El Grupo Niche mundialmente conocida por su gran legado , siempre ha mantenido una relación especial con Bogotá, ciudad en donde se fundó una tarde de 1979.  Ahora, esta misma urbe se convierte en el escenario perfecto para este homenaje al maestro Jairo Varela cuya obra con Niche definió el rumbo de la salsa colombiana.

La agrupación se centrará en la celebración de las cuatro décadas de ‘Cali Pachanguero’. Este tema no es simplemente una melodía para bailar; es un himno que captura la esencia de Cali, la Sucursal del Cielo. Desde sus primeras notas, la canción lleva a un nostálgico y vibrante viaje a la salsa de los años 80, una época dorada que se ha reactivado en estos tiempos, marcando momentos cruciales para varias generaciones.

Grabada originalmente en el álbum ‘No hay quinto malo’ de 1984 con la voz de Moncho Santana, el legado de Jairo Varela sigue más vivo que nunca hoy en la voz de Fito Echeverría, uno de los actuales cantantes del Grupo Niche, quien estrenó una nueva versión el pasado 29 de abril.

Bogotá sentirá y vivirá una noche de maracas y timbales, donde se mezclará con el baile y las canciones icónicas como ‘Cali Pachanguero’, ‘Hagamos lo que diga el corazón’, ‘Ana Milé’ y muchos más clásicos del maestro Jairo Varela. 

El encuentro será el próximo 28 de septiembre, en el Movistar Arena a las 8: 00 p.m. 

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El dramaturgo, escritor y músico brasileño conmemora 80 años de una gran carrera artística que le ha dado el reconocimiento como una de las voces indispensables de libertad y democracia.

Buarque, nacido en Río de Janeiro en 1944, ha sido un defensor de los Derechos Humanos y ha utilizado su arte para expresar su visión crítica y comprometida con la sociedad. A lo largo de los años, sus composiciones musicales y obras literarias han resonado con fuerza, abordando temas sociales, políticos y humanos con una sensibilidad única.

El artista creció en un entorno político y artístico; uno de los cuatro hijos historiador y sociólogo Sergio Buarque de Hollanda, quien más tarde co fundaría el movimiento de centro izquierda Partido de los Trabajadores, y la pianista y pintora Maria Amélia Cesário Alvim.

Aunque inició su formación profesional en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Sao Paulo, su vocación e influencias, como la del músico Vinicius de Moraes, lo acercaron al bossa nova y las letras. Tiempo después tuvo como plataforma unos festivales que promovían nuevos talentos y en el cual descubrieron a otras figuras emblemáticas, como Gilberto Gil, Cateano Veloso, Milton Nascimento o Elis Regina. 

Todo este movimiento luego se conoció como Música Popular Brasileña (MPB), que pasó a tener indicios políticos a partir de 1964, cuando un golpe militar de estado derrocó al gobierno del presidente João Goulart e instauró una dictadura militar, con Humberto de Alencar Castelo Branco a la cabeza, que se extendió hasta marzo de 1985.

Lo que llevó al músico a realizar un show de beneficencia para apoyarlos. En ese evento tuvo lugar la primera aparición de Buarque para un gran público. Sus letras desde entonces contaban la represión que vivía el país.

La resistencia al autoritarismo lo tuvo como una de sus voces más activas y lo pagó con el exilio. Perseguido y censurado, en 1969 partió hacia Roma, pero después de 14 meses optó por volver a Brasil aconsejado por Vinícius de Moraes, quien le dijo "Debes seguir haciendo ruido".

Así mismo el músico compuso ‘Apesar De Você’, una de sus canciones que con uno de sus versos, “A pesar de usted mañana será otro día”, se convirtió en el himno que años más tarde recordaría en las calles, para entonarlo, esta vez, en contra del gobierno de ultraderecha de Jair Bolsonaro entre 2019 y 2022.Tema que fue censurado en todo el país.

Durante los siguientes años, la música de Buarque se consolidó en el famoso movimiento de MPB, con canciones como ‘Samba de Orly’, también conocida como ‘Samba de exilio’.

