Desde Argentina y con una guitarra en mano, Kamila Bouquillard nos visitó para conversar sobre la historia de Seráquedá, una agrupación de reggae nacida en 2003. Su nombre, inspirado en una expresión brasilera, es más que una pregunta, es una afirmación de posibilidades y encuentros. Kamila, quien descubrió su amor por el reggae tras su paso por la banda Espíritu al Reggae, ha liderado este proyecto con sensibilidad, fortaleza y un profundo compromiso artístico.

Durante la entrevista, la artista destacó la transformación sonora de la banda, que pasó de ser una agrupación numerosa a un formato más compacto sin perder fuerza ni autenticidad. Actualmente, está integrada por músicos talentosos como Mati Fiorentino, Chiri, León y Dani Bosco, quienes junto a Kamila Bouquillard crean un reggae de alto impacto emocional y musical. A esta sonoridad se suman las percusiones que ella misma interpreta, consolidando una propuesta donde menos, es más.

Seráquedá no solo ha sido un proyecto artístico, sino también una vía de sanación y empoderamiento. Kamila reflexionó acerca de su experiencia liderando una banda en un entorno mayoritariamente masculino, además se refirió a cómo ha aprendido a equilibrar su energía para sostener su visión sin perder sensibilidad. Asimismo compartió su paso por Vintage Reggae Café y The Unforgettable, explorando otras facetas de su talento.

El 2025 marca un año clave para la agrupación: el 20 de junio lanzarán su nuevo sencillo ‘Never More falling’, una canción en inglés que habla del despertar colectivo y el fin de una humanidad vencida. Este tema es la antesala de su próximo álbum de 12 canciones, el cual contará con la producción y colaboración de Guillermo Bonetto de Los Cafres. El disco, asegura Kamila, será un retrato sonoro de sus vivencias, emociones y aprendizajes.

La conversación cerró con una interpretación en vivo que dejó entrever la fuerza expresiva de su música. Seráquedá continúa su camino, fusionando ritmos con mensaje, y recordándonos que la música también es un acto de resistencia, identidad y luz. Desde los micrófonos de LAUD 90.4 FM ESTÉREO, quedó sembrada la semilla de un reggae con voz de mujer, hecho para permanecer.

Con un relato tan intenso como su voz, Sol Escobar se presentó en ‘Amantes del Círculo Polar’ para hablar sobre sus múltiples renacimientos musicales y su más reciente creación: Mujer Unicornio, un tema que mezcla salsa, guajira y soul para narrar la historia de una mujer que se libera, a su manera, del yugo del maltrato.

Durante la entrevista, Sol hizo un recorrido por sus 26 años de carrera artística, desde sus inicios como Ana Sol Escobar, pasando por su éxito radial ‘Pensando en Desorden’, hasta su evolución como Sol Escobar, artista con trayectoria en escenarios internacionales como WOMAD (España), Oslo World (Noruega) y BIME (Bilbao). Con humor, sensibilidad y firmeza, compartió cómo la música ha sido su forma de sanar, crear y desafiar estructuras.

‘Mujer Unicornio’ surge como un relato musical que se inspira en una mujer de los años 90 en Cali, atrapada en una vida de violencia junto a un hombre mafioso. La canción narra su liberación tras un crimen, y al mismo tiempo explora arquetipos femeninos desde una perspectiva simbólica y mágica. Sol destaca que la composición busca provocar, remover emociones y abrir diálogos sobre temas profundos como el abuso, la libertad y la resiliencia femenina.

Más allá de esta poderosa pieza musical, Sol reveló que ya tiene listo su nuevo álbum ‘De Padre Soñadora’, con sonidos que van desde el vals hasta el soul gótico, explorando temáticas como el amor vampírico, la maternidad felina y la sanación interior. El disco será lanzado gradualmente con sencillos que irán calentando motores para su presentación completa en enero próximo.

Sol cerró el encuentro interpretando ‘Disparo’, una de sus canciones más intensas y representativas, con la que dejó claro que el arte puede surgir de la herida, pero también de la lucidez, la ironía y el goce.  

Esta es una canción que rinde tributo a las mujeres que no se dejan callar, que bailan, gozan y deciden por sí mismas.

Durante la entrevista, El Pater —cuyo nombre artístico nace de la unión entre César Paternina y las "cadenas de bondades" de sus amigos colaboradores— erl artsista compartió cómo este tema surge como un homenaje a mujeres como su madre, auténticas, tercas y con carácter. A su lado, el productor caleño Yoshi García explicó que la mezcla de sabores musicales incluye aportes de Sincelejo, Neiva, Cali y Bogotá, dando vida a una creación que suena sabroso pero también tiene un trasfondo reflexivo.

