Detrás del nombre Dan T está la inspiración del poeta Dante Alighieri, autor de La Divina Comedia. No es una simple referencia literaria: es una metáfora sobre recorrer los propios infiernos para encontrar algo luminoso. “Siempre intento que las canciones estén inspiradas en libros, poemas o películas. Eso les da más contenido y las conecta con la vida real”, contó el artista durante su conversación en ‘Amantes del Círculo Polar’.

En esta primera entrega, ‘Golpe de suerte’, el músico bogotano comparte una historia sobre el amor que se cruza en el camino sin avisar. “Es una canción muy especial que escribí para una persona con la que compartí gran parte de mi vida. Habla de lo afortunadas que son las personas que encuentran a alguien con quien construir algo”, dijo Huérfano.

Musicalmente, el tema se mueve entre sonidos pop suaves, acompañados por violines, cajón peruano y bongós. No busca ser un himno romántico, sino una pausa. “Yo la escucho y me tranquiliza. Es de esas canciones que le sirven a uno para relajarse, para llevar la vaina suave”, afirmó el músico en la entrevista.

El videoclip fue grabado en diferentes puntos de Bogotá y muestra una ciudad viva, con murales y calles reales. “A mí me encantan los grafitis, siempre me fijo en ellos cuando voy en la moto. Quería que el video tuviera ese espíritu urbano, sin pretensiones”, explicó Huérfano. Esa cercanía visual también traduce la esencia del trabajo: algo simple, honesto y cotidiano.

Más allá del debut, Dan T representa una búsqueda de libertad creativa. El artista aseguró que no quiere limitarse únicamente a un género. “Antes pensaba que solo hacía rock, pero uno aprende a disfrutar de todo. Hoy la gente está más abierta a distintos sonidos, y eso me da espacio para componer sin miedo”, señaló.

El proyecto continuará con un EP titulado `La D.C.`, abreviación de La Divina Comedia, donde cada canción recorrerá distintas emociones humanas: del amor a la pérdida, del cielo al infierno personal. Como en la obra que lo inspiró, Dan T busca que el oyente se reconozca en cada paso de ese viaje.

Con esta canción, la cantautora abre un espacio para sanar desde la música y reconectarse con la fuerza interior que nace cuando se aprende a soltar el pasado.

Más que una simple composición, este sencillo representa un renacer, se dio en un momento de profunda transformación, cuando Francis decidió mirar hacia adelante y dejar atrás la nostalgia de la migración. “La escribí cuando empecé a liberarme del pasado para ser quien realmente quiero ser”, aseguró la artista, quien ha hecho de su música una forma de reencontrarse con su identidad y con la alegría de vivir.

El tema combina la potencia de los tambores afrocaribeños con los beats modernos de la electrónica, creando un sonido que es a la vez ancestral y contemporáneo. Es una fusión que invita al movimiento, al gozo y a la conexión espiritual, en una suerte de ritual sonoro donde la artista les recuerda a los oyentes que la vida se celebra bailando y agradeciendo.

El videoclip, grabado en la ciudad de Bogotá, le da vida visual a esa energía. A través de la danza, el color y los símbolos, Francis transmite la emoción de liberarse y reencontrarse con la esencia. Es una producción que logra capturar la espiritualidad de la canción y convertirla en una experiencia visual vibrante y emotiva.

Si quiere conocer más sobre la historia detrás de este lanzamiento y escuchar a Francis Carolina hablar de su proceso creativo, le invitamos a ver la entrevista completa en nuestro programa ‘Música y Músicos de Colombia’.

La entrevista completa a continuación:

Cada vez es más evidente como Bogotá se ha convertido en uno de los epicentros del reggae y las músicas emergentes en Latinoamérica. Desde los años noventa, la ciudad ha visto crecer una escena vibrante que combina la fuerza del mensaje social, la fusión de sonidos del Caribe y el espíritu comunitario que caracteriza al género. Ahora, durante el mes de noviembre, esa riqueza cultural se encuentra de nuevo con la llegada del Circuito Mes del Reggae, una iniciativa que busca visibilizar, fortalecer y conectar a los proyectos que mantienen viva esta cultura musical en la capital.

