El cantautor antioqueño Gabo Gallego presenta ‘Entrópico Distópico’, un EP que explora el amor, el paso del tiempo y la búsqueda de sentido a través de una propuesta sonora que combina soul, neo-soul, rock y funk.

Con este trabajo, el músico propone una reflexión acerca de la adultez y los procesos de transformación personal. El disco parte de experiencias autobiográficas y se plantea como una “declaración de independencia existencial”, en la que se cuestionan las ideas preconcebidas sobre el rumbo de la vida y se reivindica la posibilidad de soltar, recomenzar y asumir la incertidumbre.

El artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, donde explicó que el álbum es el resultado de un proceso de maduración musical y personal que recoge más de una década de trayectoria.

“Creería que la palabra clave es maduración (…) Se nota en el camino recorrido en estos 10 o 12 años de hacer música. Este disco se siente como una cosa muy acabada, como el resultado de un proceso bien largo e interesante”, señaló Gallego.

El proyecto solista nació hace tres años, pero su origen se remonta a experiencias previas en agrupaciones del oriente antioqueño como Aikas y Pájaro Toh, en las que el músico exploró sonoridades cercanas al rock latino, el grunge y la música del Caribe colombiano.

‘Entrópico Distópico’ aborda las preguntas que surgen al llegar a los 30 años y revisar las expectativas construidas durante la juventud. Las canciones recorren temas como el amor, el deseo, el cierre de ciclos y la transformación de las metas personales.

“Este disco habla mucho de eso: De qué pasa cuando llegamos a los 30, cómo se han transformado las metas y las ambiciones que teníamos antes”, comentó el artista durante la entrevista. Gallego explicó que la honestidad fue el eje del proceso compositivo y que cada canción parte de vivencias personales con la intención de generar identificación en el oyente.

El EP fue concebido como una obra integral, con una secuencia narrativa que funciona como un viaje emocional. A lo largo de sus cinco temas, el disco transita por distintos momentos de introspección y cambio.

El recorrido inicia con ‘Nómada’, tema central del álbum y focus track, que aborda la necesidad de dejar atrás relaciones y cargas emocionales. Continúa con ‘Un lugar común’, una contemplación de la memoria afectiva; ‘Sin tocarte la piel’, que explora el deseo y la fantasía; ‘Samba mal hecha’, una aproximación al amor desde la ingenuidad y el baile; y concluye con ‘Mixtepec’, una despedida y cierre de ciclo.

El nombre del EP alude a la entropía como metáfora del caos y a la distopía como representación de la incertidumbre humana. Desde esa idea, el proyecto traduce en canciones cinco eventos cotidianos relacionados con el amor, la libertad, el sentido de la vida y el paso del tiempo.

El 19 de mayo de 2026 se apagó la voz de Sonia Bazanta Vides, conocida artísticamente como Totó La Momposina. Su fallecimiento marcó la despedida de una de las figuras más representativas de la música colombiana y de una artista que dedicó su vida a preservar y difundir los ritmos tradicionales del país.

Entre tambores, cantos y memorias del Caribe colombiano, Totó La Momposina construyó una trayectoria en la que la música tradicional se convirtió en un puente entre las raíces culturales y las nuevas generaciones.

Su voz llevó ritmos como la cumbia, el bullerengue, la tambora, el mapalé y el chandé a los escenarios más importantes del mundo, consolidándola como una de las figuras más influyentes de la música latinoamericana.

Más que una intérprete, Totó fue una guardiana de la memoria. Su obra se nutrió de las enseñanzas heredadas por su familia y por las comunidades afrodescendientes e indígenas del Caribe colombiano, de donde recogió cantos, historias y tradiciones que transformó en un repertorio de profundo valor cultural.

En una época en la que el folclor era visto como una manifestación limitada al ámbito regional, Bazanta demostró que esas músicas podían dialogar con audiencias de cualquier lugar. Su presencia en escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina abrió un camino para que la música tradicional colombiana ocupara un espacio destacado en la escena internacional.

Su legado no se mide únicamente por los discos publicados o los reconocimientos obtenidos, sino por la manera en que cambió la percepción de la música de raíz. Gracias a su trabajo, las nuevas generaciones entendieron que el bullerengue y la tambora no pertenecen al pasado, sino que siguen siendo expresiones vivas capaces de dialogar con el presente.

