La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

La cantautora presentó su más reciente proyecto musical, un recorrido sonoro que transforma la vulnerabilidad en fuerza emocional. Fusiona el rock de los años 2000 con elementos contemporáneos como el bolero y el punk que le han permitido explorar el duelo, la identidad y el empoderamiento. Sophie Angel, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, contando sobre su nuevo lanzamiento y los retos en su carrera profesional.

Este proyecto surge del sueño de una adolescente de 14 años que aspiraba a triunfar en la música y revolucionar la industria del rock, rompiendo el estereotipo de que los vocalistas deben tener una voz dura y carrasposa. En su lugar, la artista propuso una voz fuerte y dulce que refleja crudeza emocional juntando el pop rock, el punk rock, la power ballad, el nü-metal y el bolero para analizar situaciones como pérdidas, rupturas y adversidades.

Como artista independiente, busca crear un espacio donde las personas se puedan expresar sin ningún tipo de juzgamiento o señalamiento, liberando cargas emocionales que se han estado normalizando por la rapidez de la sociedad en la que nos encontramos. Su música está diseñada para momentos de vulnerabilidad, cuando las emociones superan la razón, valorándose para avanzar con mayor determinación.

La cantante presenta una trilogía: ‘You Said Goodbye’, ‘Mi Refugio’ y ‘Nada es temporal’, tres canciones con un mensaje de fuerza donde las emociones actúan como puentes hacia el siguiente paso en la vida cotidiana. ‘You Said Goodbye’, es una canción que fusiona el bolero y el rock sinfónico para narrar el duelo de la muerte, evolucionando del vacío a la resiliencia con recuerdos positivos.

Por otro lado, ‘Mi Refugio’ es un tema que celebra el amor incondicional, una melodía que estuvo inspirada en sus mascotas Tokyo y Lancy. Un power ballad que contrasta dulzura y distorsión para evocar la cercanía de estos seres que pueden llegar a transformar.

Y por último está ‘Nada es temporal’, un track que contiene la rudeza del punk rock con violín como protagonista, promueve el empoderamiento al rechazar límites impuestos por críticas externas.

“A través de mis composiciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida”, contó la artista.

Sophie Angel presentará un álbum de nueve canciones en inglés para inicios de 2027 y un EP de cinco en español en el segundo trimestre de este año, ambos centrados en emociones compartidas y formas de superación.

Este lanzamiento de la agrupación paisa, explora la libertad mental y el criterio propio en un mundo de presiones, como adelanto de su EP homónimo. La banda formada en 2024 por Juan José Pacheco en la batería, Mauricio Gutiérrez en el bajo y Juan Pablo Palacio en la voz y la guitarra, transforma la catarsis post-pandemia en riffs con una carga de compromiso social. Palacio, estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro.

Esta nueva canción se presenta como un cuestionamiento de las influencias que se han impuesto a lo largo de la historia, y asimismo, celebra el juicio personal. Es un tema que abre el camino a EP debut ‘TrasArder’, un proyecto discográfico que promete fusionar la nostalgia de los 2000 con sonidos actuales, un rock crudo que incomodará y activará, alejándose de fórmulas tradicionales del género y priorizará la autenticidad y potencia en vivo de la agrupación.

El trabajo viene acompañado de un videoclip dirigido por Johan Alsate, quien visualiza el mensaje de la banda mediante la figura de una bruja mística que seduce e hipnotiza a los integrantes, culminando en su transformación a figuras enmascaradas sin identidad. Esta alegoría teatral subraya la pérdida de criterio bajo manipulación de la seducción, reforzando el llamado a la resistencia personal.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. “Queríamos hablar de tener un criterio [...] no dejándose llevar por diferentes temas que pueden pasar; mira todo lo que puedes escoger, tenés una chispa interior que te hace original”, concluyó Juan Pablo Palacio.

La cantante bonaerense Blue, expande los límites del dark pop latino con el lanzamiento de su sencillo ‘Ven y dime’, un proyecto introspectivo que explora la dualidad emocional en las relaciones afectivas y anticipa los conceptos de su próximo álbum ‘Estoy Blue’. Este trabajo, surgido de un proceso creativo terapéutico donde transforma sus experiencias personales en letras cargadas de vulnerabilidad y fortaleza. La artista estuvo en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’, hablando de este viaje sonoro y lo que representa en su carrera musical.

