‘Tártaro’ es el nuevo proyecto discográfico de Ivy Negro, un recorrido musical que mezcla mitología, emociones intensas y realidades personales. No es un disco para escuchar de fondo: es una experiencia que invita a enfrentar lo que normalmente se evita, desde el deseo y la ilusión, hasta el vacío, el poder y la búsqueda de identidad.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Ivy explicó que este álbum “surge de mirar hacia adentro y no tener miedo a lo que aparezca”. Esa idea está presente en cada canción: ‘Tártaro’ abre el disco como una caída al centro de uno mismo; ‘Come de mi carne’ explora el deseo llevado al extremo; ‘Soy ilusión’ habla de la construcción de identidad que a veces no es real; e ‘Infierno de mi piel’ refleja la lucha interna que muchos llevan en silencio.

El recorrido continúa con ‘Barco de papel’, que representa la fragilidad de la mente cuando está al borde; ‘Saturno’, que se inspira en la mitología del tiempo que todo lo devora; ‘Perséfone’, que simboliza los ciclos de muerte y renacimiento; y ‘Curvas’, un tema que aborda el cuerpo y el deseo sin filtros ni reglas sociales. Cada pieza toca aspectos humanos reales, sin suavizar el mensaje.

Ivy afirmó que “no quería hacer canciones bonitas, sino verdaderas”. Esto se siente especialmente en ‘Verdeperla’, un tema que habla de lo que se oculta detrás de lo externo, y ‘Vampiresa’, que cierra el disco con una fuerza oscura y liberadora, mostrando cómo el dolor también puede convertirse en poder personal.

Musicalmente, el álbum mezcla rock, electrónica, ritmos latinos y ambientes oscuros. No busca quedarse en un solo género porque el objetivo no es encajar, sino expresar. Cada canción fue pensada para generar sensaciones distintas: tensión, curiosidad, confrontación o incluso incomodidad. Ivy lo describió así: “Tártaro es un lugar imaginario, pero todos hemos estado ahí alguna vez”.

El trabajo no pretende entregar respuestas. Lo que ofrece es un viaje sonoro para quien quiera reconocer sus propios procesos internos a través de la música. Es un álbum que se vive con los sentidos despiertos, sin filtros y sin miedo a las emociones intensas que las personas tienen en algún momento.

Más que un lanzamiento musical, esta obra nació de una experiencia personal de crisis emocional y se convirtió en una invitación a aceptar la vulnerabilidad como parte de la vida interior.

Voltana es una banda de rock alternativo nacida en Bogotá, conformada por artistas que entienden la música como un espacio emocional y humano. No se definen por un solo género, sino por el deseo de expresar lo que muchas personas sienten en silencio: ansiedad, presión, búsqueda interior y necesidad de pertenecer. Su propuesta no pretende encajar en tendencias, más bien abrir conversaciones reales a través del sonido. Cada canción es construida como un viaje, no como un producto.

Paula contó que el trabajo surgió en uno de los momentos más difíciles que ha atravesado, cuando la mente se volvió un lugar oscuro. “No quería escribir desde la fuerza, sino desde la verdad de sentirse frágil”, expresó durante la entrevista. William complementó diciendo que “la idea no era ocultar la tristeza, sino convertirla en sonido para que otros también pudieran reconocerla y no sentirse solos”, así nació ‘Rainy Night’: como un desahogo convertido en arte.

El sonido de la canción transita entre la melancolía y la intensidad, con guitarras que crecen como una ola emocional y una voz que narra lo que muchos sienten, pero no siempre se atreven a decir. Es un tema que conecta directamente con quienes viven silencios emocionales, insomnios o noches cargadas de pensamientos que pesan. Paula explicó que “todos hemos tenido una noche lluviosa por dentro”, y ese es el lugar emocional desde donde se canta esta historia.

Voltana no busca romantizar el sufrimiento, sino reconocerlo. La canción habla de salud mental desde la honestidad, sin filtros. En la conversación, William mencionó que “la música no soluciona todo, pero sí puede sostenerte cuando sientes que vas cayendo”. Ese es el espíritu de este lanzamiento: una creación que más que escucharse, se siente y se comparte como una forma de acompañamiento.

