Carlos Villa, nació en Santiago de Cali en 1936, pero vivió en el Caribe desde muy pequeño. Su tía, la pianista Adela Villa, le dio clases de música con tan solo 3 años de edad, pues veía en su sobrino la curiosidad. A los 5 años, en uno de los festivales de música que se realizaban en Cartagena, en los años 40, vio tocar al violinista Yehudi Menuhin y según contó en una charla en el marco del IX Festival de Música de la ciudad amurallada, algo invadió su espíritu y quiso a partir de ese momento interpretar ese instrumento. 

Empezó a recibir lecciones de violín con el profesor Teófilo Tipón a los 7 años y poco después despertó el interés del mecenas Lewis MacNaughton, quien al ver el potencial del joven Villa lo invita a recibir clases de violín con Helen Hall, una destacada música de Dallas.

Luego de una presentación con el violinista Jascha Heifetz, uno de los violinistas más destacados del siglo XX y gracias a su recomendación y a la de Alexander Schneider, igualmente reconocido, obtuvo una audición ante Efrem Zimbalist, director del ‘Curtis Institute of Music’ en Filadelfia. Fue aceptado en el Instituto con una beca completa, allí realizó sus estudios durante los siguientes diez años con los maestros Veda Reynolds e Iván Galamia y ganó varias competencias nacionales, como ‘Children’s Concert’, a la edad de nueve y ‘Youth Concert’ a los dieciséis, por lo que fue invitado a tocar como solista con la Orquesta de Filadelfia en dos ocasiones, bajo la batuta de Eugene Ormandy.  

Después de sus estudios en Filadelfia, se fue a vivir a Suiza, donde conoció a Yehudi Menuhin, su ídolo de la infancia. Con la ayuda de este maestro, quien también practicaba yoga, Carlos Villa aprendió a controlar los músculos y los nervios. Descubrió que la parte técnica era fundamental en la tarima, pero no era lo único, una premisa que siempre enseñaba a los estudiantes de las agrupaciones juveniles de la Filarmónica de Bogotá. Fue pionero en muchos aspectos del arte en Colombia y abrió el camino para que otros intérpretes clásicos pudieran alternar con figuras importantes de la escena musical. En la Filarmónica tuvo un papel preponderante en la formación de jóvenes a quienes les enseñaba a aplacar sus inseguridades y multiplicar sus ganas de sobresalir. 

Durante cinco años fue el concertino de la orquesta Philharmonia, de Londres; y fue el primer y único músico colombiano en compartir jornadas de grabación con los Beatles.

Durante un homenaje que le realizaron, contó cómo conoció a los cuatro de Liverpool. “Yo estaba recién llegado a Londres y allí conocí a la escritora Penelope Mortimer. Ella me invitó a una fiesta en 1963 y me dijo que también había invitado a unos jóvenes talentosos del rock. En ese lugar conversé con Paul McCartney y John Lennon y ellos me contaron que querían hacer una fusión entre su propuesta y algunos instrumentos clásicos. Pasado el tiempo, me llamó el representante de los Beatles para citarme en los estudios. Siempre grabamos de noche y de ahí salieron ‘Eleanor Rigby’ y ‘A Day In The Life’, entre otros temas”. 

Carlos Villa fue, sin duda, uno de los intérpretes de violín más destacados en el país, su genialidad para la música lo llevó a convertirse en un líder y un referente para nuevas generaciones. Su legado no será olvidado, pues como lo ha manifestado en las redes sociales, David García, director de la Filarmónica, era un “ser humano de infinitas cualidades. Uno de los músicos más grandes de América Latina”.   

Pantoja continúa su exploración por el género cubano, el cual ha tenido una gran influencia en su vida. ‘Trébol I’ y ‘Trebol II’, conformaban un disco de 14 canciones, sin embargo, la distancia entre los dos trabajos le ha permitido disfrutar más de cada uno.  

“En algún momento después de mi primer disco de solista, sentí la necesidad de ubicar mis raíces aparte de ser cantautor y pensé en las bohemias de mis papás, en esos boleros que ya enamorándome o desenamorándome, sintiendo cosas del amor, ya entran en otro significado. Se volvió muy importante este lapso de mi carrera”, nos cuenta Pantoja, quien habló en ‘Amantes del Círculo Polar’, sobre la importancia que tiene este género para él. 