Este primer adelanto nace como un acto combativo donde la dualidad emocional se manifiesta en la tensión de relaciones pasajeras, aquellas en las que los sentimientos permanecen atados y no se asumen con claridad. Fue compuesta inicialmente con guitarra en el estudio a partir de una experiencia personal, y brotó como un ejercicio introspectivo con un claro componente terapéutico, aunque generó dudas en la artista por su intensa carga emocional justo antes del lanzamiento.

Blue integra referentes latinoamericanos y anglosajones en un sonido ecléctico que abarca el dark pop, el pop alternativo, el synthwave, el R&B, el soul y trap, alejándose de estereotipos que se han radicado en el cono sur dando paso a una su autenticidad y profundidad emocional.

“Componer es mi terapia; en cada canción habita una dualidad constante: lo que siento, lo que escribo, lo que ya pasó y lo que está por venir, convirtiendo mi mundo interior en melodías que abrazan la vulnerabilidad, la fe y la fuerza, proyectando una autenticidad que conecta de forma real con mi audiencia”, concluyó la artista.

Cultura Profética llega con ‘Bendito Vicio’, una canción que explora la relación entre el deseo, el hábito y la contradicción. En esta nueva entrega, la banda puertorriqueña se acerca a la realidad humana desde un lugar menos declarativo y más contemplativo, invitando a observar los vínculos invisibles que se tejen entre placer y desgaste.

El sencillo fusiona el reggae característico de la banda con elementos poéticos y texturas introspectivas, donde la voz principal de Willy Rodríguez guía el sonido del grupo. El video oficial, dirigido con un enfoque en la memoria y el paso del tiempo, alterna escenas contemporáneas con tintes de los años 90, reforzando un tema de nostalgia y ciclos vitales.

En la letra, el vicio se plantea como metáfora del ciclo emocional que impulsa y, al mismo tiempo, limita. No se juzga ni se glorifica: Se trata de un retrato que se contiene, un ejercicio de observación sobre la fragilidad del deseo y su poder para conducir lo cotidiano.

Más que reafirmar su legado, ‘Bendito Vicio’ busca una pausa. Cultura Profética se ha mostrado en los últimos años como un grupo que entiende el paso del tiempo, no solo en su evolución sonora, sino que ve este tránsito una oportunidad para pensar desde la madurez los impulsos que alguna vez fueron rebeldía.

La pionera del power metal femenino en Colombia, pasó por los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’ para presentar ‘Letanías’, su segundo álbum solista que transforma el caos pandémico de 2020 en un ritual sonoro de introspección simbólica y evolución espiritual.

El título del álbum ‘Letanías’ hace referencia a las plegarias pronunciadas en momentos de crisis, además representa ese acto colectivo de elevar preguntas ante el caos, pero también una transición espiritual. Criada en un entorno cercano a tradiciones místicas y filosóficas, la cantante ha señalado que el proceso creativo del disco evolucionó desde una mirada dirigida “hacia arriba”, hacia una conexión más terrenal e introspectiva, vinculada a la espiritualidad interior y a la energía de la tierra.

“Mis canciones vienen de lugares donde no hay luz, pero en los cuales todavía queda voz. Ahí empieza ‘Letanías’”, contó la artista sobre la creación y el proceso de años que fusiona ritual y experimentación vocal.

El proyecto comenzó a gestarse en plena pandemia, cuando el aislamiento y la incertidumbre marcaron un periodo de pérdidas y transformación colectiva. El primer sencillo fue lanzado ese mismo año, en medio de una intensa agenda de entrevistas virtuales y presentaciones vía streaming en escenarios nacionales e internacionales. Lejos de detenerse, la artista mantuvo una actividad constante durante el confinamiento, adaptándose a los nuevos formatos digitales.

