Cada 22 de noviembre, Colombia conmemora el Día Mundial del Músico, una fecha para reconocer a los artífices de la melodía, aquellos que, con un acorde, desafían los mandatos del tiempo y salvan la libertad del alma.

De la rebeldía familiar al refugio de los bohemios

Ser músico no es simplemente ejecutar un instrumento; es un oficio de resistencia espiritual y una vocación que desafía las coordenadas de lo establecido. En la memoria íntima de muchas familias de antaño —aquellas regidas por normas rígidas, moldes verticales y una severidad a toda prueba— siempre habitaba un personaje entrañable y singular: El tío bohemio y librepensador. Aquel pariente indomable, armado con una guitarra gastada o un viejo bolero en los labios, se convertía en el faro secreto de los jóvenes, el cómplice que introducía los primeros acordes prohibidos y abría la puerta hacia un universo donde el pensamiento crítico y la emoción desatada no conocían cadenas.

Desde los rincones más recónditos de la historia, el músico ha cumplido un rol insustituible como cronista de la tribu. En la antigüedad, eran los juglares, los aedas y los trovadores quienes tejían la memoria colectiva de los pueblos; hoy, ese testigo mantiene su antorcha encendida en las calles, los estudios y los escenarios. La música siempre ha sido la trinchera de los soñadores, el refugio donde las almas encuentran el oxígeno que el mundo cotidiano les niega.

El oficio musical se despliega en un abanico infinito de formatos que hermanan a la humanidad. Están las alegres tunas universitarias que despiertan callejones con bandurrias y picardía; los tríos y cuartetos románticos que le cantan al desamor bajo la luz de una farola; las bandas punk, los metaleros, las voces de la ópera, del interpretes del tango, el rock y el rigor sublime de los cuartetos de cámara, donde cada violín y cada chelo dialogan como si tejieran encajes con el silencio o en un amor de ‘Música Ligera’.

Pero la música también sabe convertirse en maremoto colectivo. Es la energía desbordante de The Beatles y The Rolling Stones, redefinieron la cultura juvenil del planeta, o la potencia irresistible de la Fania All Stars y El Gran Combo de Puerto Rico poniendo a bailar al universo entero con el fuego indiscutible de la salsa. Y en nuestra propia latitud, el genio visionario de Jairo Varela y el Grupo Niche elevaron la identidad afrocaribeña y pacífica hasta los altares de la salsa mundial, demostrando que en cada golpe de campana y en cada pregón late la historia viva de nuestra tierra.

Al final del camino, la música es el lenguaje universal que redime nuestras penas y ensancha los horizontes de la imaginación. Es la brújula invisible que nos recuerda que, a pesar de las tormentas, el ser humano conserva la facultad sagrada de crear belleza de la nada.

En su día mundial, a todos los músicos del mundo —a los que tocan en las grandes arenas y a los que ensayan en la penumbra de un cuarto, LAUD 90.4 FM ESTÉREO, emisora de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas — les desea el más hermoso, sonoro y bello día. Gracias por tanta música...

…Crónica en memoria de Gustavo Cerati.

Por: Edgar Cortés.

Para empezar, la Batalla Internacional Vía Alterna mantiene su poder de convocatoria a lo largo y ancho de América Latina y, los ganadores ‘Los más buscados Crew’ desde Costa Rica, dan cuenta de ello. En entrevista para LAUD 90.4 FM ESTÉREO manifestaron que “es el evento con más convocatoria de gente en una categoría de Breakin’” y consideran que es una gran hazaña tener en su currículo haber sido los ganadores de la versión 2026. Una Generación Hip Hop que mantiene la lealtad a los principios del Hip Hop y sus elementos.  

