Los Tikuna son uno de los pueblos indígenas más numerosos de la Amazonía. Habitan principalmente en Colombia, Brasil y Perú. El río y su selva son su mayor tesoro. Y fue precisamente en medio de ese legado ancestral donde un joven decidió amplificar la voz de su comunidad ante el mundo.

Se trata de Jhon Montenegro, quien hoy en día conserva más de 52 mil seguidores en Instagram y 44 mil en TikTok, conocido como ‘El Tikuna’ se ha convertido en uno de los rostros más visibles del Amazonas colombiano. Desde hace cinco años, este creador de contenido ha logrado que miles de personas conozcan la selva como un lugar distinto: no solo como destino turístico, sino como un territorio vivo que necesita cuidado, respeto y participación activa.

“En 2019, empezamos con un proyecto llamado ‘Amazonas Fashion Week’, que buscaba rescatar la moda ancestral de las artesanas sabedoras: todo el trabajo con cortezas de árboles, los trajes típicos hechos en chambira, llanchama, semillas y escamas de pirarucú. Gracias a este esfuerzo, las artesanas llegaron a Colombia Moda y pudimos mostrar que nosotros no vivimos solo en taparrabos como muchas personas aún piensan”, contó el influencer en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

De esta manera, su trabajo digital nació como un intento por contar su propia historia y ofrecer una mirada más íntima del territorio que lo ha visto crecer. Hoy es una plataforma que reúne cultura, memoria indígena y acciones concretas para las comunidades que habitan en la región. 

En alianza con ‘Moechi Explorer’, El Tikuna ha llevado a figuras del entretenimiento nacional a recorrer espacios inexplorados del Amazonas, abriendo la conversación sobre turismo responsable y mostrando, en tiempo real, el impacto que puede tener una visita consciente.

Gracias a ese enfoque, personalidades como Yeferson Cossio, Luisa Chima, Claudia Bahamón, Marce la Recicladora, Stiward G y Julián Pinilla ‘El Chico de la Ruana’, han participado en iniciativas que van desde procesos de apoyo comunitario hasta campañas de protección animal. Una de las más recientes permitió la esterilización de 400 perros de la región.

“La selva es un lugar que transforma. Mi propósito es que cada persona que llegue aquí entienda que este territorio merece un compromiso real. El Amazonas no es solo un paisaje; es un cofre de historias, saberes y luchas que necesitan ser contadas desde adentro”, agregó ‘El Tikuna’.

Con 35 años, Jhon Montenegro ha hecho de su cámara y su experiencia un puente entre el país y el corazón de la selva. En sus propias palabras, estos contenidos han logrado que, en las últimas semanas, más de 50 millones de personas vuelvan su mirada al Amazonas. No como un lugar lejano o exótico, sino como un territorio en el que la cultura indígena, la biodiversidad y las comunidades están en diálogo constante.

Bastante sorprendidos han quedado los usuarios de la estación Bicentenario de TransMilenio, en Bogotá, con una pared de más de 150 metros cuadrados que acaba de convertirse en una muestra visual sobre la resiliencia y la capacidad humana de aprovechar las segundas oportunidades. Se trata del Mural Bicentenario ‘Tapas por la felicidad’, una obra construida con 80.000 tapas plásticas recicladas y elaborada por 24 exhabitantes de calle que hoy escriben una nueva historia de vida a través del arte.

La pieza fue presentada en el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25 y es el resultado de una alianza entre la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, la Secretaría de Integración Social, TransMilenio y la Fundación BAT. Más que una intervención urbana, el mural es un testimonio que entrelaza sostenibilidad, cultura ciudadana e inclusión social.

Conversamos con Roberto Carlos Rincón, uno de los 24 exhabitantes de calle que participó en la creación del “Mural Bicentenario: Tapas por la felicidad”, bajo la dirección del maestro Eduardo Buitrón, el acompañamiento de la Fundación BAT, y la articulación de @integracionbta,… pic.twitter.com/6YZNRnA8ZZ

— Secretaría de Cultura de Bogotá (@CulturaenBta) November 13, 2025

Guiados por el artista colombiano Eduardo Butrón Hodwalker, los participantes aprendieron a darle un nuevo uso a lo que normalmente se desecha. Cada tapa reciclada es una pieza simbólica que representa segundas oportunidades, de las cuales ellos mismos son protagonistas.