Musicalmente, el álbum profundiza en el power metal, género que le permite desarrollar una propuesta altamente performática y visual. El proyecto integra

simbolismo, alteregos y elementos teatrales que amplían la experiencia más allá del sonido. La canción ‘Karma’, que cierra el disco, sintetiza esa etapa de transformación y equilibrio dentro de su evolución artística.

Paralelamente, Yimark ha explorado nuevas fusiones con versiones electrónicas de su repertorio, abriendo un espacio experimental dentro de un género altamente tradicional, como lo es el metal, y esta expansión sonora se adentra en un escenario que, según la artista, ha evolucionado significativamente en términos de inclusión femenina.

Después de más de cinco décadas recorriendo lugares alrededor del mundo, el cantautor panameño Rubén Blades anunció que comenzará el cierre de su etapa en los escenarios. La decisión no surge como un retiro abrupto, sino como un proceso consciente que busca poner pausa al ritmo exigente de los conciertos sin alejarse completamente de la música.

El anuncio marca un antes y un después en la música latinoamericana. Durante años, sus presentaciones han sido espacios de encuentro entre generaciones que han encontrado en sus canciones relatos cercanos a la vida cotidiana, historias urbanas y reflexiones sociales que trascendieron el baile para convertirse en memoria colectiva.

El artista explicó que el desgaste físico que conlleva las giras influyó en la decisión de reducir gradualmente sus presentaciones en vivo. La intención, según ha señalado, es retirarse de los escenarios mientras aún conserva la energía y la calidad interpretativa que han caracterizado sus conciertos.

El proceso se extenderá hasta aproximadamente 2027, periodo en el que continuará realizando presentaciones junto a la ‘Roberto Delgado Big Band’, agrupación con la que ha desarrollado una de las etapas más sólidas de su trayectoria reciente. Más que una despedida, se trata de una serie de encuentros finales con el público que ha acompañado su carrera durante décadas.

Aunque dejará el ritmo constante de sus presentaciones, Blades ha dejado claro que no abandonará la creación musical. La composición, la grabación y los proyectos culturales seguirán formando parte de su vida artística, ahora desde un ritmo más pausado y cercano a su entorno personal en Panamá.

Desde finales del siglo pasado, su obra transformó la manera de entender la salsa. Canciones llenas de personajes comunes, barrios, conflictos sociales y dilemas humanos ampliaron el alcance del género y lo acercaron a la crónica latinoamericana. Sus letras acompañaron celebraciones, despedidas y momentos

de la vida real, convirtiéndose en parte de la experiencia emocional de varias generaciones.

El anuncio de su retiro de los escenarios no es un cierre definitivo, sino el paso natural de un artista que decide cambiar el ritmo sin abandonar el camino. Mientras las giras llegan lentamente a su final, su música continúa habitando la memoria colectiva.

Fausto Moreno es un artista que recorre el reggae, el afrobeat y los ritmos caribeños para hablar de la vida, los errores y las lecciones como un lenguaje universal. Criado entre boleros y guitarras, el músico estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ contando sobre la fusión de lo bohemio con beats urbanos en un sonido que une a ambos países.

Desde 2016 ha estado moviendo su música entre bares y festivales guiado por la guitarra y el sonido tradicional, aunque siempre con una mirada inquieta a la nueva onda. Para el 2019 nació el proyecto ‘Fausto Moreno’ con ‘Orgánico, La Tierra es Nuestra’, un álbum de 11 canciones que bailan entre el afrobeat, dancehall y reggae con colaboraciones importantes como Demphra de La Factoría. Ahí su esencia bohemia chocó con ritmos globales, marcando un antes y después en su música.

Panamá, puente cultural, absorbe vallenato colombiano, dancehall jamaiquino y comida venezolana, un mix que le ha servido en su proyecto para explorar la sensibilidad de lo latino e inyectarlo en cada melodía. “Me he empapado de su cultura. Encuentro ecos caribeños en el Pacífico colombiano y celebro la escena dancehall del sur”, contó Fausto.

El álbum ‘Mi Afroesencia’ es una oda a la voz de su madre. Habla de la resiliencia, de la conexión con lo divino, el progreso y las caídas. Es un viaje sonoro donde mezcla los sonidos del Caribe con cortes “picantes” que llevan al romance. “Más que baile, es un mensaje. Es un disco perfecto para reflexionar en la playa o mover el cuerpo”, concluyó el cantautor.