‘Niña libre y loca’ es también el resultado de una colaboración con la banda El Fin del Afán, quienes participaron en el proyecto. La producción logra un equilibrio entre lo bailable y lo consciente, apuntando a una champeta más pensada, con beats electrónicos y un mensaje que invita a cuestionar estereotipos desde el disfrute.

El videoclip, animado cuadro por cuadro por el artista Daniel Pacheco, apuesta por un formato visual distinto, cargado de color y ritmo caribeño. Una propuesta estética que refuerza el carácter vibrante y su intención de celebrar la autenticidad femenina sin caer en estigmas.

Con más lanzamientos ya planeados para el resto del año y un álbum en camino para 2026, El Pater Friends consolida su proyecto como una apuesta autogestionada, planificada y llena de identidad cultural. Como él mismo lo dice: “esto suena en la cadera y en la cabeza”.  

En ‘Amantes del Círculo Polar’, Arián Cuervo, productor del Festival, compartió detalles de esta edición que homenajea la paz, la diversidad musical y la historia del evento.

Este año, VillaJazz Fest incorpora una franja académica en alianza con la EMMAT, con talleres certificados que van desde el arreglo musical hasta el lanzamiento profesional de proyectos. Además, se entregarán becas para impulsar a nuevos talentos. Esta formación se complementa con dos conversatorios clave: uno con la red de escuelas de música de Medellín, ciudad invitada en esta edición, y otro con la Universidad del Rosario sobre la evolución de la gestión cultural de la actividad.

El cartel artístico incluye propuestas internacionales como Origami Dúo (Argentina), La Jarana (Uruguay), Natasha Roldán (Canadá) y Mireya Ramos (República Dominicana - EE.UU.), quienes se presentarán junto a agrupaciones colombianas de distintos territorios. La plaza principal y el claustro San Francisco serán los epicentros de esta experiencia sonora enmarcada por los paisajes únicos de Villa de Leyva.

Más allá del espectáculo, el evento es también un proyecto familiar con impacto social. “Gracias a VillaJazz muchos músicos han tocado por primera vez fuera de su región”, relató Arián. La programación artística ha sido pensada para destacar el jazz como herramienta de paz, desde lo cotidiano —como el respeto en el transporte público— hasta el acompañamiento de procesos de migración y reconciliación.

Con 15 años de historia, el VillaJazz Fest reafirma su compromiso con los artistas emergentes, la formación musical y la transformación desde lo local. “Nuestro mayor logro ha sido abrir caminos. No se trata de pensar en uno, sino de trabajar para que los demás puedan tener una oportunidad”, concluyó su productor.

Desde las instalaciones de Compensar en la Avenida 68, el equipo de ‘Amantes del Círculo Polar’ vivió de cerca esta jornada de sonidos frescos, apuestas artísticas valientes y una energía que invita a seguir creyendo en la cultura como motor de transformación.

Artistas emergentes y consolidados compartieron con el público capitalino en el lanzamiento del Festival Nuevas Voces, una apuesta por el talento alternativo, la sensibilidad social y la diversidad sonora del país. En La Verdadera Alternativa de la Radio entrevistamos a varios protagonistas que nos contaron lo que significa hacer parte de esta fiesta musical.

Nasa Histoires, una de las propuestas más auténticas del cartel habló de su apuesta estética y emocional. “Hacemos música alegre para bailar la tristeza”, afirmaron los dos Daniel, quienes aseguran que sus letras hablan de lo que normalmente se evita. Crudas, melancólicas y directas, sus canciones contrastan con melodías bailables. Para el Festival, anunciaron un “jardín” que invadirá el escenario no solo en la escenografía, sino en el vestuario y la puesta en escena, como símbolo de una tristeza que florece. Agradecieron el espacio brindado, resaltando que en este tipo de plataformas “se cree en los nuevos talentos y se les permite compartir con grandes artistas”.

Otra voz destacada fue la de Mayra Sánchez, quien representará al Pacífico y al Caribe colombiano desde una propuesta que mezcla salsa, folclore y tusa. “Vamos a bailar mientras lloramos”, dijo con la franqueza y calidez que la caracterizan. Mayra celebró el cartel y la oportunidad de abrir el evento junto a artistas que admira. Además, reveló en primicia su próxima colaboración con una artista brasilera, una apuesta de conexión entre las raíces musicales de ambos países.

