Un viaje sonoro se embarca en nuevos mares, las olas son reemplazadas por las ondas sonoras de la radio y las cartas de Ludwig van Beethoven las que guían la travesía. Su objetivo: Darle vida a la primera radionovela sinfónica que llega a Bogotá.

Se trata de un solemne escenario de recitales de cámara que darán paso a un estudio de grabación, donde el actor Carlos ‘Cabeto’ Pinzón encarnará al genio de Bonn, acompañado por la Orquesta Sinfónica de Bogotá bajo la dirección de Zbigniew Zajac.

“Queremos rescatar la nostalgia que dejó la radionovela en nuestro país, especialmente en los años 40 y 50. Al mismo tiempo evocar a un personaje fundamental de la música universal a través de unas cartas muy específicas. Saliéndonos un poco del radioteatro para presentar a un Beethoven más real, con la pasión que él intentaba transmitir y que, sin duda, resulta mucho más contundente a nivel musical”, contó ‘Cabeto’ en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

La obra denominada ‘Un mundo maravilloso Dukas y Beethoven’ se inspira en dos momentos clave. El primero de ellos, es la ‘6ta Sinfonía de Beethoven’ reflejando la admiración del compositor por la creación, allí él usaba subtítulos poéticos como: “’Despertar de sentimientos llegando al campo’, ‘Escena en el arroyo’, ‘La tormenta’, ‘Canto del pastor y Sentimientos alegres después de la tormenta’”.

“Ha sido todo un proceso transformar la música a lo escénico. La sinfonía es muy delicada y creo que es la más noble, porque define al compositor en una etapa más madura, cuando ya sabía que iba a quedarse sordo. Él buscaba maneras de escuchar mejor; el piano estaba diseñado para que las notas llegarán directamente a él. Esto se evidencia en cómo escribía para los registros graves y los fagotes”, agregó el maestro Luis Felipe Calero, director residente de FOSBO.

Todo esto se complementa con el poema ‘Der Zauberlehrling’ o en español ‘Aprendiz del Brujo’ de J.W.von Goethe, con la traducción memorable de Otto de Greiff que busca llevar al público a la música de Paul Dukas por todas las travesuras originadas por el inexperto aprendiz. La cambiante métrica de cada estrofa perfectamente ilustrada por la música permite vivir la energía de este poema sinfónico.

El Teatro Compensar será el epicentro de este gran espectáculo que tendrá lugar el próximo 20 de septiembre a las 7:00 p.m. Para conocer más detalles de la programación puede visitar el siguiente link.

A veinte discos grabados asciende el registro musical de Juan Camilo Anzola, uno de los bateristas y compositores más influyentes dentro del panorama del jazz nacional. Con su música ha recorrido varios continentes llevando un sello distintivo en cada trabajo realizado.

Anzola es docente universitario de la Facultad de Artes de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas- ASAB y en Bogotá su proyecto mater es Nowhere Jazz Quartet, Una agrupación creada en 2009 con el propósito de mostrar su primer trabajo discográfico titulado ‘En Ningún Lugar’.

“Para mucha gente, el jazz es solo un género, pero para nosotros en Nowhere Jazz Quartet, es una expresión viva. Nace del blues y a lo largo del siglo XX, se difundió por toda Latinoamérica. Surgió del clamor por la libertad de los afrodescendientes esclavizados y con los años se ha fusionado con música europea, folclore, rock y ritmos psicodélicos”, explicó el maestro Anzola en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Las melodías del saxofón se mezclan con la percusión, el bajo y contrabajo, el son de la trompeta cubana y el piano clásico dando vida a un sonido fiestero y envolvente que sorprende al público con su energética puesta en escena. Buscando desencapsular este género musical y llevándolo a fusiones con hard bop, acid jazz, funk, rock progresivo, música del mundo, latina y vanguardia. 