En cuanto al elemento del Dj, principio fundamental de este movimiento, la convocatoria da como resultado la selección de Dj Revueltaz, Dj Skratch, Dj Huex y Dj Karl, quienes demostraron porque sin DJ no hay Hip Hop. En la misma línea de la producción musical y como uno de los elementos fundamentales del Hip Hop los invitados por cortesía de la Alianza Francesa ‘Potsikei’, dúo francés conformado por Orfey, campeón francés de Beatbox en 2020, y Maass, productor musical con sintetizadores analógicos y samplers electrónicos dieron una gran sorpresa. Su puesta en escena reafirma que aun en tiempos en los que la inteligencia artificial se ha tomado los escenarios de la producción musical, la Generación Hip Hop rescata el papel del cuerpo y las apuestas creativas en escenarios analógicos. 

Por otro lado, los cuatro ganadores en la categoría graffiti demostraron porque Bogotá es una referencia a nivel mundial en este arte. Los crews ganadores fueron: Golden Caps (primer lugar) con la propuesta 'Calle, Hilo y Ritmo', Estilo Concreto con la propuesta 'Power Moves', Blur Concept con la propuesta 'Máster' y Rudas Gang con la propuesta 'Disonante'. Sus integrantes estuvieron durante el fin de semana del Festival en las plataformas destinadas para tal fin, demostrando que la Generación Hip Hop es también arte, color y vida. 

Dentro de los ocho ganadores de la convocatoria en el elemento MC, la presencia de Chelo Hop con una puesta en escena impecable mezclando elementos del Hip Hop con una apuesta teatral, Rolls the Voice conocidos como “la banda más parada del rap bogotano”, Kain Amnistia haciendo gala de fraseos contundentes y elementos teatrales para demostrar las posibilidades creativas del rap que se hace desde las calles de Bogotá. Así mismo, los invitados nacionales con el aporte de Lianna y una cuota femenina que contó entre otras con Mary Hellen, Selene, Dj Lolita y la grata sorpresa de Briela Ojeda. Por el lado de Cali, el invitado Izla demostró el Flow característico de la capital del Valle del Cauca acompañado de uno de los Dj’s y productores más destacados del rap caleño ‘Caresucio’ de la agrupación La Gran Hambruna. Una vez más la Generación Hip Hop reafirma su característica de multiculturalidad, ritmo e hibridez. 

La cuota internacional aporta la presencia de Da Guedes, de Brasil, una banda legendaria que sigue consolidando la relación con el hermano país más allá de las fronteras políticas e ideológicas. Rah Digga y Rampage de la Flipmode Squad, hicieron lo suyo desde las calles de Brooklyn recordando varios de sus clásicos en la tarima del Simón Bolívar. Una Generación Hip Hop que no tiene fronteras de idiomas. 

Por último, el invitado distrital, Alí a.k.a Mind dejó el que tal vez sea el show más importante de todo el festival. Desde sus orígenes con Capital Special, hasta su más reciente lanzamiento con Marco Polo y Masta Ace, Alí es tal vez el artista más influyente de los últimos años en la escena del rap Bogotano. Un show cargado de energía, recordando aspectos como la importancia de cuidar la salud mental, la influencia de las redes sociales y las fake news y, el orgullo de ser rolo con otro gran invitado capitalino, el artista Realidad Mental. 

Además de lo anterior, Alí utilizó el rap para hablar de los aspectos coyunturales en el orden político de Macondo – como referenció a Colombia en su show – acompañado de los coros que se repitieron en diferentes momentos durante todo el festival. Para los asistentes al evento y para el rap de la ciudad es un momento épico que no se volverá a repetir ya que el artista manifestó que era su última presentación en Hip Hop al Parque. Una Generación Hip Hop que va de la política a la cultura, que captura las esperanzas, ambiciones y temores, más allá de lo que diga el canon del arte y la industria de la música. 

La Generación Hip Hop convocada en el pasado fin de semana le dice a la ciudad y al país que lo importante no es la ostentación ni ser mejor que el otro, sino la relación entre nosotros y conectarse con el mundo. Al final, el Festival Hip Hop al Parque no alcanza a abarcar la diversidad y magnitud del movimiento en la ciudad y porque no, en el país. Se trata del Festival de Hip Hop gratuito más grande de América Latina, muchos artistas en otros países lo ven como una plataforma para impulsar sus carreras y aún en la ciudad, los grupos y artistas del Hip Hop trabajan arduamente para dar a conocer lo que se hace desde las calles y los barrios de la ciudad. 

