No es la primera, ni la segunda vez que hablamos de ‘Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo’ el largometraje que más ha durado en las salas comerciales del país sigue dando de qué hablar y ya lleva meses sorprendiéndonos, por esa razón los invitamos a leer una reseña que hicimos sobre esta producción el 28 de junio del 2022. (Leer reseña).

Gracias a ser la más nominada en los premios Óscar, nada menos que 11, Mejor película, Mejor director (en este caso directores), Mejor actriz, Mejor actor de reparto, Mejor actriz de reparto (por dos), Mejor guion original, Mejor montaje, Mejor diseño de vestuario, Mejor canción original y Mejor banda sonora. 

No importa si no se lleva ninguna estatuilla, lo relevante es el protagonismo que ha logrado con un presupuesto de 25 millones de dólares que parece modesto ante tantos efectos y acción que ofrecen los directores.

Lo mejor ha sido la respuesta que ha tenido en taquilla, más las buenas críticas del público en general y de la prensa especializada. Lo que nos llevó recientemente a compartir un reel en las redes sociales de LAUD 90.4 FM ESTÉREO sobre el impacto que ha despertado este filme.  La nueva noticia es que ‘Everything Everywhere All at Once’ desde el pasado 24 de febrero llegó al catálogo de Amazon Prime Video.

La plataforma sigue luchando para ganar un espacio en el público colombiano, recientemente estrenó la serie ‘Manes’, además cuenta con novelas exitosas como ‘Vecinos’, ‘Pa’ Quererte’ y ‘Yo soy Betty, la fea’.

La Cinemateca de Bogotá en colaboración con Etxepare Euskal Institutua presentan el ciclo ‘Nuevo Cine Vasco’, una invitación a descubrir películas producidas en euskera (lengua vasca) una de las lenguas más antiguas de Europa durante la última década, basándose en una ecuación sencilla: Diversidad de enfoques, estilos y temas.

Sin centrarse en un solo realizador o autor principal, la curaduría del evento quiere evidenciar un conjunto general en el que el público pueda apreciar múltiples puntos de vista que dibujan una cinematografía caleidoscópica.

La mayoría de las películas que se presentan son inéditas, joyas en las que podremos apreciar diversos géneros como: Animación, documental, comedia y dramas sociales.

En total se presentarán seis títulos. Los largometrajes son:

‘Enjambre’ (Enjambre) de Mireia Gabilondo, llevará al público a un viaje de un grupo de amigas de la infancia que han ido a una casa rural para celebrar la despedida de soltera de una de ellas. ‘Abuela’ (Amama) de Asier Altuna, que narra una historia familiar sobre el conflicto entre lo urbano y lo rural, entre pasado y presente, padres e hijos. ‘Black is Negro’ (Black is Beltza) de Fermin Muguruza, es una animación que recrea el octubre de 1965, donde la comparsa de los gigantes de San Fermín recibe la invitación para desfilar en la Quinta Avenida de Nueva York, pero no todos podrán desfilar: Motivos raciales, dirigentes norteamericanos han prohibido que los negros participen en el evento. Inspirada en hechos reales. ‘El ciervo’ (Oreina) de Koldo Almandoz. ‘El gigante’ (Handia) de Jon Garaño y Ator Arregi, habla del regreso de Martín a casa donde descubre que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal, convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia.   ‘Danza’ (Dantza) de Telmo Esnal, muestra un relato acerca de la vida, la muerte y la lucha por la supervivencia.

La Etxepare Euskal Institutua es una institución pública del País Vasco que trabaja para impulsar la proyección de la lengua y la creación vasca contemporánea a nivel internacional y en diálogo con otras culturas.  Para ello promueve la presencia internacional de artistas, autores y obras y fomenta la cooperación y el intercambio entre creadores, profesionales y entidades de la escena vasca y la de otros países y culturas.

La inauguración se llevará a cabo el 21 de febrero a las 7:00 p.m. en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá con la proyección de la película ‘Enjambre’, esta función es de acceso libre.