Artistas colombianos y latinoamericanos encontraron en Totó una referencia fundamental. Su obra mostró que la innovación no exige renunciar a la tradición, y que la identidad cultural puede convertirse en una fuente inagotable de creación.

También dejó una lección de dignidad artística. En cada escenario defendió la música popular como una forma de conocimiento, memoria y resistencia. Su presencia recordaba que detrás de cada canción existe una historia colectiva construida durante generaciones.

Su ausencia deja un vacío difícil de llenar en la cultura colombiana. Sin embargo, en cada tambor, en cada rueda de bullerengue y en cada artista que vuelve la mirada hacia las raíces para crear nuevas sonoridades, seguirá presente la huella de Totó La Momposina.

Una canción sobre el impacto de las relaciones narcisistas

‘Fantasma’ aborda las complejas dinámicas de las relaciones interpersonales marcadas por comportamientos narcisistas, ya sea en el ámbito amoroso, familiar o laboral.

A través de su letra y sonoridad, la banda busca reflejar el “infierno” emocional que viven muchas personas al intentar salir y liberarse de vínculos tóxicos, así como las dificultades que enfrentan quienes quedan atrapados en este tipo de relaciones humanas.

La propuesta musical combina una carga emocional profunda con una producción cuidadosamente trabajada, dando vida a una composición que conecta con experiencias cotidianas y realidades difíciles de afrontar.

El sencillo fue grabado en la Ciudad de México, en los estudios del reconocido productor Sergio Silva, integrante de De Alegría, quien además estuvo a cargo de la producción y el proceso de masterización.

Por su parte, la letra fue liderada por los hermanos Herrejón, quienes aportaron una narrativa íntima y reflexiva para este lanzamiento.

Para Pixel, ‘Fantasma’ representa una nueva etapa en su carrera, luego de varios años de trayectoria y dos LPs publicados. “Actualmente hemos apostado por lanzar sencillos, adaptándonos a las dinámicas de consumo de la industria, aunque mantenemos el gusto por los discos tradicionales. Además, este nuevo proyecto hace parte de una búsqueda sonora que refleja nuestra evolución artística. Porque una banda debe ir evolucionando y no quedarse en el mismo punto”, afirmó Marco, en el programa ‘Amates del Círculo Polar’.

Con este trabajo, Pixel continúa consolidando una propuesta artística enfocada en explorar emociones humanas y experiencias personales por medio de la música.

La agrupación invitó a sus seguidores a mantenerse atentos a sus redes sociales y próximos anuncios, donde revelarán más detalles sobre el lanzamiento de su tercer EP y los nuevos proyectos que preparan para el próximo año.

En el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, los integrantes expresaron su emoción por visitar Colombia y conectar con nuevas audiencias. “Nos hace mucha ilusión estar en Bogotá. Es una ciudad muy distinta a Barcelona, súper grande, con mucho verde, muy “guay” todo. Hemos conocido gente de aquí y de otros lados, todos muy majos y con música muy chula”, contaron.

El proyecto se mueve desde una visión musical abierta, la electrónica juega un papel fundamental dentro de su identidad sonora. “Vivimos en una época de cambio constante, donde cada día aparecen novedades, y al final la electrónica es algo que se ha instaurado muchísimo en los últimos años. Es un muy buen recurso y tampoco hay que rechazar nuevas ofertas”, explicaron.

Su sonido parte del funk latino, pero evoluciona hacia una mezcla mucho más experimental. El primer álbum tenía una esencia más funk clásica, mientras que su próximo trabajo, ‘Gula’, amplía el panorama sonoro con múltiples influencias.

Precisamente, ese nuevo proyecto toma su nombre de una idea conceptual: La gula como deseo, impulso y hambre constante de experiencias. “‘Gula’ viene de esta necesidad, de estas ansias de comer, pero llevado a diferentes escenarios de la vida cotidiana”, afirmaron los artistas.

El resultado es una mezcla difícil de encasillar: Funk, jazz, soul, R&B, flamenco, comparsa y electrónica conviven dentro de una misma propuesta. “De repente metemos palmas flamencas, jazz, ritmos de comparsa… es un súper mix de todo, pero muy orgánico. Definir el género es complicado y eso hace parte de nuestra identidad: No nos encasillamos”, aseguraron.