Por: Cerbero Nativo a.k.a José Luis Pérez Romero

Vea el cubrimiento completo del Festival aquí. 

En el país, esta figura dejó de ser vista únicamente como quien anima una fiesta para convertirse en un profesional que debe dominar técnica, criterio artístico y gestión de proyecto. El crecimiento del entretenimiento ha aumentado las demandas para aquellos que buscan vivir de este oficio, impulsando una transición del aprendizaje empírico hacia procesos académicos estructurados.

David Nájera, CEO de DNA Music, habló en los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, sobre esta transformación y el lugar que hoy ocupan los artistas colombianos en circuitos internacionales.

“El DJ pasó de ser una imagen secundaria. Por muchos años, los únicos que tenían visibilidad eran los de radio y estábamos lejos de imaginar que llenarían estadios y serían protagonistas de grandes tarimas. Hoy Colombia tiene un papel destacado dentro del panorama musical global”.

En ese mismo sentido, resaltó cómo el trabajo de generaciones anteriores abrió camino para el reconocimiento actual. “Los artistas colombianos recogen lo que sembraron quienes estuvieron antes. Ahora vemos representantes del país en escenarios como Tomorrowland, EDC, Ultra Music Festival o Coachella, que son referentes mundiales, y allí participan como protagonistas”.

A lo largo de los años, gran parte de quienes se dedicaban a mezclar música aprendieron de manera autodidacta. La práctica constante y la intuición bastaban para abrirse camino en bares o eventos pequeños. Sin embargo, la sofisticación tecnológica de los equipos, la digitalización y la expansión de plataformas especializadas han transformado el perfil requerido. Hoy se exige dominio de software, estructura sonora, lectura de audiencias y construcción de identidad artística.

Sobre la importancia de la preparación académica, Nájera explicó. “Hoy en día la formación se vuelve clave para el artista como profesional. La educación acorta distancias. El empirismo es una vía válida, pero formarse de manera adecuada

significa exponerse a distintos equipos y tecnologías, con diversas características y funcionalidades, que permiten desarrollar habilidades con mayor calidad”.

Además, señaló que el proceso formativo no se limita a la técnica. “La preparación también fortalece la manera de relacionarse, la importancia de estar expuesto al networking, la asistencia a eventos, el conocimiento en marketing, la construcción de un plan de negocio y la promoción de la carrera. Ser artista es una de las formas más puras de emprendimiento”.

Finalmente, subrayó que el reconocimiento en la actualidad exige ampliar competencias más allá de la cabina.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante

Este escenario, continúa consolidándose como uno de los teatros culturales más importantes de Bogotá al reunir en una misma tarima los legados de dos gigantes del rock.

Desde los años noventa, Pantera, irrumpió en la escena del metal con una propuesta cruda y poderosa que transformó el sonido de este género musical y marcó a generaciones de seguidores. Por su parte, Metallica, a lo largo de los años, ha construido un lugar central en la historia del heavy metal, expandiendo los límites del género y manteniendo una vigencia poco común gracias a su constante evolución musical.

El show propone un recorrido por canciones que marcaron la historia. En tarima, Ozzy Company interpretará clásicos de Metallica y Pantera, con un formato by request que permitirá a los asistentes elegir parte del repertorio.

Logan Parra, director de la compañía, pasó por LAUD 90.4 FM ESTÉREO para contarnos cómo nació esta idea, qué hay detrás de este reto artístico y por qué los tributos siguen siendo una experiencia viva sobre el escenario.

El evento se suma a la programación del Teatro Cafam como una apuesta por ampliar su oferta musical y convocar a públicos de distintas edades en torno al rock y el metal. La cita será el viernes 6 de febrero de 2026, a las 8:00 p. m., e incluirá invitados especiales y el sorteo de una guitarra Jackson entre los asistentes.