Paula y William contaron que Voltana nació entre amigos que necesitaban desahogarse a través de la música y encontraron en el rock una forma de transformar sus propias experiencias. La banda ha construido una identidad basada en la autenticidad: no buscan maquillar las emociones, sino mostrarlas tal y como son. Esa honestidad es lo que ha hecho que su propuesta conecte con un público que quiere música que los acompañe, no que los distraiga.

Al final, ‘Rainy Night’ no es solo una canción: es un espejo para quienes han atravesado noches difíciles. Es una invitación a aceptar los sentimientos y a recordar que la vulnerabilidad también es una forma de valentía. Voltana logra transformar el dolor en arte, y el arte en un puente emocional con quienes lo escuchan.

Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk de Bogotá que nació en el año 1999. Surgió entre amigos que compartían el amor por el punk y la idea de hacer música de forma independiente. Desde el inicio, su propósito fue claro: Decir lo que muchos callan, sin reglas ni adornos, usando la música como una voz directa y honesta.

Este lanzamiento no busca agradar, busca despertar. ‘Rocky Billies’, llega con canciones que no decoran la realidad: La golpean, la exponen y la convierten en música que se siente en el cuerpo y en la conciencia.

Lejos de los sonidos complacientes, este trabajo mezcla rock crudo, energía punk y letras directas que hablan de excesos, poder, manipulación y todos esos temas que normalmente se esconden debajo de la alfombra. La banda lo explica sin rodeos: “No queríamos hacer un disco bonito. Queríamos hacer un disco honesto, que suene a lo que realmente está pasando por dentro y por fuera”. Y esa honestidad es lo que hace que cada canción invite no solo a escuchar, sino a reaccionar.

El álbum recorre emociones intensas: rabia, ironía, hartazgo, pero también una necesidad profunda de despertar. No es música para dejar de fondo. Es música que exige presencia. La agrupación lo describe así: “Este trabajo es como mirarse al espejo sin filtros. A muchos no les va a gustar lo que vean, pero esa es la idea”. Es una invitación a pensar en lo que consumimos, lo que creemos y lo que callamos, todo envuelto en riffs potentes que van directo al pecho.

Lo más interesante es que ‘Rocky Billies’ no se queda en la crítica, también muestra el lado humano que hay detrás de cada canción. Hay temas que hablan del miedo a fracasar, del cansancio emocional y de la búsqueda de identidad. Según la banda, “el exceso no siempre es fiesta, muchas veces es una forma de escapar. Este disco habla de lo que pasa cuando ya no hay a dónde huir”. Ahí radica su fuerza: logra que el oyente se reconozca, aunque no quiera admitirlo.

Musicalmente, el álbum es una mezcla explosiva que combina sonidos clásicos del rock con elementos modernos que le dan frescura y personalidad. Cada pista tiene una identidad propia, pero todas comparten algo en común: dejan sensación de catarsis. Después de escucharlas, es imposible quedarse igual. Como dijo Pepe Bocadillo en plena grabación: “Si una canción no mueve nada adentro, entonces no sirve”.

‘Rocky Billies’ no promete soluciones ni finales felices. Lo que ofrece es algo más poderoso: una experiencia emocional auténtica, una sacudida musical que permite liberar lo que muchas personas sienten y no saben cómo expresar. Es un álbum que se vive, no solo se escucha.

La canción no solo trae un sonido poderoso; también despierta memoria, identidad y crítica social desde una mezcla explosiva de ska, dub y rock.

Jahsong, vocalista de Lion Family Band, explicó que la idea no era solo sacar un sencillo más, sino “hacer música que hable de lo que somos como país, con todo lo bonito y lo duro que llevamos dentro”. Para él, ‘Punto Red’ es un viaje sonoro que conecta con la historia de la Punto Rojo, una variedad de cannabis nacida en el corazón de Colombia y convertida en símbolo cultural en los años 70.

Este tema reúne a músicos de Skampida, Lion Family Band, The Klaxon y ex Alto Grado, mostrando algo que pocas veces ocurre en la escena: Artistas de diferentes generaciones tocando por una misma causa. Jahsong lo resumió así: “Esto no es un featuring comercial, es una familia musical que se junta porque la música nos une más que cualquier industria”.

