “Seache” (acordeón) y Sergio Aldana (guitarra), la agrupación ha construido un proyecto que explora los puentes entre culturas, idiomas y géneros musicales. Combina cumbia, pop alternativo, tambora, flauta de millo y sintetizadores, refleja una búsqueda de identidad que trasciende fronteras y conecta con audiencias diversas.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, su vocalista Carolina Cobo compartió detalles de este proyecto sonoro, de su rescate de sonidos autóctonos colombianos y de su próximo álbum, ‘0.4’, ad portas de salir a la luz.

“Siento que esta es la manera de rendir tributo al sonido que venía de otras épocas y lo hacemos de una forma muy respetuosa. También diciéndole a la audiencia que tampoco queremos ser esos sonidos de antes, ni tomar el lugar de los artistas y los clásicos del folclore, ni de la música andina, ni de la cumbia tradicional colombiana (...) Adoptamos todo eso y lo transformamos en lo que a nosotros nos suena y nos sabe rico”, reveló.

El Feeling ha logrado posicionarse como una de las propuestas emergentes más interesantes dentro de la escena independiente latina en Estados Unidos. A lo largo de su trayectoria han colaborado con artistas como Palenke Soultribe, con quienes trabajaron la canción ‘El Ave’, parte del próximo álbum de la agrupación titulado 0.4, cuyo lanzamiento está previsto para octubre de 2025. Este trabajo discográfico promete consolidar su estilo mestizo y su visión de tender puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo.

Con ‘Bacatá’, El Feeling entrega una pieza que mezcla lo íntimo con lo colectivo. La canción evoca la calidez de la capital colombiana a través de sonidos que retratan su espíritu diverso y su paisaje urbano. Tambores, cuerdas, acordeón y sintetizadores se entrelazan para construir una atmósfera sonora que es, a la vez, moderna y profundamente conectada con la tradición. 

“Para El Feeling llega un nuevo álbum para ahorita, a finales de octubre, allí va a estar incluido ‘Bacatá’ y pueden esperar sonidos ambientales, pero va a ser enfocado en un viaje hacia el espacio. ‘0.4’ son unas coordenadas que unen diferentes puntos geográficos del país, donde casualmente las coordenadas comenzaban en ‘0.4’ (...) Le hacemos un homenaje a la cordillera y a nuestra región andina”, aseguró.

‘Bacatá’ llega como el último adelanto antes del lanzamiento de 0.4, un proyecto que marcará una nueva etapa en la evolución de El Feeling. En este trabajo, el grupo continúa explorando la mezcla entre la tradición folclórica colombiana y las sonoridades globales del pop alternativo, sin perder la esencia que los identifica: La conexión emocional con el público.

En los coros, la voz de Cobo entona versos que despiertan el orgullo bogotano y la nostalgia de quienes han vivido su magia entre montañas. Las letras hacen alusión a la “estrella blanca que ilumina los Andes”, metáfora de la luz que guía a los bogotanos incluso en medio del frío característico de su altitud.

La producción de ‘Bacata’ corrió por cuenta de Seache y Sergio Aldana, con mezcla de Diego Contento y masterización de Enrique López Lezama. El resultado es un tema de sonido cálido y envolvente que combina precisión técnica con sensibilidad artística.

Rafael Espinel es un artista colombiano multidisciplinario, apasionado por los instrumentos y nuevas formas de crear sonidos. Se mueve con naturalidad entre la actuación, la dirección audiovisual y la producción, integrando todo esto en su proyecto musical: La Chiva Gantiva. Esta agrupación cumple más de 15 años de trayectoria y a su hoja de vida añaden giras por más de 40 países en los cinco continentes. Su éxito se basa en su propia interpretación del folclore colombiano y en su esfuerzo por consolidarse como un referente de la música alternativa latina en Europa.