Durante el evento también conversamos con Adán Naranjo, director de FOSBO, quien destacó la alianza con Cultura Compensar para crear un festival que es mucho más que música. “Este es un espacio donde se presenta la nueva energía creativa del país, desde Medellín, Bogotá, Cali, el Eje Cafetero... un ecosistema de artistas que está pensando distinto, que tiene algo que decir”. Además, enfatizó que Nuevas Voces visibiliza talentos emergentes que construyen propuestas sólidas, honestas y socialmente conectadas.

Por su parte, Camilo Cáceres, gestor cultural de Compensar, explicó que esta iniciativa articula música con otras áreas como gastronomía, videojuegos, emprendimientos juveniles y espacios de recreación. “Queremos que quienes vengan al festival encuentren una experiencia completa. Aquí hay un valor cultural, pero también un valor humano: crear comunidad desde el arte”. 

El Festival Nuevas Voces se realizará el próximo 14 de junio, a partir de las 2:00 p. m., en la Plaza de Eventos de Compensar sede Avenida 68. Con artistas como Lucio Feuillet, Armenia, Aguas Ardientes, Liana, Nicolai Fella, entre otros, esta segunda edición promete consolidarse como uno de los encuentros musicales más frescos, auténticos y necesarios del calendario cultural joven en Bogotá.

Desde Panamá llegó Yo Soy Kandall, acompañado de la artista Lyz Martin y el productor Mauro Satori, para compartir los detalles del Festival Skardio Latino 2025, un encuentro que celebra los sonidos afro, mestizos y alternativos con una perspectiva de resistencia y creación colectiva.

Durante la charla, Kandal destacó su trayectoria en el reggae con la banda Séptima Raíz, su tránsito hacia nuevos géneros y el origen de su nombre artístico, recordando cómo desde pequeño su madre le decía a él y a su hermana los "hermanitos Candal" por su carácter escandaloso. Ahora, con su proyecto solista, busca fusionar reggae, bolero, salsa, soul y balada rock, en una apuesta auténtica y diversa. "El reggae es parte de mí, pero también mi herencia familiar me lleva a explorar muchos otros sonidos", explicó.

Por su parte, Lyz Martin compartió cómo su conexión con la música afro ha sido un proceso de reconexión con sus raíces. "Por mucho tiempo estuve desconectada de mi herencia negra, pero ahora es el centro de mi propuesta musical", expresó. Su estilo mezcla reggae, afropop y ritmos afrocaribeños con una poderosa intención: reivindicar su identidad y la de muchas mujeres afrodescendientes.

Festival Skardio Latino 2025, tendrá lugar este viernes 30 de mayo en la Casa Alternativa en Bogotá, reunirá a artistas como Sonora Bristol, Escándalo Hoy, Los Grillos, Camila Bukilá, entre otros. Con entrada libre y una programación diversa que incluye música en vivo, DJs, feria de emprendimientos y una apuesta por la cultura libre, el evento promete ser un espacio de encuentro, memoria sonora y celebración.

Con más de veinte años de carrera y canciones que siguen sonando en playlists de recuerdos y desahogos, Melendi regresa a la capital colombiana en un momento clave de su trayectoria. Su presentación en Bogotá hace parte de una gira internacional que ha agotado entradas en otras ciudades del país y de América Latina. Para quienes han crecido con su música o la han descubierto recientemente, esta es una oportunidad para vivir en vivo los temas que más han pegado en el tiempo.

Lo interesante de este concierto es que no se trata solo de un repaso musical, sino de un viaje emocional. La gira ‘20 Años Sin Noticias’ recopila los grandes éxitos del artista español, desde aquellos con ritmos más rockeros hasta sus propuestas más melódicas y actuales. Es un espacio para cantar a grito herido, compartir historias entre amigos y volver a canciones que, probablemente, marcaron algún momento importante.

Para el público joven, la experiencia no solo tiene valor nostálgico. Quienes asistan podrán ver cómo un artista que ha evolucionado con los años mantiene su autenticidad, conecta con nuevas audiencias y adapta su sonido a los tiempos sin perder su esencia. Es también una buena excusa para conocer de cerca una figura que, más allá de su música, ha sabido construir un vínculo directo con los asistentes.

Melendi suma cifras destacadas: 24 discos de platino en España, más de 3,5 millones de discos vendidos y millones de reproducciones en plataformas como Spotify. Pero más allá de los números, su regreso a Bogotá pone en escena una forma de hacer música desde la honestidad, el relato cotidiano y la emoción directa. Su repertorio habla de amores, crisis, despedidas, familia y decisiones difíciles. Y eso conecta.

