Entre acordes cálidos, una armoniosa voz y arreglos sutiles de jazz, el mensaje de Natasha Roldán se desliza con la fuerza emocional de quien lleva consigo muchas historias. Es una cantautora colombiana radicada en Canadá, cuya propuesta musical mezcla el folclor latinoamericano con el jazz contemporáneo y un toque alternativo que crea un estilo sonoro profundamente humano, desde la experiencia migrante.

Su más reciente álbum, ‘Ya No Estoy Aquí’, es testimonio de esa búsqueda. Producido junto al músico colombiano Jorge Gil Arias, el disco ha tenido una notable acogida tanto en Colombia como en Canadá. Estuvo diez semanas consecutivas en el Top 20 de la Radio Nacional de Colombia y recibió nominaciones a Álbum del Año y Artista Femenina del Año en los Latin Awards Canada 2024.

Sobre este trabajo musical, su camino en la música y su reciente participación en el Festival de Jazz de Villa de Leyva 2025, estuvo hablando Natasha Roldán en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ acompañada del músico colombiano Jorge Gil. Un emotivo regreso a Colombia tras varios años en el exterior.

“Yo me fui hace más de 10 años y entonces regresar a un escenario como el de VillaJazz fue espectacular. Fue un honor y las personas respondieron divino, estoy con el corazón super lleno y una felicidad que creo que no voy a superar en mucho tiempo”, manifestó la artista, revelando su emoción de cantar ante los colombianos y la conexión profunda que ha logrado luego de tocar ante un público mayormente anglo en Canadá.

Precisamente esa añoranza de su tierra, así como las historias que deja la migración, ha acompañado el proyecto sonoro de Natasha y así lo evidenció en ‘Ya No estoy Aquí’, un álbum de 7 canciones que conectan con el sentir de la experiencia humana, incluso más allá de las fronteras del lenguaje.

“Las canciones, por más de que tengan historias muy colombianas, son historias muy universales. Hay mucha gente que está pasando por muchos problemas en los países en los que viven. Hay gente que tuvo que migrar no porque quisieron sino porque les tocó y la música logra transmitir ese sentimiento y la gente conecta mucho con eso”, agregó por su parte Jorge Gil.

Más allá de sus logros discográficos, Natasha ha sido reconocida por su aporte a la escena musical independiente en Canadá. En 2023, fue la única artista latina seleccionada para los semilleros de artistas emergentes de RBC Music y Small World Music Incubator. Además, ha sido premiada con el Ella Fitzgerald Award for Jazz Performance y el Sorbara Award in Music. 

Entre rankings, algoritmos y campañas para impulsar a otros artistas, Guillermo Morales Vitola, ha permanecido por años en la industria musical. Nació en Colombia y es baterista, pero el destino lo llevó a radicarse en Los Ángeles y hoy en día es considerado como uno de los veteranos del universo sonoro.

Sin embargo, en medio de la Pandemia, decidió darle un giro a su vida, salir del detrás de escena y empezar a ser protagonista de su propio proyecto. Tardó varios meses para crear ‘Ästra’, su nombre artístico en donde explora su lado más personal.

"Hago música porque mi vida me lo pide, si no entro al estudio a crear algo para mí, empiezo a sentir que me falta algo. No persigo tendencias, esta es la música que pondría en mis propios parlantes, una historia que te golpea en las entrañas", contó Guillermo Morales ‘Ästra’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Exhibit 8: Un álbum crudo y visceral nacido fuera de la industria 

Beats potentes y riffs palpables surgen en medio de ocho canciones que buscan generar un contrapunto a una industria obsesionada con el brillo superficial y las métricas. Su autor lo define como un álbum fuera de la maquinaria 

Con las voces de Zach Adams, ‘Exhibit 8’ cuenta una historia en cada tema que va más allá de la emoción y las tendencias. Partiendo desde la energía inquieta de ‘Easy Ride’, las luchas internas de ‘ABC’, la indecisión de ‘Either’ hasta palpar la urgencia de ‘Time Doesn’t Stop’.