Por: Giovanna Sánchez Bustamante.

Con letras que hablan del amor por la gente y un sonido que evoca al rock andino, la canción ‘Qué sientes’ es también un homenaje a Siglo 0, grupo que dejó huella sin dejar registros sonoros.

La historia comienza en el Teatro La Comedia, lugar que muchos recuerdan como el templo del rock en la capital. Allí se escuchó por primera vez a Siglo 0, una agrupación que compartió época con Humberto Monroy y otros músicos que luego integrarían bandas como Génesis o The Speakers. “Era como estar en la cadena de Liverpool, con un sonido y unas luces que nos fascinaban”, recuerda Miguel Muñoz integrante de Siglo 0.

Lo curioso es que, a pesar de la relevancia del grupo, no quedaron grabaciones. “No hay un registro de fotografía, no hay un boletín de prensa, mucho menos un video”, cuenta Muñoz, quien decidió rescatar ese nombre y convertirlo en un símbolo vivo. ‘Qué sientes’ surge de esa necesidad de darle voz a una memoria que parecía perdida.

Las letras nacieron de manera espontánea. “Yo amo a la gente que ama a la gente, la miras de frente y puedes ver su luz”, esta frase de la canción apareció como un fragmento suelto que luego se fue transformando en melodía. Para él, lo importante era transmitir un mensaje sencillo: querer a las personas es la base de todo.

Además del homenaje, la canción abre paso a un megaproyecto: el álbum ‘El Paladín de la Guitarra’, allí se mezclan influencias diversas, desde flautas que recuerdan al rock latino de los setenta, hasta sonidos más cercanos a Nueva York con pianos y electrónica. “Tengo varias canciones listas, pero no quiero lanzarlas todas de una vez, prefiero ir paso a paso”, explicó.

El proyecto también tiene una intención clara: no tocar únicamente en bares pequeños, sino buscar escenarios grandes. “Quiero enamorar a los managers… que Siglo 0 vuelva a sonar en plazas de diez mil o quince mil personas”, aseguró el músico. Su apuesta no es solo recordar, sino proyectar hacia adelante un legado que habla de sueños colectivos.

Finalmente, ‘Qué sientes’ invita a reflexionar sobre lo que cada persona experimenta al escuchar música. La pregunta que da título al tema no es casual: busca conectar al oyente con sus emociones más profundas. En palabras de Muñoz, “la música es un mundo bello que hay que rescatar de adentro”.

La dualidad del ser y las caras opuestas del ser humano, han sido, desde el 2013, la principal inspiración de Duplex. Un proyecto con raíces manizaleñas que nace de la profundidad de los metales pesados y los cantos guturales.

Checho Pachanga (batería), Chalo Escobar (bajo), Pipe Cantillo (guitarra líder) y Ross Lemus (voz Líder y guitarra rítmica), le dan vida a esta innovación sonora que para el 2025 presenta su cuarta placa: ‘Embrace the Pain’.

“Es una descarga introspectiva que rompe el silencio y enfrenta la oscuridad interior del ser, a causa del dolor que ha ido abrazando a través del tiempo. Este disco expresa la angustia, la inestabilidad, la confrontación y el desahogo”, contó Ross Lemus en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El disco sigue una idea conceptual donde cada canción forma parte de una misma narrativa, buscando retratar el proceso interno de una persona en crisis, desde el colapso y la desestabilización hasta la aceptación del dolor como punto de inflexión y transformación. Esta producción comenzó con el video de ‘Don't Say a Word’, primer adelanto del álbum, y culmina en una obra que integra música, letras y diseño visual para invitar a la aceptación y el caminar de la mano con el dolor.

¡Una trilogía de canciones!

Aunque son doce temas las que dan vida a este álbum, títulos como ‘Chaotic’, ‘Broken Silence’ e ‘Inside the Pain’ marcan el pulso de ese viaje emocional.

-    ‘Chaotic’ abre el ciclo mostrando el estado de confusión y fractura donde las certezas se mueven y todo parece desordenado.