‘Trébol II’ recopila varios temas emblemáticos del bolero, como ‘Poquita fe’, ‘Se me olvidó’, ‘Locura mía’ y ‘Vete de mí’, también incluye una nueva canción, ‘Bolero de despedida’, compuesta por Pantoja y John Harbey Ubaque (Dartañan). Cuenta con una colaboración especial de su gran amigo y colega Andrés Cepeda, en la canción ‘Aunque me cueste la vida’. 

“Le agradezco a la vida por habérmelo cruzado. Es una persona que me ha ayudado mucho, con él he aprendido muchas cosas de mi oficio, desde el momento en que empecé a ser guitarrista con él, de su banda y de su proceso como solista y todos esos sueños que uno tiene de músico los he cumplido con él”, menciona Pantoja sobre su relación con Cépeda. 

La producción también es una oportunidad para rendir homenaje a grandes compositores e intérpretes de la música latina, como Bobby Capó, Palito Ortega y Alfredo Nodarse.  

‘Trébol II’ fue producido y grabado en Bogotá en el 2020 con la participación de Diego Valdés en el contrabajo, Mauricio Rodríguez en la percusión menor, Alejandro Herrera en la batería, Romario Franco en la trompeta, Juan Pablo Rentería en el órgano hammond y Pantoja en voz y guitarra. 

 Escuche y vea los videos de ‘Trebol II’

Blas, vocalista; Julián, baterista y Álvaro, guitarrista, estuvieron en ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este trabajo que pretende dar inicio a una nueva etapa de sonidos y canciones. 

Beta inició de la mano de Blas y Álvaro, quienes sin saber mucho de negocios y de lo que implica tener una banda, se sumergieron en el gran universo de la música. Ahora su mirada en retrospectiva los hace reflexionar sobre el camino que han recorrido. 

“Nos encaminamos en esta amistad, en esta relación y es muy bonito verlo después de 16, 17 años que llevamos tocando con Álvaro, así se ha ido desarrollando esto que ya podemos llamar una empresa, una familia y un conjunto de discos que hemos sacado que son como nuestros pequeños hijos, los vemos crecer y vemos cómo la gente canta y los toca en sus casas, luego forman una familia con quien los comparte y los traen a los conciertos. Es algo muy mágico para nosotros que somos relativamente jóvenes”, afirma Blas sobre esa trayectoria que ha tenido la banda.

Respecto al nuevo EP, la agrupación considera que este es un punto de inflexión en esa nueva fase que inician, con un sonido más maduro e intenso, que retoma los inicios del proyecto. 

“Lo que una vez fuimos y lo que siempre hemos sentido que somos, somos una banda de rock que usa los sonidos y los ambientes del rock para traducir, transformar y expresar nuestras emociones, pero revisitado desde un punto de vista más ligero”, menciona el vocalista. 

‘Salvaje’ hace alusión a ese momento oscuro que vive la humanidad, Julián lo describe como un suceso apocalíptico y menciona que la temática del disco plantea que: “A pesar de estar mal, lo único que queda es bailar y pasarla muy bien, complacerse con la ligereza de la vida, no complicarnos, disfrutar el camino y no estarnos agobiando por otras cosas”.

El EP, tiene cuatro canciones, ‘1 A La Vez’, ‘Salvaje’, ‘Coolpable’ y ‘Gente Decente’, cada una con un mensaje transgresor y crítico de los momentos actuales que se viven en el mundo. Un trabajo que ha sido autogestionado por la banda y que disfrutan tocar en vivo.

Tete se encuentra en Colombia en la gira de promoción de su segundo LP y estuvo en Amantes del Círculo Polar contando detalles de su trabajo, que además incluye una serie de su vida personal y artística.

“Creo que es muy importante contar quien es el personaje, lo que hay detrás de las canciones. Muchas veces, a través de plataformas digitales escuchas las canciones, pero si que cuesta ver lo que hay detrás de los artistas. Que somos gente normal, de carne y hueso, que hacemos un día a día, que no paramos de trabajar”, menciona Tete sobre el origen de este disco que lleva impregnada la huella de su labor artística pero también de momentos de su vida.

El artista define este trabajo, como una macro producción que combina, el poder de la música, la estética visual con videos increíbles que presentan recursos excepcionales, el CD, que además contiene las letras de las canciones y fotografías de alta calidad y una serie, donde Tete abre la puerta de su casa al público para compartir su día a día. Sin duda, la apuesta es muy completa y deja ver la calidad del trabajo de este representante del metal en España que ya tiene 15 años de trayectoria en la música.