El sonido de ‘Punto Red’ está lleno de energía y capas sonoras: Baterías que marcan el pulso del ska, bajos profundos del dub y una base electrónica que lleva a este proyecto a un territorio moderno. Según Jahsong, “queríamos que la canción se pudiera bailar, pero que también dejara pensando… que la gente sienta el bajo en el cuerpo y el mensaje en la cabeza”.

Además de su fuerza musical, el sencillo despierta conversación sobre las raíces colombianas y la percepción cultural de la planta en el país. No desde el estigma, sino desde su lugar en la memoria colectiva. “Aquí no se trata de promover nada, se trata de reconocer que hay historias que hacen parte del territorio, y que la música ayuda a contarlas sin juzgar”, comentó Jahsong durante la entrevista.

El lanzamiento también marca el inicio de una gira donde las bandas interpretarán este tema en vivo en varios escenarios del país. Para Jahsong, lo más importante es la conexión con la gente: “Ojalá el público escuche ‘Punto Red’ no solo como una canción, sino como un sonido que nos recuerda de dónde venimos y lo que todavía podemos transformar”.

En una escena musical fragmentada, ‘Punto Red’ llega como un experimento colectivo que apuesta por la autenticidad, la memoria y el poder del arte.

Este no es un concierto común: Es una experiencia para dejarse llevar por el ritmo, la emoción y la sorpresa.

Lo interesante de esta propuesta es que rompe la idea de que el flamenco es solo para expertos o para quienes lo escucharon toda la vida. Aquí, la voz tradicional se mezcla con sonidos nuevos, y eso hace que cualquiera pueda disfrutarlo, incluso las personas que nunca han ido a una presentación de este tipo. Es una manera de ver cómo una música con tanta historia puede sonar completamente actual.

Los protagonistas de este encuentro son Rocío Márquez y Bronquio, dos artistas que vienen de mundos distintos, pero que al juntarse crearon algo completamente nuevo. Rocío Márquez es una de las grandes voces del flamenco actual. Nacida en Huelva, ha recibido premios como la Lámpara Minera, la Medalla de Oro de la Petenera y el Victoires du Jazz en Francia. Su carrera se ha caracterizado por la búsqueda constante de nuevas formas de interpretar el cante, sin perder la profundidad emocional que define al flamenco. 

Bronquio, cuyo nombre real es Santiago Gonzalo, es un productor y músico originario de Jerez que ha revolucionado la escena electrónica española. Su estilo mezcla bases urbanas, sonidos experimentales y ritmos que se mueven entre lo digital y lo orgánico. Juntos han recorrido más de 30 países con un proyecto que demuestra que la tradición también puede bailar con el futuro.

El show ha pasado por escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, la Philharmonie de París y el Festival Primavera Sound, donde ha sido recibido con ovaciones. En cada lugar, la propuesta ha conectado con públicos muy distintos, mostrando que el flamenco no pertenece solo a una época, sino que sigue vivo y en movimiento.

En el show, los sonidos electrónicos, las voces y las luces se combinan para crear una experiencia que va más allá de la música. Es una puesta en escena que invita a dejarse llevar, a mirar con atención y a descubrir cómo una tradición centenaria puede renovarse sin perder su esencia.

Para muchos, ‘Tercer Cielo’ es una forma de acercarse por primera vez al flamenco desde otro ángulo: Uno más libre, más cercano y lleno de energía. No hace falta conocer del género para disfrutarlo; basta con tener curiosidad y ganas de vivir algo distinto.

Asistir a este espectáculo es una oportunidad para ver cómo dos artistas, desde caminos diferentes, se unen para mostrar que el arte siempre puede transformarse. En una ciudad que respira diversidad, ‘Tercer Cielo’ llega como una experiencia que une generaciones, rompe fronteras y recuerda que la música, cuando se siente de verdad, no necesita explicación.

Leonardo de Lozanne la voz inconfundible de Fobia y Los Concorde, llegó al escenario de Ozzy Bar para mostrar su faceta más personal como solista. En el show presentó su más reciente sencillo ‘Antártida’ y adelantó parte de su próximo EP ‘Recuerdos de la Antártida’, un proyecto con el que marca un nuevo capítulo musical.