Una de los focus track del álbum es ‘Only a Fan’, composición que nace sobre guitarras minimalistas, sintetizadores espectrales y una línea de bajo pulsante a cargo de Martin Delahaye. La letra reflexiona acerca de cómo las plataformas de suscripción como ‘OnlyFans’ convierten la conexión en comercio.

“Sin emitir juicios morales, quise retratar la tensión que se esconde detrás de estas decisiones: esa línea cada vez más difusa entre lo personal y lo transaccional en el espacio digital. Es una canción que permanece, que atrapa al oyente con cada capa, como si se revelara poco a poco”, añadió Guillermo.

Desde el pasado 26 de junio el disco se puede disfrutar completo en todas las plataformas.

Horacio Blanco y José Luis ‘Caplís’ Chacín, estaban en el mejor momento de sus veintes, cuando decidieron emprender un proyecto musical que sonará rudo y al mismo tiempo tropical.  El ska apareció como una respuesta y aunque era un género desconocido en Latinoamérica, se convirtió en el puente para impulsar letras de fuerte contenido social y político, marcadas por el humor, la sátira y el desencanto.

Fue así que el 27 de julio de 1985, fundaron ‘Desorden Público’ en Caracas, capital venezolana. En sus inicios, encontraron inspiración en agrupaciones como The Specials y Madness, pero también en la fuerza lírica de The Clash o del líder de los Dead Kennedys, Jello Biafra.

“Lo que comenzó como el sueño de unos jóvenes de 18 o 19 años se transformó en nuestro modo de vida, nuestro trabajo y nuestra familia. A veces me cuesta creer que ya han transcurrido cuatro décadas, llenas de experiencias vividas y de varias generaciones”, explicó ‘Caplís’, fundador de Desorden Público en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Los 40 de Desorden en Vivo: Una fiesta imperdible en Bogotá

Luego de una ambiciosa gira internacional, la agrupación celebrará su cumpleaños por lo alto en Latinoamérica con fechas en Panamá, Colombia, Chile y Uruguay. La cita para Bogotá será el próximo 0 de julio y dará paso a ‘Los 40 Desorden en vivo’, un álbum que recopilará los mayores éxitos del grupo, grabados en directo desde su tour actual.

“Venimos de Europa con un recibimiento muy ameno del público y vamos a ofrecer una fiesta de éxitos y muy buena energía. Queremos compartir nuestra música a la audiencia, sin importar el escenario, sin comportarnos como rock stars y con la convicción de que nuestro trabajo es para la gente”, agregó ‘Caplís’.

El primer disco de la banda fue el homónimo en 1988 y para finales de este 2025 están preparando el EP ‘Salsa All-Ska’, un homenaje a la tradición salsera y al legado de la Fania Records. El álbum incluirá seis versiones de clásicos interpretados originalmente por artistas como Rubén Blades, Celia Cruz, Cheo Feliciano y Héctor Lavoe.

Para disfrutar del concierto capitalino, las puertas del Teatro Astor Plaza se abrirán el próximo sábado desde las 7:00 p.m. Para conocer más información puede visitar el siguiente link.

En 1976, el mundo sacó a relucir los zapatos de plataforma y los mejores pasos disco con una canción que poco a poco se convirtió en un legado eterno. La primera vez que ‘Dancing Queen’ se escuchó fue en la boda de Carlos XVI Gustavo de Suecia y Silvia Sommerlath. Tras su lanzamiento, llegó a los primeros lugares de las listas de popularidad en Europa, África y Oceanía.

Hoy, casi cinco décadas después, vuelve al centro de la conversación, coronándose como la segunda canción más antigua, después de ‘Bohemian Rhapsody (1975) de Queen’, en obtener un lugar en el prestigioso ‘One Billion Views Club’. En la actualidad son solamente cerca de 300 canciones las que han logrado este récord.