Brendan Fraser debe ser de los actores más famosos del mundo, sin embargo, hace años que no lo vemos en un protagónico, bueno ni siquiera en papeles menores y ahora está seguramente en el punto más alto de su carrera como si se hubiera preparado toda su vida para este papel. 

La historia de ‘La Ballena’ es simple, un hombre que por su condición física está a punto de morir, su objetivo es acercarse a su hija a quien dejó cuando apenas era solamente una niña. 

La complejidad radica en los personajes, cada uno de gran profundidad, aquí no estamos entre buenos o malos, sino seres humanos llenos de virtudes y defectos, de ahí la grandeza de este nuevo trabajo de Aronofsky. 

El director sorprende con su propuesta visual, lo primero la pantalla es cuadrada como la de los viejos televisores, recurso que usa para acercarnos al teatro, recordemos que el guion se basa en la obra homónima escrita por Samuel D. Hunter quien escribió una experiencia personal inspirada en un taller de literatura que impartía, a la que denomina autoficción. 

Así que el personaje central es un hombre solitario, Charlie, Brendan Fraser, es un profesor de literatura inglesa, clase que da desde su computador personal, su voz es hermosa, profunda, sus palabras inspiran a sus estudiantes, es de una claridad sorprendente, sin embargo, nunca enciende su cámara por su aspecto físico. 

El profesor encerrado en su casa pesa 270 kilos, su movilidad es reducida, difícilmente se puede poner en pie, su presión está disparada, pero, no solo el problema es su físico, a nivel emocional está igual de deteriorado, su única razón de vivir es poder lograr que su hija lo perdone por su abandono.  

No es la primera vez que el director logra resucitar la carrera de un actor, en el 2008 Mickey Rourke en el ‘El Luchador’ vivió algo muy parecido, no obstante, este proyecto es más arriesgado al ser una propuesta claustrofóbica que tiene pinceladas de suspenso, terror, pero que también nos invita a salir corriendo a leer a ‘Moby Dick’ de Herman Melville. 

‘La Ballena’ es hermosa, triste y desgarradora, evidencia la soledad, habla de tema incómodos, muestra lo mejor y lo peor del ser humano. El director cuenta su relato con empatía, el único miedo que me queda es la mirada condescendiente que pueda despertar entre el público.  

Carlos Saura falleció este viernes poco después de cumplir 91 años. Los críticos han dicho que con su muerte desaparece el último clásico del cine español, y uno de los inspiradores del cine de autor. Fue, además, un artista con curiosidad por diversas facetas de la vida, dramas contundentes, la exploración del ser humano, de las relaciones emocionales y sociales, y de las familiares. Fue un apasionado por los musicales, por eso hizo obras como ‘Bodas de sangre’ (1981), ‘El rey de todo el mundo’ (2021). Tránsito a través del flamenco, la música mexicana, la jota, el tango, los fados y el folclore argentino, entre otros.

El director, guionista y escritor obtuvo desde el inicio el reconocimiento de la crítica, del público y de los grandes festivales. Consiguió el ‘Oso de Oro’ por ‘Deprisa, deprisa’ y dos ‘Oso de Plata’ a la mejor dirección en la Berlinale; ganó dos veces el ‘Gran premio del jurado’ en Cannes, donde estuvo en ocho ediciones; Concha de Oro de honor de San Sebastián; tres veces candidato al Oscar. En España se hizo merecedor de reconocimientos, como el Nacional de Cinematografía, la medalla de oro de la Academia de cine y el mérito en las Bellas Artes. En marzo recibió la ‘Biznaga de Oro’ del festival de Málaga. Fuera de su país se le otorgó el premio de honor de la Academia de cine europeo, diversos doctorados honoris causa y galardones de varios certámenes por toda su carrera y su vida.

Mañana, sábado, iba a recibir el Goya de Honor, por lo que se convierte así, en un galardón póstumo, el tercero en la historia de la Academia. Al anunciar este reconocimiento, el presidente de la institución, Fernando Méndez-Leite dijo que se otorgaba al cineasta “Por su extensa y personalísima aportación creativa a la historia del cine español desde fines de los años cincuenta hasta hoy mismo”. 

El pasado 3 de febrero se estrenó ‘Las paredes hablan’, su último largometraje, sobre la evolución del arte en las paredes, desde las cuevas prehistóricas hasta el grafiti actual. 

El diario El País menciona que al final del confinamiento, Saura definió cuál era su talento y dijo: “La imaginación. He utilizado la imaginación para contar historias que me gustan y pienso que van a gustar a otros. Luego igual no les gustan, pero qué vas a hacer, no siempre aciertas. Solo el hecho de que te dejen contar tus propias historias, dar un paso adelante, es lo que he intentado toda la vida”. Saura veía mucho cine y lo explicaba con estas palabras: “Así aprendo lo que no quiero hacer. ¿Qué quiero hacer? No lo sé, lo que tengo claro es lo que no”. Se definía como “un ser afortunado, que ha dirigido unas 50 películas y que ha hecho el cine que quería. Y eso es un milagro”.

Cuatro de sus películas destacadas

Deprisa, Deprisa (1981)

En esta película, Carlos Saura muestra el entorno en el que vivían los jóvenes de los barrios humildes a finales de los setenta. La historia se centra en cuatro amigos, Ángela, Pablo, "El Meca" y "El Sebas". Jóvenes marginales que dejan los estudios a un lado y deciden ganarse la vida de la manera más fácil y ruin, robando.

 

Cría Cuervos (1976)

Los padres de Ana murieron recientemente. Testigo de estas dos perdidas sin quererlo, Ana rechaza el mundo de los adultos y se inventa su universo. Se cuelga de sus sueños y sus recuerdos para hacer revivir a su madre y encontrar su amor. 

 

Ay, Carmela (1990)

Paulino y Carmela son un matrimonio de trovadores que se ganan la vida haciendo espectáculos en el bando republicano durante la Guerra Civil Española. Junto a su asistente mudo Gustavete viajan por error al frente nacionalista y son arrestados. La única manera de salvar sus vidas será hacer un espectáculo para un grupo de militares con una ideología contraria a la suya.

 

El Séptimo Día (2004)

A sus quince años, Isabel investiga el pasado de una rivalidad familiar y descubre que la enemistad no fue motivada por la tierra, como se creía, sino por una historia de amor y despecho. Su tío, Amadeo Jiménez, mantuvo una relación amorosa con Luciana Fuentes. Jerónimo, el hermano de Luciana, no pudo perdonar que Amadeo la abandonara y llevado por la ira, incendió la casa de la familia Fuentes y provocó la muerte de la madre. La venganza será cruel y violenta.

 

El proyecto contará con videos caseros tomados por McCartney y su difunta esposa Linda McCartney, entrevistas inéditas que abordarán los hechos entre la ruptura de la banda de Liverpool y el surgimiento de Wings.

Además el documental, hará un recorrido por las secuelas de la ruptura con The Beatles, desde su álbum homónimo y el primero de una eventual trilogía, hasta la formación de su segunda banda, Wings, y sus álbumes posteriores. 

El director Morgan Neville se ha declarado un gran fan de McCartney, y eso fue lo que llevó a aceptar la propuesta de dirigir ‘Man on the run’: “Era demasiado joven para comprar discos de los Beatles cuando salieron, pero podía comprar discos de Wings y me encantaban. Para mí, la historia de lo que le sucedió a Paul a raíz de The Beatles cuando tuvo que redescubrirse a sí mismo es la historia que nunca se ha contado. Cuando me llamaron de Universal me tomó unos tres segundos decir que tenía que hacer esto. Es el tipo de cosas para las que creo que he estado entrenando desde que tenía 10 años”.

El resultado es un relato íntimo y personal detrás de escena de cómo Paul progresó desde el retiro de The Beatles en 1966, de los conciertos en vivo y la disolución de la banda en 1970, hasta las giras de Wings que establecerían el estándar para los espectáculos de rock de arena de la década de 1970.

Hace semanas compartimos con mucha emoción que en la película del día de Mubi habían subido ‘La Virgen de los sicarios’ en la que Fernando Vallejo escribió el guion a partir de su novela homónima.

En esta ocasión queremos resaltar la calidad de los recientes títulos compartidos y en especial la filmografía de dos grandes directores como: Von Trier y Buñuel. 

Del español dos cintas estelares:

‘El oscuro objeto del deseo’ (1977)

 

‘El discreto encanto de la burgesía’ (1972)

 

Del danés, además de su trabajo ‘The Kingdom’ están los siguientes largometrajes: 

‘Europa’ (1991)

 

‘Epidemic’ (1987)

 

‘El elemento del crimen’ (1984)

 

‘La casa de Jack’ (2018)

 

Otras producciones que ha llegado a la plataforma son: la cinta de acción ‘Rambo’; ‘Perros de reserva’ de Quentin Tarantino;  ‘Alps’ de Yorgos Lanthimos; ‘Sweetie’ de Jane Campion’ y ‘Pi, el orden del caos’ de Darren Aronofsky.   

El proyecto se creó en Mendoza, lugar en el que también nació el artista y fue apoyado por el Instituto de Cine (INCAA) del mismo país. Dirigido por Mariano Donoso y Federico Cardone, este cuenta con un guion de Mariana Guzzante, y Ciro Novelli de Curandero Films estará en el rol de productor.

Más allá de ser el brillante autor de la tira universal Mafalda, son pocos los que conocen de un modo más preciso los trazos de vida de Quino y el trasfondo de su mundo creativo y afectivo. De ahí surge este film que se propone acercar la figura del dibujante al público, con entrevistas inéditas a Quino y sus familiares más cercanos, acceso privilegiado a los archivos y creaciones del gran ilustrador mendocino y un recorrido cinematográfico por los sitios que formaron su sensibilidad, con locaciones nacionales e internacionales (las de su exilio).

 

 

El objetivo de esta cinta es profundizar en lo que fue la vida y el mundo creativo de Joaquín Lavado Tejón, quien falleció en el 2020, lejos de dar entrevistas, permaneció oculto por muchos años al público en su vida íntima.

Algunas creaciones e imágenes inéditas e historias sobre Mafalda y sus traducciones, harán parte de esta producción que intentará dibujar y entender la gran sensibilidad del artista y dibujante argentino. 

Así mismo, la película busca dar cuenta del ambiente en el que se forjó su creatividad y de las experiencias que moldearon su carácter, recorriendo su vida desde sus orígenes, antes de que emigrara a Buenos Aires ya con la idea de convertirse en dibujante de humor, de que se instalara en Europa y de que se consagrara con el Premio Príncipe de Asturias a la Comunicación y Humanidades en 2014. 

El documental también intenta vincular los espacios de Quino con su persona y su obra, en una suerte de mapa vital que incluye las ciudades donde vivió (Mendoza, Buenos Aires, Milán, Madrid), el pueblo de origen de su familia (Fuengirola, Málaga) y las historias de las traducciones más curiosas y apasionantes de su célebre Mafalda.

Los Whittaker son una familia endogámica, que es la unión o reproducción entre individuos de ascendencia común; es decir, de una misma familia. Ellos viven en condiciones bastante precarias y el cineasta logró grabar su vida al natural para convertirlo en un documental.

Mark Laita es un productor y fotógrafo estadounidense, creador del documental que recopila diferentes capítulos sobre dicha familia. Aunque no fue fácil llegar a ellos, logró hacerlo y captar su realidad, la condición en la que viven y las maneras en las que se comunican entre ellos.

Según Laita, la primera vez que intentó acercarse a los Whittaker, varios miembros de esta familia y vecinos lo insultaron, intentaron agredir y evitaban a toda costa que pudiera ingresar a la vivienda de ellos. Esta reacción, de acuerdo a lo contado por el documentalista, fue porque ellos viven alejados de la civilización y se cohíben de conocer el mundo exterior para evitar ser juzgados, burlados y criticados por la sociedad.

Cuando pudo tener contacto con estas personas, se dio cuenta que tenían malformaciones en su rostro, no hablaban alguna lengua clara, sino que, en cambio, se comunicaban con ladridos, aullidos y gritos.

