El evento cultural promovido por el Ministerio de Cultura abre su agenda con el ‘Concierto Multicolor, un canto por la vida, un estallido por la paz’, inspirado en el reconocimiento a la diversidad y a la naturaleza como fuente de vida. 

320 voces de niños entre los 6 y 12 años, provenientes de distintas partes del país, se reunirán en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán a las 4:30 p.m. para cantar, al unísono, las composiciones del maestro Julián Rodríguez, un hombre que ha dedicado parte de su vida a trabajar en colegios y barrios populares de Cali, con niños, que a través de la música y su más simple, pero complejo instrumento, la voz, construyen nuevos sueños en una sociedad que resulta difícil y hostil.  

La cercanía del maestro Julián con la ministra Patricia Ariza, dio como resultado este espectáculo que alegrará los corazones de los asistentes. En ‘Amantes del Círculo Polar’, el artista nos contó sobre el origen de esta idea que convoca a celebrar la cultura y la paz.  “Cuando Patricia Ariza quedó como Ministra de Cultura, llamé a felicitarla y me dijo: porque no hacemos en los cien días un coro de esos grandotes pero nacional. Y entonces cuando volvimos a hablar, ya eran 320 niños y niñas de varios coros que vienen de Turbaco, de muchos pueblos de Cundinamarca, también de Bogotá, se cuenta con siete músicos y solistas, hay mucha alegría”.

Julián Rodríguez cumple en 2022, 20 años de creación del coro de mil niños en la ciudad de Cali y afirma que ha podido trabajar a lo largo del tiempo con más de 13 mil estudiantes. Sus coros se caracterizan por la construcción de imágenes poéticas y políticas, que hacen del canto una polifonía del cambio social. Lo acompaña la maestra Jimena Barreto en la asistencia musical en coros.

Este domingo el repertorio gira en torno a la paz, al cuidado de la naturaleza, a los derechos de los niños, a los colores, al amor, al juego y contra la guerra. “Todo ese repertorio incluye esas canciones, tenemos unas muy divertidas, con mucho juego como debe ser con los niños. Y buscamos eso, que ellos estén al cien por ciento de su alegría, su vitalidad y que además estén cantándole al planeta, al agua, a los ríos, al canto de los pájaros, al amor, y a la convivencia tranquila”, comenta el maestro.  

En escena, las 320 voces estarán acompañadas por músicos que hacen parte de ‘El Colectivo’, una escuela artística del maestro Jaime Henao en Cali y que han estado presentes en el proceso transformador de la sociedad, durante estos 20 años de la ‘Fundación Arte y Parte’. 

Escuche al coro de mil niños.  

En ‘Amantes del Círculo Polar’, hablamos con Pablo Lesuit de su trabajo y la entrañable relación que tiene con los sonidos Latinoamericanos. 

“Galicia ha sido la puerta de entrada o de salida hacia Latinoamérica en las diferentes migraciones, estamos como muy mezclados desde pequeños. La música latina se da en las fiestas populares, las comidas y los pueblos. Por otra parte, tengo familia con los que empecé a tocar, cubanos y luego siempre he escuchado mucha música latina, sin tener una raíz o sangre”, menciona el artista sobre esa influencia que se percibe en el álbum ‘Belorizonte’. 

Pablo Lesuit es un músico multi-instrumentista, cantante y compositor que se destaca en la nueva escena de la canción iberoamericana por su estilo personal e independiente. La música de Pablo no entiende de fronteras o etiquetas, viaja libre por intensos paisajes en los que la poesía de sus letras se combina con grandes dosis de percusión, guitarras y samplers.

Los temas que Pablo propone a sus seguidores, están atravesadas por la sensibilidad de cada momento o experiencia en su vida. No compone de una manera fluida, rápida, como él mismo lo menciona, sino que se deja llevar por el momento. 

“Soy bastante anárquico a la hora de componer, siento que he tenido dos etapas bien marcadas, la primera, creo que es la que tiene cualquier musico donde piensa que la composición parte de la inspiración pura, entonces dejaba que eso viniese, mi productividad era muy leve, porque no solía llegar y esperaba que caminando o estando en una cafetería llegase una canción y tal vez a los genios les aparece de una forma más cotidiana.  Luego me senté a trabajar con la hoja en blanco y realmente siento, que en la vinculación de las dos, aparece el método, y es ahí donde trato de guardar tiempos para componer, para proponerme juegos”, afirma Pablo. 

Escuche la música de Pablo Lesuit aquí.

En los últimos años Lesuit ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas como Jorge Drexler, Esmeralda Escalante de Ainda Dúo, la conocida banda Jenny and The Mexicats, el argentino Sir Hope y la artista peruana Pamela Rodríguez, nominada a los Latin Grammy.

Pablo debutará, por primera vez, con su show en Medellín el próximo 5 de noviembre en el marco de ‘Circulart’, el mercado de las músicas de Iberoamérica, en el Teatro Pablo Tobón Uribe. 

Además, explora una nueva visita a Bogotá para realizar un concierto, en colaboración con otros músicos colombianos. 

Tras el lanzamiento de su primer álbum ‘Lo Que Me Mueve’, en el 2021, la cantautora colombiana se lanza al ruedo con esta primera canción que busca romper paradigmas y estereotipos donde a diario las mujeres están enscasilladas. 

“Es un tema muy personal que obviamente se traduce a que muchas mujeres se han sentido identificadas. En mi caso es que toda la vida he sufrido con el tema del cuerpo y con el juicio ajeno sobre mi cuerpo y digamos que ya con el tiempo, yendo a psicólogo, entendiendo la vaina, es como que uno ya se empieza a dar cuenta de que son temores ajenos. La situación es ver que esas voces que uno tiene en la cabeza cuando uno se mira al espejo, no son de uno y entenderlo para que esa sea la primera parte de empezar a sanar un montón de cosas”, dice Natalia sobre el origen de la canción, en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’. 

El sencillo habla de la liberación femenina de los estereotipos de belleza de la sociedad actual y de la opinión ajena sobre el cuerpo propio. 

‘Temores Ajenos’, viene acompañada de un poderoso videoclip, dirigido por la artista Lunalé, quien ad  emás es la creadora del colectivo De Fuego. El video reunió a 15 mujeres valientes que hacen parte de este proyecto gracias a una convocatoria donde el propósito fundamental era enfrentarse a una cámara y a sus miedos por medio de la canción. Fue presentado el pasado 19 de octubre en las redes sociales y de manera hermosa, a través de historias personales, cuestiona los estereotipos de la sociedad sobre lo que es un cuerpo "perfecto". 

“La perfección es algo inalcanzable, es una ilusión, creo que es el sinónimo para mí, mas importante”, menciona la artista del significado de la palabra. 

Aquí puede ver el videoclip de ‘Temores Ajenos’

La poderosa canción, fue grabada en ‘La Capital Estudios’ y ‘Donde Richar Estudios’. La producción y la mezcla estuvieron a cargo de Andrés Leal, ganador de Latin Grammy como ‘Mejor Disco de Música Tropical Contemporánea’ por el disco Cumbiana de Carlos Vives y el master lo realizó Randy Merrill de los estudios Sterling Sound NYC. 

Natalia Medina, se presentará el próximo 26 de noviembre, en el Estudio de la Piña, donde se llevará a cabo el ‘Festival de Fuego’, un evento que reunirá a mujeres artistas, cantautoras y emprendedoras, para reflexionar acerca de los ‘temores ajenos’ y otros temas que incluyen a las mujeres. 

El zurdito talentoso se embarca en esta nueva aventura con su inseparable hermano El Barragan, quien dirigió el video de la canción y que nos transporta a un cálido ambiente donde el color y la alegría adornan los emblemáticos lugares de Medellín, como el Salón Málaga y la Plaza Minorista. 

‘Cura y Enfermedad’, es una canción que reconoce el grado de afecto, reconoce extrañar, reconoce los errores, la pérdida y el dolor que se siente cuando se está lejos de la persona que se ama. 