Para quienes buscan planes con sentido y algo más que un concierto, esta presentación representa una experiencia cultural que mezcla memoria, identidad y afecto. No es necesario haber sido fan desde el primer disco para disfrutarlo. El evento se convierte en un espacio común, multigeneracional, donde cada canción puede tener un nuevo significado.

En resumen, el regreso de Melendi no es solo una fecha en la agenda musical de la ciudad: es una oportunidad para reconectar con lo que la música puede provocar. Para cantar con extraños, recordar con amigos, o simplemente vivir una noche diferente donde cada verso dice algo que alguna vez se sintió.

Desde las montañas de La Calera, en medio del bosque de niebla y a la misma altura de Monserrate, surge ‘Tierra D’ Agua’, un proyecto que trasciende lo artístico para convertirse en una propuesta de vida. Durante su participación en ‘Amantes del círculo polar’, Diana Aguirre, compositora de la canción compartió el origen de esta iniciativa, inspirada en más de una década de trabajo con la comunidad, la tierra y el agua. La melodía, según narró, fue dictada por las ondinas, espíritus del agua, en una sentada junto a la laguna, esta representa una ofrenda sonora que conecta con lo emocional y espiritual.

El tema nace en sincronía con el movimiento ‘Canto al Agua’, impulsado por artistas y activistas como Héctor Buitrago y Catalina Salguero, y se entrelaza con la historia de una pareja que decidió cambiar la ciudad por el campo, iniciando un proceso de restauración ecológica en un terreno que comenzó siendo potrero. Luis Herney Herrera relató cómo esta transformación del paisaje se convirtió también en un cambio interno, donde conocer los ciclos del agua permitió sembrar no solo plantas, sino nuevas formas de habitar el territorio.

‘Tierra D`Agua es un campamento familiar que se volvió una pedagogía viva. Diana Victoria, bióloga de formación y educadora, explicó cómo su aprendizaje científico se ha entretejido con el arte para generar procesos de enseñanza con niños, jóvenes y adultos. Desde la agricultura, las danzas circulares y el canto, ha logrado traducir conceptos complejos sobre los ecosistemas en experiencias sensibles que tocan corazones y despiertan la conciencia ambiental. La pedagogía, señaló, se convirtió en una vía para comunicar sin barreras técnicas, alcanzando comunidades rurales y urbanas por igual.

La propuesta también plantea una crítica amorosa al lenguaje técnico de la ciencia, que muchas veces resulta inaccesible para la mayoría de la población. Frente a ello, la música y el arte aparecen como lenguajes universales que borran títulos, niveles educativos o clases sociales. Luis, con su experiencia en publicidad y diseño, ha aportado su experiencia para construir estrategias de comunicación que integren el conocimiento ecológico con relatos cercanos y transformadores.

En esta conversación, los oyentes conocieron no solo una canción, sino una visión de mundo: una apuesta por el cuidado del agua como ser vivo, por la educación como herramienta de transformación social y por la vida en comunidad como forma de resistencia y esperanza. La historia de ‘Tierra D´ Agua’ demuestra que el arte y la naturaleza pueden caminar juntos y que es posible vivir de manera coherente con lo que se canta, se enseña y se siembra.

La invitación está abierta a conocer este espacio restaurado, un rincón vivo en las montañas donde se cultiva música, se protege el agua y se educa con amor. ‘Tierra D´ Agua’ no es solo un proyecto ambiental: es una experiencia que inspira a repensar el lugar que cada ser humano ocupa en el planeta y cómo desde lo cotidiano se puede sembrar un futuro más armónico.

Durante su paso por el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, la artista reveló los recuerdos, sabores y paisajes que inspiraron esta obra profundamente íntima y sonora.

Desde Barcelona, ciudad donde actualmente reside, Sara Aldana ha creado un universo musical representando el sancocho no solo es una receta, sino una metáfora cultural. En la entrevista, la cantautora recordó los paseos de olla con su familia, las subidas al Puente Rojo en Ginebra y los momentos en que la olla, la gallina y los plátanos eran los protagonistas de un ritual colectivo que unía generaciones. De esa memoria nace ‘Sancocho’, una canción que condensa sabor, nostalgia y vida cotidiana.

La artista, formada académicamente en la Universidad del Valle y con estudios de maestría en composición en el Conservatorio del Liceo en Barcelona, destacó cómo este lanzamiento representa el inicio de un proyecto más amplio titulado ‘Matices’. En este álbum se reúnen canciones compuestas durante más de una década, algunas escritas a los 12 años, y otras más recientes marcadas por su tránsito entre Colombia y Europa. Cada creación es un color, una emoción, un territorio.