Actualmente, a su álbum debut ‘En Ningún Lugar’ se unen ‘Nuevo Rumbo’ (2011) y ‘Live At the Sinú Jazz Festival 2020’. Además de su cuarta placa, que aunque no se ha presentado al público, promete reflejar una madurez notable de la banda con temas que han interpretado en vivo durante cinco años. 

“La filosofía del Jazz es vivir el momento, el aquí y el ahora. Sin perder su esencia, nuestro sonido incorpora rock, funk y la improvisación, creando una experiencia musical siempre fresca y en evolución. Con Nowhere llevamos más de 15 años y es la cuarta vez que ganamos la convocatoria de Jazz al Parque con el máximo puntaje”, agregó el artista.

Durante el mes de octubre, Nowhere vivirá su primera gira internacional. Esta vez con cinco fechas en Ciudad de México, resaltando el vigor creativo de Bogotá como capital musical.

Un universo de canciones que mezcla lo tropical con lo romántico y lo introspectivo. Su más reciente sencillo, ‘Desesperado’, es una cumbia que invita a bailar incluso en medio del desamor.

Romero explica que este proyecto no busca ser música de fiesta sin más, sino una experiencia diferente: “Biotrópico es un ecosistema de canciones con un aire tropical, pero más introspectivas, como la brisa de la playa cuando tienes calor, suavecito, que te hace moverte poquito a poquito”.

‘Desesperado’ nació de esos momentos de ausencia que cualquiera ha vivido. “La hice con la intención de que la música sea un puente para respaldar, porque todos hemos pasado por esto. Es un tema que acompaña un poquito, esa tusa”, contó el artista.

Su vínculo con la música empezó desde niño, en reuniones familiares. “Me levantaba a las 5:00 a.m. cuando mis tíos sacaban guitarras, y por ese lado comencé a tener gusto por el bolero, el vals, la música colombiana”, recordó el artista sobre ese camino que lo llevó después a las orquestas tropicales, hasta encontrar su propio estilo.

El músico confesó que lanzarse como solista no fue fácil. “Me demoré un tiempo en dar el salto. Tenía muchas canciones guardadas, pero gracias a mi productor Alejo Cruz entendí que no podían quedarse en el cuaderno ni en el celular. Había que llevarlas al estudio”, relató.

Su propuesta también se alimenta de experiencias personales, como el tema ‘Recuerdos’, un homenaje a su infancia y a su familia. “Es un reconocimiento a mi niño interior, porque le tengo un miedo al paso del tiempo, y esa canción me ayudó a salir de un huequito en el que estaba”, admitió.

Este año planea lanzar su primer EP completo, que incluirá bachata, merengue, cumbia, bolero-salsa y hasta un reggae fusionado con bachata. Con esta variedad, Nelson quiere mostrar que la música puede ser compañía en los momentos difíciles y, al mismo tiempo, un motivo para celebrar la vida.

Hasta el próximo 14 de septiembre, la capital colombiana celebrará una de las muestras artísticas más antiguas de la humanidad: La magia coral y la sincronía de las voces. En total serán nueve agrupaciones artísticas y cinco maestros reconocidos a nivel mundial los que completarán esta sexta edición del ‘Festival Internacional de Coros Corearte’.

Uno de los eventos centrales será ‘La Misa Criolla’, estarán más de 100 artistas que se darán cita en Bogotá, bajo la dirección del maestro Néstor Andrenacci (Argentina). Este montaje contará con la participación del tenor Jorge Fajardo (México), el maestro David Arontes (México) quién acompañará en el piano, y un acto especial de los coros del Festival.

“Realizar nuevamente ‘Corearte Colombia’ para compartir música coral y de cámara con artistas de Europa y América es una forma de demostrar que el arte no tiene fronteras. El fin es llevar la música coral a todo el mundo, vivir experiencias culturales y académicas que enriquezcan el alma de los artistas y del público que nos acompaña”, relató Paula Piedrahita, vocera del festival en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Hablemos de la programación!