“Se puede traducir en sal y azúcar, la canción plasma el sentimiento cuando a uno le hace falta alguien, reconocer los errores, entender que el amor no es fácil, ahora veo mucho que en las relaciones, en las sociedades, en cualquier profesión, oficio, las personas siempre que está bien con uno, con sus parejas, todo es divino, pero hay un problema y chao pues, se transforman en algo irreconocible”, dice Yoki sobre esos sentimientos que emergen de las relaciones humanas y que se ven representados en la canción. 

Este sencillo hace parte del nuevo trabajo de Yoki titulado ‘Dedicatorias’, un álbum que promete ser un compilado de canciones con muchas emociones. Adicionalmente el artista nos mencionó que tiene una colaboración con un gran artista de reconocimiento internacional.  

Yoky Barrios y El Barragán han construido una carrera a través de los versos y los ritmos que hoy les permite ser reconocidos como referentes claves de la nueva generación de artistas urbanos en Colombia. Yoky también se destaca por ser uno de los mejores escritores y cantantes de la escena del hip hop en Latinoamérica. 

Además de compartirnos esta canción, Yoki comparte la emoción de ser la única cuota bogotana en el Altavoz Fest en Medellín, que se realizará del 12 al 14 de noviembre. 

‘Sexy’ es el sencillo que ha conectado a Lion Fiah con el mundo. La canción ha alcanzado más de 9 millones de reproducciones en su canal oficial de YouTube y más de 180 mil oyentes mensuales en Spotify, además de liderar la escena underground en Colombia.

Escuche la canción 

El artista habló en ‘Amantes del Círculo Polar’ sobre sus inicios en la música y esa fuerte conexión que tiene con el dancehall. 

“Me gustaba mucho el reggae, todo lo relacionado con la escena y llegó un momento que me conecté con la música, obviamente venía del barrio, con los parceritos de la esquina”, dice Lion Fiah, acerca de sus inicios como músico. 

Su conexión inicialmente se hizo con el hip hop y así empezó su camino, sin embargo, encontró en el “flow” del dancehall esa esencia vital que quería expresar. “Me encuentro con las rumbas de Bogotá, empiezo a salir a las fiestas y veo el movimiento del dancehall que es gigante, en este momento me enamoro del género, esto es alegría, es bailoteo, es diversión y decido lanzarme. Me doy cuenta que el estilo del flow que yo siempre había hecho en el hip hop, en el dancehall encajaba perfecto y generaba más emocionalmente”, afirma Lion Fiah. 

Su sello discográfico ‘Basshall Records’, es reconocido como uno de los más importantes del dancehall en el mundo y con quien además ha recorrido escenarios en México, Ecuador, Perú, Chile, entre otros países latinoamericanos, atrayendo nuevas audiencias y posicionándose como un gran exponente colombiano.

El artista acaba de regresar de una gira en Chile, que tenía inicialmente el propósito de promocionar la música, sin embargo, se sorprendió con la vibra del público que coreaba las canciones. Próximamente viajará a New York con el fin de presentarse en algunos eventos, uno de ellos, en la gala de los ‘Premios Latin Plus’. 

Lion Fiah, ya cuenta con gran reconocimiento en géneros como el dancehall, fusiones afro, jamaiquinas y hip hop. Ha desarrollado beats para las pistas de baile en las discotecas. Su música está hecha para un público que busca buena rumba con canciones que lo destacan como un artista de la escena independiente con una gran proyección internacional.

Dear Boy es una banda independiente de Los Ángeles, California. Está conformada por un grupo de mejores amigos Ben Grey (voz/guitarra), Austin Hayman (guitarra), Keith Cooper (batería) y Lucy Lawrence (bajo/voz), que decidieron unirse para hacer música, que hoy es muy escuchada en su ciudad y algunos países del continente. Estuvieron como banda invitada en el pasado Estéreo Picnic en Bogotá. 

Ben Grey, habló, en ‘Amantes del Círculo Polar’, de ese tono agridulce de sus canciones, las influencias que han tenido y la importancia de la independencia en su música. 

La banda ha lanzado tres EP y una cantidad de singles a lo largo de los años. Hoy presentan su primer álbum que contiene 13 canciones que invitan a hacer un viaje emocional de la vida después de la muerte, el amor después de la vida y la complejidad de lo que significa dejar algo o a alguien atrás. “Cada canción tiene su temática. Las tenemos hace mucho, pero por primera vez quisimos ponerlas todas juntas en un álbum”, afirma Ben acerca de la esencia de esta producción.

“Las canciones muchas veces empiezan con melodías bastante felices y contentas, pero cuando inician las letras, tienen otro tipo de profundidad. El humano es complejo y por eso tenemos esas cosas profundas y alegres, queremos mostrar esa dualidad que tenemos todos”, menciona el artista.

El lanzamiento de ‘Forever Sometimes’ se realizó bajo el sello Last Gang Records, una empresa legendaria que la banda admira. Producido por la banda y mezclado por Tony Hoffer (Air, Phoenix, M83), el disco también cuenta con contribuciones de Day Wave, Hazel English, Rogue Wave, AFI e Ian Hultquist de Passion Pit. Sin embargo, muy a pesar de su unión con el sello, Ben dice que les gusta su independencia y que tienen la libertad de hacer la música que quieren hacer. 

Escuche ‘Forever Sometimes’

Sobre la música que los influencia, el vocalista, menciona a bandas como The Cure, Pulp, The Smiths, entre otras. Además, dice que en su pasada visita a Colombia conocieron a Diamante Eléctrico y les gustó, tanto así, que es posible que tengan planes de colaboraciones a futuro. 

‘Forever Sometimes’ fue recientemente incluido en los ‘Top 30 Albums’ de la prestigiosa radio de Los Ángeles, KCRW. 

La música de Dear Boy, se encuentra en todas las plataformas de música. 

Lorenzo Márquez se convirtió en Lucas Hill para escribir y cantar canciones que, en definitiva, están conectadas con su ser. Desde muy niño se acercó a la música y sintió que allí estaba su destino, se fue a estudiar a Boston en un conservatorio de música para hacer Jazz, sin embargo, este ritmo no estaba a fin con sus pretensiones y por eso decidió realizar una pausa para encontrar su propio sonido. 

“Esta ruptura (con el jazz), me llevó a un camino más sencillo y lo siento más emocional y más directo que son las canciones y estoy muy contento de haberlo encontrado”, menciona el artista sobre su búsqueda en la música. 

Lucas hace unas canciones en español y otras en inglés para construir una propuesta revolucionaria y provocativa en su contenido, atmosférica y evocativa al momento de escucharla.

Su primer álbum, ‘Lucas Hill’, salió en el 2020 de la mano de Pedro Rovetto y Pipe Bravo. Pero antes de esta explosión musical, Lucas se conectó con él mismo, de una manera más espiritual y después empezó a cantar y aunque es un poco increíble esta afirmación, el músico confiesa que antes de esto nunca lo había hecho. El resultado son canciones que conectan y encantan, pues, aunque él no lo mencione abiertamente, hay que decir que Lucas Hill tiene una voz con un color y un tono especial que transmite muchas emociones. 

‘Renacido’ es el primer sencillo que le da el nombre a su segundo álbum, una canción con aires latinoamericanos, del folk. Su letra tiene una poesía sencilla, directa, y profunda, sutilmente tejida entre capas de sintetizadores, semillas, y el pulso constante de la guitarra. 

Escuche Renacido

El videoclip para esta canción se realizó de la mano de la ilustradora Alejandra Vélez, quien plasmó de manera muy especial diversas temáticas cíclicas de la vida, los días con sus noches, el invierno y el verano, la vida y la muerte, el cielo y la tierra, el florecer y marchitar. Los tonos grises, el negro, el blanco y el naranja rojizo se usaron para darle vida a esta pieza hecha, de forma rústica, con líneas simples y en la que se construye una narrativa pausada y profunda. 

En el lanzamiento de este Festival, que llega nuevamente a la presencialidad para el disfrute de los bogotanos, se presentaron las novedades que se vivirán en esta edición, que se abre a un público más diverso, que quizás, aún no ha tenido la oportunidad de acercarse al género lírico. 

David García, director de la Filarmónica de Bogotá, resaltó que el evento quiere presentar espectáculos de gran calidad para la familia y desmitificar un poco la concepción de que la ópera es un género que solo pertenece a las elites y que se presenta en grandes formatos y en lujosos teatros. 

“Estamos celebrando 25 años del Festival y por eso para esta versión vamos a realizar tres cosas fundamentales, una de ellas, óperas de bolsillo, que permite que llevemos fragmentos de ópera a diferentes lugares de la ciudad. Lo otro es que vamos a presentar una versión muy bella, dirigida en la parte escénica por el gran cineasta Sergio Cabrera, de ‘El elixir de Amor’, que es una de las más famosas del mundo y él va a hacer una versión en contexto de la Guajira y la otra apuesta muy importante es con la Fundación Kitambo, que tiene que ver con los ascendentes africanos, muchas mujeres en esa puesta en escena de La Flauta Mágica”, afirma el director de la Filarmónica, David García. Escuche la entrevista. 

Para los amantes de la ópera italiana se presenta ‘El Elíxir de Amor’, de Gaetano Donizetti con Sergio Cabrera como director escénico. La interpretación estará a cargo de la Filarmónica Juvenil bajo la dirección de Manuel López-Gómez, el Coro de la Ópera y la Ópera de Colombia. Este título se podrá disfrutar en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, el miércoles 26 de octubre, viernes 28 de octubre a las 8.00 p.m. y el domingo 30 de octubre a las 5:00 p.m.

Al respecto, Sergio Cabrera, menciona que esta obra está basada en un pueblo olvidado, por eso la analogía que se construyó para la puesta en escena, tiene que ver con la Guajira. Allí se le rendirá homenaje al pueblo wayuú.  Escuche la entrevista.

‘La Flauta Mágica’, por su parte, llega de la mano de la organización cultural Kitambo, quien, en cabeza de Marleen Palmaers y Catherine Dunga, desarrolla un trabajo escénico de alta calidad que tiene como punto central lo afro. Escuche la entrevista. 

Finalmente, hablamos con la soprano Ana María Ruge, directora de Opera Lite, quien fue ganadora de la convocatoria Ópera al Parque con su obra ‘El Secreto de Susana’, una obra clásica con un montaje muy contemporáneo. Esta se presentará el próximo viernes 14 de octubre a la 1:00 p.m. en una única función en la localidad Santafé, Parque Urbanización 3, detrás del Cementerio Central. Escuche la entrevista.  

Será un mes de programación, que inicia el próximo jueves 13 de octubre con el ‘Recital de Canto’ con los ganadores de la convocatoria ‘Premio de Canto Colombia Filarmónica’, en la Bibliomóvil, ubicada en la Biblioteca Marichuela (Usme) a las 12:00 m. Adicionalmente, el público podrá participar de las presentaciones en bibliotecas públicas, el Teatro Villa Mayor y en escenarios móviles en la ciudad, además del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y el Ernesto Aronna de marionetas. 

Otra novedad, es la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se llevará a cabo el próximo martes 25 de octubre a las 4:30 p.m., en la sala 2 de la Cinemateca de Bogotá, con la presentación de Cabecita Negra Producciones de su propuesta ganadora de la Beca ‘Filarmónica de Videoclip’. La entrada será libre con inscripción previa.

Para consultar toda la programación puede ingresar a la página oficial de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. 

La producción contiene doce temas e incluye a maestros de la salsa y nuevos sonidos que pondrán a bailar a quien la escuche.

Adalberto Manyoma, vocalista y director de la agrupación, estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar,’ hablando de esta nueva etapa que ofrece a los seguidores mucho sabor en compañía de los mejores exponentes del género. 

“Este es un disco que nos dimos el tiempo de trabajar, tuvimos el espacio de producirlo con calma y tiene invitados muy especiales”, menciona el músico. 

Adalberto Santiago unos de los cantantes más reconocidos de la salsa y que estuvo en la Fania, se vinculó al proyecto de manera desinteresada, recalca Manyoma, como también lo hicieron Roberto Hernández “Robertón”, el vocalista líder de Los Van Van de Cuba y el colombiano radicado en China Héctor Palacios, quien desarrolla un interesante trabajo de vallenato en chino y que aportó ese conocimiento para componer la primera canción de salsa en este idioma. El trabajo fue magistralmente arreglado por el pianista cubano Efraín Chibás Wilson “Pacho”, integrante también de Los Van Van. 

La segunda generación de la familia Manyoma, expone a la luz este disco para rendir homenaje a sus antecesores, quienes han sido los grandes intérpretes y conocedores de la música afrocaribeña por más de seis décadas continuas y que siguen siendo un referente obligado para las nuevas generaciones de salseros. 

“De hecho, el nombre al disco se lo puso Hermes, porque él compuso una canción para nosotros que es ‘Soy la Generación’, fue un proceso muy bonito, la intención es hacer siempre los reconocimientos en vida, ya podemos ver que nuestros grandes salseros se nos están yendo y la idea es que nosotros podamos defender este trabajo de la mejor forma posible y por eso integramos elementos nacionales e internacionales”, afirma Adalberto Manyoma. 

El disco se grabó entre la ciudad de Cali, La Habana y Nueva York, referentes de la salsa en el mundo y que le aportan un sello universal. Se destacan canciones como ‘La Rumba que yo te Traigo’, ‘La Flor de los lindos campos’ con Adalberto Santiago, ‘Vengan ya’ con “Robertón” Hernandez, ‘Zumbalaé’ en mandarín, ‘Tengo Ganas’ y el nuevo videoclip denominado ‘Traigo la alegría’ grabado en conjunto con los bailarines de Swing Latino, la mejor escuela de baile del mundo y que está lleno de energía, baile y color.

Escuche el trabajo ‘Soy la Generación’  

Verssek en sus inicios estaba conformada por cuatro jóvenes, todos llamados, Sebastián, que de manera empírica se lanzaron al universo de la música. En la actualidad son tres integrantes con el mismo nombre y se les sumó este año Jhon J.J. en la guitarra. 

Sebastián García, guitarrista, vocalista y líder de la agrupación, menciona que sus inicios en la música se dieron gracias a la primera guitarra que un tío le regaló. Confiesa que este instrumento quedó destruido en una fiesta, pero su papá, tal vez, al ver ese escondido talento de su hijo, le regaló otra guitarra y decidió que esa sería su pasión. 

“Empecé a componer. Las personas me dicen que canto como Arjona, mucha gente lo odia, pero yo aprendí a escucharlo. Su historia es similar a la mía y me inspiró. Me di cuenta que tenía el arte de escribir y dije: esto es lo mío. Hice cursos también por internet, he querido estudiar, pero ahora que se nos están abriendo las puertas, creo que es el momento de meterle ganas”, nos cuenta el vocalista en ‘Amantes del Círculo Polar’. 

Verssek, significa verso en húngaro y esta palabra, que inició con un juego de combinar las iniciales de sus nombres, les da hoy ese significado que sin duda está en sus canciones. 

Sebastián Gómez, bajista de la banda, menciona que su esencia es una mezcla de muchos sonidos que pretenden dejar un mensaje en quien escucha. 

La agrupación ha lanzado ocho sencillos que abordan temáticas que van desde el amor, hasta la perdida de un ser amado. Los temas incluyen folk, ranchera, country, blues y rock, entre otros. Un ejemplo de su versatilidad para combinar los ritmos se puede apreciar en ‘Quédate’, que Sebastián García le compuso a su papá, quien falleció en el 2014.

“Esta canción adopta gran parte de los géneros que él escuchaba y ‘Quédate’ es algo que siempre quise decirle, pero en el día de hoy que la lanzamos, es una carta que le escribí, a él, en el cielo”.  

Verssek se aproxima a lo que será su primer álbum, que se llamará ‘Distancias’ y que tendrá 14 canciones con muchas historias que pretender identificar a sus seguidores.