“Mi recuerdo más preciado de ‘Dancing Queen’ es cuando Benny, tarde en la noche, regresó a casa después de un duro día de trabajo en el Estudio Polar, después de grabar la pista de acompañamiento de lo que sería la base en la cuál más tarde Agnetha y yo pondríamos nuestras voces, lloré escuchándola, ¡ya entonces me pareció simplemente perfecta! Y supimos que sería un éxito, porque nos encantó cada parte y aún nos encanta. Así que gracias de corazón por compartir nuestro amor por esta canción tan especial y ¡sigan disfrutándola para siempre!”, comentó Anni-Frid Lyngstad (también conocida como Frida), una de las fundadoras de ABBA.

El tema símbolo de la música disco, fue el primer sencillo del álbum ‘Arrival’ de ABBA, se grabó en los Estudios Glenn de Estocolmo, Suecia, y fue escrito por Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Stig Anderson.

Su publicación en YouTube fue el 8 de octubre de 2009 y ha sido vista por usuarios de todo el mundo, destacando Brasil, Estados Unidos, México, Reino Unido, Francia, Japón, Italia, Filipinas, Polonia y Argentina como los principales países con más visualizaciones. Además, forma parte del catálogo musical de esta plataforma, que incluye más de 100 millones de canciones.

“El hecho de que este hito se produzca casi 50 años después del lanzamiento original de la canción demuestra el papel crucial de YouTube al dejar a leyendas musicales como ABBA un legado que trasciende el tiempo. ‘Dancing Queen’ tiene una audiencia verdaderamente multigeneracional, lo que consolida su estatus como una canción legendaria que ha sido adorada constantemente por los dos mil millones de espectadores registrados”, puntualizó Dan Chalmers, director de YouTube Music para África, Medio Oriente y Europa.

La Plaza de Bolívar se prepara para vibrar con los beats de la música electrónica en una jornada inolvidable: Monumentum 2025, la fiesta electrónica más grande a cielo abierto en Colombia, que se celebrará el próximo sábado 5 de julio desde el mediodía, con entrada libre y para mayores de 18 años.

Este evento icónico, impulsado por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA), regresa por cuarta vez con una potente promesa: consolidar a Bogotá como epicentro de la cultura electrónica en América Latina.

Desde la 1:00 p.m. hasta las 10:00 p.m., más de 15.000 asistentes disfrutarán de un line-up nacional que representa lo más destacado de la escena electrónica colombiana. Entre los artistas confirmados están:

•    Stefan Janiot y Julián Gómez (Video Club) •    Sebastián Xottelo y HCTM (Octava Club) •    Julio Victoria y Bedriñana (Kaputt Club) •    Lourdes (Gate Club) •    Briela Veneno y Khomha, gracias a la nueva alianza con DNA Music

Esta edición de Monumentum no solo promete un despliegue musical de alto nivel, sino también una experiencia inclusiva, segura y enriquecedora para todos los públicos.

El evento se desarrollará bajo el concepto de ‘Fiesta Segura’, en articulación con la Secretaría de la Mujer y la Secretaría de Gobierno, garantizando un entorno libre de violencias, especialmente hacia las mujeres. Además, los asistentes contarán con el mínimo vital de agua, medidas de seguridad reforzadas y protocolos de acompañamiento.

A través de la alianza con Hecho en Bogotá, el evento contará con una zona de experiencias y más de 20 emprendimientos locales en gastronomía, diseño, arte, música y moda, promoviendo la economía creativa del centro de la ciudad.

Tenga en cuenta las siguientes recomendaciones para poder disfrutar del evento: 

•    Las puertas abren a las 12:00 p.m. •    Prepárese para bailar y moverse al aire libremente. •    Defina un punto de encuentro. •    Viva la fiesta en armonía con los demás.

