Marta Gómez se ha consolidado como una de las cantautoras más destacadas de la música independiente en Latinoamérica. Su talento une poesía, ritmos folklóricos y sonoridades del jazz, llevando su voz y su guitarra a escenarios icónicos como el Carnegie Hall en Nueva York, el Kennedy Center en Washington y el Auditorio Nacional en Ciudad de México.

A lo largo de 25 años de carrera, ha compuesto más de 100 canciones y producido 22 discos, buscando transformar su música en instrumentos de memoria, resistencia y esperanza. Fue ganadora del Latín Grammy en 2014 y 2015, reconocida por su capacidad de conectar con el público. En su obra emprende un viaje emocional que explora amores, desamores, temores y alegrías, con una sensibilidad que la hace única en la escena internacional.

“Para mí, ha sido un camino muy bonito poder vivir de lo que me apasiona. Sigo con las mismas ganas de cantar, de escuchar canciones que me inspiran, de tomar mi guitarra y componer. El secreto está en aprender a observar la magia de la cotidianidad, siempre habrá de que escribir cuando contemplas a la gente”, señaló la artista en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

‘Letra y Música’: Un encuentro íntimo con su universo 

Como parte de su celebración artística, la compositora presenta ‘Letra y Música’, un concierto íntimo que invita a recorrer su memoria y su carrera. En el espectáculo, compartirá desde las primeras canciones escritas en el piano de su casa hasta composiciones recientes que reflejan su admiración por las mujeres que la han inspirado.

“En mi próximo concierto voy a compartir un camino muy especial de mi música. Interpretaré temas que han marcado mi trayectoria como 'El Hormigueo', compuesta hace más de 20 años, además de composiciones recientes como 'Hierro', que resalta los hierros como un material firme y rígido en un momento donde el peso de la vida me estaba doblando. Estoy emocionada de poder vivir este momento y conectar con el público a través de cada nota”, añadió Gómez.

Acompañada de su banda completa y de las artistas invitadas Laura Pérez y María José Mendoza, Marta promete un recorrido musical lleno de nostalgia, poesía y fuerza, consolidando su presencia como una de las voces más relevantes de la música colombiana e internacional.

‘Tártaro’ es el nuevo proyecto discográfico de Ivy Negro, un recorrido musical que mezcla mitología, emociones intensas y realidades personales. No es un disco para escuchar de fondo: es una experiencia que invita a enfrentar lo que normalmente se evita, desde el deseo y la ilusión, hasta el vacío, el poder y la búsqueda de identidad.

Durante la entrevista en ‘Amantes del Círculo Polar’, Ivy explicó que este álbum “surge de mirar hacia adentro y no tener miedo a lo que aparezca”. Esa idea está presente en cada canción: ‘Tártaro’ abre el disco como una caída al centro de uno mismo; ‘Come de mi carne’ explora el deseo llevado al extremo; ‘Soy ilusión’ habla de la construcción de identidad que a veces no es real; e ‘Infierno de mi piel’ refleja la lucha interna que muchos llevan en silencio.

El recorrido continúa con ‘Barco de papel’, que representa la fragilidad de la mente cuando está al borde; ‘Saturno’, que se inspira en la mitología del tiempo que todo lo devora; ‘Perséfone’, que simboliza los ciclos de muerte y renacimiento; y ‘Curvas’, un tema que aborda el cuerpo y el deseo sin filtros ni reglas sociales. Cada pieza toca aspectos humanos reales, sin suavizar el mensaje.

Ivy afirmó que “no quería hacer canciones bonitas, sino verdaderas”. Esto se siente especialmente en ‘Verdeperla’, un tema que habla de lo que se oculta detrás de lo externo, y ‘Vampiresa’, que cierra el disco con una fuerza oscura y liberadora, mostrando cómo el dolor también puede convertirse en poder personal.

Musicalmente, el álbum mezcla rock, electrónica, ritmos latinos y ambientes oscuros. No busca quedarse en un solo género porque el objetivo no es encajar, sino expresar. Cada canción fue pensada para generar sensaciones distintas: tensión, curiosidad, confrontación o incluso incomodidad. Ivy lo describió así: “Tártaro es un lugar imaginario, pero todos hemos estado ahí alguna vez”.

El trabajo no pretende entregar respuestas. Lo que ofrece es un viaje sonoro para quien quiera reconocer sus propios procesos internos a través de la música. Es un álbum que se vive con los sentidos despiertos, sin filtros y sin miedo a las emociones intensas que las personas tienen en algún momento.