“Trabajar con materiales reciclados es darle voz a lo que creemos que ya no sirve. Este mural quiere transmitir felicidad y recordarnos que la belleza puede surgir de lo que desechamos, igual que las personas pueden reinventarse”, expresó el reconocido artista ambientalista.

El resultado es una composición vibrante que evoca importantes símbolos capitalinos como un articulado de TransMilenio, la Catedral Primada, rostros de habitantes y exhabitantes de calle. Mensajes que dialogan con la dignidad humana, la memoria urbana y la esperanza. En ellas se reconoce a quienes han encontrado en el arte un camino para reconstruir su identidad y recuperar su lugar en la ciudad.

El arte resignifica la historia y el espacio público. En el marco de la Bienal Internacional de Arte y Ciudad #BOG25, inauguramos el “Mural del Bicentenario: Tapas por la felicidad”, una obra monumental de más de 180 metros cuadrados construida con 80.000 tapas recicladas por… pic.twitter.com/KoIvdHy0sj

— Secretaría de Cultura de Bogotá (@CulturaenBta) November 5, 2025

Roberto Angulo, secretario de Integración Social, acompañó la inauguración de la obra y la señaló como un ejemplo del poder de la colaboración: “Este mural combina sostenibilidad, participación ciudadana y resignificación urbana. Embellece un espacio emblemático y envía un mensaje de confianza e inclusión que es clave para la Bogotá que estamos construyendo”.

Así, el barrio San Bernardo, un territorio históricamente marcado por tensiones sociales profundas, es ahora escenario de una intervención artística que invita a mirar más allá de lo evidente. La estación Bicentenario funciona como una galería artística donde la ciudad puede contemplar el poder del arte para humanizar los espacios y sanar las trayectorias de vida.

El texto nace en el marco de los 50 años de relaciones bilaterales entre ambos países, un aniversario que motivó a recoger historias y análisis sobre cómo estas dos naciones han tejido cooperación en temas tan distintos como educación, energía, biodiversidad, migración y diplomacia. 

La obra editada por el colombiano César Álvarez muestra cómo esta alianza ha crecido gracias a las personas que viajan, estudian, trabajan o investigan entre ambos territorios.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Álvarez explicó que lo más valioso de esta relación no está en las cifras, sino en la gente: “El elemento humano es el que ha acercado a estos dos países de una manera supremamente rápida y estratégica”. Según él, cerca de 100.000 colombianos viven hoy en Australia, y esa movilidad ha creado lazos que se sienten incluso más fuertes que la distancia geográfica.

El nombre del libro fue un proceso creativo compartido entre los autores. Álvarez contó que buscaba un concepto que mostrara la fuerza simbólica de dos paisajes extremos: “Queríamos un título que capturara la importancia de acercar países tan distantes… que reflejara sitios geográficos característicos de ambos”. Por eso eligieron Outback, la zona árida australiana y Andes, la columna vertebral geográfica de Colombia y Sudamérica.

La obra recopila análisis de 17 expertos, organizados en seis capítulos que hablan de minería, medio ambiente, movilidad estudiantil, paz, innovación y seguridad. Desde la academia hasta el sector productivo, las historias muestran cómo ambos países han compartido experiencias, retos y oportunidades a lo largo del tiempo. 

El editor destacó un ejemplo clave: “El proyecto Paz con la Naturaleza conecta la ecología con la transición de excombatientes en Colombia”. Álvarez recordó que su propio camino refleja esa conexión: estudió en Australia, regresó a Colombia, y luego volvió al país oceánico para quedarse definitivamente. “Soy uno más de esos 100.000 colombianos que estamos aquí”, dijo entre risas, explicando que muchos llegan por estudio, trabajo o intercambio cultural.

Su historia personal es apenas una muestra de cómo esta relación se ha fortalecido gracias a miles de recorridos individuales.