La banda está conformada por músicos de distintas nacionalidades y trayectorias. El vocalista y productor del proyecto es Ginope, artista peruano radicado en Barcelona, acompañado por músicos españoles de Barcelona y Zaragoza, una combinación que ha enriquecido naturalmente el sonido del grupo.

En medio de esta nueva etapa, Funky Munchies presenta ‘Ritmo Animal’, el primer sencillo de ‘Gula’, una canción que resume la esencia libre, energética y diversa del proyecto.

Asimismo, la banda llegó al país para participar en BIME, uno de los encuentros más relevantes de la industria musical en Iberoamérica, una plataforma clave para impulsar talentos emergentes y abrir puertas a nuevos mercados internacionales. Su paso por Bogotá no solo les permitió presentar su proyecto ante profesionales del sector, sino también ampliar su alcance y conectar con nuevas audiencias. “Eventos como BIME ofrecen un futuro prometedor y nos permiten darnos a conocer al mundo, cruzar el charco y tocar en otros lugares”, concluyeron.

Con su debut en Colombia, Funky Munchies no solo presenta una nueva iniciativa musical, sino una visión sonora donde la mezcla, el riesgo y la libertad creativa son protagonistas.

Más que un lanzamiento convencional, este disco representa un reto personal para el artista. Durante seis meses, El Santa decidió encerrarse en su propio proceso creativo, construir un estudio en casa y asumir por completo la composición, producción y mezcla del álbum.

El artista nos acompañó en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’ y contó que este trabajo surgió como una meta personal ligada incluso a su cumpleaños y a la propuesta de matrimonio a su novia. “Este es un proyecto que empecé hace seis meses más o menos, donde decidí tomar acción sobre mi música de una forma muy independiente, muy personal. Construí un estudio en mi casa para hacerlo y básicamente era hacer la música como yo quería”, explicó.

El resultado fue un disco profundamente personal que, además, nació como un regalo para su prometida. Según contó tomó la decisión de pedirle matrimonio a su novia y encontró en este álbum la mejor manera de expresar ese momento de su vida. “Ella es el brillo de mi vida realmente, fue el motor que hizo que yo me encerrara a hacerle todos esos temas”, relató.

Las siete canciones ‘El brillo de mi vida’, ‘Eres’, ‘Cuentos’, ‘Juntemos nuestra piel’, ‘Bailemos una vez más’, ‘Me gustas’ y ‘El reloj, construyen una especie de ruta emocional donde cada tema representa un momento distinto dentro de una misma historia de amor.

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Uno de los momentos más especiales del álbum llega con ‘El reloj’, el único cover del proyecto y una reinterpretación del clásico bolero de Roberto Cantoral. “Adopte esta canción al sonido del disco porque estaba pensando en un viaje que tiene mi novia y sentía que no quería que ese momento llegara, como queriendo detener el tiempo”, explicó.

Para El Santa, este proyecto también refleja cómo los momentos difíciles pueden convertirse en motor creativo. “El artista compone mucho mejor cuando la vida se le viene encima, cuando hay rupturas, quiebras emocionales o económicas; siempre encuentra la manera de adaptarse y sacar nuevos elementos”, aseguró.

Con este lanzamiento, el artista reafirma su apuesta por una música más personal, alejada de fórmulas pasajeras y enfocada en transmitir mensajes genuinos. “Quiero hacer música como me gustaría escucharla. Este disco es para sentarse, escucharlo con calma, analizar los detalles y conectar con cada sonido”, agregó.

‘El brillo de mi vida’ no solo marca una nueva etapa en la carrera de El Santa como artista independiente, sino que también propone una conversación distinta sobre el amor en la música actual: Menos fugaz, más consciente y dedicado a construir desde la permanencia.

“Este es un disco enfocado en amar a una sola persona, porque creo que amar a alguien es algo muy valioso y es un mensaje que quiero comunicar siempre”, concluyó el músico.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales.

La cantante regresa a la capital con un nuevo show para revivir junto a su público los grandes éxitos que han marcado su trayectoria.

En ‘Música y Músicos de Colombia’ la cantante habló sobre cómo sus canciones todavía acompañan historias de amor, recuerdos familiares y momentos importantes para quienes crecieron escuchándola. Más allá de la nostalgia, Claudia reconoce que existe una conexión emocional que ha logrado mantenerse intacta con el paso de los años, algo que sigue dejando huella en cada concierto y en el cariño constante de sus seguidores.