Se trata de una propuesta, impulsada por la Fundación SUWAO, con apoyo del Instituto Distrital de las Artes – IDARTES, a través de la Beca LEP, Circuitos de Música en Vivo 2025, que para esta edición reúne a 19 bandas y artistas locales en un recorrido que tomará la capital hasta el 22 de noviembre. La programación incluirá conciertos, ferias y fiestas en emblemáticos escenarios de la ciudad.

Sobre este esperado encuentro, y sus impactos para Bogotá, estuvieron hablando para los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ la vocalista de Alto Grado, Martinika, al igual que Pablo Marroquin e Iván Salas, integrantes de Punto Ska. Dos de las agrupaciones más importantes de la escena urbana capitalina.

“Esta beca, lo que quiere hacer principalmente es apuntarle a la circulación local, en este caso a los géneros del reggae y el ska, con circuitos de música en vivo. Entonces apoya la música en vivo, a generar la economía circular y local, para que las bandas ganen algo por tocar e incentiven a llevar público (...) hacer una economía para todos funcional”, aseguró por su parte Martinika.

Más que una serie de eventos, el Circuito Mes del Reggae se plantea como una plataforma de unión, diversidad y autogestión, donde confluyen el reggae, el ska y otros ritmos afines del Caribe. Su propósito es construir puentes entre generaciones, estilos y proyectos, promoviendo la circulación artística y consolidando el tejido cultural independiente de la ciudad.

Para el 31 de octubre, por ejemplo, el Line Up destaca por agrupaciones como Alto grado, Los Candelarians, La Urband Sound Machine, La Monky Band y DJ Set Villana. 

Por su parte el 8 de noviembre se espera la presentación de Dj Beltsazar, Cristine Keeler y Kmi Bouk. Luego, el 14 de noviembre el escenario será de El punto Ska, Skartone, Javier Alerta, Los Highros y Bayon.

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Ya para cerrar, el circuito, serán Señor Ledesma, Agua Brava, Cool Dany, y Encuentro Elementos, quienes el 22 de noviembre se suban a tarima. Además de los conciertos, el circuito ofrecerá una feria cultural que reunirá emprendimientos, arte, moda y gastronomía con identidad local, junto con invitados sorpresa que se sumarán en distintos momentos para compartir su música y energía con el público.

El Circuito Mes del Reggae no solo celebra la música, sino también la autogestión, el trabajo colectivo y el espíritu comunitario que han caracterizado a esta escena durante décadas. Para conocer la programación completa puede visitar la página web.

La capital colombiana se está preparando para una cita con los géneros más contestatarios, festivos y representativos de la escena musical bogotana. Se trata de ‘Pola, Pogo y Skapunk’, un encuentro en el que la energía del reggae, la irreverencia del punk y la alegría del ska se encontrarán con varios de sus principales exponentes.

Será una noche en la que la escena musical capitalina se reunirá, no solo para disfrutar de un buen momento, sino para reconocer los esfuerzos de la autogestión y los logros del trabajo colectivo para exaltar el talento bogotano.

Con un gran cartel, que incluye agrupaciones como The Klaxon, La Severa Matacera y la Monky Band, ‘Pola, Pogo y Skapunk’ se llevará a cabo el próximo 1 de noviembre y reunirá a varias generaciones, estilos y propuestas sonoras con tinte muy urbano.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con Alex Arce, vocalista de La Severa Matacera, quien contó detalles de esta primera edición, en la que se contará con la participación de Desorden Social, Sin Nadie al Mando, Los Highros, La Raska y Matiu Colin, además de una cuota internacional que desde Argentina llega con Turi Rastaman y Seraqueda Reggae.

“La idea es generarle a los asistentes una experiencia más allá de solo ir a ver agrupaciones en vivo sino unos espacios de encuentro donde también nosotros nos podremos ver con la gente, interactuar con ellos (...) Se ha querido volver a reunificar estos géneros y lo que se buscaba es reunir bandas de todas las generaciones”, acotó.