“Para mí, Colombia es el inicio, es el centro de todo lo que pasó desde el principio de La Chiva Gantiva. Nosotros como emigrantes llegamos a Bruselas, Bélgica, a tocar folclore colombiano. Hoy, gracias a esas influencias, pudimos hacer nuestra vida musical y mostrársela a mucha gente en el mundo. Venir a Colombia es como volver a la casa, volver a donde la mamá”, contó Rafa, vocalista y líder de la agrupación en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘EGO’: Una nueva dimensión para la agrupación

Durante este 2025, presentan al mundo once canciones que forman parte de ‘Ego’, un álbum que transita por ritmos afro, trip-hop y electrónica. En el estudio reúnen a invitados como Cienfue de Panamá, Natalia Doco de Argentina y Guadalupe Giraldo de Colombia.

Además de una exclusiva presentación en formato físico, que busca llevar a sus fanáticos una experiencia más cercana a través de versiones en vinilo y CD.

“El rock siempre ha estado presente, el folclor claramente también ha estado presente, pero esta vez venimos con algo un poco más oscuro y más bailable (...) Es un disco que tomó mucho tiempo y mucha reflexión, un disco que era esperado hace ya más de siete años. Era importantísimo sacarlo y tenerlo físicamente”, agregó Espinel.

¡Fechas en Colombia!

Luego de su gira por Europa, Asia y Canadá, la agrupación llegará desde Bélgica para presentarse en diferentes ciudades de Colombia. La gira de octubre inicia el día 10 en el ‘Festival Grita de Manizales’, continúa el 13 en el ‘Festival Altavoz de Medellín’, sigue el 18 con una presentación en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo en Bogotá y finaliza el 19 en el Centro Cultural de Cajicá Fernando Botero.

Este sábado 11 de octubre de 2025, el Planetario de Bogotá del Instituto Distrital de las Artes – Idartes, brindará una experiencia musical como ninguna otra con el legendario Jeff Mills, pionero del techno de Detroit, quien presentará en exclusiva su proyecto de jazz, afrobeat y electrónica experimental denominado ‘Tomorrow Comes The Harvest’ a partir de las a las 8: 00 p.m.

Concebido inicialmente junto al mítico Tony Allen, padre del afrobeat y colaborador de Fela Kuti, este viaje a nivel sonoro tuvo su origen en el año 2018 con un álbum homónimo en Blue Note Records, el cual fusionó percusiones tribales, texturas electrónicas y la improvisación del jazz. Después de la partida de Allen en 2020, el proyecto logró una evolución para mantener vivo ese legado y dar paso a nuevas dimensiones sonoras.

“El título Tomorrow Comes The Harvest proviene de la obra de la escritora afro-futurista Octavia E. Butler, cuyas visiones de mundos por venir dialogan con la ciencia ficción, la espiritualidad y la condición humana. En escena, el telón de fondo reproduce The Harvest, la pintura de Chris Ofili inspirada en el místico poeta y artista inglés William Blake y conservada en la Tate Gallery, creando un espacio visual en el que música, palabra e imagen se encuentran en un mismo horizonte poético”, señaló el Instituto Distrital de las Artes – Idartes mediante un comunicado.

Tomorrow Comes The Harvest es ‘el esfuerzo acumulativo de talentosos músicos y sus visiones sobre lo que hace tan especial al arte de la música’ desde el punto de vista de sus creadores. También, es pensado como una teoría musical y espiritual fomentada por Tony Allen y Jeff Mills, quienes parten de una larga tradición de usar la música para alcanzar niveles más altos de conciencia. Este proyecto incorpora ahora al virtuoso de la tabla Prabhu Edouard, junto al teclista de antaño Jean-Phi Dary, a fin de explorar lo desconocido por medio de la improvisación, el ritmo y la interacción de mundos sonoros diversos.

Por su parte, Paula Silva Gerente de Escenarios Culturales de Idartes habló de la apuesta en escena del tributo a Tony Allen en el Planetario de Bogotá.

Con esa puesta en escena el Planetario de Bogotá se convertirá en un laboratorio de sonidos en el que los sintetizadores modulares, teclados eléctricos y percusiones harán la combinación perfecta para hacer un viaje sónico y espiritual que rinde tributo al legado de Tony Allen.