La carrera de Leonardo no se entiende sin hablar de Fobia, una de las bandas más icónicas del rock mexicano. Con ellos construyó un repertorio que marcó generaciones y que aún hoy sigue vigente. Él mismo lo reconoce: “Hasta hoy ‘El Microbito’ es la canción más escuchada, y lo que en su momento fue censura terminó dándole más vida”, recordó entre risas. Esa mezcla de irreverencia y creatividad lo convirtió en una figura clave del rock latino de los noventa.

Pero Leonardo siempre ha buscado nuevos horizontes. Con Los Concorde exploró una faceta distinta, juntándose con otros músicos de peso para darle forma a un proyecto que mezclaba rock, frescura y colaboraciones. Ahora, con su carrera solista, se da la libertad de hablar de lo que siente sin necesidad de cumplir expectativas. “Antes quería probar que podía hacerlo solo, en este momento lo hago por pura música, porque me nace y no tengo nada que demostrarle a nadie”, confesó.

Uno de esos temas es ‘Antártida’, una canción que, según él, habla del autoengaño. “Somos los únicos seres que cometemos el mismo error dos o tres veces, y creemos que va a ser diferente. Esa es la metáfora que me inspiró”, explicó. También adelantó que pronto lanzará ‘Necesito saber’, un sencillo que mostrará otra faceta de lo que está construyendo.

El concepto de su próximo EP, ‘Recuerdos de la Antártida’, también dio mucho de qué hablar. Aunque nunca ha estado en ese lugar, para él representa algo más simbólico: “Son recuerdos inventados, fantasías que no van a pasar, pero igual nos las creemos”, dijo. Esta idea de mezclar lo real con lo imaginado le da una identidad distinta a su nueva etapa, más libre y experimental.

El paso por Bogotá fue además una oportunidad para estar junto a StayWay, una banda local que ya completa casi 20 años de trayectoria. Para su vocalista Diego Abril, fue un honor: “Cuando uno empieza nunca imagina que va a tocar con los artistas que escuchaba en la radio. Para nosotros es un regalo compartir con Leonardo”.

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La visita dejó claro que más allá de los conciertos, Leonardo sigue siendo un referente que inspira tanto a músicos nuevos como a quienes crecieron con su voz. Su historia es la de alguien que no se conforma con lo ya logrado, sino que continúa abriendo caminos en el rock latinoamericano.

Con este paso por Bogotá, Leonardo de Lozanne demostró que su carrera sigue en evolución. Del éxito masivo con Fobia a la exploración colectiva con Los Concorde, y ahora a la intimidad de su proyecto, el artista mexicano mantiene la chispa intacta. Y aunque el concierto ya pasó, dejó la sensación de que lo mejor de su faceta solista apenas está comenzando.

Con sonidos que van del metal al punk y letras que ponen el dedo en la llaga, el grupo se ha convertido en una voz incómoda pero necesaria.

Todo empezó como pasa con muchos sueños: Un parche de amigos queriendo hacer música. “Nos reunimos cuatro a joder, a hacer ruido, y terminamos hablando de lo que nos incomoda como sociedad. Así nació Narcocracia”, contó Leandro Martínez vocalista de la banda. El nombre mismo lo dice todo: Una crítica directa a la realidad colombiana atravesada por corrupción y violencia.

Formar la agrupación no fue fácil. Julián Osorio el bajo de la banda recordó su llegada después de una audición exigente: “Competí con dos colegas, unos tipos grandes que tocaban muy técnico… y al final quedé yo. Gané la esperanza de metal”, dijo entre risas. Esa mezcla de humor y resistencia define buena parte de la identidad del grupo.

Su estilo no se encasilla. “Para unos somos metal, para otros punk o hardcore. Nosotros decimos que somos una orquesta de rock y metal. Lo importante es que la gente encuentre algo que le guste”, explicó Leandro. Así, pueden pasar de un black metal oscuro a un trash metal rabioso según lo que quieran denunciar en sus letras.

Las canciones han salido de improvisaciones en ensayo. “Narcocracia es una sopa de cuatro ingredientes. Yo traigo ideas, otros meten riffs, y vamos armando entre todos. Lo bueno es que fluyen rápido”, contó Julián. Así han nacido trabajos como ‘Narcoaventura’, ‘Realismo Trágico’ y su más reciente álbum ‘Triunvirato’.