El 14 de febrero, Día de San Valentín, tres agrupaciones explorarán el amor, el desamor, el despecho y la esperanza desde la escena independiente latinoamericana. El productor Diego Carreño, estuvo en ‘Amantes del Círculo Polar’ hablando del neobolero chileno, del tango rock argentino y la salsa caleña que se reunirán en un relato emocional que conecta generaciones y países.

La noche estará centrada en la leyenda musical Macha y El Bloque Depresivo, encabezados por Aldo Asenjo, quienes llegan tras dos sold out en el Estadio Nacional de Chile ante 60.000 personas, hazaña comparable a Los Prisioneros o Víctor Jara, según Carreño. Su neobolero ofrece una nueva visión de la poesía musical en la que se atreve a versionar a Bad Bunny, a Maroon 5 y clásicos latinoamericanos que trascienden a lo largo de los años. La agrupación fusiona elementos del vals peruano y del bolero en un son que se presta para llorar y bailar al mismo tiempo.

Pero antes del cierre final, Julieta Laso llega desde Buenos Aires, Argentina, ella será la encargada de iniciar la presentación con tango del arrabal. Laso es recocida por su voz recia que rescata los sonidos latinoamericanos alimentados desde la ciudad porteña. Formada en Colombia junto a Petronila Martínez, la cantautora emerge como figura clave del Cono Sur, estableciendo un tono íntimo y salvaje.

La noche no se quedará ahí, pues Colombia hará presencia en este evento con Jacobo Vélez y La Mambanegra, agrupación caleña que aportará salsa–hip hop con elementos del funk, la timba y ritmos caribeños. Su energía clausura la velada, equilibrando melancolía previa con esperanza vital, como explicó Carreño: “Es la alegría que sigue al desamor. Es un anti San Valentín para celebrar rupturas y segundas oportunidades”.

El show iniciará a las 8:00 p.m. en el Bar Calle Trece, en Los Sauces de las Américas en la ciudad de Bogotá. Las boletas se podrán conseguir en la página Web de Latino Power o en la taquilla.

La composición emerge tras operativos federales en Twin Cities que terminaron en las muertes de Renée Good y Alex Pretti, incidentes que han desatado manifestaciones en todo el país americano. La canción surge en respuesta inmediata a uno de esos episodios, incorporando relatos de testigos y contrastes entre versiones oficiales y grabaciones públicas. Evoca memorias de víctimas a través de imágenes, fusionando lo particular con cuestionamientos estructurales sobre fuerza estatal.

Este nuevo himno llega al primer puesto de ‘Digital Song Sales’ gracias a 16.000 descargas durante su semana inicial, al tiempo que alcanza el puesto 20 en ‘Hot Rock & Alternative Songs’ mediante streams y rotaciones radiales. Acumula millones de reproducciones en plataformas digitales y domina tendencias en múltiples países, consolidándose como fenómeno transnacional en iTunes y YouTube. Este impulso refleja la vigencia de las ventas directas en un panorama dominado por el streaming.

Este tema comienza con una guitarra y una armónica, enalteciendo la estética sonora íntima característica de Springsteen, asimismo, va tomando fuerza con coros potentes que subrayan los reclamos sociales ante la injusticia de ICE. La música remite a baladas previas de su repertorio, actualizando fórmulas del folk contestatario con alusiones directas a políticas contemporáneas. Varios críticos han resaltado su herencia en himnos de los sesenta, adaptados a dinámicas virales de la era digital.

Esta canción debutó el 30 de enero en el recital benéfico organizado por Tom Morello, destinado a apoyar a allegados de las víctimas y defensores de Derechos Humanos. En tan poco tiempo ya ha generado debates que vinculan su mensaje a precedentes

musicales de protesta, desde Dylan hasta actos punk y folk modernos. ‘Streets of Minneapolis’ trasciende métricas comerciales para posicionarse como un canto en contra de las políticas de migración en la actual administración estadounidense.