Sus canciones, como ‘A Banda’, ‘Cálice’ y ‘Construção’, se han convertido en himnos de resistencia y esperanza, mientras que sus novelas y obras de teatro han desafiado los parámetros de la sociedad, proporcionando una profunda reflexión sobre la realidad brasileña. 

A la vasta obra musical de Buarque, se suma su trabajo incansable en el campo de la literatura, en el que ha compuesto obras de teatro como ‘Ópera do Malandro’ en 1978, cuentos, poemas y novelas, entre las que se destacan ‘Estorvo’ (1991), ‘Benjamim’ (1995) y ‘Budapest’ (2003).

‘Fantasía’ explora temas profundamente personales como la relación consigo misma, la maternidad y las exigencias de las redes sociales.

El disco incluye temas como ‘Fantasía estéreo’, ‘Queridos oyentes’ o ‘Amor de bolero’ los cuales mezcla diversos sonidos; el pop alternativo, la electrónica, el trap y las vibraciones urbanas.

El álbum conceptual representa un viaje cautivador a través de paisajes sonoros innovadores y letras ingeniosas, llevando a los oyentes a un reino donde la realidad se fusiona con la ficción.

Este formato peculiar tiene la participación de un oyente y la presencia de la Dra. Severa Segura, un personaje de ficción encarnado por la propia artista.

Una de las canciones más representativas de este proyecto es ‘Lucecita’, la cual estrenó en el marco del Día de la Madre. Pedrina le regaló una emotiva balada acústica a su pequeña hija de dos años donde captura la esencia del amor incondicional de la familia.

“Para lanzar esta canción recurrí a una estrategia en donde involucré a mis seguidores y los invité a que compartieran sus momentos más emotivos en familia con sus hijos, con sus mamás, todo esto con la finalidad de involucrar a toda mi comunidad”, comentó Pedrina.

Así mismo ‘Fantasía’ toca temáticas que impactan a la sociedad actual: Pantallas y el mundo digital entre la verdad y la mentira, imágenes ilusorias de vidas perfectas con rostros y figuras ideales, fake news y discursos de odio.

El lanzamiento de este disco marca un hito importante en la carrera de Pedrina, quien ha sido reconocida previamente por su trabajo en el dúo Pedrina y Rio. Con este proyecto en solitario, la artista demuestra su capacidad para reinventarse y ofrecer algo novedoso y auténtico a su audiencia.

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‘Bluetooth’ se presenta como una apuesta audaz y fresca, fusionando ritmos contemporáneos de R&B en español con letras innovadoras y llenas de significado. Este sencillo no solo refleja la capacidad de Delasierra para adaptarse a las tendencias actuales, sino también su habilidad para infundir su característico estilo en nuevos géneros.

Esta es una canción que le apuesta a ritmos frescos, letras novedosas y con sentido que fueron un reto emocionante para el autor que sigue reafirmando y demostrando su versatilidad para componer y llevar el reggae a un siguiente nivel.

En su cautivadora melodía de ritmos R&B y pop, este tema es un llamado apasionado a la aventura del amor verdadero. Un hombre invita a su alma gemela a tomar su mano, saltar al vacío y abrazar la vida sobrellevando los altibajos propios del camino. Con una letra que destaca el coraje de seguir el corazón, esta canción es un himno a la valentía y a la pasión compartida.

‘Bluetooth’ es una analogía directa a lo que significa un voto de confianza en un mundo en el que no todas las personas están listas para saltar” afirma el autor.

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Este single cuenta con la participación del mexicano Rubén Albarrán (Café Tacvba, Hoppo), y es un festejo en torno a la vida, la libertad, el canto y el baile. La característica voz de Albarrán, trompetas explosivas y una cadencia cumbianchera forman una mezcla de alegría, que se plasma también en un videoclip dirigido por Camila Grandi donde vemos a los dos músicos conectando con esa sensación de despojarse de lo malo para disfrutar el presente.