‘Historias que Cantar’ contiene 10 canciones que encierran, en sus melodías y sus letras, todo el espíritu del rock and roll. La producción del álbum estuvo a cargo de los colombianos Juan Guevara y el ganador del Grammy, Felipe Guevara, quien aportó toda su experiencia y talento en la mezcla.

“Son unas canciones muy personales, quizás es abrirme, a corazón abierto, pero sobre todo, son historias cercanas, actuales, como por ejemplo, el segundo single que se llama ‘Evil Machine, que hace referencia al teléfono móvil y a la adicción a las redes sociales, al tiempo que estamos inmersos en el celular o también historias tan cercanas como la perdida de mi perro que murió hace dos años y que le he escrito una canción muy bonita que se llama Seremos tu y yo, que es el tercer single y esta funcionando muy bien, porque tiene un trasfondo animalista y ha conectado muy bien con todas las personas que hemos vivido esa ruptura, ese vinculo tan

especial de una persona con una mascota”, comenta el vocalista sobre las canciones.

El álbum y los videos se pueden disfrutar en el canal de YouTube de Tete Novoa o en todas las plataformas.

Adicionalmente, Tete trabaja, junto a su equipo, en la producción de un gran concierto, que espera traer a Colombia y el cual girará por diferentes países latinoamericanos.

Daniel Vásquez, batería y Ernesto "Neto" Ortiz, vocalista, estuvieron conversando en ‘Amantes del Círculo Polar’ sobre este LP que hoy presentan al público, colombiano. 

A lo largo de su trayectoria 'Serbia', ha venido trabajando en un sonido que los identifique, Neto menciona que el proyecto se completó y que hoy pueden afirmar que tienen una definición como grupo musical representante del rock latinoamericano. 

"Estamos contentos con este nuevo trabajo, que conserva el sonido de 'Secretos al Sol', nuestro primer álbum, pero un poco más emo, más triste, más personal y sentimos que es una evolución muy padre".

'Melodramática, incluye temas que cuentan una historia, dentro de otra. Aquí se narra la perdida y cómo se vive el luto. La apuesta en este disco es presentar varias etapas en la vida de una pareja. El álbum tiene 10 canciones y 2 bonus tracks de las cuales, '7 días de luto', la primera, es el intro de la historia, 'Melodramática', la segunda, es la introducción a toda la obra del protagonista. Al final, 'Noches largas' es el desenlace de la historia contada por la banda. 

"Nos encanta producir discos concepto, que tengan algún significado, no nos gusta estar sacando canciones a lo tonto, entonces es una historia dentro de otra, de un personaje que pierde a su amada y decide crear este disco, lo que sucede es que cada canción presenta una manera diferente de lidiar con el duelo, con el luto, para que al final el protagonista sepa que debe hacer", así lo explica el vocalista de la banda. 

Este trabajo les tomó un tiempo, pues consideran que las canciones deben madurar y que cada una evoluciona. Esto, según cuenta Daniel es lo que más les cuesta, pero también lo que más disfrutan "Neto dice mucho, que para saber que canción vamos a grabar, las tocamos en los ensayos y si en dos o tres semanas te sigues acordando, esa es", asegura Daniel.

La "movida regia" (movimiento de músicos de Monterrey, México), continúa su camino con agrupaciones como Serbia, que se mantiene intacta en su propósito de presentar canciones con fuerza interpretativa, un manejo impecable de la estética visual y una puesta en escena con mucha energía llena de estridencia y poder. 

La banda ya se encuentra adelantando su siguiente producción y esperan realizar una gira por el continente para hacer vibrar a sus fans.

Escuche y vea los videos del álbum 'Melodramática'.   

El músico santandereano, Sergio Arias, siempre ha tenido una conexión con la música. A los 17 años era MC “el micrófono caliente”, como él se hacía llamar, en las noches de fiesta tecno en el Norte de Santander, allí adquirió esa confianza y convicción de que su camino eran los sonidos, el movimiento, la palabra y, en resumidas cuentas, el arte. 

Luego viajó a Bogotá para estudiar en la Universidad Nacional y conoció a grandes músicos que le aportaron en su formación. Y a pesar de que la música clásica atravesó su vida, sus gustos estaban más apegados a las raíces, al folclor, pero también a los nuevos sonidos del mundo. Se integró al grupo de teatro ‘La Candelaria’, una experiencia que de seguro revirtió en sus puestas en el escenario. 

