Entre rankings, algoritmos y campañas para impulsar a otros artistas, Guillermo Morales Vitola, ha permanecido por años en la industria musical. Nació en Colombia y es baterista, pero el destino lo llevó a radicarse en Los Ángeles y hoy en día es considerado como uno de los veteranos del universo sonoro.

Sin embargo, en medio de la Pandemia, decidió darle un giro a su vida, salir del detrás de escena y empezar a ser protagonista de su propio proyecto. Tardó varios meses para crear ‘Ästra’, su nombre artístico en donde explora su lado más personal.

"Hago música porque mi vida me lo pide, si no entro al estudio a crear algo para mí, empiezo a sentir que me falta algo. No persigo tendencias, esta es la música que pondría en mis propios parlantes, una historia que te golpea en las entrañas", contó Guillermo Morales ‘Ästra’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Exhibit 8: Un álbum crudo y visceral nacido fuera de la industria 

Beats potentes y riffs palpables surgen en medio de ocho canciones que buscan generar un contrapunto a una industria obsesionada con el brillo superficial y las métricas. Su autor lo define como un álbum fuera de la maquinaria 

Con las voces de Zach Adams, ‘Exhibit 8’ cuenta una historia en cada tema que va más allá de la emoción y las tendencias. Partiendo desde la energía inquieta de ‘Easy Ride’, las luchas internas de ‘ABC’, la indecisión de ‘Either’ hasta palpar la urgencia de ‘Time Doesn’t Stop’.

Una de los focus track del álbum es ‘Only a Fan’, composición que nace sobre guitarras minimalistas, sintetizadores espectrales y una línea de bajo pulsante a cargo de Martin Delahaye. La letra reflexiona acerca de cómo las plataformas de suscripción como ‘OnlyFans’ convierten la conexión en comercio.

“Sin emitir juicios morales, quise retratar la tensión que se esconde detrás de estas decisiones: esa línea cada vez más difusa entre lo personal y lo transaccional en el espacio digital. Es una canción que permanece, que atrapa al oyente con cada capa, como si se revelara poco a poco”, añadió Guillermo.

Desde el pasado 26 de junio el disco se puede disfrutar completo en todas las plataformas.

Horacio Blanco y José Luis ‘Caplís’ Chacín, estaban en el mejor momento de sus veintes, cuando decidieron emprender un proyecto musical que sonará rudo y al mismo tiempo tropical.  El ska apareció como una respuesta y aunque era un género desconocido en Latinoamérica, se convirtió en el puente para impulsar letras de fuerte contenido social y político, marcadas por el humor, la sátira y el desencanto.

Fue así que el 27 de julio de 1985, fundaron ‘Desorden Público’ en Caracas, capital venezolana. En sus inicios, encontraron inspiración en agrupaciones como The Specials y Madness, pero también en la fuerza lírica de The Clash o del líder de los Dead Kennedys, Jello Biafra.

“Lo que comenzó como el sueño de unos jóvenes de 18 o 19 años se transformó en nuestro modo de vida, nuestro trabajo y nuestra familia. A veces me cuesta creer que ya han transcurrido cuatro décadas, llenas de experiencias vividas y de varias generaciones”, explicó ‘Caplís’, fundador de Desorden Público en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Los 40 de Desorden en Vivo: Una fiesta imperdible en Bogotá

Luego de una ambiciosa gira internacional, la agrupación celebrará su cumpleaños por lo alto en Latinoamérica con fechas en Panamá, Colombia, Chile y Uruguay. La cita para Bogotá será el próximo 0 de julio y dará paso a ‘Los 40 Desorden en vivo’, un álbum que recopilará los mayores éxitos del grupo, grabados en directo desde su tour actual.

“Venimos de Europa con un recibimiento muy ameno del público y vamos a ofrecer una fiesta de éxitos y muy buena energía. Queremos compartir nuestra música a la audiencia, sin importar el escenario, sin comportarnos como rock stars y con la convicción de que nuestro trabajo es para la gente”, agregó ‘Caplís’.

El primer disco de la banda fue el homónimo en 1988 y para finales de este 2025 están preparando el EP ‘Salsa All-Ska’, un homenaje a la tradición salsera y al legado de la Fania Records. El álbum incluirá seis versiones de clásicos interpretados originalmente por artistas como Rubén Blades, Celia Cruz, Cheo Feliciano y Héctor Lavoe.

Para disfrutar del concierto capitalino, las puertas del Teatro Astor Plaza se abrirán el próximo sábado desde las 7:00 p.m. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

En 1976, el mundo sacó a relucir los zapatos de plataforma y los mejores pasos disco con una canción que poco a poco se convirtió en un legado eterno. La primera vez que ‘Dancing Queen’ se escuchó fue en la boda de Carlos XVI Gustavo de Suecia y Silvia Sommerlath. Tras su lanzamiento, llegó a los primeros lugares de las listas de popularidad en Europa, África y Oceanía.

Hoy, casi cinco décadas después, vuelve al centro de la conversación, coronándose como la segunda canción más antigua, después de ‘Bohemian Rhapsody (1975) de Queen’, en obtener un lugar en el prestigioso ‘One Billion Views Club’. En la actualidad son solamente cerca de 300 canciones las que han logrado este récord.

“Mi recuerdo más preciado de ‘Dancing Queen’ es cuando Benny, tarde en la noche, regresó a casa después de un duro día de trabajo en el Estudio Polar, después de grabar la pista de acompañamiento de lo que sería la base en la cuál más tarde Agnetha y yo pondríamos nuestras voces, lloré escuchándola, ¡ya entonces me pareció simplemente perfecta! Y supimos que sería un éxito, porque nos encantó cada parte y aún nos encanta. Así que gracias de corazón por compartir nuestro amor por esta canción tan especial y ¡sigan disfrutándola para siempre!”, comentó Anni-Frid Lyngstad (también conocida como Frida), una de las fundadoras de ABBA.

El tema símbolo de la música disco, fue el primer sencillo del álbum ‘Arrival’ de ABBA, se grabó en los Estudios Glenn de Estocolmo, Suecia, y fue escrito por Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Stig Anderson.

Su publicación en YouTube fue el 8 de octubre de 2009 y ha sido vista por usuarios de todo el mundo, destacando Brasil, Estados Unidos, México, Reino Unido, Francia, Japón, Italia, Filipinas, Polonia y Argentina como los principales países con más visualizaciones. Además, forma parte del catálogo musical de esta plataforma, que incluye más de 100 millones de canciones.

“El hecho de que este hito se produzca casi 50 años después del lanzamiento original de la canción demuestra el papel crucial de YouTube al dejar a leyendas musicales como ABBA un legado que trasciende el tiempo. ‘Dancing Queen’ tiene una audiencia verdaderamente multigeneracional, lo que consolida su estatus como una canción legendaria que ha sido adorada constantemente por los dos mil millones de espectadores registrados”, puntualizó Dan Chalmers, director de YouTube Music para África, Medio Oriente y Europa.

Más de 20 años en la música y sus raíces colombo-mexicanas le han dado a ‘Tappan’, uno de los lugares más importantes en la industria de guitarristas, compositores y productores latinoamericanos.

Son cuatro álbumes de estudio los que componen su trayectoria y para este 2025 presenta un nuevo lanzamiento que recorre las entrañas del ‘Groove’ y un amor que se vuelve obsesión, revolución interna y necesidad pura.

“Yo soy de alma rockera, pero también me encantan otros géneros como el funk y el R&B, de una u otra manera siempre han estado presentes, así que esta canción nace de esa mezcla musical y del amor que siento por mi esposa”, contó ‘Tappan’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Tocarte: Una fusión explosiva de funk y rock

La guitarra, el bajo, los teclados y la batería se entrelazan con precisión y energía, en búsqueda de una base rítmica potente y sensual. Frases como “Me falta tocarte, aún más que soñarte” resumen la urgencia física y emocional que atraviesa toda la canción.

“‘Tocarte’ habla del fuego incontrolable, de querer tocar a quien te enloquece. Es pura energía y deseo, una explosión musical con solos que te sacuden el alma”, agregó el artista.

El sencillo está disponible en todas las plataformas y se grabó en Estudios Eón, 5ta Estudio, Warner Chappell y Tappan Music estudio, bajo la producción de William Tappan. La mezcla de la canción es de Andy Quiroga y fue masterizada por Carlos Silva en C1 Mastering.

La Cumbia no llega, irrumpe. Así es el lema del nuevo trabajo discográfico de una de las voces más empoderadas del Caribe Colombiano. Carmen Antolinez, creadora de Cumbia Queen, cuenta con una formación directa por maestros de la música folclórica y tropical de quienes aprendió la mística de la composición e interpretación de las músicas tradicionales.

Con casi dos décadas de trayectoria, se ha consolidado como una de las voces más importantes para el folclor nacional y se caracteriza por su poder en la palabra, capaz de decir lo que piensa a través de la música.

“Recuerdo que a mis diez años me regalaron un CD con la música de Totó La Momposina y Petrona Martínez. Así empezó este viaje musical que me ha llevado por diferentes territorios para aprender de la gaita y la interpretación, cómo la viven y la sienten los maestros y maestras. Hoy en día, este trabajo es la recopilación de un gran recorrido por Latinoamérica”, contó la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar.

Un tarot para leer el alma a ritmo de cumbia

El misticismo y el talento se fusionan en el nuevo proyecto de Cumbia Queen que lleva por nombre ‘Llego la Cumbia’. Son siete canciones y cada una representa una carta que revela verdades, duelos, libertades, amor propio y poder. 

Su creadora lo compara con un oráculo sonoro, tanto así que el proyecto incluye un tarot físico con cartas ilustradas por George Barros, en donde se presenta una extensión simbólica del mensaje de cada canción.

“Este álbum es la recopilación de diferentes momentos de mi vida. Representa a todas las mujeres que soy. Las letras y melodías invitan a una transformación, a llorar y sanar, a amar sin miedo, a poner límites, a reconocerse y abrazarse con fuerza”, agregó Cumbia Queen.

El disco está disponible en todas las plataformas y se compone de los siguientes temas: ‘Llegó la cumbia’, ‘Dime que Quieres’, ‘Rocío’, ‘Noche y Día’, ‘A curarte el alma’, ‘Furtiva’ y ‘No se lo da’.

Una máquina del tiempo musical se enciende y su primera parada es Reino Unido en la década de los 80. Allí se encuentran Mark y David Knopfler quienes se unen a John Illsley y Pick Withers para crear uno de los grupos más exitosos en el mundo del rock.

‘Brothers in Arms’, ‘Archemy: Dire Straits Live’ y ‘On Every Street’ son algunos de los álbumes que conforman esta carrera artística que el mismo grupo denominó “una historia en apuros”.  

Varias décadas después, las guitarras y baterías nuevamente retumban y la voz de Knopfler es homenajeada gracias a Angelo Fumarola, un italiano que se aventuró a ponerse en los zapatos de su banda favorita y crear una representación fiel y original de su puesta en escena.

“Es una historia que inició hace muchos años, en 1992 pude ver a Dire Straits, ya tocaba guitarra pero desde ese momento encuentro lo que como músico quiero lograr”, contó Angelo Fumarola, líder de Brothers in Band en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La agrupación ha recorrido con este tributo gran parte de Europa, visitando Países Bajos, Bélgica, Reino Unido, Portugal, Alemania, Francia, Luxemburgo, Andorra y España, llevando a su público el show ‘The Very Best of dIRE sTRAITS’. 

En escena son cerca de siete músicos que mezclan su talento para lograr interpretar lo mejor de todas las etapas de la banda, desde sus inicios en 1977 hasta su disolución a principios de los años 90.

“Estamos muy contentos de visitar por primera vez el público de Bogotá. Quienes nos acompañen disfrutarán de más de dos horas de espectáculo, revivirán clásicos inolvidables como ‘Sultans of Swing’, ‘Money For Nothing’, ‘Romeo & Juliet’, ‘Telegraph Road’ y habrá espacio para joyas menos conocidas como ‘News’, ‘Why Worry’, ‘One World’ y ‘It Never Rains’”, así lo explicó Miguel Queixas, baterista de la banda.