Uno de los temas más curiosos de la conversación fue justamente el de las redes sociales. Aunque confesó que no es una artista que esté pendiente todo el tiempo de publicar contenido o mantenerse activa digitalmente, sí destacó la fidelidad de su público, que siempre está atento a cada aparición, entrevista o publicación, incluso si pasan meses sin actividad.

Además, Claudia habló sobre el regreso de ‘Los Años Maravillosos’, el espectáculo que comparte junto a Billy Pontoni y Ana y Jaime quienes se presentarán en el Teatro Cafam este 16 y 17 de mayo a las 8:00 p.m. Un reencuentro musical que revive canciones emblemáticas de la Nueva Ola y que promete reunir generaciones alrededor de un repertorio que sigue vivo en la memoria del país.

Compositores como Gustav Mahler, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms y Antonín Dvořák, reviven en Bogotá con un repertorio sinfónico que planea llenar de música la ciudad durante más de cinco semanas.

La iniciativa busca extender la celebración del Día de la Madre más allá de una sola fecha y acercar la sinfónica a nuevos públicos y escenarios. La programación llegará a teatros, iglesias, bibliotecas y centros culturales de localidades como Kennedy, La Candelaria, Suba y Teusaquillo.

“Nos ha ido muy bien. Iniciamos el 30 de abril con el ‘Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta’ en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, y luego llevamos esa misma presentación al Auditorio León de Greiff. Desde entonces hemos tenido agenda diaria con orquestas juveniles y coros de la Filarmónica. La mayoría de estas presentaciones están pensadas como homenaje a las madres”, explicó David García, director de la Filarmónica de Bogotá en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

A esta temporada, se unen presentaciones en la Catedral Primada de Bogotá, la Iglesia de San Ignacio y la parroquia María Madre de la Iglesia, que ofrecerán repertorios más íntimos, donde el sonido clásico se encontrará con el patrimonio arquitectónico y espiritual.

“Cada escenario tiene un reto acústico distinto. En la Catedral Primada de Bogotá, por ejemplo, la reverberación exige una coordinación muy precisa entre músicos y director. Por eso seleccionamos repertorios que funcionen tanto en iglesias como en auditorios. Este fin de semana interpretaremos obras de Mozart, Franz Liszt y Josef Suk, además de un concierto para flauta con el finlandés Sami Younonen”, agregó el director.

¡Eventos imperdibles!

- Viernes 15 de mayo – 3:00 p.m.

Catedral Primada de Colombia

Orquesta Filarmónica de Bogotá

Repertorio de Liszt, Mozart y Suk en uno de los escenarios patrimoniales más emblemáticos de la ciudad.

- Jueves 21 de mayo – 4:00 p.m.

Iglesia San Ignacio

Orquesta Filarmónica Juvenil

Obras de Beethoven y Mendelssohn. Dirección: Jesús David Caro (becario 2025).

- Jueves 21 de mayo – 8:00 p.m.

Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

Orquesta Filarmónica de Bogotá

Gran concierto sinfónico con obras de Dvořák, Beethoven y Brahms.

- Viernes 29 de mayo – 7:00 p.m.

Auditorio León de Greiff (Universidad Nacional de Colombia)

Orquesta Filarmónica de Bogotá

Cierre del mes con un programa dedicado a Gustav Mahler.

Para conocer la programación completa visite el siguiente link.

‘Cuando se apague la fiesta’ captura ese instante suspendido entre la euforia y la incertidumbre: El momento en el que todo parece posible, pero el tiempo empieza a agotarse. A través de una narrativa íntima y cercana, la canción retrata la historia de alguien que se enamora en medio del ruido, las luces y el caos de una fiesta, enfrentándose al miedo de no atreverse antes de que las cosas terminen.

“Somos una banda formada por cinco músicos, que nos hemos ido conociendo desde 2024, la propuesta nace bajo la idea del caset, y de cómo cada uno de nosotros tiene diferentes gustos musicales, como la salsa, el rock, el pop y el metal, y como decidimos no enfrascarnos en un único sonido, entonces de todo esto decidimos crear la agrupación, indicó Julio, integrante de Caset en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’.

Este lanzamiento marca una nueva etapa para CASET, en la que la banda ha venido desarrollando un sonido más definido y una identidad narrativa que se refleja tanto en sus canciones como en sus presentaciones en vivo. Con varios estrenos recientes y una proyección clara hacia un futuro álbum, posicionándose como una de las propuestas emergentes a seguir dentro de la escena bogotana.