Para quienes no tienen ninguna relación con Australia, el libro puede convertirse en una ventana al mundo y a cómo se mueve la diplomacia en temas que impactan la vida cotidiana: biodiversidad, energía, tecnología, seguridad y educación. Álvarez fue claro: “Australia será un socio estratégico de altísimo calibre en el próximo cuarto de siglo y es importante adelantarse a entender por qué”.

‘Del Outback a los Andes’ se publicará oficialmente el 25 de noviembre y podrá adquirirse a través de la tienda virtual del Australia-Colombia Dialogue.

Después de un destacado paso por algunos de los festivales más importantes del mundo, ‘Culebra negra’, la película colombiana dirigida por el francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux, se prepara para su estreno en los cines nacionales el próximo 21 de noviembre de 2025. El largometraje, rodado en el imponente desierto de La Tatacoa, en el Huila, aterriza en la cartelera tricolor con el esquivo visto bueno de la crítica internacional.

La cinta tuvo su estreno mundial en la sección ACID del 78º Festival de Cannes, un espacio reconocido por impulsar propuestas arriesgadas y poéticas dentro del cine de autor. Su recorrido continuó en el Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro, el Festival de Cine de Biarritz – América Latina y el Festival de Cine Francés en Colombia, donde fue elegida como película de clausura. Esta presencia constante en vitrinas internacionales ha consolidado a ‘Culebra negra’ como una de las producciones latinoamericanas más destacadas del año.

En la cinta los espectadores conocerán a Ciro, un hombre que vuelve a su tierra natal después de años de ausencia para acompañar a su madre en sus últimos días de agonía. Su retorno al desierto de La Tatacoa desencadena un encuentro con los fantasmas del pasado, un linaje roto y las huellas invisibles de un territorio hostil pero hermoso a su manera.

Este proyecto, con talento mayoritariamente colombiano, reúne a tres casas productoras que han marcado el cine contemporáneo: Burning, productora colombiana liderada por Diana Bustamante Escobar; la francesa Dublin Films de David Hurst; y la brasileña Vulcana Cinema Brasil, dirigida por Jessica Luz y Paola Wink. Una alianza transnacional que no solo amplía el alcance del filme, sino que refleja uno de sus ejes temáticos: la identidad que se construye al transitar diferentes territorios.

Uno de los puntos más destacados del filme es la manera en que integra el paisaje colombiano dentro de su propuesta estética. La Tatacoa no aparece como un escenario aislado, sino como un ente vivo que respira junto a los personajes. 

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El resultado es una obra que se mueve entre el realismo y lo simbólico, entre la crudeza de la naturaleza y la fragilidad humana. Su propuesta sensorial la acerca a un nuevo cine latinoamericano que apuesta por lo contemplativo y por narrativas que dialogan con la memoria, la identidad y el territorio.

El elenco de esta producción está integrado por Alexis Lozano Tafur, Miguel Ángel Viera, Ángela Rodríguez, Laura Valentina Quintero y Virgelina Gil Sáenz, con quienes ‘Culebra negra’ promete ser uno de los estrenos más significativos del año en Colombia. Su llegada a las salas nacionales no solo celebra el talento local y la potencia turística y visual de La Tatacoa, sino también el crecimiento de un cine que se impulsa desde lo estético y geográfico.

Los amantes de las pinturas podrán apreciar obras de arte moderno y contemporáneo, colombiano y latinoamericano en un solo lugar. Se trata de la exposición gratuita de los grandes maestros de la plástica que se lleva a cabo en ‘Bogotá Auctions’, la cual estará disponible al público hasta el próximo jueves. 

En este espacio se podrán apreciar tres cuadros de Fernando Botero, una inédita de Débora Arango, así como otras destacadas de Emma Reyes, Beatriz González, Alejandro Obregón, David Manzur, Luis Caballero, Santiago Cárdenas, Antonio Caro, Maripaz Jaramillo, Enrique Grau, Miler Lagos, Jim Amaral, Ómar Rayo, Saturnino Ramírez, Juan Antonio Roda, Pedro Ruiz, Carlos Rojas, Antonio Samudio, Lucy Tejada, Guillermo Widemann, Hugo Zapata y muchos más. 