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La cita es el próximo domingo 15 de junio en el Teatro Cassia desde las 7:00 p.m. y la edad mínima de ingreso será de 12 años. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

La entrevista completa aquí: 

‘FUTURX PRIMITIVX 20|25’ es un nombre tan galáctico como la unión de ritmos tradicionales con sonidos electrónicos que definen la identidad de Systema Solar. La esencia de este disco se basa en las raíces culturales, la ancestralidad y la conexión profunda con la tierra y los ciclos de la vida.

Sus integrantes lo definen como un grito que nace desde el origen y la raíz, marcando una nueva etapa para la banda que surgió en medio de la pandemia, y después de varios años de arreglos y trabajo, se presenta al mundo.

“Es un manifiesto bailable que honra la tierra, cuestiona el sistema y celebra la vida en comunidad. Aquí no hay nostalgia, hay poder ancestral activado. ‘Futurx Primitivx’ es revolución con sonido propio”, contó ‘Corpas’, Dj, productor e integrante de la banda en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este viaje sonoro reúne cerca de 35 minutos de grabación en nueve canciones. A nivel audiovisual presenta ‘La Cuatrilogía’, una selección de cuatro temas que a través de imágenes e historias de vida busca romper las estructuras convencionales y reflejar la realidad de muchas familias colombianas.

“Seguimos en el combate / Ave Fénix” es la canción principal que acompaña el lanzamiento de nuestro nuevo álbum, el Focus track es un canto de renacimiento, búsqueda y resistencia. Con fuerza ancestral, Systema Solar inicia un viaje interior que atraviesa la encrucijada del alma y se alza desde las cenizas del egoísmo”, agregó Walter ‘índigo’, uno de los miembros fundadores de la agrupación.

¡Los sonidos del Caribe encienden la fiesta en Europa!

Después de sus dos presentaciones en Colombia, ‘Systema Solar’ regresa con un show lleno de energía, música, baile y elementos visuales que tendrá diez fechas en el continente europeo. Francia, España, Reino Unido y Portugal serán algunos de los países que podrán disfrutar de la 'Berbenautika', una mezcla de ritmos tradicionales con algunos contemporáneos que se enmarca en el proyecto: Futurx Primitivx 20|25 "EL ORIGEN".

¿Dónde queda ubicado Puerto Candelaria? pareciera ser un misterio sin fin y no hay mapa alguno que pueda revelarlo. Sin embargo, un grupo de artistas asegura haberlo visto muy cerca de ‘Macondo’ y lo describen como “aquel lugar imaginario y a la vez real donde sutil y bruscamente se mezclan culturas, ritmos foráneos, historias lejanas y cotidianas con la música tradicional y el presente de Colombia”.

Es así, que hace 25 años, nació Puerto Candelaria con una primera producción denominada ‘Kolombian Jazz’, que más tarde se transformaría en ‘Jazz Colombiano’ y ‘Cumbia Underground’. Su viaje musical ha tenido siempre el mismo capitán: el ‘Sargento Remolacha’, más conocido como el maestro Juancho Valencia, y a su lado, talentosas voces como la de ‘Catt’ o Catalina Calle.

“Hace más de dos décadas, un par de loquitos estudiantes con ganas de hacer música y de repensarse el país a través de ella formaron una agrupación sólida, que se ha mantenido en el tiempo y ha quebrado un montón de esquemas. Hemos recorrido escenarios en todo el mundo, trabajado de forma independiente y lanzado 14 discos. Estos años de celebración llegan con toda la fuerza”, contó ‘Catt’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡25 vidas se celebran con Mito Fundacional!

Bogotá y Medellín han sido seleccionadas para esta fiesta que promete una puesta en escena mágica llena de música en vivo, teatro, danza y narración. Serán 18 artistas en tarima que marcarán un viaje que parte desde su primer álbum ‘Kolombian Jazz (2002)’ hasta su lanzamiento más reciente ‘Fiesta Candelaria’ (2025).

“Este mito se materializa en dos ciudades que han sido clave para nosotros: Medellín, nuestro origen, casa creativa y el lugar donde nació nuestro sello musical ‘Merlín Producciones’ y Bogotá, la ciudad en la que crecimos, nos expandimos y encontramos una audiencia increíblemente apasionada, que ha caminado con nosotros paso a paso”, agregó la artista.