El nuevo disco es un retrato de cómo el poder manipula a la gente. “’Triunvirato’ habla de la religión, la prensa y el gobierno como formas de control. Es un concepto para mostrar cómo nos dividen para mantenerse arriba”, explicó Leandro. Canciones como Epifanía reflejan esas tensiones y, al mismo tiempo, historias personales marcadas por la violencia del país.

A pesar de lo duro del camino, la motivación de la banda es clara: “Quiero pagar mi arriendo y llevar a mi esposa a comer con lo que gane. Pero sobre todo quiero hacer música y divertirme con esto”, dijo Leandro. Entre humor, crudeza y riffs pesados, Narcocracia sigue demostrando que el metal en Bogotá es más que música: Es resistencia hecha canción.

Desde el primero de septiembre hasta el 30 de noviembre de 2025, músicos de todo el país pueden inscribirse en los concursos y encuentros que celebran la música andina colombiana.

Según Ana María Rodríguez Monroy, primera voz del Dueto Luar, el Festival “es uno de los más antiguos e importantes del país; un espacio que busca mantener viva la música andina colombiana y abrir oportunidades para que músicos de todas las edades puedan mostrar su talento”.

La convocatoria incluye el 32.º Concurso Nacional de Duetos Príncipes de la Canción y el 29.º Concurso Nacional de Composición Leonor Buenaventura, además de eventos como ‘Los niños al encuentro de la música colombiana’, el ‘Encuentro Universitario’ y el ‘Encuentro Nacional de Músicas de las Regiones’. “Hay espacios para todos: Niños, universitarios, duetos y compositores, lo importante es participar con tiempo y cumplir los requisitos”, explicó Ana María. 

Los duetos interesados deberán presentarse en formato vocal-instrumental, con acompañamiento de guitarra y tiple, interpretando aires tradicionales como bambuco, pasillo, torbellino, guabina o vals. “El tiple es obligatorio, hace parte del alma de esta música”, aclaró la cantante.  

La bolsa de premios supera los 100 millones de pesos. El concurso de duetos entregará hasta 20 millones al primer lugar, mientras que el de composición repartirá 29 millones entre los ganadores. Pero más allá del dinero, Ana María resaltó lo que significa formar parte del festival: “Para nosotros como Dueto Luar fue una experiencia inolvidable. Ganar el título de Princesas de la Canción nos permitió grabar un disco, compartir escenario con artistas increíbles y seguir llevando la música andina a nuevos públicos”.

La artista también recordó el reciente concierto homenaje a la mujer en la música andina, realizado el 2 de octubre en Ibagué, donde compartieron escenario con Dueto Camino Real, Dueto Entre Cantos, Katie James, Los Gaiteros de San Jacinto, la Rondalla Ibaguereña y la Orquesta del Liceo Musical Santa Cecilia. “Fue una noche muy bonita, llena de música y de público feliz. Ese tipo de eventos nos recuerdan por qué hacemos lo que hacemos”. Este Festival no es solo para competir, es para encontrarnos, aprender y seguir haciendo que nuestra música suene viva”, afirmó la artista.

Quienes deseen participar pueden consultar todos los detalles, reglamentos y formularios en la página oficial.

El proyecto musical Sueños de un Tulpa, liderado por Jhon González, llega con sonidos que mezclan misticismo, emociones intensas y una apuesta por experimentar sin reglas. Su más reciente lanzamiento, ‘Malleus Maleficarum’, es una muestra de esa propuesta única.

Jhon contó que la música lo acompaña desde niño, cuando su papá le enseñó a tocar el bajo. Después de pasar por varias bandas decidió crear su propio proyecto: “Quería tener más control, decidir de qué hablar en mis canciones y no estar atado a un solo género”.

El nombre tiene un trasfondo especial. González explicó: “El tulpa viene del budismo, es la idea de que a través de la meditación se pueden materializar pensamientos. Para mí, cada canción es un pensamiento que toma vida propia cuando llega a quien la escucha”. Así, su música no solo suena, también se transforma en experiencias distintas para cada persona.

Las letras de Sueños de un Tulpa abordan emociones profundas: El duelo por la pérdida de un ser querido, relaciones tóxicas, la voz de una madre que perdió a su hijo en la guerra y, en su más reciente sencillo, la voz de mujeres perseguidas en tiempos de la Inquisición. “Quise contar la historia desde la víctima, esa impotencia de saber que su destino era la hoguera”, dijo el artista.