‘Vivo’ es una celebración de la vida y de la conexión humana, envuelta en ritmos contagiosos y letras profundas. La colaboración con Albarrán añade una capa adicional de dinamismo, combinando las voces distintivas de ambos artistas en una sinergia musical que resuena con autenticidad y pasión. Los arreglos instrumentales, llenos de colores vibrantes, reflejan la energía desbordante de este nuevo sencillo.

El video musical de ‘Vivo’ presentan una paleta de colores vivos y una producción visual que captura la esencia alegre y festiva de la canción. La química entre Gepe y Albarrán es evidente, llevando a los espectadores a un viaje audiovisual que celebra la diversidad y la vitalidad.

Sobre cómo surgió esta notable colaboración con la voz de Café Tacvba, Gepe aseguró “ni siquiera fue una elección. Cayó por su propio peso. Hay muchas canciones de la carrera de Rubén que son fundamentales para muchas etapas de mi vida, y su voz siempre me remite a mucha energía latinoamericana, no únicamente mexicana… en realidad yo no suelo hacer canciones tan prendidas, suelo ser un poco más nostálgico, y tenerlo (a Rubén) en una canción de alta energía es bonito. Esta es una canción alegre, prendida, que nace rítmicamente desde el centro de América, y une los dos extremos: México y Chile”.

Por su parte, Rubén Albarrán comentÓ, “Lo primero que sentí cuando escuché ‘VIVO’ fue precisamente estar vivo. Fue mucha alegría, mucho gozo, obviamente la voz de Gepe y la vibra me satisfizo mucho porque desde hace tiempo que adhiero a Gepe, a su música, y este tema llegó en un momento perfecto para alegrarme”. Si bien los dos adelantos del nuevo trabajo que Gepe ‘Paloma’ y ‘Playaplaya’, recogen influencias latinoamericanas diversas, la esencia del pop que ha hecho masivo el proyecto del chileno y el hilo conductor de una obra que ya promete marcar un hito tanto en la carrera propia del artista como en el cancionero de la región.

‘Los Signos del Silencio’ promete ser un reflejo de la evolución musical de Ingrand, manteniendo su esencia característica mientras exploran distintos sonidos y temáticas profundas. La agrupación ha trabajado arduamente en la producción de este proyecto, asegurando que cada canción resuene con la energía y pasión que siempre los ha definido.

“La ilusión de las palabras te ponen lejos del querer decir, perdí la conexión con tu interior - perdí la traducción, sin poder descifrar tu voz fingiendo - idioma sin un código común, símbolos que nos dividen - extraños sin caminos por andar, en los ojos siempre un muro - nos separa en el silencio” … Es esta parte de la letra la banda bogotana de metal lanzó como un inio de su nuevo trabajo ‘Autopsia de la Esencia’. 

Ingrand espera perdurar en el tiempo y seguir inspirando a las generaciones futuras de músicos y fanáticos del metal. Para tal fin a lo largo de este año la banda irá mostrando su innovación musical en diferentes shows y lanzamientos previstos que se irán anunciando próximamente. 

Sobre la banda:

Desde sus inicios en 1995, Ingrand ha sido un referente para la escena del metal colombiano. 

Durante casi tres décadas, la banda ha evolucionado constantemente, adaptándose a los cambios del panorama musical, mientras mantiene su esencia única. Su sonido ha madurado con el tiempo, fusionando elementos del hardcore y el metal moderno para crear una experiencia que conecta con su audiencia. Ingrand no solo es conocida por su música, sino también por su presencia en múltiples escenarios y festivales, dentro y fuera de Colombia. Con nueve participaciones en el Festival Rock al Parque y una larga lista de presentaciones ha dejado una marca indeleble en el mundo del metal. Su capacidad para conectar con diversas audiencias es testimonio de su versatilidad y poderío en el escenario.

Su primer trabajo fue ‘Para el Ruido’ en 1995 hasta ‘Autopsia de la Esencia’ en 2023, su más reciente lanzamiento, Ingrand sigue demostrando una habilidad innegable para reinventarse a sí mismos mientras mantienen su identidad sonora. Su música ha trascendido fronteras llegando a una audiencia global, dejando una marca indeleble en el paisaje del metal latinoamericano.

Dee esta manera, Ingrand se ha convertido en un símbolo de la cultura y la comunidad metalera en Colombia. Con cientos de actuaciones en todo el país, la banda ha demostrado un compromiso inquebrantable con sus seguidores y con la escena musical local. Su influencia va más allá de las notas y los acordes, resonando en el corazón de todos aquellos que han sido tocados por su música.

Kapanga, una de las bandas más representativas del rock y de varios tintes de géneros musicales en Latinoamérica llega desde Quilmes, Argentina con su tour 'Colombia Bogotá 2024'. Con casi 30 años de trayectoria musical por primera vez se concreta la visita, después de una gestión realizada en el 2019 para tocar en la ciudad en el 2020 que fue pospuesta gracias a la contingencia generada por la pandemia, en el 2024 se retoman las negociaciones para llegar finalmente a la ciudad en dos conciertos especiales para todos sus seguidores.

Así mismo, la agrupación conmemora el 25 aniversario del lanzamiento del álbum 'Un Asado en Abbey Road' y 20 años de 'Botánika', destacando un repertorio cargado de nostalgia, buena música y en una gira por su país llamada 'Asado Botániko'.

La fecha escogida para su primera visita oficial con un espectáculo abierto al público será el sábado 15 de junio en el Boro Room. Pero antes habrá una fecha especial prevista para el viernes 14 de junio, denominada 'Una Noche Embajadora' en un concierto privado realizado por la hinchada de Millonarios, en el Royal Center. Las bandas invitadas son: Desorden Social, Diversión Perdida y Sonido Sudaka. Evento para mayores de edad. Más información en el siguiente link.

Sobre Kapanga

Es una banda argentina formada en 1995 en la ciudad de Quilmes, provincia de Buenos Aires, que fusiona cuarteto, rock y canción. Actualmente con 27 años de trayectoria, 11 discos en su haber y miles de shows, sus integrantes son Martín "Mono" Fabio (voz), Javier “Memo” Manera (bajo y coros), Miguel "Maikel" De Luna Campos (guitarras y coros) y Claudio Maffia (batería y coros).

Durante su tour por todo el país, llevan un repertorio cuidadosamente seleccionado contemplando en la lista de temas las canciones más rockeras del grupo, todos los hits y lo más actual de Kapanga, para el público de siempre y las nuevas generaciones que se acercan por primera vez a vivir la experiencia de un show de “Kapanga en vivo”. Un ida y vuelta constante entre la banda y su público, entre el repertorio y la puesta de luces, generando una interacción única. Una verdadera fiesta.

Alvinsch, radicado en Bogotá y conocido por su habilidad para fusionar diversas narrativas artísticas en sus contenidos y espectáculos, presentará el show ¿De dónde salen los autistas y los raros? Volumen II. 

El artista, músico y youtuber llevará al público en un viaje sonoro y emocional, narrando su propia vida como autista por medio de una mezcla de canciones, videos y relatos personales en el que busca transmitir su universo diferente y celebrar la diversidad mediante la música y la narración. Ofrecerá una visión íntima y conmovedora del mundo a través de los ojos de alguien que vive con autismo.

Este será un espectáculo cargado de música mezclado con un monólogo/stand-up, en el que cuenta la experiencia de ser autista a través de su arte. Pero este no es solo un show musical, sino una profunda reflexión sobre el autismo y la singularidad humana. Alvinsch utiliza su talento musical para tejer una narrativa que va más allá de las notas y los acordes, integrando humor, emoción y una visión sincera de lo que significa ser autista en un mundo que muchas veces no entiende la diversidad.

“Pensamos que quien es diferente está enfermo, patologizamos las diferencias. A los autistas les decimos ‘trastornados’ pero es otra manera de existir”, menciona Alvinsch. Su propuesta artística surge justamente del sentirse distinto y “raro” frente a los demás, pero eligiendo el camino de la música. “La guitarra fue una herramienta para ser querido y aceptado por otros. En vez de ser el ‘freak’ y el ‘raro del salón’, yo podía ser que otros me admiraran por hacer algo bien, así como yo admiraba a Jimmy Hendrix”.

El 14 y 15 de junio a las 7:30 p.m. en la Sala Delia Zapata, Alvinsch presentará dos funciones distendidas, una apuesta del Delia por la inclusión, en las que se hacen adaptaciones sutiles para que personas con distintas capacidades sensoriales, cognitivas, psicomotoras o con espectro autista puedan disfrutar plenamente del arte. Además, el viernes 14 de junio a las 5:30 p.m. se realizará un encuentro con el artista (con inscripción previa) y el sábado 15 habrá una charla postfunción con el artista, dirigida por Andrea Gómez, productora y codirectora del show.

Conozca la programación 

Concierto

¿De dónde salen los autistas y los raros? Volumen II

Alvinsch (Colombia) 14 y 15 de junio, 7:30 p.m.  Sala Delia Zapata Franja Cultura de paz Encuentro con Alvinsch Fecha: 14 de junio Hora: 5:30 p.m. - 6:30 p.m. Lugar: Sala Delia Zapata Entrada libre con inscripción previa, cupos limitados (25 personas)

Charla Postfunción - ¿De dónde salen los autistas y los raros? Volumen II

Fecha: 15 de junio Hora: 8:30 p.m. Lugar: Sala Delia Zapata  Con Alvin Schutmaat - Artista y músico autista Dirige: Andrea Gómez - Productora y autista

Alvinsch

A lo largo de su carrera artística ha participado en numerosos festivales como Rock al Parque, Estéreo Picnic y Rock por la Vida en Guadalajara, México. Desde 2017, ha ganado una considerable popularidad en YouTube, donde realiza críticas y parodias de música popular, además de producir contenido filosófico y político. Su canal es uno de los más vistos en habla hispana en estos géneros.

 En 2019, Alvinsch participó en la segunda edición de Cultube en Madrid, compartiendo escenario con reconocidos divulgadores como El Robot de Platón y Quantum Fracture. En abril de 2020, ofreció una charla inspiradora en TEDx Usaquén titulada Creas la música que consumes.

 Durante el 2020, lanzó varios sencillos y en junio de 2021 presentó su álbum Sala de Espera, una obra de pop-rock psicodélico compuesta por 10 canciones. Además de su carrera musical, en 2021 Alvinsch creó la primera temporada de su podcast, en la que entrevistó a diversos artistas y creadores de contenido como Alejandro Marcovich, La Mala Rodríguez, Roberto Musso, CdeCiencia y Migala, entre otros.

Su repertorio tendrá canciones como ‘La vez que morí’, ‘Bufón’, ‘Ser Normal’, ‘Perro Viejo’, ‘A dónde vas’, ‘No sé’, entre otras composiciones de Alvinsch.

Para mayor información e inscripciones, visite el siguiente link.

El grupo colombo-belga La Chiva Gantiva y el panameño Cienfue presentan el video de ‘Vibration is life’, un trabajo audiovisual que muestra cómo el sonido tiene efecto sobre la materia y presenta visualmente una reflexión sobre la vibración omnipresente en el mundo.

Se trata de un sencillo que une la enérgica percusión de La Chiva Gantiva y la característica guitarra de Cienfue. Más allá de una colaboración artística, ‘Vibration is life’ es un diálogo entre culturas y sonidos que trascienden fronteras geográficas y estilísticas, y una canción que refuerza el sentir de las dos agrupaciones en su reconocimiento a lo intangible, recordándonos que la vida y la vibración están presentes en todas partes.  

El video fue dirigido por Rafael Espinel, el líder y cantante de la Chiva Gantiva, quien combina imágenes enviadas desde la selva panameña por Cienfue con otras logradas a través de la experimentación a partir de la cimática; la ciencia que estudia la representación gráfica del sonido, usando materiales como arena y gelatinas sobre parlantes sonando a todo volumen.  