-    ‘Broken Silence’ representa la confrontación: el momento en que se rompe el mutismo, se dicen las verdades ocultas y se enfrenta lo que se ha retenido.

-    ‘Inside the Pain’, donde el dolor se convierte en un punto de partida, en un abrazo consciente a ese individuo roto que por fin aceptó el caos y la angustia que lo atormentan.

El disco ya está disponible en todas las plataformas y redes sociales de la banda.

Hace un poco más de veinte años no era posible referenciar a The Beatnuts, invitados internacionales a Hip Hop al Parque, diciendo que una de sus canciones era tendencia en una Tik Tok. Hace más de 10 años ya se podía hablar de tendencias o videos virales cuando un par de mujeres adolescentes de origen venezolano llamadas Mestiza y Neblinna, daban un mensaje a la juventud, especialmente a las mujeres, con un tema que titulaban ‘Respétense’. En la versión de Hip Hop al Parque de 2025 los asistentes pudieron corear la canción, por cortesía de Neblinna otra de las invitadas que completaba el cartel del Festival.

Dos casos concretos de lo que sucedió este fin de semana en la versión número 28 del Festival de Hip Hop más grande de América Latina y de cómo con el pasar del tiempo las dinámicas de las industrias culturales ponen en evidencia la forma en que van cambiando los tiempos. Los asistentes al Parque Simón Bolivar pudieron apreciar los representantes de esta generación emergente por cortesía de artistas como Jamblock Junior, Monfu, H-ico el señor del Funk, quienes pusieron una cuota muy interesante con su apuesta artística llena de matices en la producción y con un liricismo digno de los raperos rolos. 

Así mismo, Spektra de la Rima, Alfa Gama o M.A.D Fellaz lograron demostrar cómo se teje un puente entre generaciones de raperos que le han puesto un sello distintivo y de altura al rap bogotano en este juego de la música. A su vez, el rapero de origen venezolano Aros García que tuvo la oportunidad de llegar al Festival como artista distrital, demostró porque esta ciudad de puertas abiertas lo es también para el hip hop, y para alguien que da cuenta de su participación en el evento con talento de sobra. 

Como siempre las Batalla Internacional Vía Alterna, dejaron muy en alto el nombre del elemento del Breakin’ al contar con lo más destacado de grupos bogotanos y dos muy buenos invitados internacionales. Al final, los ganadores Young Kings se llevaron el tan codiciado primer lugar que ya es un trofeo anhelado entre los B Boys y las B Girls de toda América Latina.

También y como es costumbre, los asistentes al sector del Parque Simón Bolivar y sus alrededores pudieron observar cómo los artistas del graffitti intervinieron en los paraderos del Sistema Integrado de Transporte Público como parte del evento y al interior del parque en las intervenciones de gran formato que recuerdan porque Bogotá esta en los primeros lugares del arte urbano en el mundo. 

Quedan postales para el recuerdo como la del artista francés Lord Kossity invitando a Rocca, leyenda del rap colombiano, quién a su vez cuenta con una importante trayectoria en el rap del país Galo. Rocca cantaría su clásico de 1997 ‘Les jeunes de l’universe’ trayendo a la memoria de muchos de los asistentes su flow, métrica y contundencia como las razones que lo ponen como una de las figuras más influyentes del rap de Colombia.

O la presencia de la cantante colombiana La Muchacha como invitada al show de la rapera chilena Ana Tijoux, con un mensaje claro de rechazo a la violencia y de solidaridad con el pueblo de Palestina.   

La Zona de Arte y Emprendimiento confirma que el hip hop de Bogotá mueve un mercado que va desde la música hasta diversos productos relacionados con graffitti, ropa, y una gran gama de opciones que ratifican el impacto de esta industria alternativa en la economía de la capital. 