No se permitirá el ingreso de:

•    Alimentos y bebidas •    Sombrillas, camisetas o banderas de equipos de fútbol •    Latas, envases de vidrio, instrumentos musicales •    Cámaras profesionales sin acreditación •    Bicicletas, patinetas, drones, carpas

Monumentum 2025 se ha convertido en una declaración de identidad cultural y un homenaje a la vibrante escena electrónica capitalina.

El próximo sábado 5 de julio, el escenario se vestirá de gala con la presentación del Cuarteto Q-Arte, una de las agrupaciones más destacadas del continente, reconocida por su versatilidad, excelencia artística y su compromiso con la música latinoamericana.

Nominados a los Latin Grammy 2020 y ganadores del Premio a la Innovación en Classical: NEXT en Países Bajos (2017), los integrantes del Cuarteto Q-Arte —Santiago Medina (violín), Liz Ángela García (violín), Sandra Arango (viola) y Diego García (violonchelo)— ofrecerán un concierto que fusiona tradición, modernidad y raíces.

El repertorio iniciará con Joseph Haydn, considerado el “padre del cuarteto de cuerdas”, cuya obra representa la esencia del clasicismo. Luego, el viaje musical se traslada a Brasil con Heitor Villa-Lobos, una pieza que entrelaza la técnica europea con el alma popular brasileña.

La exploración sonora se enriquece con obras contemporáneas como ‘Microsurco de liebre’, del colombiano Mario Galeano, que se destaca por su carácter experimental, y ‘Pajarillo’, del venezolano Adrián Ascanio, inspirado en los ritmos del joropo.

La segunda parte del programa estará dedicada a la música popular latinoamericana, con arreglos que celebran la diversidad de la región. Desde Argentina, Adiós Nonino de Astor Piazzolla en versión de Jungsu Kwron, transmite el drama y la belleza del tango. Cuba se hace presente con Tabú de Margarita Lecuona, en arreglo de Oswaldo Golijov, mientras que Puerto Rico aporta el ritmo contagioso de El cumbanchero de Rafael Hernández, adaptado por Nicky Aponte.

El Cuarteto Q-Arte ha interpretado más de cien obras de compositores de América Latina en escenarios de Europa y América, y en esta ocasión propone un recital que cruza géneros y épocas, donde el clasicismo dialoga con la riqueza rítmica y melódica del continente. Su enfoque transdisciplinar y apertura a nuevas formas de creación musical los posiciona como referentes de la música de cámara contemporánea.

El concierto promete ser una celebración de la identidad, la innovación y la emoción. Una invitación para redescubrir la música como un puente entre culturas, memorias y sentimientos.

Las entradas ya se encuentran disponibles a través del siguiente enlace.

Esta es una canción que nació de las emociones físicas y mentales que produce la ira y que hoy se convierte en un desahogo necesario, tanto para él como para quienes se sienten frustrados en medio del caos de la ciudad.

Para Sebastián Zúñiga, conocido artísticamente como Ciudadano Z, la música es un espacio de honestidad y crítica. “Uno en la música también es un cronista del contexto que vive”, aseguró. En ‘Agrio’, el artista explora esas emociones incómodas que, según él, muchas veces se rechazan en una sociedad que vende la idea de que todo debe ser calma y positividad, olvidando que sentir rabia también hace parte de ser humano.

El sencillo forma parte de su próximo álbum ‘Hermitaño’ y es una continuación conceptual de ‘El Rey Sol’, donde narraba la caída de un personaje egocéntrico y arrogante. En esta nueva entrega, el protagonista se enfrenta a los pecados cotidianos, especialmente a la rabia. “Bogotá es una ciudad que lo atosiga a uno. La movilidad, la intolerancia, la inseguridad… todo eso termina volviendo agrio a cualquiera”, afirmó.

El videoclip fue grabado en las calles de Bogotá y muestra la crudeza cotidiana de la ciudad. Con la técnica de FPV (First Person View) y un dron que se desplaza entre el caos urbano, las imágenes invitan a reflexionar sobre el entorno y el impacto que este tiene en las personas. “La ciudad cada vez se parece más a una ciudad gótica, a un escenario de cómic lleno de villanos y tensiones”, explicó entre risas el rapero.