El público capitalino podrá disfrutar de conciertos con agrupaciones internacionales como Ensamble Meraki (México), Coro Municipal de Moravia (Costa Rica) y Ensemble Pyrene (Catalunya). Además, se presentarán reconocidos coros colombianos como Cantorum Aurae, Coro Fundación Fernando Borrero Caicedo, Coral Gioviale, Coroncoro y el Coro de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana.

-    La cuota académica: Se ofrecerán talleres y conferencias a cargo de maestros de gran prestigio internacional, entre ellos Nestor Andrenacci (Argentina), Sherril Blodget (Estados Unidos), David Arontes Reyes (México), Alejandro Morales (Costa Rica), Quim Termes, Sara Balasch y Joaquim Alabau (España), así como Ricardo Piedrahita Rodríguez (Colombia), quienes han hecho importantes aportes al mundo coral y orquestal en Estados Unidos e Iberoamérica.

Inscripción y lugares: 

El Festival tendrá actividades en escenarios como el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, la Universidad Javeriana, el Santuario del Señor Caído de Monserrate, la Catedral de Sal de Zipaquirá, el Museo de Arte Miguel Urrutia (Museo Casa de Moneda), la Academia de Música y Artes de Facatativá.

La entrada a todos los conciertos e intervenciones artísticas es gratuita hasta completar el aforo, con excepción del concierto inaugural. Para participar en las conferencias gratuitas (cupo limitado) los interesados deben inscribirse en el link.

Si quiere conocer más detalles de Corearte puede visitar la página web.

La ciudad vuelve a convertirse en el corazón de los negocios de la música con una nueva edición del Bogotá Music Market (BOmm), el encuentro que cada año conecta a los talentos colombianos con los escenarios internacionales más prestigiosos. Más que un mercado, el BOmm se ha consolidado como un trampolín para que proyectos locales lleguen a festivales, teatros y plataformas digitales alrededor del planeta.

Esta edición llega con dos apuestas que marcan un antes y un después. La primera es el Encuentro de Sellos, un espacio que reúne a 21 discográficas independientes decididas a fortalecer sus catálogos y a generar alianzas con promotores y marcas. La segunda es el lanzamiento de BOmm+, un capítulo especializado en música electrónica que reconoce el auge de este género y su impacto en la vida nocturna y cultural de Bogotá.

LAUD 90.4 ESTÉREO estuvo acompañando el lanzamiento de este gran encuentro musical y dialogó con Carolina Álvarez, Gerente de Proyectos Especiales de la Cámara de Comercio de Bogotá, para hablar de las novedades de este año.

“En esta edición N°14 estamos en algo muy especial que es la música electrónica. Ese es el BOmm que vamos a tener este año. Con la electrónica queremos democratizar la música para que este espectáculo no sea cerrado (...) Los invito a que entren a las carteleras, contaremos hasta con 3 o 4 eventos al mismo tiempo”, refirió.

El BOmm no solo es un espacio de exhibición: es una plataforma de negocios. Con más de 1.200 citas programadas entre artistas, agentes y compradores, la meta es superar los 5 millones de dólares en expectativas de negocio, impulsando acuerdos de booking, distribución digital y licenciamiento de catálogos.

Los esperamos hasta el 12 de septiembre, en la 14ª edición del Bogotá Music Market – (@BOmm_Bogota), el programa de música organizado por la @camaracomerbog. Contamos con una programación de conferencias, ruedas de negocios, Showcases, encuentros de sellos y mucho más.

Todo… pic.twitter.com/lF36QlRCIR

— Ovidio Claros (@Ovidio_Claros_) September 10, 2025

La presencia de programadores de alto nivel —como el Lincoln Center de Nueva York, el Festival Internacional de Jazz de Montreal, Lollapalooza en Chile o Roadburn en Países Bajos— convierte a Bogotá en un punto estratégico para quienes buscan nuevas voces en América Latina.