Sergio también hizo parte de Sidestepper, una agrupación liderada por Richard Blair que marcó a la juventud de los 90 y 2000, con un estridente sonido que fusionaba la música folclórica y lo electrónico.  Después volvió a Bucaramanga a desarrollar lo que sería ‘Cabuya’, una banda que nunca pasó desapercibida. Sergio nos cuenta, en ‘Amantes del Círculo Polar’, que decidió hacer un proyecto que llevara su sello personal. 

“Fue innovador precisamente por toda esa historia mía en la que llegó a Bucaramanga a revolucionar a todo ese parche. De ahí aparecen todos estos músicos nuevos. De alguna manera somos precursores, el hecho de que hoy en día existan todas estas marcas que van al mundo, es parte de esa historia, de esa energía, de esa escuela que pudimos vivir”, afirma el músico sobre ese camino recorrido. 

Hoy su banda ‘Sergio Arias & Malalma’, va por la tercera generación con un sonido potente, envolvente y enérgico, lleno de mensajes ambientales y sociales, pues si hay algo que caracteriza a Sergio son sus letras.  Acerca de los proyectos que se avecinan, el líder de Malalma, afirmó que ya se encuentra trabajando en un proyecto que incluirá las artes escénicas y la música; también desarrolla la producción de su próximo trabajo discográfico.

Escuche la música de ‘Sergio Arias & Malalma’

Yasmin estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ y compartió con los oyentes parte de la historia de su trayectoria en la música, además de encantar con su preciosa voz. 

Desde muy pequeña Yasmin Occhiuzzi exploró la música, la danza y el teatro. Su exploración por los ritmos del continente la ha llevado a interpretar jazz, música brasilera, folclore latinoamericano, música popular, entre otros. 

En esta búsqueda nació el interés por encontrar la coincidencia rítmica y musical de la chacarera argentina con otros sonidos de países latinoamericanos y de allí surgió su segundo trabajo discográfico ‘El ritmo que nos une’. 

“Empecé a investigar y no era solo el bambuco en Colombia, sino también el son jarocho en México, el vals peruano en Perú, en Chile tenemos la zamacueca que es más parecida a la samba, hay muchos ritmos folclóricos que nos atraviesan y justamente son muy parecidos, la hipótesis de mi tesis fue si estos ritmos habían llegado por una coincidencia musical o por una cuestión migratoria, si había ido bajando ese ritmo por Latinoamérica. La conclusión es que pasó un poco de las dos cosas, porque los sonidos se asientan cuando llegan esclavos africanos con toda esta ricura rítmica, y la aparición de la guitarra española. Por eso el disco se llama ‘El ritmo que nos une’”, menciona sobre el origen de su trabajo.  

Escuche la música de Yasmin Occhiuzzi 

Su recorrido musical la ha llevado a interpretar, con maestría, los ritmos que nos definen y a crear composiciones, que, a pesar de estar tan cercanas a sus experiencias personales, nos identifican.  

Yasmin se presentará el 27 de mayo en Bogotá en el Teatro Charlot donde compartirá escenario con la artista Katie James, quien además es una embajadora del folclore colombiano, luego viajará al valle y estará el 7 de junio en la sala Beethoven de Bellas Artes, en Pereira el 9 de junio en el teatro Comfamiliar, el 11 de junio participará del reconocido ‘Festival Mono Núñez’, en Ginebra, el 24 de junio en Girardota en Antioquia y cerrará la semana del Tango en Medellín el 25 de junio. 

Cuatro reconocidas bandas y artistas se darán cita en el Teatro Libre sede Centro, para llenar de sonidos el escenario y homenajear este género que este 2023 cumple 12 años, desde que fue decretado por la UNESCO. “Con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso valioso que contribuye al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial”, de acuerdo con la declaración de esta entidad. 

Programación 

Jueves 27 de abril. 8:00 P.M. ‘Anamaría Oramas Jazz Cuarteto’ 

Una de las figuras más jóvenes del jazz colombiano. Su flauta suena en la escena nacional, junto a artistas como Juancho Valencia, Lucía Pulido, Jorge Velosa, Briela Ojeda, entre otros. En la búsqueda de su propio lenguaje se ha alimentado de la herencia de las músicas tradicionales colombianas y de los aportes de las actuales corrientes del jazz.

Ha participado como invitada en el Festival Ajazzgo Cali. Hizo parte de la serie Jóvenes Intérpretes del Banco de La República. Pertenece al ‘Colectivo Colombia’, proyecto liderado por Antonio Arnedo, que busca crear y difundir los sonidos de la nueva música colombiana. Grabó junto a Hugo Candelario ‘Soplo de Río’. En 2019 lanzó, en el Festival Jazz al Parque, ‘Muntu’ reseñado por diversos medios como uno de los mejores trabajos discográficos del año.