Detrás de su nombre artístico hay un fuerte mensaje social, Ciudadano Z no solo hace alusión a su apellido Zúñiga, sino a esa última letra del abecedario, que representa, como él mismo dice, “al ciudadano que siempre se deja de lado, al que no se escucha, al que no se tiene en cuenta en un sistema que muchas veces lo aplasta”.

Además de presentar su sencillo, el artista aprovechó para invitar a su próximo concierto el 19 de julio en Montana Café y Vinilos, un nuevo espacio cultural en San Felipe. Para quienes quieran conocer más de su música y mensajes, Ciudadano Z se encuentra en todas las plataformas digitales. “La rabia se puede transformar en arte, y esa también es una forma de sanar y cambiar la ciudad”, concluyó.

Con una energía vibrante, una identidad sonora inconfundible y quince años de exploración musical a cuestas, la agrupación uruguaya La Jarana llega por primera vez a Colombia para compartir su poderosa fusión de jazz contemporáneo y ritmos latinoamericanos. La gira incluyó presentaciones en Duitama, Bogotá y Villa de Leyva, además de una clase magistral que promete ser una joya pedagógica para músicos y amantes del ritmo.

Formada por saxo, vibráfono, teclados, bajo eléctrico y la inconfundible batería de murga —símbolo rítmico y cultural del Uruguay—, La Jarana ha logrado construir un sonido sin precedentes, donde conviven el swing del jazz con la fuerza de la murga, el calor de la música popular brasileña, la cadencia cubana, el dramatismo del tango y el espíritu del folklore rioplatense.

Precisamente sobre esta trayectoria y su primera gira por Colombia nos acompañaron en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ Felipe Badaró y Rodrigo Domínguez, integrantes de La Jarana, quienes hablaron de su propuesta sonora.

“El jazz, en general, si no es de los géneros más populares, muchas veces está asociado como a cierta elite académica, que en el caso de la murga es todo lo contrario. Es un género muy popular, que se toca en los barrios y es como también un punto de contacto entre dos mundos que, a priori, podrían ser distantes”, explicó Rodrigo, sobre el camino de conexión que han encontrado por medio de La Jarana.

Su propuesta no solo sorprende por su originalidad instrumental, sino también por su profundidad estética. A lo largo de tres lustros, el grupo ha desarrollado un repertorio íntegramente propio, reflejado en su segundo disco ‘Agradable Sujeto’, una obra que condensa su madurez creativa y la consolidación de una identidad musical singular.

“’Agradable Sujeto’ es un álbum que tiene su tiempo, pero que se ha ido renovando muchísimo. Año a año se ha ido transformando y es como que siempre está saliendo otra vez. Los temas los reversionamos y, ahora tenemos un integrante nuevo que es nuestro pianista Darwin Silva, y los temas tienen otro color”, planteó sobre este trabajo discográfico Felipe.

El recorrido de La Jarana incluye escenarios de peso como el Festival Internacional de Jazz ‘Jazz a la Calle’, el Festival de Percusión de Montevideo, el Festival de Jazz de Tucumán (Argentina) y la Percussive Arts Society International Convention (PASIC) en Indianápolis, uno de los eventos de percusión más grandes del mundo.

Ahora, durante su visita a Colombia, han participado en el 7° Salón del Queso y el Vino, en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional y, el próximo 29 de junio, en el cierre del XV Festival Internacional de Jazz de Villa de Leyva, VillaJazz Fest 2025.

El arte urbano continúa reinventándose, encontrando nuevas formas de hablar sobre realidades profundas y velando por una verdadera inclusión entre los espectadores. Así lo demuestra Chalmy La Revolución, un referente colombiano con más de dos décadas de trayectoria musical, que acaba de lanzar su más reciente sencillo ‘Para Mí’, una fusión vibrante entre el funk brasileño y el ritmo urbano, que invita a mover el cuerpo y reflexionar de la fuerza y el talento de las mujeres.