“La plástica de los años cuarenta está representada por tres piezas particularmente significativas: ‘Ronda con niño de Alipio Jaramillo’, uno de los grandes maestros del americanismo social en Colombia y Latinoamérica; ‘Nocturno-Parcas’ de Enrique Grau, cuyo expresionismo simbólico testimonia la intensa búsqueda plástica de su periodo formativo; y ‘Vendedor de peinillas’ de Hernando Tejada, destacada por haber participado en la ‘Bienal de Venecia’ de 1950”, expresó Charlotte Pieri, directora general.

Entre las pinturas también están la ‘Monalisa’ (niña) de 1961 de Fernando Botero, ‘Capital’ de 1976 de Carlos Granada, ‘Feliz cumpleaños, quiéreme y serás feliz’ de 1955 de Débora Arango, ‘El final de un mito’ de 1973 de David Manzur, ‘Barrucada’ de 1980 de Alejandro Obregón, ‘Paisaje selva tropical’ de 1987 de Luis Alberto Acuña, ‘Cali, carrera 8va’ de 1987 de Mónika Herrán y ‘Los iluminados’ de 2006 de Bernardo Salcedo. 

Los interesados en ingresar a la exposición pueden asistir a la Calle 70 # 10 A – 59 de 11:00 a.m. a 6:00 p.m. El jueves 20 de noviembre las obras también estarán disponibles para subasta. 

Conozca las obras, sus referencias y haga el recorrido virtual, aquí.

El periodista y cineasta colombiano Jhon Jatenjor presentó ‘Evolution of Horror Cinema Worldwide’, un documental monumental que repasa más de un siglo de cine de terror y analiza cómo el miedo ha cambiado junto con la sociedad. Con una duración de 564 minutos, la producción se estrena en 2025 y promete ser una experiencia tan extensa como inquietante.

Durante su conversación en ‘Amantes del Círculo Polar’, Jatenjor explicó que el proyecto surgió de un interés personal por entender el lenguaje del miedo. “Este trabajo nace de mirar el terror no solo como un género cinematográfico, sino como un espejo de las emociones humanas. El miedo cambia con el tiempo, pero nunca desaparece”, comentó el realizador.

El documental recopila escenas, fragmentos y entrevistas de directores, críticos y actores de distintas épocas. Su autor lo describe como una “arqueología del miedo”, una búsqueda de cómo lo monstruoso se refleja en las formas de contar. “Hay películas que marcaron generaciones enteras sin necesidad de grandes efectos. Lo más poderoso siempre fue lo que no se ve, lo que se imagina”, explicó.

En la entrevista, el equipo del programa reflexionó junto a él sobre cómo el terror ha pasado de lo artesanal a lo digital, y cómo esa evolución cambia nuestra relación con el miedo. “Antes, los efectos eran manuales, se hacían en el set, con máscaras o luces. Hoy todo es digital, pero esa crudeza del pasado tenía algo más real, más cercano”, agregó Jatenjor.

Más allá del género, la obra propone un diálogo entre la historia del cine y las emociones colectivas. El realizador señaló que ‘Evolution of Horror Cinema Worldwide’ es también un homenaje a las primeras películas que marcaron su infancia: “Crecí viendo esas historias que me daban miedo, pero que después entendí como metáforas del ser humano: la soledad, la culpa, la obsesión por sobrevivir”

Por ahora, ‘Evolution of Horror Cinema Worldwide’ queda como un archivo gigantesco del miedo: más de nueve horas de investigación que conectan épocas, estilos y formas de asustar. Un proyecto que abre la puerta para volver a mirar el terror con otros ojos y que deja la sensación de que aún queda mucho por contar lo que nos asusta y por qué nos sigue atrayendo tanto.  

Esta es una experiencia oficial que da vida a uno de los libros más queridos del mundo. Con más de 1.000 metros cuadrados de arte, tecnología y juego, esta puesta en escena invita a público de todas las edades a reencontrarse con la magia, la sensibilidad y los mensajes atemporales de la obra de Antoine de Saint-Exupéry.