Sobre su estilo, Jhon fue claro: No busca encasillarse. “Trato de experimentar con sonidos que van del dream pop al dark wave, incluso con toques góticos. No quiero parecerme a alguien más, quiero crear una identidad propia”. Ese espíritu lo lleva a explorar distintos matices, sin preocuparse por los moldes de la industria.

La propuesta se refleja en lo visual. El videoclip de ‘Malleus Maleficarum’ cuestiona la imagen tradicional de las “brujas” y plantea quiénes eran realmente los verdugos en esa historia. “El conocimiento era visto como un privilegio masculino, y cualquier mujer que se saliera de esa norma era acusada de bruja”, explicó.

Para Jhon, la música es un ejercicio de empatía y libertad. Sus temas buscan que el oyente se identifique o, al menos, se detenga a sentir. Como él mismo resumió: “No hago canciones para complacer ni para ser producto, hago música que me guste a mí y que logre mover emociones”.

Un power trío que mezcla guitarras intensas, bajos melódicos y letras que viajan del amor al desamor, pero también a temas tan vitales como la salud mental. Con apenas cuatro años de recorrido, ya han llenado escenarios como Ace of Spades y hoy se consolidan como una de las propuestas emergentes más sólidas del rock-pop colombiano.

El grupo nació en 2021 como un espacio de escape frente a problemas personales de sus integrantes. Andrés Arenas recordó que el nombre surgió porque “todos estábamos en un punto cero distintos, con rupturas, ansiedad o crisis, pero encontramos en la banda una forma de reiniciar”. Para ellos, el ‘par’ significa apoyo: caminar acompañado cuando la vida se pone difícil.

La diferencia de edades entre los miembros se convirtió en un sello. Alejandro Riveros contó que, al principio, ensayaban solo por pasar el rato, pero poco a poco se dieron cuenta de que “la química era real, nos entendíamos, aunque uno estuviera en planes de rumba y el otro pensando en la crisis de los 40”. Esa mezcla de lo joven y lo adulto hoy se refleja en un sonido que va de lo ambiental a lo explosivo, siempre con contraste entre lo vintage y lo moderno.

Riveros habló de los nervios de los primeros conciertos y cómo superar el miedo a subirse al escenario: “Los errores van a pasar, pero lo importante es lanzarse”. Alejandro complementó que incluso llegó a decirle a Cristian que no lo presionara más con la guitarra porque le generaba ansiedad, y hoy sonríe al recordar que pasó de tocar escondido en su cuarto a presentarse ante 500 personas. Ese salto fue el inicio de su verdadera identidad como banda.

En sus shows no solo interpretan sus canciones. Alejandro explicó que invitan a jóvenes músicos a acompañarlos: “Queremos que otros vivan lo que nosotros sentimos la primera vez en una tarima”. Agregó que muchos de los alumnos de música de Cristian Mesa ya han subido a tocar con ellos. “Para los chicos es un sueño y para nosotros es compartir esa primera experiencia que nunca se olvida”. Esa dinámica hace que cada concierto sea también un espacio de comunidad.

La salud mental es un tema que atraviesa su proyecto. Andrés mencionó que varios integrantes han vivido episodios de ansiedad o depresión y que la banda encontró ahí un camino auténtico: “todos pasamos por momentos duros y lo importante es hablarlo, no quedarse callado”, resaltó que normalizar esas conversaciones en sus letras y en el escenario es parte del compromiso social que quieren mantener.

Con canciones como ‘Dejarte Atrás’ y ‘Cuatro vidas después’, ya mostraron distintas facetas emocionales. En 2025 lanzaron ‘Sobre tu piel’, un tema que combina intimidad y explosión, y que abre camino a su primer EP. Andrés Arenas adelantó que su próximo lanzamiento será el sencillo ‘Difícil de entender’, bajo el sello Abril Records. Con esta canción buscan dar continuidad al camino abierto por ‘Sobre tu piel’, reafirmando su estilo rock-pop y mostrando una evolución que combina energía, emociones intensas y letras cercanas a la vida cotidiana.