En esta oportunidad, del 9 al 12 de septiembre, participan más de 200 proyectos musicales que representan la diversidad sonora de Colombia, desde propuestas tradicionales hasta las más vanguardistas. Destacando en materia de showcases artistas como Adriana Lucía, Nicolás y los Fumadores y Felipe Gordon Live Band, mientras que en las conferencias se destaca la participación de Aterciopelados en un conversatorio sobre su más reciente álbum.

Una guardiana yace en el centro de la tierra, su objetivo es impartir un mensaje claro: el cuidado de la tierra, la cual nos cobija y da permiso para habitarla. 

Su misión es evocada en ‘Magno Sueño’, un disco creado por Lite Ruiz, cantautora chilena, quien en sus letras y melodías busca activar la conciencia ambiental, el cuidado y un mundo libre de contaminación. Además de una mirada personal que se inspira en la libertad de amar.

“Vengo de la camada del rock de Concepción, que históricamente es la capital del rock chileno. Fui una de las mujeres que abrió camino en los 2000. Estoy segura de que desde que tengo uso de razón siempre he cantado; incluso, recuerdo que a mis 9 años me subieron a cantar con Miguel Bosé”, explicó con emoción Lite en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

¡Diez canciones, un magno sueño!

‘Magno Sueño’ es un proyecto musical ecléctico que reúne paisajes sonoros con influencias marcadas por el britpop, además de diversos sonidos clásicos del rock, baladas y electropop. Estas combinaciones componen su banda sonora sin encasillarse en un estilo musical específico.

Track x Track a cargo de la artista

Durante la entrevista con LAUD 90.4FM ESTÉREO, la artista compartió una breve definición de las principales canciones de su álbum:

-    I feel: Cuyo video  cuenta con más de 12 mil visitas en su canal de YouTube, fue rodado en el Salar de Salinas Grandes, Argentina.

-    Caos: Un poderoso sonido rockero y potencia vocal, que marca influencias marcadas por mujeres iconos del rock como Shirley Manson, Debby Harry, Siouxie Sioux.

-    Magno Sueño: Le da el nombre al disco e invita en metáfora a descubrir nuestros guardianes para tener un solo latir y lograr el mensaje de esta placa discográfica. El video fue rodado en Santiago Chile.

-    Gitana: Potente mezcla de electro-rumba flamenca.

-    Déjame: Balada en homenaje e inspiración de ídolos de los 70' y 80´ tales como Los Angeles Negros, Rafael, Juan Gabriel, Rocío Jurado y Palmera Pizarro. 

-    Solar: En pleno trance, nos invita a contemplar el sonido marcado por las guitarras con slide. Un mensaje en lírica para conectar con el interior y con los ancestros.

Este proyecto termina con 3 temas electrónicos ‘I feel Remix’, ‘Beat sobre el mar’ y ‘Rezo Sideral’. Lite Ruiz y su ‘Magno Sueño’ siguen de gira, conservando en su pasaporte los sellos de Argentina, Chile y Colombia.

Este es un espacio que celebra la fuerza de los ritmos africanos y afrodescendientes en diálogo con las músicas del Caribe y el Pacífico colombiano.

Artistas de Senegal, Costa de Marfil, Camerún y el Caribe insular compartirán escenario con lo mejor de la escena afrocolombiana, en una programación que une tradición, memoria y nuevas sonoridades.

•    19 de septiembre – Teatro El Ensueño (Pre-festival): Apertura con Nicoyembe, folclorista chocoano con más de 55 años de trayectoria, embajador de los sonidos de las dos costas de Colombia.

•    25 de septiembre – Planetario de Bogotá: Concierto inaugural con el cantautor raizal Elkin Robinson, referente de la música creole isleña, y el colectivo senegalés Guiss Guiss Bou Bess, creadores del explosivo sonido Electro Sabar.

•    26 de septiembre – Teatro Jorge Eliécer Gaitán (Gala): La voz poderosa de la senegalesa Rema Diop, en formato acústico, compartirá escenario con el maestro Hugo Candelario, Timbisón (ganadores del Festival Petronio Álvarez 2025) y la agrupación Matachindé, que rescata la tradición del río Yurumanguí.

La Red de Escenarios Culturales de Idartes también será protagonista con la participación de Maquis Electroniq, colectivo que fusiona música africana tradicional con electrónica contemporánea, así como agrupaciones que mantienen viva la herencia afrocolombiana:

•    Plu con Pla (Tumaco), con su mezcla de currulao, reggae y afrobeat.

•    Bazurto All Stars, la máquina de la sabrosura y la champeta cartagenera.

•    Tribu Baharú, grandes exponentes internacionales de la champeta criolla.

Con esta selección de artistas y sonidos, el Festival África en Bogotá se consolida como una plataforma que celebra la diversidad cultural, tejiendo puentes entre África, el Caribe y el Pacífico, y ofreciendo al público capitalino una experiencia de música, identidad y resistencia colectiva.

Conozca toda la programación en el siguiente link.

CaribeMoog está revolucionando la escena musical al unir el folclor caribeño con las tendencias electrónicas contemporáneas. Su propuesta fusiona ritmos tradicionales como el bullerengue, la cumbia, la champeta y el son de garabato con géneros como tech house, disco y techno, creando una experiencia sonora intensa, festiva y profundamente conectada con la cultura.

En el escenario, el grupo ofrece un espectáculo dinámico que combina DJ, tornamesismo, canto en vivo y percusión con tambor alegre. Dando como resultado un show donde lo ancestral se encuentra con lo moderno, transformando cada presentación en un espacio de energía colectiva, sofisticación y celebración cultural.

En entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO, CaribeMoog entregó detalles de su más reciente sencillo: ‘Gózate el flow’, una canción que muestra cómo, desde su conformación en 2022, ha trabajado en consolidar una propuesta fresca y potente que dialogue tanto con públicos locales como internacionales.

“La letra de la canción es una invitación a fortalecer los lazos de amistad. A aceptarnos como somos con nuestro flow, cada persona tiene un flow y es la autenticidad. Que en la amistad nos aceptemos tal cual como somos, de eso se trata ‘Gózate el flow’”, reflexionó al respecto la Niña Jazz, quien junto a Miglo conforma el proyecto musical de CaribeMoog.

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Cabe recordar que en noviembre de 2023 lanzaron su primer sencillo ‘Oye Cómo Es’, al que siguieron ‘Flores, Tambores y Fuego’, ‘Las Cayenas’, ‘Hey You’, ‘Agua Sala’’ y ‘Así se siente mejor’. Su más reciente lanzamiento, ‘Gózate el Flow’, en colaboración con Álvaro el Bárbaro, uno de los referentes de la champeta criolla, salió al público en agosto de 2025, consolidando su presencia en la escena alternativa y urbana.

Más allá de la música, CaribeMoog busca convertir cada show en una fiesta sonora y cultural, donde los grooves electrónicos se entrelazan con ritmos caribeños y letras vibrantes para invitar al baile, la alegría y el encuentro. Su propuesta apuesta por rescatar las raíces afrocaribeñas de Colombia y proyectarlas hacia un lenguaje universal y sin fronteras, que dialoga con la innovación electrónica.

Con letras que hablan del amor por la gente y un sonido que evoca al rock andino, la canción ‘Qué sientes’ es también un homenaje a Siglo 0, grupo que dejó huella sin dejar registros sonoros.

La historia comienza en el Teatro La Comedia, lugar que muchos recuerdan como el templo del rock en la capital. Allí se escuchó por primera vez a Siglo 0, una agrupación que compartió época con Humberto Monroy y otros músicos que luego integrarían bandas como Génesis o The Speakers. “Era como estar en la cadena de Liverpool, con un sonido y unas luces que nos fascinaban”, recuerda Miguel Muñoz integrante de Siglo 0.

Lo curioso es que, a pesar de la relevancia del grupo, no quedaron grabaciones. “No hay un registro de fotografía, no hay un boletín de prensa, mucho menos un video”, cuenta Muñoz, quien decidió rescatar ese nombre y convertirlo en un símbolo vivo. ‘Qué sientes’ surge de esa necesidad de darle voz a una memoria que parecía perdida.

Las letras nacieron de manera espontánea. “Yo amo a la gente que ama a la gente, la miras de frente y puedes ver su luz”, esta frase de la canción apareció como un fragmento suelto que luego se fue transformando en melodía. Para él, lo importante era transmitir un mensaje sencillo: querer a las personas es la base de todo.

Además del homenaje, la canción abre paso a un megaproyecto: el álbum ‘El Paladín de la Guitarra’, allí se mezclan influencias diversas, desde flautas que recuerdan al rock latino de los setenta, hasta sonidos más cercanos a Nueva York con pianos y electrónica. “Tengo varias canciones listas, pero no quiero lanzarlas todas de una vez, prefiero ir paso a paso”, explicó.

El proyecto también tiene una intención clara: no tocar únicamente en bares pequeños, sino buscar escenarios grandes. “Quiero enamorar a los managers… que Siglo 0 vuelva a sonar en plazas de diez mil o quince mil personas”, aseguró el músico. Su apuesta no es solo recordar, sino proyectar hacia adelante un legado que habla de sueños colectivos.

Finalmente, ‘Qué sientes’ invita a reflexionar sobre lo que cada persona experimenta al escuchar música. La pregunta que da título al tema no es casual: busca conectar al oyente con sus emociones más profundas. En palabras de Muñoz, “la música es un mundo bello que hay que rescatar de adentro”.

La dualidad del ser y las caras opuestas del ser humano, han sido, desde el 2013, la principal inspiración de Duplex. Un proyecto con raíces manizaleñas que nace de la profundidad de los metales pesados y los cantos guturales.

Checho Pachanga (batería), Chalo Escobar (bajo), Pipe Cantillo (guitarra líder) y Ross Lemus (voz Líder y guitarra rítmica), le dan vida a esta innovación sonora que para el 2025 presenta su cuarta placa: ‘Embrace the Pain’.

“Es una descarga introspectiva que rompe el silencio y enfrenta la oscuridad interior del ser, a causa del dolor que ha ido abrazando a través del tiempo. Este disco expresa la angustia, la inestabilidad, la confrontación y el desahogo”, contó Ross Lemus en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

El disco sigue una idea conceptual donde cada canción forma parte de una misma narrativa, buscando retratar el proceso interno de una persona en crisis, desde el colapso y la desestabilización hasta la aceptación del dolor como punto de inflexión y transformación. Esta producción comenzó con el video de ‘Don't Say a Word’, primer adelanto del álbum, y culmina en una obra que integra música, letras y diseño visual para invitar a la aceptación y el caminar de la mano con el dolor.

¡Una trilogía de canciones!

Aunque son doce temas las que dan vida a este álbum, títulos como ‘Chaotic’, ‘Broken Silence’ e ‘Inside the Pain’ marcan el pulso de ese viaje emocional.

-    ‘Chaotic’ abre el ciclo mostrando el estado de confusión y fractura donde las certezas se mueven y todo parece desordenado.

-    ‘Broken Silence’ representa la confrontación: el momento en que se rompe el mutismo, se dicen las verdades ocultas y se enfrenta lo que se ha retenido.

-    ‘Inside the Pain’, donde el dolor se convierte en un punto de partida, en un abrazo consciente a ese individuo roto que por fin aceptó el caos y la angustia que lo atormentan.

El disco ya está disponible en todas las plataformas y redes sociales de la banda.