Un recorrido para ver con el corazón

La iniciativa combina proyección inmersiva 360°, teatro en vivo, zonas interactivas y espacios educativos en un viaje que celebra el valor de la amistad, la imaginación y el amor.

Los asistentes podrán adentrarse en escenarios icónicos como:

•    El Sahara •    El Jardín de las Rosas •    El Asteroide B-612

Entre otros espacios diseñados para maravillarse, aprender y capturar momentos inolvidables en familia.

“El mensaje del Principito está más vigente que nunca. En un mundo saturado de pantallas y distracciones, su llamado a mirar con el corazón es una brújula necesaria para todas las generaciones”, afirmó Alejandro Riviere, director creativo de Intuit SAS, estudio creador de la experiencia en alianza con el estudio francés custodio de la licencia oficial.

Además del recorrido inmersivo, los visitantes encontrarán una tienda oficial con artículos exclusivos, piezas coleccionables y ediciones especiales del libro, cuidadosamente seleccionadas bajo licencia oficial.

La experiencia está ubicada en el tercer piso del centro comercial Gran Estación.

Horarios: •    Lunes a viernes: 1:00 p. m. a 8:00 p. m. •    Sábados, domingos y festivos: 11:00 a. m. a 8:00 p. m.

En pleno corazón de Bogotá, en La Candelaria, el Museo Arqueológico MUSA inauguró ‘SERámicAnimal’, una nueva exposición que reúne 115 piezas de cerámica precolombina dedicadas a la representación animal. La muestra, instalada en la histórica Casa del Marqués de San Jorge, es una invitación a redescubrir la riqueza cultural de las antiguas sociedades que habitaron el territorio colombiano.

Más que una colección de figuras zoomorfas, ‘SERámicAnimal’ propone un enfoque sensorial y conceptual que entiende la cerámica como un archivo vivo, un lugar donde los cuerpos animal y humano se entrecruzan, por medio del barro.

En ‘Amantes del Círculo Polar’ hablamos con su curador, Óscar Sanabria, quien compartió detalles de la colección y su importancia en clave de la memoria precolombina del país.

“Vamos a ver una muestra de piezas cerámicas de diferentes regiones arqueológicas (...) Cada una tiene unas características particulares que nos permite comparar unas a otras. A pesar de las diferencias de lugar y de tiempo, todas tienen una particularidad que nos hacen pensar en esa idea del cuerpo, del cuerpo propio, del cuerpo del animal y sus diferentes transformaciones”, agregó.

La muestra reúne piezas provenientes de ocho regiones arqueológicas —Tairona, Calima, Muisca, Guane, Nariño, Tumaco, Guayupe y Tierradentro— seleccionadas cuidadosamente entre las más de 15.000 piezas que conforman la colección del museo. Una diversidad simbólica de objetos que convierte la exhibición en una de las propuestas más completas de la capital, tanto por su riqueza estética como por el diálogo que establece con las tradiciones de distintos territorios.

“Esta exhibición, con sus 115 piezas, es un viaje a través de una idea de la plasticidad y la facilidad que tiene la cerámica para hablar de muchas cosas. Entre esas la transformación entre el hombre y el animal”, agregó el curador.

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Cada objeto revela la destreza técnica, la sensibilidad artística y el profundo pensamiento simbólico de las culturas precolombinas, en las que los animales no solo eran referentes del mundo natural, sino también entidades sagradas, guardianes, presencias míticas o expresiones del tránsito entre mundos.

Adicionalmente, el montaje museográfico incorpora sonidos, video y dispositivos interactivos, permitiendo que la visita sea una experiencia inmersiva. El proyecto, por su parte, contó con el acompañamiento académico de Brown University, la University of Chicago y un equipo interdisciplinario de profesionales reunidos bajo el nombre Colectivo MUSA, quienes trabajaron en la creación de una propuesta novedosa y responsable con el patrimonio.

Los interesados en conocer esta y otras exposiciones pueden visitar www.musa.com.co para descubrir mayores detalles.

La popular novela ‘The Housemaid’, escrita por Freida McFadden finalmente da el salto al cine bajo el título de ‘La empleada en hispanoamérica’. Una película, dirigida por Paul Feig y distribuida por Lionsgate que promete ser uno de los estrenos fuertes de finales de 2025 y comienzos de 2026. 

Protagonizado por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried, dos actrices reconocidas que dan vida a los personajes principales, la cinta promete adentrarse en la tormentosa vida de Millie, una joven recién salida de prisión que busca empezar de nuevo y acepta trabajar en la elegante casa de la familia Winchester. Sin embargo, lo que parece un trabajo tranquilo pronto se convierte en una experiencia inquietante, llena de secretos y situaciones que ponen a prueba su estabilidad.

De hecho, según se ha adelantado, la vida dentro de aquella familia estará tan llena de enigmas y de escándalos que superará con creces el pasado de Millie. Una historia en la que los dilemas morales, los límites de la lealtad y los alcances de la confidencialidad pondrán al público en una encrucijada de la talla de cintas como ‘Parasite’.

El primer tráiler, presentado en CinemaCon 2025, muestra una atmósfera cargada de tensión y misterio. Es, sin duda, una película que apuesta por un estilo de thriller psicológico, con giros sorprendentes y una relación compleja entre los personajes.

De hecho, a la par de Sweeney, es Amanda Seyfried quien se roba el espectáculo con una interpretación poco común en su carrera, saltando de una amable calma a una alarmante esquizofrenia que, al menos en el trailer, parece ser el papel más exigente dentro de la trama.

Según ha expresado su director, Paul Feig, uno de los mayores retos fue trasladar al cine la sensación de encierro y estrés que caracteriza al libro. También destacó que la película mezcla momentos de tensión, sustos y un toque de humor negro.

Aunque su llegada a Colombia está prevista para el primero de enero de 2026, el público norteamericano podrá encontrarla en sus principales salas de cine a partir del 19 de diciembre. Una fecha determinante para conocer el impacto de la historia sobre los asistentes y los comentarios de la crítica especializada que suele ser bastante exigente cuando de adaptaciones literarias se trata.

El reparto se completa con Brandon Sklenar, Michele Morrone y Elizabeth Perkins, quienes aportan nuevas capas al misterio que rodea la historia.

El Festival regresa a la ciudad con una programación amplia y diversa que incluye exposiciones, conversatorios, laboratorios de danza y una gala de cierre que promete reunir distintas expresiones del movimiento Ballroom. Detrás de esta edición están Olga Robayo y Manu Mojito, artistas que han diseñado una curaduría que invita a mirar las corporalidades, los territorios y las formas de habitar desde el arte contemporáneo.

Uno de los escenarios principales será ‘El Parche Artist Residency’, espacio histórico para la escena Ballroom en Colombia, donde se realizaron los primeros ensayos de esta práctica performativa. Allí se presentará el Archivo Ballroom Bogotá, una exposición que reúne memorias, fotografías y relatos de quienes construyeron comunidad cuando la palabra “visibilidad” aún era un acto de valentía.

La programación también incluye el conversatorio ‘Decolonización de la cuerpa y las heridas de territorio’, con la participación de Habibitch (Argelia/París) y Rebeca Zaa (Brasil/Egipto). Este diálogo busca pensar cómo los cuerpos se convierten en espacios políticos, atravesados por historia, migración y deseo.

Los días 19 y 20 de noviembre, Habibitch liderará un Laboratorio de Vogue, un espacio para aprender, compartir y entender la danza como una forma de resistencia y autoafirmación. El eventol cerrará el 22 de noviembre con una gran maratón de performance y feria de emprendimiento en la Terraza Pasteur, un punto de encuentro entre arte, comunidad y fiesta.

Desde su creación en 2015, el Festival KUIR se ha consolidado como un refugio para la creatividad disidente, libre de discriminación y abierto a todas las identidades. Más que una celebración, es una invitación a mirar la ciudad con otros ojos: los que bailan, crean y transforman la historia con orgullo.

Programación disponible aquí.