Además, ‘Cuando se apague la fiesta’ representa el inicio de una serie de lanzamientos que CASET tiene preparados para este 2026, siendo el primero de cuatro estrenos planeados para este año.

El sencillo ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

El inicio profesional de su carrera se remonta a 1982, cuando obtuvo el primer lugar en un concurso de la Fiesta Nacional del Inmigrante, en Oberá, Misiones. Ese reconocimiento marcó el comienzo de un recorrido artístico que hoy suma 18 discos publicados, varios libros y una amplia agenda de presentaciones en América y Europa.

Su relación con la música comenzó en la infancia, en un entorno familiar en el que el canto hacía parte de la vida cotidiana. Su padre interpretaba boleros y su madre acostumbraba a cantar en casa, influencia que lo llevó a participar desde niño en actos escolares y, posteriormente, a estudiar guitarra y escribir sus primeras canciones.

El músico y poeta Claudio Bustos estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ conversando sobre sus inicios en la música, su trabajo de musicalización de poemas latinoamericanos y las presentaciones que realizó en Colombia en el marco de la Feria Internacional del Libro de Bogotá.

La poesía ha sido uno de los ejes centrales de su obra. A lo largo de su trayectoria ha musicalizado textos de autores como Pablo Neruda, Nicolás Guillén, Augusto Roa Bastos y José Luis Díaz-Granados, en un proceso creativo que ha dado origen a proyectos como el álbum ‘Voy en los hilos del agua’, integrado por composiciones basadas en poemas de escritores de distintos países de América Latina.

En 1996 viajó a París, donde participó en ciclos de poesía latinoamericana y conciertos organizados por productores vinculados a Radio France Internationale. Esta experiencia fortaleció su interés por la musicalización de textos y amplió su proyección internacional.

A lo largo de su discografía, Bustos ha abordado temas relacionados con la memoria histórica, la infancia y la identidad cultural. Entre sus trabajos se encuentran la cantata ‘Francisco Solano López, Mariscal de América’, dedicada a la Guerra de la Triple Alianza, y el álbum infantil ‘Canciones en Bicicleta’.

La relación del artista con Colombia también ha influido en su proceso creativo. Además de musicalizar poemas de autores nacionales, ha incorporado sonoridades cercanas al bambuco y otros ritmos andinos como parte de su acercamiento a la tradición musical colombiana.

Durante su visita al país, el cantautor ofreció conciertos y encuentros académicos en espacios como la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la Universidad Nacional de Colombia y la Librería Balzac.

La voz profunda y ceremonial de la intérprete caucana regresará a la capital para oficializar este proyecto discográfico. Se trata de una apuesta artística que logra transmutar los cantos ancestrales en un recorrido cargado de mística, respeto y herencia.

El lanzamiento será a el próximo el 17 de mayo las 7:30 p.m. en el emblemático Teatro Colón. Durante la velada, los asistentes podrán sumergirse en trece piezas que entablan un diálogo armónico entre la tradición afrocolombiana y el lenguaje contemporáneo. El repertorio seleccionado recorre la trayectoria de la artista, integrando creaciones grabadas junto a Canalón de Timbiquí hasta cortes de su álbum como solista, además, incluye adaptaciones inéditas de sus colaboraciones internacionales.

La construcción sonora fue diseñada por el compositor Jesús David Caro, bajo la dirección de la maestra Tatiana Pérez-Hernández. ‘Pacífico Maravilla Sinfónico’ integra la riqueza del Pacífico colombiano como la marimba de chonta, cununos, bombos y cantos tradicionales con la sonoridad de la orquesta sinfónica. Esta fusión no solo expande las fronteras expresivas de la música afrocolombiana, sino que reivindica su valor como estandarte de resistencia y memoria colectiva ante públicos diversos.

Bajo el lema ‘Otros mundos ya existen’, el evento se posiciona como el eje central del III Encuentro Afro del Centro Nacional de las Artes, asimismo, esta agenda cultural desplegará durante cuatro días una programación robusta de danza, teatro y reflexión.

La agrupación compartirá cartel con colectivos de vanguardia como Ghetto Kumbé, Robe L Ninho y Estrellas del Caribe, consolidando un circuito de visibilidad para las artes negras.

Con este despliegue, la compositora reafirma su estatus como una de las figuras más influyentes de la escena nacional.