Nick Murphy, el hombre detrás de Chet Faker, lanza un nuevo sencillo cargado de emociones crudas. En ‘Far Side of the Moon’, canta sobre lo que pasa cuando una persona se entrega tanto a una relación que termina perdiéndose en ella. No es una balada más: es un viaje musical que mezcla poesía, nostalgia y honestidad brutal.

La canción dura apenas tres minutos, pero logra situar al oyente en una atmósfera flotante, como si se estuviera en el lado oscuro de la luna. La voz suave y desgarrada de Chet se mezcla con sonidos electrónicos y una letra que golpea donde más duele. Él mismo lo explica así: “Trata de estirarte demasiado por alguien a quien amas hasta el punto de que no es sano para la relación en absoluto”.

Desde que explotó en 2011 con su primer EP, ‘Thinking in Textures’, Chet Faker no ha parado de evolucionar. Su estilo mezcla lo íntimo con lo experimental, y eso lo ha llevado a colaborar con artistas como Flume y Marcus Marr, y a publicar varios álbumes aclamados bajo su propio nombre.

Su versión de ‘No Diggity’ lo catapultó a la fama mundial y su disco ‘Built on Glass’ lo posicionó como una figura clave del pop alternativo. Pero nunca se ha quedado en un solo lugar. Con cada lanzamiento, Chet Faker demuestra que lo suyo es reinventarse sin perder la esencia.

En ‘Far Side of the Moon’ vuelve al alias con el que se hizo famoso, pero trae algo nuevo. Es como si estuviera cerrando un ciclo y abriendo otro al mismo tiempo. Es un recordatorio de que la música también puede ser un espacio para sanar, para soltar lo que duele y entender lo que se fue. Para quienes alguna vez han sentido que amaron tanto que se olvidaron de sí mismos. No se trata de melodrama, sino de reconocer las emociones que a veces se prefieren callar.  

El 16 de agosto, las bandas sonoras de Hans Zimmer cobrarán vida en Bogotá en un concierto sinfónico que lo llevará al corazón de sus películas favoritas. No es solo música: es cine en estado puro, tocado en directo.

Hans Zimmer desde los años setenta su carrera ha marcado la evolución de la música para cine. Es conocido por integrar sonidos electrónicos con arreglos sinfónicos ‑ orquestales, un estilo que ha definido más de 150 películas, Ganador de 2 Oscar —por El Rey León (1994) y Dune (2021)—, también ha recibido Globos de Oro, BAFTA, Grammys y Emmys.

Su obra incluye bandas sonoras emblemáticas: Gladiator, Inception, Interstellar, Piratas del Caribe, Batman: El caballero de la noche y, por supuesto, El Rey León y Dune. Su uso del sonido “BRAAAM”, un fuerte viento de metal que crea tensión monumental, se volvió característico en tráilers modernos. Estas obras se destacan por su carácter épico, su estructura orquestal y su capacidad de crear atmósferas narrativas a través del sonido.

Zimmer fundó Remote Control Productions, una firma dedicada a componer para cine que ha trabajado en sagas como Piratas del Caribe, Iron Man y Batman Begins. Allí colabora con otros artistas, amplificando su influencia y formando de nuevas generaciones de compositores.

Este evento es una invitación a profundizar en cómo la música puede transformar las emociones y conectar lo tecnológico con lo artístico. Si le gusta el cine, la música o simplemente quiere entender mejor por qué Hans Zimmer es un referente del siglo XXI, este concierto en Bogotá es una oportunidad perfecta. La presentación ‘La Música de Hans Zimmer’ se llevará a cabo el sábado 16 de agosto de 2025 a las 7: 00 p.m., en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, en el escenario estarán presentes una orquesta con 45 músicos quienes interpretarán en vivo las bandas sonoras más icónicas del compositor.

Asistir a Ópera Queen significa vivir los clásicos de Freddie Mercury como nunca: ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Somebody to Love’, ‘Don’t Stop Me Now’ y ‘We Are the Champions’, se transforman en una paleta orquestal que potencia su carga emocional y melódica. La combinación de guitarras legendarias con metales, cuerdas y un coro juvenil multiplica el impacto sonoro y convierte cada tema en una vivencia épica. 

Más de un centenar de intérpretes estarán en escena, incluidos la Orquesta Filarmónica de Mujeres y el Coro Filarmónico Juvenil, bajo la batuta de la directora invitada María Camila Barbosa y la dirección coral de Johanna Molano. Para el público joven, presenciar tanto talento reunido es inspirador: demuestra que la disciplina académica y la pasión por el rock pueden coexistir y abrir nuevos caminos profesionales en la industria cultural. 

La producción técnica del espectáculo garantiza proyecciones visuales, iluminación y sonido de estándar internacional. Los asistentes no solo disfrutarán de un concierto; experimentarán un montaje multisensorial que enriquece la apreciación musical y estimula la creatividad, ideal para quienes buscan ideas frescas en proyectos artísticos, audiovisuales o de emprendimiento cultural. 

La cita será este 31 de julio en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán a las 8: 00 p.m.

Cuando la música conecta con la raíz, el alma lo sabe. Fidel Nadal, icono del reggae latinoamericano, se presentará en Bogotá en un concierto producido por Bass Culture, el colectivo dirigido por el comunicador y agitador cultural Kilombo. Para el público joven, la cita es una oportunidad única de vivir el reggae con fuerza, sentido y comunidad.

El evento promete mucho más que un show: será una experiencia sensorial con sonido de alta fidelidad, un espacio renovado, y una curaduría musical hecha para tocar fibras. Como afirma Kilombo: “Queríamos hablar de reggae, gestionar el reggae, mover a los artistas que en algún momento fueron nuestros cielos. Ahora podemos trabajar con ellos, para mí es un sueño total”. Asistir es participar de un movimiento de sanación musical colectiva.

Fidel Nadal regresa a Bogotá con un nuevo álbum grabado a la vieja escuela, con músicos en vivo y arreglos que evocan el reggae de los 2000. Según Kilombo, “Son raíces muy fuertes que retoman esa época donde escuchas el matiz de la batería, los arreglos de bajo son increíbles. Fidel nunca ha perdido esa esencia”. El concierto será un reencuentro con ritmos orgánicos en tiempos de música acelerada y digital.

Además, la fecha es clave para resignificar el reggae en Bogotá. Después de la cancelación de un festival masivo que dejó heridas en la escena, esta es una oportunidad para reconectar desde la honestidad: “Nos cayó un poquito de hater, como ‘ustedes son los mismos del festival’, y nosotros no teníamos nada que ver. Entonces estamos haciendo la misión con el reggae realmente”, confesó Kilombo. El show de Fidel Nadal se convierte en una forma de limpiar, reconstruir y proyectar.

La invitación es clara: asistir no es solo ir a un concierto, es hacer parte de una comunidad que resiste, canta y celebra su identidad a través de un género que trasciende la moda. “Nos vemos el 16 de agosto con Fidel Nadal en el Sonora Social Club… Allá nos vemos”, cierra Kilombo con la convicción de quien sabe que el reggae sigue vivo, más fuerte que nunca.

¿Qué tienen en común los Rolling Stones, Rod Stewart, Jeff Beck y The Faces? La respuesta es Ronnie Wood. El legendario guitarrista celebra sus 60 años de carrera con Fearless: Anthology 1965-2025, una selección musical que funciona como cápsula del tiempo, mapa histórico y experiencia auditiva para cualquier amante de la música con sed de contexto, raíz y evolución.

Esta antología no es un simple repaso a sus éxitos. Es una curaduría que incluye momentos clave de siete discos solistas, colaboraciones icónicas y rarezas que muestran cómo Wood fue moldeando el sonido del rock británico. Desde sus comienzos con The Birds hasta sus obras más recientes, cada tema ofrece pistas para entender el sonido de distintas generaciones.

Cuatro canciones inéditas marcan el regreso de Ronnie como solista desde 2010. Versiones actualizadas de clásicos del R&B y el rocksteady, una composición completamente nueva, y colaboraciones con Chrissie Hynde e Imelda May revelan su vigencia creativa. También es un trabajo íntimo, coproducido junto a su hijo Jesse, que refleja el paso del tiempo como herencia musical.

Para quienes quieren descubrir los entresijos del rock clásico, esta colección es oro puro. No solo incluye sus contribuciones con los Stones como ‘Dance’ (Part 1) o ‘Hey Negrita’, sino que también revive piezas de culto de Faces y Jeff Beck Group. El vinilo arranca con ‘Plynth’ y ‘Flying’, piezas fundamentales para entender los cimientos del hard rock.

No hay necesidad de ser experto para disfrutar esta colección. Fearless está pensada para ser una guía emocional y cronológica, una playlist sin algoritmos que narra una vida entre guitarras, escenarios y grabaciones. Escucharla puede convertirse en una clase magistral sin profesor, pero con mucha actitud.

¿Por qué importa esto hoy? Porque conocer el pasado musical no es solo un ejercicio nostálgico. Es una forma de entender lo que suena hoy, valorar lo que ha sido y construir una identidad cultural más sólida. Y Ronnie Wood, a sus 77 años, sigue siendo un puente vivo entre lo que fue y lo que viene.

La agrupación conformada por Giovanni Borda (voz), Juan Restrepo y Daniel Gutiérrez (guitarras), Joustin Bermúdez (bajo) y Anderson Prieto (batería), propone una crítica profunda al caos contemporáneo a partir de la distorsión, el sentimiento y la técnica.

Desde 2019, FAITHBURNER ha evolucionado con una formación básica hasta consolidarse como una banda con un sonido firme y cargado de identidad. Influenciados por el death metal, thrash, hardcore, metalcore y hard rock, sus integrantes han encontrado un equilibrio entre agresividad y melodía. “Queremos que lo que compongamos, suene bien, que tenga una entidad”, aseguró Juan Restrepo.

El álbum es el resultado de años de composición, ensayo y trabajo técnico, con una clara intención emocional. “Este disco es sentimiento, mucho sentimiento”, afirmó Joustin. Aunque el título original del álbum iba a ser ‘Ephemeral’, la fuerza conceptual de ‘From Suffering to Madness’ fue más representativo para el mensaje: un descenso que nace del dolor emocional y social hasta la locura interior.

Las letras abordan tanto problemáticas sociales como conflictos internos. Canciones como ‘Killer State’ reflejan una crítica directa al poder institucional, mientras que otras como ‘Buried in Sorrow’ imaginan una sociedad devastada. Por su parte, ‘Not Over Now’, se erige como un mensaje de resistencia: “Listo, estamos mal, pero esto no ha terminado. Hay que seguir dándola”, explicaron durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’.

La producción del trabajo también estuvo marcada por momentos de dificultad y anécdotas memorables. Desde rifas hasta viajes accidentados y contratiempos con los instrumentos, el camino hacia el disco fue una muestra de compromiso colectivo. “Para grabar se necesitan dos cosas bien importantes: dinero y tiempo. Nosotros nos metimos de cabeza con el esfuerzo”, recordaron con humor.

Con ‘From Suffering to Madness’, FAITHBURNER consolida su identidad musical y lanza un manifiesto para quienes transitan los abismos de la mente y de la sociedad. “No escatimamos en nada. Todo está hecho con amor, con dedicación. Esperamos que les guste”, concluyeron. El álbum ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y puede seguirlos en redes sociales como @faithburneroficial.

Si usted le huye a la soledad, esta obra le va a incomodar, pero también le va a gustar. ‘Hola Soledad’ es un montaje íntimo y honesto que, entre boleros de toda la vida y personajes muy reales, se mete con esos miedos, inseguridades y relaciones tóxicas que casi todos hemos vivido. La cita es desde el 10 de julio en el Café Concert del Casino Hollywood, en el Centro Comercial Boulevard Niza.

“Esta obra nació de una idea que le conté a mi pareja —que también es el director— y en tres meses ya la estábamos estrenando”, cuenta Laura Tobar, autora y protagonista de la obra. El resultado es un viaje rápido, pero honesto por esos enredos que provoca el amor… y el desamor.

La música es otro de los protagonistas. Aquí suenan clásicos como Los Panchos, Alci Acosta, Julio Jaramillo, Celia Cruz y la Sonora Matancera. “Son esos boleros que para mis papás o mis abuelos era un lujo encontrar en la radio, y ahora los tenemos al alcance, pero con el mismo amor y detalle de antes”. No solo se trata de escuchar, sino de cantar, recordar y, por qué no, llorar un poquito. explicó Laura.

La historia gira alrededor de cuatro personajes que representan las formas más comunes (y tóxicas) de vivir el amor: el que se enamora a la primera, el que no puede estar solo, el que se deja llevar por los celos y las inseguridades, y Cris, el personaje gay que, según Laura, “tiene la sabiduría más grande sobre el amor, porque entiende la importancia de la comunicación y la diversión en pareja”.

Más allá del drama y las canciones, la obra lanza un mensaje directo a los que sienten que están ‘fracasando’ por estar solos. ‘Nos han vendido que tener pareja es el éxito, pero nadie te felicita cuando estás feliz y soltero. Queremos abrazar a los que están solos y decirles que eso también está bien’, afirma Tobar.

‘Hola Soledad’ no solo se vive desde las sillas, es interactiva, cercana, pero sin sustos: ‘Tranquilos, no vamos a sacar a nadie al escenario’, aclara entre risas la actriz. Eso sí, quienes se animen a ir podrán brindar, cantar y hasta compartir sus propias historias con el elenco.

La obra estará en temporada todos los jueves, viernes y sábados a las 8:00 p.m. en el Café Concert del Casino Hollywood, dentro del Centro Comercial Boulevard Niza. 

Esta es una canción que nació de las emociones físicas y mentales que produce la ira y que hoy se convierte en un desahogo necesario, tanto para él como para quienes se sienten frustrados en medio del caos de la ciudad.

Para Sebastián Zúñiga, conocido artísticamente como Ciudadano Z, la música es un espacio de honestidad y crítica. “Uno en la música también es un cronista del contexto que vive”, aseguró. En ‘Agrio’, el artista explora esas emociones incómodas que, según él, muchas veces se rechazan en una sociedad que vende la idea de que todo debe ser calma y positividad, olvidando que sentir rabia también hace parte de ser humano.

El sencillo forma parte de su próximo álbum ‘Hermitaño’ y es una continuación conceptual de ‘El Rey Sol’, donde narraba la caída de un personaje egocéntrico y arrogante. En esta nueva entrega, el protagonista se enfrenta a los pecados cotidianos, especialmente a la rabia. “Bogotá es una ciudad que lo atosiga a uno. La movilidad, la intolerancia, la inseguridad… todo eso termina volviendo agrio a cualquiera”, afirmó.

El videoclip fue grabado en las calles de Bogotá y muestra la crudeza cotidiana de la ciudad. Con la técnica de FPV (First Person View) y un dron que se desplaza entre el caos urbano, las imágenes invitan a reflexionar sobre el entorno y el impacto que este tiene en las personas. “La ciudad cada vez se parece más a una ciudad gótica, a un escenario de cómic lleno de villanos y tensiones”, explicó entre risas el rapero.

Detrás de su nombre artístico hay un fuerte mensaje social, Ciudadano Z no solo hace alusión a su apellido Zúñiga, sino a esa última letra del abecedario, que representa, como él mismo dice, “al ciudadano que siempre se deja de lado, al que no se escucha, al que no se tiene en cuenta en un sistema que muchas veces lo aplasta”.