Viernes 28 de abril 8:00 P.M. ‘Jackson Ensamble’

Ganadores de la primera edición del Festival Jazz Libre 2022. Esta agrupación explora su visión compositiva y ofrece un set percutivo con un fuerte núcleo emocional. ‘Jackson Ensamble’ representa el ejercicio de escucha y de cómo el sonido genera afectaciones emocionales, una complicidad con el cuerpo, movimiento, el tap dance y el sand dance con un sin número de matices en sus percusiones del mundo. Un viaje interesante lleno de colores y texturas que se mezclan con músicas tradicionales y armonías modernas del jazz. 

Sábado 29 de abril 8:00 p.m. ‘Jonathan Krause’

Músico saxofonista, clarinetista y flautista especializado en jazz con una amplia trayectoria en docencia, así como intérprete en proyectos de jazz, funk, músicas del mundo, música clásica, rock y pop. Tiene habilidades de lectura musical e improvisación como arreglista y compositor. Ha hecho parte de diversas formaciones profesionales, desde Big Bands hasta pequeñas y medianas bandas de jazz y pop, cuartetos clásicos de saxofón, entre otros.

Domingo 30 de abril 4:00 p.m. ‘Urpi Barco’ 

Una de las cantantes y compositoras más reconocidas en el campo de las nuevas músicas colombianas y el jazz latinoamericano. Con más de 20 años de experiencia en el escenario, tres producciones musicales como solista y 10 producciones con diferentes agrupaciones colombianas. Se ha interesado por la interpretación, investigación y recopilación del repertorio de las costas colombianas principalmente, encontrando en estas sonoridades el pilar para su proyecto creativo que mezcla elementos del jazz, las músicas del mundo y la exploración vocal. Maestra en Artes musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, con Máster en Interpretación en Jazz y música moderna del Conservatorio del Liceu de Barcelona (España). En 2018 realizó la preparación vocal y musical de su más reciente trabajo discográfico ‘Manglares’ en la ciudad de New York. Allí tuvo la oportunidad de recibir clases con destacados profesores de improvisación a nivel internacional entre ellos el reconocido músico Bobby McFerrin.

Más información en www.jazzlibre.com.

‘Remixphera’ introduce remixes de 11 artistas, de las canciones incluidas en el álbum ‘Lumisphera’ de Estados Alterados, lanzado en 2018. El cual contiene dos vinilos transparentes con un diseño de portada e interior, al mejor estilo del pop art, que cuenta una historia ilustrada, convirtiéndolo en una verdadera joya, un placer para todos los sentidos. 

“Empezamos a jugar con la idea de que otros artistas hicieran remixes de nuestras canciones y decidimos que fuera de ese último disco, porque a toda agrupación veterana le cuesta mucho trabajo, hacer que oigan su música reciente, todo el mundo quiere oír los clásicos. Entonces, dijimos: que hagan remixes de lo último, de lo nuevo”, cuenta Elvis. 

“Fue muy grato, porque tener artistas de todas partes del mundo nos llevó a un recorrido prepandémico. La pandemia nos frenó el doble álbum, que debió haber salido hace un año y nos resguardamos hasta este momento, pero detrás de cada remix hay una historia”, agrega Ricky acerca del proceso de construcción de ‘Remixphera’. 

Los artistas que hacen parte de este trabajo fueron cuidadosamente seleccionados, pues la agrupación tenía claro que el soltar las canciones de su banda, era un acto de responsabilidad y cuidado “es como soltarle un hijo a alguien”, precisa Elvis. 

El vinilo de edición limitada, con tarjeta de descarga y que se puede adquirir directamente en el website oficial, hace parte de la celebración de los 30 años de creación musical, junto a una experiencia multisensorial, de muchos lenguajes, lo cual sigue demostrando el espíritu creativo de esta banda que mantiene su independencia a toda costa. 

Además Elvis y Ricky, hablaron de su trayectoria en la escena musical colombiana, de sus referentes, de las anécdotas que los llevaron a hacer música para toda una generación y del precio que se debe pagar por persistir en un sueño que no tiene fin y al que le han impregnado hasta la última gota de pasión. 

Sobre el futuro, precisaron que están trabajando en un nuevo proyecto que tiene como base el folclore colombiano. 