Exaltando esa naturaleza de autogestión, y de apoyo colectivo, ‘Pola, Pogo y Skapunk’ contará con selectors en vinilos, zonas de descanso, merch y un panorama ideal para el networking creativo. Una combinación que busca llevar la experiencia más allá y romper las barreras entre las agrupaciones y los espectadores.

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“El espíritu del Festival es no realizarlo como tradicionalmente se ha hecho, de solo bandas a tocar y ya, sino abrir desde la 1:00 p.m. para que pueda llegar un público más joven, tener unos espacios de emprendimiento, asimismo van a haber unos sitios para la gente que se quiera hacer unos flash tattoo”, reveló el artista.

Los interesados en esta imperdible cita podrán encontrar mayor información en este link. Sin duda una excusa para que la amistad, la música y el talento bogotano se encuentre en torno al pogo y la buena vibra.

Marta Gómez se ha consolidado como una de las cantautoras más destacadas de la música independiente en Latinoamérica. Su talento une poesía, ritmos folklóricos y sonoridades del jazz, llevando su voz y su guitarra a escenarios icónicos como el Carnegie Hall en Nueva York, el Kennedy Center en Washington y el Auditorio Nacional en Ciudad de México.

A lo largo de 25 años de carrera, ha compuesto más de 100 canciones y producido 22 discos, buscando transformar su música en instrumentos de memoria, resistencia y esperanza. Fue ganadora del Latín Grammy en 2014 y 2015, reconocida por su capacidad de conectar con el público. En su obra emprende un viaje emocional que explora amores, desamores, temores y alegrías, con una sensibilidad que la hace única en la escena internacional.

“Para mí, ha sido un camino muy bonito poder vivir de lo que me apasiona. Sigo con las mismas ganas de cantar, de escuchar canciones que me inspiran, de tomar mi guitarra y componer. El secreto está en aprender a observar la magia de la cotidianidad, siempre habrá de que escribir cuando contemplas a la gente”, señaló la artista en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Letra y Música’: Un encuentro íntimo con su universo 

Como parte de su celebración artística, la compositora presenta ‘Letra y Música’, un concierto íntimo que invita a recorrer su memoria y su carrera. En el espectáculo, compartirá desde las primeras canciones escritas en el piano de su casa hasta composiciones recientes que reflejan su admiración por las mujeres que la han inspirado.

“En mi próximo concierto voy a compartir un camino muy especial de mi música. Interpretaré temas que han marcado mi trayectoria como 'El Hormigueo', compuesta hace más de 20 años, además de composiciones recientes como 'Hierro', que resalta los hierros como un material firme y rígido en un momento donde el peso de la vida me estaba doblando. Estoy emocionada de poder vivir este momento y conectar con el público a través de cada nota”, añadió Gómez.

Acompañada de su banda completa y de las artistas invitadas Laura Pérez y María José Mendoza, Marta promete un recorrido musical lleno de nostalgia, poesía y fuerza, consolidando su presencia como una de las voces más relevantes de la música colombiana e internacional.

‘Tártaro’ es el nuevo proyecto discográfico de Ivy Negro, un recorrido musical que mezcla mitología, emociones intensas y realidades personales. No es un disco para escuchar de fondo: es una experiencia que invita a enfrentar lo que normalmente se evita, desde el deseo y la ilusión, hasta el vacío, el poder y la búsqueda de identidad.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Ivy explicó que este álbum “surge de mirar hacia adentro y no tener miedo a lo que aparezca”. Esa idea está presente en cada canción: ‘Tártaro’ abre el disco como una caída al centro de uno mismo; ‘Come de mi carne’ explora el deseo llevado al extremo; ‘Soy ilusión’ habla de la construcción de identidad que a veces no es real; e ‘Infierno de mi piel’ refleja la lucha interna que muchos llevan en silencio.

El recorrido continúa con ‘Barco de papel’, que representa la fragilidad de la mente cuando está al borde; ‘Saturno’, que se inspira en la mitología del tiempo que todo lo devora; ‘Perséfone’, que simboliza los ciclos de muerte y renacimiento; y ‘Curvas’, un tema que aborda el cuerpo y el deseo sin filtros ni reglas sociales. Cada pieza toca aspectos humanos reales, sin suavizar el mensaje.

Ivy afirmó que “no quería hacer canciones bonitas, sino verdaderas”. Esto se siente especialmente en ‘Verdeperla’, un tema que habla de lo que se oculta detrás de lo externo, y ‘Vampiresa’, que cierra el disco con una fuerza oscura y liberadora, mostrando cómo el dolor también puede convertirse en poder personal.

Musicalmente, el álbum mezcla rock, electrónica, ritmos latinos y ambientes oscuros. No busca quedarse en un solo género porque el objetivo no es encajar, sino expresar. Cada canción fue pensada para generar sensaciones distintas: tensión, curiosidad, confrontación o incluso incomodidad. Ivy lo describió así: “Tártaro es un lugar imaginario, pero todos hemos estado ahí alguna vez”.

El trabajo no pretende entregar respuestas. Lo que ofrece es un viaje sonoro para quien quiera reconocer sus propios procesos internos a través de la música. Es un álbum que se vive con los sentidos despiertos, sin filtros y sin miedo a las emociones intensas que las personas tienen en algún momento.

Más que un lanzamiento musical, esta obra nació de una experiencia personal de crisis emocional y se convirtió en una invitación a aceptar la vulnerabilidad como parte de la vida interior.

Voltana es una banda de rock alternativo nacida en Bogotá, conformada por artistas que entienden la música como un espacio emocional y humano. No se definen por un solo género, sino por el deseo de expresar lo que muchas personas sienten en silencio: ansiedad, presión, búsqueda interior y necesidad de pertenecer. Su propuesta no pretende encajar en tendencias, más bien abrir conversaciones reales a través del sonido. Cada canción es construida como un viaje, no como un producto.

Paula contó que el trabajo surgió en uno de los momentos más difíciles que ha atravesado, cuando la mente se volvió un lugar oscuro. “No quería escribir desde la fuerza, sino desde la verdad de sentirse frágil”, expresó durante la entrevista. William complementó diciendo que “la idea no era ocultar la tristeza, sino convertirla en sonido para que otros también pudieran reconocerla y no sentirse solos”, así nació ‘Rainy Night’: como un desahogo convertido en arte.

El sonido de la canción transita entre la melancolía y la intensidad, con guitarras que crecen como una ola emocional y una voz que narra lo que muchos sienten, pero no siempre se atreven a decir. Es un tema que conecta directamente con quienes viven silencios emocionales, insomnios o noches cargadas de pensamientos que pesan. Paula explicó que “todos hemos tenido una noche lluviosa por dentro”, y ese es el lugar emocional desde donde se canta esta historia.

Voltana no busca romantizar el sufrimiento, sino reconocerlo. La canción habla de salud mental desde la honestidad, sin filtros. En la conversación, William mencionó que “la música no soluciona todo, pero sí puede sostenerte cuando sientes que vas cayendo”. Ese es el espíritu de este lanzamiento: una creación que más que escucharse, se siente y se comparte como una forma de acompañamiento.

Paula y William contaron que Voltana nació entre amigos que necesitaban desahogarse a través de la música y encontraron en el rock una forma de transformar sus propias experiencias. La banda ha construido una identidad basada en la autenticidad: no buscan maquillar las emociones, sino mostrarlas tal y como son. Esa honestidad es lo que ha hecho que su propuesta conecte con un público que quiere música que los acompañe, no que los distraiga.

Al final, ‘Rainy Night’ no es solo una canción: es un espejo para quienes han atravesado noches difíciles. Es una invitación a aceptar los sentimientos y a recordar que la vulnerabilidad también es una forma de valentía. Voltana logra transformar el dolor en arte, y el arte en un puente emocional con quienes lo escuchan.

Es publicista de profesión y se encarga del marketing y las redes de su propia marca, su mayor objetivo desde hace algunos años es construir su proyecto como solista. Por lo que decidió cerrar ciclos, y emprender un nuevo camino tras diversas experiencias musicales que recopiló en diferentes industrias, desde académicas hasta de rock, metal, pop y baladas.

En 2019 dio su primer concierto como ‘Aliette_G’ en México e inició la producción de su primer LP, un trabajo que, pese a los contratiempos de la pandemia, ya cuenta con nueve canciones que fusionan rock, J-rock/pop y ritmos experimentales.

“Mi propuesta se enfoca principalmente en la calidad musical y en un material audiovisual profesional, pero sobre todo en explotar la feminidad dentro del rock sin perder la fuerza y la picardía que caracteriza al género. En mis videos, fotografías, vestuario y shows en vivo siempre busco reflejar las cualidades que diferencian a una mujer empoderada, sin tener que imitar a un hombre ‘rudo’ al tocar un instrumento, hablar, actuar o vestirme”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Sus seguidores la llaman ‘princesa rockera’, un título que adopta con orgullo, no como un cliché romántico, sino como símbolo de tenacidad, creatividad, liderazgo y sensibilidad.

Para sus primeros sencillos, Aliette_G trabajó con Manú Jalil, conocido productor de artistas como Mon La Ferte y Vivir Quintana, explorando ritmos de balada rock y swing rock. Más adelante, en 2024, se unió al productor Jake Carmona en Los Ángeles, perfeccionando un sonido alternativo y con gran fuerza que define su propuesta actual.

A la fecha, ha lanzado tres sencillos y durante este 2025 presentó ‘No Respiras’, que toca la sensible temática de los feminicidios y viene acompañado de un impactante videoclip. Además de ‘Ciclos-1141’, en el que anuncia la base narrativa de su álbum debut.

“Mi canción combina un ritmo rockero alternativo con melodías suaves de violín y piano, creando un contraste intenso en el coro. Quise que fuera reflexiva para todos, invitando a la conexión con uno mismo y recordando que el poder para superar los días difíciles está dentro de cada persona, siempre desde el respeto y el amor propio”, añadió.

Aliette se prepara para presentar títulos como ‘Ya despierta’, ‘Falsa Victoria’, ‘Cuando acabará el dolor’ y ‘Hablaré con la oscuridad’. Dejando claro en este compilado que el poder reside en la pasión, la disciplina y el respeto hacia uno mismo y hacia los demás.

Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk de Bogotá que nació en el año 1999. Surgió entre amigos que compartían el amor por el punk y la idea de hacer música de forma independiente. Desde el inicio, su propósito fue claro: Decir lo que muchos callan, sin reglas ni adornos, usando la música como una voz directa y honesta.

Este lanzamiento no busca agradar, busca despertar. ‘Rocky Billies’, llega con canciones que no decoran la realidad: La golpean, la exponen y la convierten en música que se siente en el cuerpo y en la conciencia.

Lejos de los sonidos complacientes, este trabajo mezcla rock crudo, energía punk y letras directas que hablan de excesos, poder, manipulación y todos esos temas que normalmente se esconden debajo de la alfombra. La banda lo explica sin rodeos: “No queríamos hacer un disco bonito. Queríamos hacer un disco honesto, que suene a lo que realmente está pasando por dentro y por fuera”. Y esa honestidad es lo que hace que cada canción invite no solo a escuchar, sino a reaccionar.

El álbum recorre emociones intensas: rabia, ironía, hartazgo, pero también una necesidad profunda de despertar. No es música para dejar de fondo. Es música que exige presencia. La agrupación lo describe así: “Este trabajo es como mirarse al espejo sin filtros. A muchos no les va a gustar lo que vean, pero esa es la idea”. Es una invitación a pensar en lo que consumimos, lo que creemos y lo que callamos, todo envuelto en riffs potentes que van directo al pecho.

Lo más interesante es que ‘Rocky Billies’ no se queda en la crítica, también muestra el lado humano que hay detrás de cada canción. Hay temas que hablan del miedo a fracasar, del cansancio emocional y de la búsqueda de identidad. Según la banda, “el exceso no siempre es fiesta, muchas veces es una forma de escapar. Este disco habla de lo que pasa cuando ya no hay a dónde huir”. Ahí radica su fuerza: logra que el oyente se reconozca, aunque no quiera admitirlo.

Musicalmente, el álbum es una mezcla explosiva que combina sonidos clásicos del rock con elementos modernos que le dan frescura y personalidad. Cada pista tiene una identidad propia, pero todas comparten algo en común: dejan sensación de catarsis. Después de escucharlas, es imposible quedarse igual. Como dijo Pepe Bocadillo en plena grabación: “Si una canción no mueve nada adentro, entonces no sirve”.