Con una cifra que supera los 75 mil asistentes y más de 180 artistas, con una agenda académica que aún no cierra, y con un compromiso de seguir llegando a los raperos, graffiteros, b girls, b boys y dj’s, con la posibilidad de continuar aumentando el impacto intergeneracional en el hip hop de la ciudad y del país, el Festival Hip Hop al Parque sigue demostrando porque, como diría Grand Master Caz “El Hip Hop no inventó nada, el Hip Hop lo reinventó todo”. 

Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.

Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento. "Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio", cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro. 

'Narcótica' es el nuevo lanzamiento de Vehementes, un tema que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latín, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.

"Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco", comentó la banda.

Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la 'miércoles' y gritar con fuerza "maldito el momento".

"Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros", agregó.

'Narcótica' hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas. 

El siguiente trabajo que la banda lanzará se titula 'Precisa' y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que se ve a la otra persona en un pedestal, cantada desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es 'Narcótica'.

La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.

"Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop", concluye la agrupación.

Un cofre musical se abre y en su interior brillan seis canciones inspiradas en las emociones humanas, convertidas en secretos que esperan el momento exacto para salir.

Este tesoro lleva por nombre ‘Colecciones Ocultas’, y tiene una guardiana: Vale Sua, cantautora colombiana que presenta una mezcla vibrante de pop, funk y EDM.

"El concepto detrás de este álbum nace de una narrativa muy personal. Los primeros tres sencillos del EP estuvieron acompañados por un color que representaba la emoción principal de cada canción. Ahora, todas esas piezas se unen en una sola obra, donde los colores, las historias y los sonidos se entrelazan para crear un mosaico sonoro que refleja la complejidad de lo que sentimos”, comentó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Dentro de los títulos del proyecto resaltan ‘Ya no dueles’, ‘Turbulento’ y ‘Cuando Llegaste’, acompañados de dos grandes novedades:

-    ‘Muy Cliché’: Una canción que posiciona a Sua como cantautora colombiana bilingüe. Allí describe uno de sus momentos más íntimos al vivir fuera del país y relata la historia del desamor sin restricción de idiomas.

-    ‘5 Minutos Más’: Se trata del focus track del EP que nace de dos preguntas: ¿Qué habría pasado si hubiésemos tenido 5 minutos más para confesarle a esa persona todo lo que sentimos? ¿Habría cambiado el final de la historia?

“A menudo, nos engañamos repitiendo historias que habitan en un frágil castillo de cristal, a punto de quebrarse si seguimos evitando expresar lo que llevamos dentro. No es un secreto que tememos perder a esa persona, y esta canción captura la lucha interna de atrevernos a decir aquello que tanto nos cuesta”, agregó la artista.

‘Colecciones Ocultas’ fue producido por Daniel Moreno, líder de la reconocida banda Piel Camaleón, y por Andrés Felipe Quiroga, ganador de un Latin Grammy. Ya está disponible en todas las plataformas.

Flor de Cerezo, es una agrupación de mujeres que han hecho de la gaita y los tambores del Caribe su forma de resistir, crear y conectar. Durante la entrevista, compartieron lo importante que es mantener vivo el folclor. Porque siempre están los ritmos, las historias, las memorias, los pueblos y los caminos que siguen sonando.

También hablaron del trabajo que hay detrás de un concierto: ensayos intensos, mucha coordinación, escuchar al otro, aprender a llevar el mismo ritmo entre tambores, gaitas, cuerdas y voces, no ha sido una tarea fácil pero la paciencia y el esfuerzo colectivo han ayudado para sacar esta presentación adelante que han hecho con dedicación para que todo suene como debe sonar mágico.

Este 19 y 20 de julio, ellas estarán sobre el escenario del Concierto de la Colombianidad, compartiendo esa herencia musical junto a la Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Sociedad Coral en el Gran auditorio de Compensar de la avenida 68, a partir de las 7: 00 p.m.  Una mezcla poderosa entre lo tradicional y lo sinfónico, entre la tierra y el aire, que promete tocar fibras y corazones.

Si quiere conocer más de esta mezcla de estilos y el talento de las mujeres colombianas, puede ver la entrevista completa aquí. 

Por: Carlos Santamaria.