‘Sancocho’, en palabras de Aldana, está vinculado al color verde, símbolo de lo sano, lo natural y lo que se comparte. Así como el plato evoca reunión y celebración, este tema se convierte en un espacio donde se cruzan los sonidos, la canción y los recuerdos de infancia. La inspiración no se queda solo en la cocina: la letra, la instrumentación y el ritmo crean un retrato sonoro de lo que significa pertenecer, migrar y reconstruirse lejos de casa.

La artista también compartió su emoción por contar con la participación de Marta Gómez en una de las canciones de ‘Matices’. Para ella, colaborar con una referente de la música latinoamericana, a quien admira desde pequeña, fue un sueño cumplido. Además, reveló que la canción ‘Somos’ del álbum está basada en comentarios reales de migrantes, recolectados a través de Instagram con frases y mensajes que le dejaron sus seguidores y otro rinde homenaje a su abuela materna, afrodescendiente del Chocó, en un ejercicio de memoria y tradición oral.

Asimismo, Sara Aldana habló del choque cultural y del aprendizaje al vivir en España, país en el que ha sabido mantener su identidad sin perder la apertura a nuevas expresiones, como “me hace mucha ilusión” se mezclan con las palabras vallecaucanas que sigue utilizando con orgullo, como una forma de afirmarse en sus raíces sin importar el territorio en el que habite.

Con ‘Sancocho’, Sara Aldana ofrece algo más que una canción: una experiencia cargada de memoria, paisaje, familia y sabor. Este lanzamiento representa el inicio de un viaje sonoro donde cada nota conecta con una historia, una vivencia o un lugar. Una invitación a reconocerse en lo propio, aun desde la distancia, y a celebrar la riqueza de la identidad afrocolombiana y popular por medio de la música.

LAUD 90. 4 FM ESTÉREO acompañó este estreno con una entrevista exclusiva en el programa ‘Amantes del Círculo Polar’, donde los protagonistas compartieron la esencia de esta obra llena de ritmo, comedia y mensaje transformador.

Con más de 30 artistas en escena, orquesta en vivo y la dirección musical de Leonardo Palacios, ‘Sister Act ‘promete convertirse en uno de los espectáculos imperdibles de este 2025. Adaptada por Juan Mondragón al español, la historia conserva la chispa original de la película de 1992, pero incorpora una partitura completamente nueva compuesta por Alan Menken, reconocido por éxitos como La Bella y la Bestia o Aladdín. El resultado es una explosión escénica donde el gospel se mezcla con la música disco de los años 70.

El equipo creativo compartió detalles sobre la producción. Leonardo Palacios, director musical, destacó la complejidad y riqueza sonora del montaje: “Este score es mágico. Tiene ese movimiento del alma propio del gospel, pero también el ritmo de Donna Summer o Barry White. Es una fiesta musical para el alma”. El director enfatizó la calidad vocal del elenco y el compromiso con una puesta en escena impecable.

Jules, exintegrante de Ventino, interpreta a Deloris Van Cartier, una diva que se ve obligada a ocultarse en un convento tras presenciar un crimen. Allí, no solo transformará la vida de las monjas con su talento, sino que descubrirá su propia voz. Carolina Angarita, una de las actrices del elenco, expresó que interpretar a una joven monja tímida le permitió conectar con su capacidad de expresión: “Mi personaje encontró su voz gracias a la música, y yo también lo hice al interpretarla”.

Por su parte, Juan Mondragón, quien da vida al villano Curtis Jackson, compartió la dificultad de interpretar un personaje sin matices, completamente entregado a la maldad. “Es como jugar a ser un villano de Disney, uno sin redención, pero en una obra donde el mensaje final siempre es el amor, la empatía y la unión”, comentó.

La producción es una coproducción de UR MISI Producciones, la Universidad del Rosario con el Teatro Colsubsidio. Cuenta con la participación de actores reconocidos como Yaneth Waldman, Patricia Moncayo y Eduardo Uribe, y está dirigida por Christian Ballesteros, con coreografía de Juan Camilo García. Las funciones se realizarán de miércoles a domingo en el Teatro Colsubsidio.

‘Sister Act’ no es solo una comedia musical, es una experiencia que celebra el poder de la música como catalizador de transformación, identidad y comunidad. Una invitación a reír, cantar y salir del teatro con el corazón elevado.

Escuche la entrevista completa a continuación: