Este trabajo reúne 14 canciones y 10 de ellas son inéditas, compuestas por miembros emblemáticos como Justo Valdés, Panfido Valdés y Enrique Tejedor, manteniendo viva la esencia musical de San Basilio de Palenque.

Para esta conmemoración, el grupo lanzó una edición limitada en vinilo verde de 140 gramos con 12 temas, que incluye cuatro canciones en lengua palenquera: ‘Chamukina’, ‘Monasito’, ‘Balica Mi’ y ‘Musumbi’, piezas que resaltan la riqueza lingüística y espiritual de esta comunidad ancestral.

El álbum también recorre ritmos afrocaribeños como la champeta con ‘Rincón de África’, ‘Chapeto’ y ‘Novia de Barranquilla’, junto a géneros tradicionales como la chalupa, el sexteto y el bullerengue, reafirmando la diversidad musical de Palenque y su aporte al sonido del Caribe colombiano.

‘Rincón de África’ se convierte en una obra que celebra la memoria colectiva, el lenguaje, las raíces y la resistencia cultural de San Basilio, mostrando la vitalidad de una tradición que sigue transformándose sin perder su identidad.

No se pierda la entrevista completa con Son Palenque en nuestro canal de YouTube y conozca más sobre este lanzamiento que honra la historia y la herencia palenquera.

El lanzamiento captura la fuerza y la energía ancestral de la gaita y la cumbia del Caribe colombiano, con un sonido grabado completamente en vivo y la conexión especial que se dio con el público europeo.

El álbum incluye clásicos como ‘La Maestranza’, ‘Candelaria’, ‘Tengo Amores con la Gaita’, además de piezas tradicionales como ‘Palito e’ Coco’, ‘Orgullo Colombiano’, ‘Tal Vez Tú’, ‘La Ceiba’ y ‘El Camino del Indio’.

La producción estuvo a cargo de OM Producciones con la dirección musical de Javier Mutis García, presentando un registro fiel que mantiene viva la esencia tradicional de la agrupación.

El vinilo de edición limitada en color azul es distribuido por el sello estadounidense Electric Cowbell con el apoyo del Programa Distrital de Apoyos Concertados de la Secretaría de Cultura de Bogotá y Idartes.

Lo invitamos a ver la entrevista completa en nuestro canal de YouTube y conocer más sobre este lanzamiento.

En la vida de Camilo Giraldo, la guitarra nunca ha sido un simple instrumento, se ha convertido en un territorio. Formado en el Instituto Superior de Arte de La Habana y discípulo de maestros como Leo Brouwer, Eduardo Martín y Jesús Ortega, su camino ha estado marcado por un tránsito entre la academia, la tradición latinoamericana y las búsquedas contemporáneas. 

Desde muy niño emprendió un viaje por la composición y los instrumentos, hoy en día ha recorrido más de 20 países liderando proyectos escénicos, escribiendo para formatos inusuales y creando con cada cuerda de su guitarra un puente entre la memoria, el territorio y la sensibilidad.

"Mi más reciente trabajo discográfico nace de un viaje a La Chorrera, en lo profundo del Amazonas. Navegar por el río me dejó muchas imágenes: llega un momento en donde no sabes qué es arriba o abajo porque la naturaleza se refleja en el agua y el cielo. Sin pensarlo mi guitarra y yo empezamos a crear este proyecto que más adelante se llamó ‘Paraná’”, contó el artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Así es ‘Paraná-Pariente del Agua’

El tercer disco de Giraldo contempla 17 canciones que reúnen guiños musicales de ritmos folclóricos colombianos, jazz y música contemporánea, entrelazados para crear un viaje sonoro propio.

Su trabajo ha sido reconocido con el Primer Premio Nacional de Composición ‘Ciudad de Bogotá’, el premio JANUS en Alemania y múltiples becas y estímulos nacionales.

“Paraná es una travesía íntima. Es mi manera de agradecerle a los territorios que me han enseñado que la música fluye como un río: avanza, se transforma y nunca pierde su fuerza”, agregó el cantautor.

Durante el segundo semestre del año, Paraná ha viajado en una gira que comenzó con un pre lanzamiento en el Teatro Colón de Bogotá, siguió con su presentación oficial en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y tuvo una escala internacional en los Pirineos franceses con siete conciertos en iglesias históricas. El disco está disponible al público en todas las plataformas de streaming.

JxGxB visitó la cabina de LAUD 90.4 FM ESTÉREO para presentar ‘Esa y tantas cosas más’, un EP que marca un giro en su propuesta musical y que pone en primer plano una faceta más introspectiva del punk hecho en Bogotá. Sin abandonar la crudeza ni el espíritu contestatario que caracteriza el género, el grupo explora ahora emociones más íntimas, conectadas con la rutina, la pérdida y los silencios cotidianos que definen la vida urbana.

Formada entre los contrastes y la rudeza de Bogotá, JxGxB ha construido su trayectoria desde la autogestión, una constante dentro de la escena punk nacional. Tras editar un demo en casete en 2022 y publicar ‘Veloz y Podrido’ en 2023, un álbum de doce canciones que consolidó su sonido visceral, la agrupación presenta este nuevo trabajo como resultado de un proceso de madurez artística y emocional.

En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’ sus integrantes: Juan David Prieto, fundador y vocalista; Fercho, guitarra líder, Chanti, guitarra melódica y Juan, su baterista, hablaron sobre este trabajo discográfico que más que un EP, fue una confesión sonora de cada uno de sus integrantes.

“La agrupación tiene un antes y un después a partir de la decisión de empezar a tomar un registro de la propia banda. Recién la cree o en sus primeros años era más para parchar con los amigos, pero a partir del 2022 - 2023 ya nos pusimos con el juicio de grabar, a crear un registro para que la gente también lo pudiera escuchar”, reveló el vocalista.

En ese ánimo por mostrar al mundo su proyecto, aparece ‘Esa y tantas cosas más’, un EP que está compuesto por tres canciones: ‘Después te lo cuento’, ‘Ya no sé qué hago aquí’ y ‘Derly’. Temas que condensan la tensión entre la rabia, la ternura y el desencanto, elementos que el grupo ha aprendido a equilibrar sin perder identidad. 

La canción que abre el trabajo, ‘Después te lo cuento’, rinde homenaje a Luna, la mascota que acompañó a Juan David durante 16 años. Con un tono más sensible, la canción muestra cómo el punk puede convertirse en espacio para el duelo y la memoria.

El cierre llega con Derly, una canción que aborda los amores tardíos y que evidencia la faceta más íntima del grupo. En su mezcla de punk y rock melódico, la banda encuentra nuevas posibilidades creativas sin renunciar a la energía que los define. 

“Son cosas que nosotros vivimos acá en la ciudad, por eso nuestras canciones tienden tanto a hablar de Bogotá, porque nosotros sentimos y vivimos todo esto en medio de las calles y por eso sale con esa esencia. De hecho, en nuestro último videoclip salen varias tomas de Bogotá”, agregó.

En el plano visual, ‘Esa y tantas cosas más’ se acompaña de una portada diseñada por Juan David, en la que un arma de fuego se superpone sobre una reseña del escritor Andrés Caicedo. La imagen refuerza la atmósfera emocional del EP y conecta con la tradición urbana y literaria que ha influido en el grupo.  

La escena musical capitalina se prepara para una noche en la que el poder femenino, el talento bogotano y el poder del rock se tomará el Planetario con Highway que llegará el próximo 5 de diciembre al Auditorio del Planetario de Bogotá con el ‘Viral Tour’, un concierto que reúne la fuerza de dos décadas de trayectoria y el relato íntimo, crítico y emocional de su más reciente álbum, ‘Viral’.

La presentación promete una experiencia inmersiva construida a partir de sonidos contundentes, una puesta en escena visual y un encuentro con la comunidad de fans que las ha acompañado desde el inicio de su camino.

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Conformada por Lina de la Parra (bajo), Carolina Portela (guitarra) y Beth Martínez (voz), Highway se ha consolidado como un referente en la escena del hard rock y el heavy metal nacional. Su historia no solo se sostiene en la potencia de su música, sino también sobre el hecho de ser la primera banda femenina del país dentro del género, un hito que ha marcado discusiones, inspiraciones y transformaciones en el rock colombiano.

‘Viral’, el disco que da origen a esta nueva gira, es una obra que recoge las tensiones, tropiezos y resistencias que enfrentan las mujeres en su vida cotidiana. La banda lo concibe como un manifiesto sobre la fuerza interior y la capacidad de reinventarse frente a las estructuras sociales.

Dentro del repertorio destaca ‘Sin Temor’, una canción que simboliza ese renacer que atraviesa todo el álbum. Con riffs directos, voces desgarradas y una narrativa que apunta a la reconstrucción personal, el tema se ha convertido en uno de los momentos más poderosos de sus conciertos recientes.

Su presentación en el Planetario ofrece un formato más cercano, ideal para reencontrarse con el rock bogotano en un ambiente íntimo, pero profundamente potente e inclusivo. La banda ha diseñado un espectáculo que integra elementos visuales y conceptuales del disco, ampliando el diálogo entre música, narrativa y experiencia escénica.

Los interesados en esta cita musical, programada para el próximo 5 de diciembre, podrán encontrar más detalles en el siguiente link.

En lo más profundo de los manglares una voz se levanta, el eco de los ancestros y el rugido del empoderamiento femenino habita entre las aguas que dan vida al Pacífico colombiano. Allí no se ha confirmado la existencia de sirenas, pero sí de unos seres casi mágicos: las cantaoras que mantienen vivo su legado musical generación tras generación.

Una de ellas es Nidia Góngora, cantora, sabedora, investigadora y guardiana de la tradición, quien ha dedicado su vida a preservar los cantos que narran lo que las comunidades han vivido, llorado y celebrado. Se dedicaba a la docencia, pero la dejó por la música, inició como cofundadora y directora vocal de Canalón de Timbiquí y se convirtió en un faro cultural que visibiliza la riqueza espiritual y musical del litoral.

“Siempre en cualquier momento de la vida volvemos a la esencia, a la raíz, reconociendo desde cada lugar los aportes que permiten tejer relaciones y comunidades. Siento que la música es la herramienta para expresar un lenguaje universal, y aprovechó su fuerza para recordarle al mundo que necesitamos reconocernos, visibilizar miradas diversas y conectarnos con la humanidad y la naturaleza”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Durante este 2025, Nidia presentó ‘Pacífico Maravilla’ su primer álbum como solista, compuesto por 11 canciones en las que continúa integrando las sonoridades de marimba, cununos y bombos con elementos de soul, funk y electrónica tropical.

‘En los Manglares’, ‘Tu Corazón’, ‘Todo en Vida’, ‘Marejada’, ‘Insistencia’ y ‘Mi Sábalo’ son algunos de los títulos que acompañan este proyecto. Una historia que abrió un nuevo capítulo durante noviembre en el Teatro Colón donde trece de sus canciones, incluyendo repertorio de Canalón, piezas de su álbum ‘Pacífico Maravilla’ y colaboraciones como su participación en Canticuentos (Latin Grammy 2025), fueron interpretadas junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la dirección de Tatiana Pérez-Hernández y con arreglos de Jesús David Caro.

El recorrido artístico de Góngora ha fluido entre la raíz y lo contemporáneo, colaborando con proyectos que amplían el universo afrocolombiano como Ondatrópica, La Pacifican Power, Herencia de Timbiquí, AleKuma, Bahía y Orishas. 

Paralelo a su carrera, lidera en Cali la Fundación Escuela Canalón y proyectos como Arrullo en el Barrio, enfocados en la formación, la memoria y el fortalecimiento comunitario en el oriente de la ciudad. Su música ya está disponible en todas las plataformas.

Desde tierras alemanas, a cientos de kilómetros de Suramérica y con el anhelo de las tradiciones y costumbres bogotanas, los integrantes de Radio Jaguar exploran sonidos extranjeros para mezclaros con los ritmos colombianos con el fin de conquistar corazones más allá de los límites, de esta manera nació el sencillo ‘Somos del mundo’.

“Estamos en un momento de exclusión hacia los latinoamericanos, donde los países endurecen los permisos para cruzar sus fronteras, esto nos motivó a que escribiéramos sobre el tema. Es una forma amigable de hablar de ello, pues debemos vernos reflejados en los otros, somos iguales, vivimos en el mismo planeta y hay que tener empatía”, dijo a LAUD 90.4 FM ESTÉREO, Sergio Acosta, líder de la banda. 

El sencillo combina folk global, pop, electrónica e instrumentos latinos como la marimba de chonto y las gaitas; contiene versos en español e inglés, y cuenta con la colaboración de Jules Barrow, artista europea reconocida por fusionar emociones en su música como vulnerabilidad y fuerza, introspección y celebración. 

El propósito es alcanzar a todos los públicos, sin importar la lengua, por ese motivo el grupo realizará una gira por Europa y espera llegar a Colombia entre el mes de agosto y septiembre de 2026. El objetivo es generar conciencia sobre la unidad de culturas, tal como dice la letra: “Mismo sentir, misma energía, aunque tu lengua no sea la mía. Mismo latir, la misma esencia, somos del mundo más allá de una creencia”.

Origen de Radio Jaguar

La banda fue creada hace un año y está integrada por los colombianos Niko Cabrera, Kasius Martínez y Sergio Acosta, pertenecientes también a Doctor Krápula. Los artistas hacen parte de las dos agrupaciones, pero Radio Jaguar es un proyecto que estudia sonidos más ancestrales, tradicionales y con fusiones.

El nombre tiene dos significados, según compartió Acosta, uno es el que proviene de la palabra ‘radio’ que se vincula a la difusión, y el otro es ‘jaguar’ que es el felino emblema de la región. 

Los tres músicos que están asentados en Alemania, iniciaron la banda en ese país, pero la esencia colombiana se mantiene y la proyección para conquistar audiencias nacionales e internacionales, es la prioridad, por tal razón entre sus planes está crear nuevas mezclas y sonoridades. 

Vea la entrevista completa en este video:

¿Alguna vez te han dejado en visto? Esa mezcla de incertidumbre, expectativa y silencio fue la chispa creativa detrás de ‘Sigo Esperando’, el nuevo sencillo de Los Hermanos Aicardi, que transforma una situación común en una canción alegre, bailable y llena del sabor tropical que caracteriza a la agrupación. Los Aicardi toman el ya popular “me dejó en visto” y lo convierten en un relato para cantar, bailar y hasta reírse del desamor. Con su estilo alegre y festivo, logran unir alegría, despecho y tradición en una sola canción, ideal para las fiestas de fin de año y esas noches donde el corazón, aunque herido sigue “en línea”.

Escrita y producida por Gianni y Rodolfo Aicardi, la canción le pone sonidos tropicales a una de las experiencias más comunes entre jóvenes y adultos: el ghosting.

“Queríamos tomarlo con humor, con ritmo, y convertir ese sentimiento en una historia tropical que conecte con la gente”, cuenta Gianni.

Con este lanzamiento, Los Hermanos Aicardi continúan honrando la herencia musical de su padre, el legendario Rodolfo Aicardi, una de las figuras más importantes de la música tropical en Colombia. Su propuesta mantiene viva una tradición que ha acompañado a generaciones: desde la cumbia festiva hasta las baladas y boleros cargados de poesía y sentimiento.

La agrupación busca que la Historia Aicardi siga siendo imparable, llevando su identidad musical a nuevas audiencias sin perder la esencia que los ha convertido en referentes de la cultura popular colombiana.

Los Hermanos Aicardi: tradición con nueva energía

Formada por Gianni y Rodolfo Aicardi, la agrupación recoge las vivencias, emociones y ritmos que han marcado a los colombianos. Su misión es preservar y renovar un legado musical que combina alegría, identidad y sentimiento.

“En mi cabeza la música siempre ha sido lo más importante, pero mi vida cambió cuando descubrí que la guitarra era mi alma gemela”, afirma Rodolfo Aicardi, cantante, guitarrista y director musical. “Cuando hablo de música, todo cambia de color y se llena de vida. Ahora solo quiero seguir dándole vida a este legado familiar”.

‘Skardio Latino’ reunirá en Bogotá a bandas de reggae, ska y fusiones caribeñas, incluyendo a Jahbafana desde Caracas. El Festival busca acercar al público a sonidos que muchos han escuchado sin saber su origen, mientras conecta artistas de varios países y propuestas emergentes.

El ‘Festival Skardio Latino’ ha crecido como un espacio donde las personas pueden entender qué hay detrás de géneros como el ska, el reggae, el dancehall y otras fusiones caribeñas. Mauro Satori, productor del evento, lo explicó sin rodeos: “todos hemos escuchado estas músicas sin saber cómo se llaman, sin conocer que vienen de las Antillas y del Caribe”. Esto convierte a este encuentro en una oportunidad para quienes quieren ampliar su panorama musical sin necesidad de ser expertos.

Uno de los invitados principales es Jahbafana, una banda venezolana que llega por primera vez a Bogotá. Su vocalista, Goyo Mijares, contó el origen del nombre, un dato curioso es: “La Habana significa muchachitos en zulú, y lo unimos con ‘Jah’, que en la cultura rastafari es un nombre de Dios”. Para quienes apenas se acercan a este género, esta historia permite entender cómo la música insular mezcla lenguajes, culturas e influencias que se cruzan entre África, el Caribe y Latinoamérica.