Pero esta canción no es solo una invitación al baile. Grabada en las coloridas y complejas favelas de Belo Horizonte, ‘Para mí’ es un homenaje a aquellas mujeres que, a pesar de enfrentar críticas y prejuicios constantes, se mantienen firmes y empoderadas. Chalmy pone voz a esas historias que a menudo son invisibilizadas o reducidas a estereotipos superficiales, y así lo explicó este artista en diálogo con ‘Amantes del Círculo Polar’ en donde compartió detalles de este lanzamiento.

Además de un gran ritmo, el tema hace una reflexión acerca de las mujeres que desde su belleza, su empoderamiento y su cuerpo son cosificadas o estigmatizadas por la sociedad, con el fin de que se reconozca sus esfuerzos, su preparación y su inteligencia.

“Hay muchas mujeres que bailan porque se sienten lindas y les gusta mostrar lo que hacen, su talento bailando y su cuerpo bien trabajado y no por eso se están ofreciendo, o prepaguiando ni están incitando a que un hombre las manosee o demás. Quería tocar ese tema de una forma fluida, bailando, y es decir:” Deje ese estereotipo de que todas las que salen mostrando algo en redes o son bandidas, o son malas, o son ignorantes, o solo tienen cuerpo y no cabeza””, destacó.

El videoclip, con imágenes llenas de autenticidad y energía, refleja el corazón de estas comunidades, fue grabado en Belo Horizonte, durante una corta visita del artista colombiano a Brasil, en donde compartió con la gente y los artistas de dicho país.

Además, fiel a su compromiso con la inclusión, Chalmy incorporó en esta propuesta artística la lengua de señas colombiana, una apuesta que ya ha sido reconocida como parte fundamental de la propuesta artística de Chalmy.

“Una canción está hecha para llevar un mensaje con un ritmo, sea el que sea el mensaje. Si estamos señando, si empezamos a aprender de señas, hago una versión que tenga un tratamiento de bajos diferente para que se defina mucho más, estamos llevando como un 80 % de lo que es una canción, pero a la comunidad sorda, vamos a borrar esa barrera”, agregó Chalmy. 

Esta iniciativa rompe estereotipos y convierte la música en un lenguaje verdaderamente universal, acercando su mensaje a personas sordas y oyentes por igual. ‘Para mí’ es un ejemplo de diversidad, del talento femenino y de la inclusión social.

Más de 20 años en la música y sus raíces colombo-mexicanas le han dado a ‘Tappan’, uno de los lugares más importantes en la industria de guitarristas, compositores y productores latinoamericanos.

Son cuatro álbumes de estudio los que componen su trayectoria y para este 2025 presenta un nuevo lanzamiento que recorre las entrañas del ‘Groove’ y un amor que se vuelve obsesión, revolución interna y necesidad pura.

“Yo soy de alma rockera, pero también me encantan otros géneros como el funk y el R&B, de una u otra manera siempre han estado presentes, así que esta canción nace de esa mezcla musical y del amor que siento por mi esposa”, contó ‘Tappan’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Tocarte: Una fusión explosiva de funk y rock

La guitarra, el bajo, los teclados y la batería se entrelazan con precisión y energía, en búsqueda de una base rítmica potente y sensual. Frases como “Me falta tocarte, aún más que soñarte” resumen la urgencia física y emocional que atraviesa toda la canción.

“‘Tocarte’ habla del fuego incontrolable, de querer tocar a quien te enloquece. Es pura energía y deseo, una explosión musical con solos que te sacuden el alma”, agregó el artista.

El sencillo está disponible en todas las plataformas y se grabó en Estudios Eón, 5ta Estudio, Warner Chappell y Tappan Music estudio, bajo la producción de William Tappan. La mezcla de la canción es de Andy Quiroga y fue masterizada por Carlos Silva en C1 Mastering.