La familia reside en Virginia Occidental y, de acuerdo a Laita, no tienen educación y viven bajo absoluta pobreza; con ellos conviven varios perros que tienen como mascotas.

 

 

Después de esa primera visita, Laita mantuvo una pertinente comunicación con los Whittaker, que le permitió regresar al lugar en 2020 y grabó un documental llamado ‘Inbred family - The Whittakers’, publicada en su canal de YouTube ‘Soft White Underbelly’. En esta cinta conoció a tres miembros de los Whittaker: Betty, Lorraine y Ray, y su primo, Timmy, quienes, a excepción de Betty, tienen distintas anomalías tanto físicas como mentales.

Aunque Laita intentó descubrir la razón por la cual esta familia padecía de malformaciones y problemas, sin embargo, un año después, en el 2021, Betty le contó al cineasta que sus padres efectivamente estaban relacionados, es decir, eran primos hermanos dobles. Dado esto, “la endogamia fue, al menos en parte, responsable de las anomalías mentales y físicas observadas en Lorraine, Freddie, Ray y Timmy”, aseguró Laita.

5 de enero ‘Agente Fortuna’ (‘Operation Fortune: Ruse de Guerre’). El protagonista es Jason Statham y cuenta con la dirección de Guy Ritchie.

 

19 de enero ‘Babylon’ el Nuevo Proyecto de Damien Chazelle que cuenta con un reparto increíble: Margot Robbie y Brad Pitt.

 

26 de enero ‘Los Fabelman’ (The Fabelmans) el reciente proyecto de Steven Speilberg en el que actúan Michelle Williams y Paul Dano. 

 

9 de febrero ‘La decisión de partir’ (헤어질 결심) dirigida por Park Chan-Wook

 

2 de marzo ‘Creed III’ La actuación y dirección de Michael B. Jordan.  

Desde hoy (29 de diciembre) llega a las principales salas del país la segunda parte de ‘Terrifier’ con el cuestionamiento ‘¿Quién se va reír ahora? El payaso siniestro. Si usted no tiene ni idea de que va la historia, pero se muere de ganas por ver la cinta, no se preocupe, no se sienta mal, es simplemente un fenómeno mundial y con saber que es una sangrienta, divertida y siniestra, da para que todos queramos verla. 

Su primera parte logró lo imposible, con un presupuesto de tan solo 250 mil dólares, obtuvo una recaudación de 10 millones de dólares. 

La cinta del 2016 que se puede ver en Amanzon Prime tiene la siguiente reseña en Filmin “El payaso más terrorífico del nuevo milenio. Una película de culto que promete pesadillas inolvidables y cuya secuela está provocando récord de desmayos en Estados Unidos.” 

Es decir, dice poco de la cinta así que vamos a la plataforma en donde no encontramos mucho más que “Un payaso maníaco llamado Art, aterroriza a tres jóvenes en la noche de Halloween y a todos los que se interponen en su camino”.  Su calificación en IMDb es de 5,6. En Rotten Tomatoes no hay gran novedad, la crítica le da 56 % y la audiencia es 53 %. Sí, todo apunta que estamos ante un hueso sin mayor debate. 

Pero, no importa, por ver sangre, malos efectos y reírnos mientras intentan asesinar al resto del reparto no debemos sentir culpa por esa sensación placentera que no necesita mucha justificación, así que no hay que sentirse mal por morirse de ganas por ver esta nueva entrega sin haber visto la anterior, parece peor haber visto la primera y querer seguir viendo la segunda.  

Ahora no sé qué será peor si el largometraje o la reseña de Cine Colombia de esta segunda parte “Un año después de la infame Masacre del Condado de Miles, el asesino en serie, Art el Payaso, regresa a acechar a una familia. Guiado por una aparición demoniaca, Art pone en su mira a una joven y a su hermano menor. Mientras las líneas entre pesadilla y realidad se cruzan y la cuenta de cadáveres aumenta, los hermanos encontrarán un oscuro secreto familiar que puede llevarlos a la salvación y ponerle fin al reino de terror de Art.”