El Festival también funciona como una ventana para conocer el trabajo de artistas independientes que no siempre entran en los grandes circuitos. Satori lo explicó con sinceridad: “nos tocó armarnos nuestra propia carpa, porque la industria es dura y muchos no tienen espacios para sonar”. Para los asistentes, esto significa tener acceso a propuestas nuevas, diversas y hechas desde lugares donde la música es más pasión que negocio.

Además del cartel internacional, ele encuentro incluye agrupaciones nacionales como Batracios, Desorden Social, La Casa de Juana, Muiska y Atrapamoskas Club, muchas de ellas reconocidas dentro de escenas locales específicas. Para una persona joven que quiere conocer música distinta, esta mezcla permite comparar estilos y descubrir bandas con trayectorias que quizá no aparecen en medios masivos. Como dijo Mauro: “algunos artistas no son emergentes, solo es la primera vez que nos visitan en Bogotá”, lo que amplía el mapa musical de la ciudad.

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Goyo también habló sobre lo que ofrecerán en el escenario: “Va a ser un recorrido por casi 30 años de música, incluyendo temas nuevos que aún no salen”. Para los asistentes, esto significa escuchar tanto clásicos como canciones inéditas. Además, mencionó que el público siempre les pide ‘Volar’, su canción más emblemática, lo cual ayuda a quienes no conocen la banda a empezar por un punto de referencia claro.

Finalmente, ‘Skardio Latino’ no solo promueve conciertos; también trabaja como una red que conecta festivales de varios países, sellos independientes y proyectos autogestionados. Esto permite que artistas de diferentes regiones tengan circulación y que Bogotá reciba propuestas que usualmente no llegan a escenarios comerciales. Como cerró Mauro, la invitación es sencilla: “síganlos, escúchenlos, y quizá descubran que ya conocían esta música sin saberlo”.

La cita es este 29 de noviembre a partir de las 12:00 del mediodía en la Calle 39B No. 21-54 / Parkway.

Con más de 16 años de experiencia y después de conformar la banda ‘Los Makenzy’, el cantante colombiano Nicolás Triana ha iniciado su camino como solista y muestra de ello su lanzamiento de ‘Alunar’, su más reciente trabajo discográfico en el que acompañado de una impresionante sensibilidad, la maravilla de los astros y su propia identidad, presenta 10 canciones llenas de poesía y momentos personales.

El proyecto llega tras algunos años de silencio creativo, en el que en palabras del artista, aprovechó el tiempo para encontrarse y enfocarse en este nuevo disco. En entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’, Nicolás Triana entregó detalles de esta incursión creativa.

“Mi banda terminó hace tres años y en este tiempo entré en un proceso personal, de silencio, de enfocarme en mi estado mental (...) Fue un momento de enfrentarme conmigo mismo. Me he dado cuenta de muchas cosas en ese camino, por ejemplo, que es necesario el silencio para poder saber qué quieres decir y qué es lo que realmente quieres transmitir”, aseguró.

En ese sentido, criticó la producción musical “desechable”, y a la industria que pide publicar y publicar sin que haya un trabajo profundo detrás.

“A veces los artistas no tenemos espacios ni siquiera de pensar qué es lo que queremos expresar porque siempre estamos como en una rueda de ratón donde te exigen una canción cada 15 días y así mismo se escucha: canciones desechables. El proceso personal no se refleja, entonces no hay realmente un mensaje. Hay un mercado, pero no hay profundidad, no hay una reflexión detrás de cada tema”, agregó.

‘Alunar’ presenta títulos profundamente personales con los que Nicolás Triana le cantó a su círculo más cercano. Así aparecen canciones como ‘Maíz y barro’, ‘Atar de ser’, ‘Eclipse de Anamar’, ‘Preludio para no hablar’, ‘Cometas’, y ‘Carita Sol’, entre otras.

De hecho, según reveló antes los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, ‘Carita Sol’ es una composición cuyos acordes nacieron en un hospital cuando su hijo estaba internado. Por otro lado, ‘Maiz y barro’ fue una canción dedicada a un amigo víctima de los abusos policiales durante el Paro Nacional.

Este nuevo disco de Nicolás Triana ya está disponible en todas las plataformas musicales. Una invitación para sumergirse en esta fusión del rock, los ritmos colombianos y unas letras profundamente reflexivas.