‘Rocky Billies’ no promete soluciones ni finales felices. Lo que ofrece es algo más poderoso: una experiencia emocional auténtica, una sacudida musical que permite liberar lo que muchas personas sienten y no saben cómo expresar. Es un álbum que se vive, no solo se escucha.

Durante años, el nombre de Juan Campodónico ha sido una presencia constante en la música latinoamericana contemporánea. Músico, compositor y productor uruguayo, Campodónico es el cerebro detrás de proyectos tan diversos como Bajofondo, Peyote Asesino y Campo, además de ser una figura clave en la evolución sonora de artistas como Jorge Drexler, Cuarteto de Nos, Kevin Johansen, Zoe Gotusso y No Te Va Gustar.

Ahora, este creador multifacético da un paso definitivo al frente: Por primera vez lanza un disco bajo su propio nombre, un trabajo que reúne todas sus exploraciones anteriores en una propuesta personal, introspectiva y ambiciosa. El álbum se titula ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, y ya desde su nombre plantea un ejercicio de introspección en torno a la identidad artística.

En este nuevo trabajo, Campodónico no abandona sus raíces ni sus colaboraciones, pero cambia el foco: Esta vez no es el productor detrás de la cámara ni el integrante de un colectivo. Es él quien está al centro de la escena y de esta experiencia habló ante los micrófonos de ‘Amantes Del Círculo Polar’.

“Ha sido una experiencia muy enriquecedora. Es una inquietud que me surgió hace un par de año, ver mi perfil de Spotify como Juan Campodónico y encontré una página en blanco como para poder escribir un nuevo momento y definir un nuevo artista. Ha sido muy revelador, es un punto de vista mucho más cercano, trato temáticas bastante personales y para que se hagan una idea el disco comienza con un tema que se llama ‘Milo’, que es el nombre de mi hijo”, reveló Campodónico. 

En ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, Campodónico condensa sus múltiples universos en un viaje musical que va del candombe al funk brasileño, del indie latino al folclore electrónico. Temas como ‘Frik’, ‘Milongueado’ o ‘La Duda’ muestran esa diversidad estilística, mientras que canciones como ‘Onda Expansiva’, el focus track del álbum, sintetizan su sello creativo: Un comienzo folclórico que se convierte en una explosión electrónica con capas tangueras y guiños a sus obras anteriores.

“Aparecen todas las músicas que son parte de lo que ya he hecho. Hay cosas que suenan un poco ‘bajofonderas’, otras que suenan a hip hop, como de mi primera banda que fue ‘Peyote Asesino’, o que suenan a Campo, pero todo con una nueva manera de verlo, una nueva forma, inclusive con algunos de los invitados del disco”, agregó.

El trabajo cuenta con una notable lista de colaboraciones entre quienes destacan Jorge Drexler, Sebastián Teysera, Eli Almic, Zeballos, Josean Log y Cami Rodríguez, entre otros. Voces que refuerzan la idea de que Campodónico busca ser un canal para expresar una sensibilidad colectiva, actual y profundamente latinoamericana.

La biografía de Campodónico es también una historia de cruces culturales. Nacido en Montevideo, pero criado en parte en la Ciudad de México, creció entre la música uruguaya que llegaba en cassettes desde el sur y los sonidos globales que inundaban el DF. Esta mezcla dejó una marca imborrable en su manera de hacer música, siempre híbrida, siempre en movimiento.

“Conecta con una parte de mi vida que fue mi infancia en México. Con mi familia estuvimos allá 8 años en la época en la que en el sur estaban las dictaduras y todo esto cuando yo era muy chico. Entonces esto cuenta algo de esa parte mexicana que yo tengo. Me gustaba que el disco reflejara y definiera un poco quién era Juan Campodónico como artista individualmente”, confesó el artista uruguayo.

Este trabajo sonoro, conformado por 11 canciones, ya está disponible en plataformas. Una invitación para descubrir una faceta más personal y más poderosa de uno de los productores más destacados del continente.