Además de presentar su sencillo, el artista aprovechó para invitar a su próximo concierto el 19 de julio en Montana Café y Vinilos, un nuevo espacio cultural en San Felipe. Para quienes quieran conocer más de su música y mensajes, Ciudadano Z se encuentra en todas las plataformas digitales. “La rabia se puede transformar en arte, y esa también es una forma de sanar y cambiar la ciudad”, concluyó.

Su nuevo disco, ‘Rendirse no es opción’, es una muestra de fuerza, introspección y lucha colectiva hecha música.

La agrupación, liderada por los hermanos Leonardo y María Fernanda Mora, compartieron cómo este nuevo trabajo recoge la historia de una banda que ha crecido entre parches, conciertos autogestionados y una escena que, como ellos mismos afirman, se mueve más por convicción que por pretensión. Las canciones hablan de la resiliencia diaria, de la rabia canalizada, de la resistencia ante un país que a veces se vuelve hostil con quienes piensan diferente. “Este disco es más íntimo, más personal... es esa conversación con uno mismo que ayuda a seguir en pie”, señalaron.

Durante la charla, también nos contaron que este álbum conformado por 12 canciones incluye colaboraciones nacionales e internacionales que dan cuenta del respeto que No Dependiente se ha ganado dentro y fuera del país. Destacan nombres como Pierre Pelbu, vocalista de bandas icónicas británicas como Knuckledust, y Manzano, líder de la mítica banda paisa Grito.

Uno de los momentos más emotivos de la entrevista fue cuando relataron lo que significó ver su proyecto prensado por primera vez. “Fue como sostener años de lucha en las manos. Nos costó mucho, pero aquí está”, dijeron con orgullo. Y es que, además del componente musical, la banda también cuida su propuesta visual, con diseños que, como su música, invitan a no olvidar ni rendirse.

No Dependiente es más que una banda: es una familia elegida que vibra con fuerza en cada acorde. Su nuevo trabajo ya está disponible en plataformas digitales y pronto se podrá conseguir en formato físico. 

Con sonidos que mezclan metal, trap y cine, su propuesta sacude, incómoda y conecta. Desde sus inicios, GUL ha buscado romper con las fórmulas fáciles de la industria para proponer una experiencia sonora y visual potente. Más que música, cada canción es un manifiesto: hablan de la salud mental, la presión de las redes sociales, el estallido social y el dolor del desplazamiento forzado. Lo suyo no es solo entretenimiento, sino memoria y catarsis.

Los integrantes Manuel Bueno, guitarrista y Leonardo Ahumada, vocero, contaron cómo nació el proyecto, cómo se han unido sus afinidades musicales, pero también a partir de las preocupaciones comunes por lo que pasa en el país. Su más reciente sencillo, ‘Paz mental’, es una sátira cargada de ironía que retrata la ansiedad de los tiempos actuales, la necesidad de estar “al día” y la identidad impuesta por las redes sociales.

Lo más interesante es que GUL no solo compone desde la furia, sino desde el detalle. Sus canciones nacen de imágenes, escenas y atmósferas. Cada letra parte de una idea visual que luego se transforma en sonido. Esa mirada cinematográfica hace que su propuesta en vivo se convierta en una experiencia intensa, visceral y profundamente emocional.

Además, la banda apuesta por un universo visual coherente. Colores fríos, escenas oscuras y letras que no temen nombrar lo incómodo. Junto a su VJ, logran un espectáculo que no busca agradar, sino provocar preguntas. ¿Qué estás callando? ¿Con qué rutina estás sobreviviendo? ¿Dónde quedó tu voz?

Con próximas canciones como ‘Sirimiri’ y ‘Súper Parchado’, GUL sigue explorando temas como la tristeza cotidiana o el desgaste emocional en trabajos alienantes. Más que música para la fiesta, GUL propone una fiesta para liberarse. Porque, como ellos dicen, "hay veces que convulsionar bailando es lo único que queda".