‘Vibration is Life’ no solo destaca por su vibrante fusión de ritmos y culturas, sino también por su innovador enfoque visual. El video muestra cómo el sonido afecta la materia, creando patrones y movimientos que son tan hipnotizantes como reveladores. A través de técnicas visuales impresionantes, los espectadores pueden ver cómo cada nota y cada ritmo generan ondas y vibraciones que interactúan con su entorno, subrayando la conexión fundamental entre la música y el universo físico.

La transición de los dos universos visuales fue apoyada por la Inteligencia Artificial y da como resultado un videoclip que representa el mensaje de la canción: “La vibración es vida”.

Sobre La Chiva Gantiva

Con tres álbumes, más de 12 años de giras por los cinco continentes y 38 países, La Chiva Gantiva es un grupo de origen colombiano radicado en Bruselas (Bélgica), que se ha fortalecido con músicos de diversos orígenes del planeta y hoy está conformado por dos colombianos, un belga, un chileno y un vietnamita.

Sobre Cienfue

Cienfue es el alias del artista panameño Camilo Navarro Quelquejeu, reconocido por mezclar raíces latinas y tropicales con elementos eléctricos modernos creando un sonido que bautiza 'Psicodelia Tropical'. Después de graduarse de Berklee College of Music y emprender giras con grupos por los Estados Unidos, España y Puerto Rico, Navarro termina de regreso en Panamá́ en el 2006, grabando y lanzando su primer disco como Cienfue de solista: ‘El Disco Es Cultura’ desde un estudio casero en su recámara.  

Desde su formación en los años 80, La Pestilencia ha sido una voz influyente en la música y la cultura colombiana. Con discos emblemáticos y una actitud desafiante, han dejado una marca imborrable en la historia del rock en español. La expectativa por ‘Buen Provecho’ es alta, y ‘Criminal Cool’ es solo una muestra del potente material que está por venir.

En un hito que reafirma su legado de cuatro décadas en la escena musical, La Pestilencia ha lanzado su nuevo sencillo ‘Criminal Cool’. El tema formará parte de su esperado proyecto ‘Buen Provecho’, el cual está programado para salir al mercado en diciembre de este año. El álbum no solo marca el final de una era para la banda, siendo el último que grabarán, sino que también promete ser un testamento de su influencia y evolución en la música rock.

Esta vez, la banda liderada por Dilson Díaz regresa con una canción que invita a reflexionar sobre las luchas diarias y los retos que enfrentamos al resistir las inclinaciones más oscuras en una sociedad actual, llena de burbujas ideológicas y tecnológicas.

‘Buen Provecho’ se anticipa como una culminación de todo lo que La Pestilencia ha representado en sus 40 años de carrera. Aunque han anunciado que posiblemente sea su último trabajo de estudio, la banda ha asegurado a sus fans que no se retirarán de los escenarios. Continuarán realizando presentaciones en vivo, llevando su energía y mensaje a sus seguidores de siempre y a nuevas generaciones.

El tema cuenta la historia de un ciudadano común, el ‘Criminal Cool’, quien sobrevive bajo los constantes cuestionamientos de una sociedad políticamente incorrecta. Este personaje simboliza a todos aquellos que buscan escapar de una vida cuadriculada y rutinaria, encontrando en la noche un momento que puede tener excesos, pero también revelaciones.

La envidia, la ira, los excesos, las aventuras y los impulsos relacionados con otras debilidades se proyectan en un videoclip grabado en la cotidianidad que refleja esas sensaciones de ataduras en un mundo regido por la inmediatez, trabajos rutinarios y constantes. La canción propone además un dilema frente a cómo estas emociones pueden ser positivas o negativas y el poder de autocontrol para gestionar o dejarse llevar por esos controvertidos sentimientos.

Este será el último disco en estudio que la banda publicará, cerrando un ciclo de composiciones de siete trabajos discográficos que ha marcado más de cuatro generaciones con una carga narrativa y punk crudo y contundente. Sus letras, como himnos a la libertad y la autodestrucción, siguen calando hondo en una generación desencantada que busca romper con las normas establecidas.