‘Mito Fundacional’ tendrá lugar en dos importantes escenarios: El viernes 13 de junio en el Teatro Metropolitano de Medellín y el sábado 21 de junio en el Teatro Colón del Centro Nacional de las Artes en Bogotá.

Para conocer más información puedes visitar la página web.

Llevar un mensaje de rap consciente que transforme la vida de los jóvenes en los barrios bogotanos es el objetivo principal de La Reforma, una agrupación que nació gracias a la unión de tres hermanos: Christian, Sergio y Jhonatan Lacouture.

Inspirados en su padre José Lacouture y una niñez marcada por la música, en 2010 decidieron consolidar un proyecto que revolucionará no solo la industria sino también los corazones. Hoy, quince años después han llegado a diferentes escenarios de Latinoamérica con sus canciones que presentan al mundo un mensaje de esperanza y valentía.

“Quisimos buscar nuestra esencia, nuestro propio lenguaje y creer en lo que somos, es ahí donde nos damos cuenta que siendo originales podríamos trascender. Más allá de ser disruptivos, construimos un proyecto con identidad que lleva en su nombre nuestro legado: La Reforma”, contó Christian Lacouture, vocalista y líder de la agrupación en ‘Amantes del Círculo Polar’.

Frentiao: Un tema inspirado en la fe que se lanza con valentía

Al mejor estilo del hip hop y bajo la invitación de “proclamar valentía sin miedo a expresar las convicciones”, esta agrupación presenta su más reciente sencillo que narra la historia de un soldado que está listo para la batalla espiritual y un pastor que porta un mensaje de amor y fe.

“Esta letra nace de las batallas que enfrentamos día a día, de lo que es ser un colombiano o latino que en medio de su lucha encuentra en Dios un propósito. Pero no todo es color de rosa, sino que ahora confronta su fe con esquemas sociales y políticos” agregó Christian.

El video oficial de ‘Frentiao’ se grabó en algunos de los lugares más emblemáticos de Bogotá, capturando la esencia y el espíritu de la ciudad, y está disponible en el canal de YouTube de La Reforma.

La ciudad de Cienfuegos, Cuba, fue testigo del nacimiento de una de las agrupaciones más emblemáticas de la charanga cubana: La Orquesta Aragón. Su historia se remonta a 1939, alcanzando su época dorada en los años 60 y 70, llevando al mundo la música bailable de su Isla.

La charanga suele estar formada por instrumentos de cuerda y viento, como violines, flautas y otros de procedencia europea. Además, su estilo sonoro está estrechamente relacionado con géneros como la pachanga. 

En Colombia goza de gran popularidad, tanto así que la Filarmónica de Bogotá se unió con la Orquesta Aragón para producir el primer disco sinfónico en la historia de esta legendaria agrupación cubana.

“Aragón Filarmónico es más que una fusión de sonidos: es un puente cultural que conecta la riqueza rítmica del Caribe con la fuerza expresiva de una gran orquesta sinfónica. El proyecto es fruto de una colaboración con el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y la producción del sello El Cerrito Records”, resaltó la Filarmónica de Bogotá en el comunicado oficial de lanzamiento.

Bajo el concepto de la ‘Charanga eterna’, este álbum reinterpreta sus clásicos con nuevos arreglos sinfónicos, ofreciendo una experiencia sonora inédita para los seguidores de  ambas agrupaciones.

Además, surge de la presentación en vivo del proyecto que tuvo lugar el pasado 4 de agosto de 2024 en el Teatro Mayor. Allí se reunieron más de 80 músicos en escena en una noche de fiesta, historia y homenaje a la música tradicional cubana.

“El lanzamiento coincide con tres celebraciones clave: los 85 años de la Orquesta Aragón, conmemorados en 2024 con giras y reconocimientos; los 487 años de la fundación de Bogotá y los 15 años del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, centro vital de la vida musical en la capital", agregó el documento.

El disco ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y usted puede disfrutarlo en el siguiente link.