Ricky, Elvis (vocalista), Natalia (teclados) y Felipe (guitarra y bajo), son Estados Alterados, un grupo experimental que ha presentado seis discos que reflejan la exploración en los sonidos electro, industrial y new wave y que sin ninguna duda han agitado cuerpos y corazones a lo largo de los años.  

La primera jornada de seminarios se llevará a cabo en la Biblioteca Los Fundadores, del Gimnasio Moderno el 25 de marzo y tendrá como conferencistas a Luis Carlos Aljure y José Daniel Ramírez, conocedores de la música clásica, quienes abordarán diferentes temas de la música de la ‘Belle Époque’.  

En ‘Amantes del Círculo Polar’, hablamos con el periodista y experto en música barroca y lírica, ganador del Premio Simón Bolívar, José Daniel Ramírez, sobre la esencia del Festival y la importancia de este tipo de espacios académicos. 

“La Belle Époque, fue un periodo musical, alegre, de muchos cambios y que de pronto ahora en nuestra Colombia se ha transformado, vale la pena recalcar ese espíritu positivo que trae esta época de tanta variedad musical y creo que para todos los gustos no solo para los que les gusta la música clásica”, menciona el periodista. 

Como es costumbre en el ‘Festival Internacional de Música Clásica’, los espacios académicos se realizan antes y durante el evento como una manera de convocar a los asistentes para que adquiera conocimientos sobre la riqueza cultural que encierra cada periodo o temática, sin embargo, José Daniel menciona que también asisten eruditos que lo acompañan y que de repente pueden salir con algo nuevo. “La idea es que el público, que no conoce la música francesa, venga y podamos abrir una puerta”, agrega.

Los temas de las conferencias son: 

A las 9:00 a.m. ‘Maurice Ravel: artesano del piano y la fusión del instrumento solista y la orquesta’. Se hablará de dos obras en las que se puede apreciar la habilidad de Ravel como compositor para piano y como orquestador, el ‘Concierto para la mano izquierda’ y el ‘Concierto para piano en sol mayor’. 

A las 9:55 a.m. el tema será ‘La mujer en la música francesa’. Se tratará la vida de tres importantes compositoras, Lili Boulanger, primera mujer ganadora del Premio de Roma; Pauline García-Viardot, quien hizo parte de los círculos artístico que frecuentaban compositores como Chopin, Berlioz y Saint Saëns, y Cecile Chaminade, una hábil compositora para piano.  

A las 11: 00 a.m., se abordará ‘El fuego de España en la música francesa’, un espacio que explora la fascinación que experimentó la sociedad francesa por las culturas orientales y la manera como España y Arabia, se convirtieran en una fuente de inspiración para músicos como Bizet, Debussy, Ravel, Lalo y Chabrier.  

La última conferencia de la jornada, ‘Favoritos de la lírica en Francia’ comienza a las 11:50 a.m. Se hablará de la fascinación del público francés por las óperas italianas de Verdi, Rossini y Donizzeti, y la manera en que algunos compositores franceses crearon verdaderos íconos de la ópera. Se detallarán las óperas, ‘Carmen’, de Bizet; ‘Samson y Dalila’, de Saint Säens, y la obra lírica de Jules Massenet.  

Durante las fechas del ‘VI Festival Internacional de Música Clásica’ ‘Bogotá es Francia, la Belle Époque’, el historiador, escritor y director del Centro Europeo de la Música, el alemán Philipp Blom, continuará con el ciclo de conferencias y conversatorios, en el Teatro Estudio Julio Mario Santo Domingo. Presentará el 6 de abril, a las 10:00 a.m., el conversatorio ‘Fin de siècle: años de vértigo’, junto a Yalilé Cardona, codirectora del Festival; y el 7 de abril, a las 10:00, el conversatorio ‘El retrato de un tiempo con cara de llano’, con el director general del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Ramiro Osorio. Además, Jorge Chaminé, presidente del Centro Europeo de la Música, conversará con Yalilé Cardona en el panel ‘La mujer artista en la Belle Époque en Francia’ el 8 de abril a las 10:00 a.m. 

El público podrá acceder a la conferencia virtual ‘Del conservatorio al cabaret y de los grandes auditorios al café-concert: la explosiva escena artística de la Belle Époque’, disponible en www.festivalmusicaclasicadebogota.org en el que el musicólogo y profesor asociado de la Pontificia Universidad Javeriana, Luis Gabriel Mesa Martínez explicará cómo la música de la ‘Belle Époque’ asumió desafíos estéticos que surgían tanto de la academia como de prácticas populares de la época. 

Más información del VI Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá aquí.