Más que un lanzamiento musical, esta obra nació de una experiencia personal de crisis emocional y se convirtió en una invitación a aceptar la vulnerabilidad como parte de la vida interior.

Voltana es una banda de rock alternativo nacida en Bogotá, conformada por artistas que entienden la música como un espacio emocional y humano. No se definen por un solo género, sino por el deseo de expresar lo que muchas personas sienten en silencio: ansiedad, presión, búsqueda interior y necesidad de pertenecer. Su propuesta no pretende encajar en tendencias, más bien abrir conversaciones reales a través del sonido. Cada canción es construida como un viaje, no como un producto.

Paula contó que el trabajo surgió en uno de los momentos más difíciles que ha atravesado, cuando la mente se volvió un lugar oscuro. “No quería escribir desde la fuerza, sino desde la verdad de sentirse frágil”, expresó durante la entrevista. William complementó diciendo que “la idea no era ocultar la tristeza, sino convertirla en sonido para que otros también pudieran reconocerla y no sentirse solos”, así nació ‘Rainy Night’: como un desahogo convertido en arte.

El sonido de la canción transita entre la melancolía y la intensidad, con guitarras que crecen como una ola emocional y una voz que narra lo que muchos sienten, pero no siempre se atreven a decir. Es un tema que conecta directamente con quienes viven silencios emocionales, insomnios o noches cargadas de pensamientos que pesan. Paula explicó que “todos hemos tenido una noche lluviosa por dentro”, y ese es el lugar emocional desde donde se canta esta historia.

Voltana no busca romantizar el sufrimiento, sino reconocerlo. La canción habla de salud mental desde la honestidad, sin filtros. En la conversación, William mencionó que “la música no soluciona todo, pero sí puede sostenerte cuando sientes que vas cayendo”. Ese es el espíritu de este lanzamiento: una creación que más que escucharse, se siente y se comparte como una forma de acompañamiento.

Paula y William contaron que Voltana nació entre amigos que necesitaban desahogarse a través de la música y encontraron en el rock una forma de transformar sus propias experiencias. La banda ha construido una identidad basada en la autenticidad: no buscan maquillar las emociones, sino mostrarlas tal y como son. Esa honestidad es lo que ha hecho que su propuesta conecte con un público que quiere música que los acompañe, no que los distraiga.

Al final, ‘Rainy Night’ no es solo una canción: es un espejo para quienes han atravesado noches difíciles. Es una invitación a aceptar los sentimientos y a recordar que la vulnerabilidad también es una forma de valentía. Voltana logra transformar el dolor en arte, y el arte en un puente emocional con quienes lo escuchan.

Es publicista de profesión y se encarga del marketing y las redes de su propia marca, su mayor objetivo desde hace algunos años es construir su proyecto como solista. Por lo que decidió cerrar ciclos, y emprender un nuevo camino tras diversas experiencias musicales que recopiló en diferentes industrias, desde académicas hasta de rock, metal, pop y baladas.

En 2019 dio su primer concierto como ‘Aliette_G’ en México e inició la producción de su primer LP, un trabajo que, pese a los contratiempos de la pandemia, ya cuenta con nueve canciones que fusionan rock, J-rock/pop y ritmos experimentales.

“Mi propuesta se enfoca principalmente en la calidad musical y en un material audiovisual profesional, pero sobre todo en explotar la feminidad dentro del rock sin perder la fuerza y la picardía que caracteriza al género. En mis videos, fotografías, vestuario y shows en vivo siempre busco reflejar las cualidades que diferencian a una mujer empoderada, sin tener que imitar a un hombre ‘rudo’ al tocar un instrumento, hablar, actuar o vestirme”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Sus seguidores la llaman ‘princesa rockera’, un título que adopta con orgullo, no como un cliché romántico, sino como símbolo de tenacidad, creatividad, liderazgo y sensibilidad.

Para sus primeros sencillos, Aliette_G trabajó con Manú Jalil, conocido productor de artistas como Mon La Ferte y Vivir Quintana, explorando ritmos de balada rock y swing rock. Más adelante, en 2024, se unió al productor Jake Carmona en Los Ángeles, perfeccionando un sonido alternativo y con gran fuerza que define su propuesta actual.

A la fecha, ha lanzado tres sencillos y durante este 2025 presentó ‘No Respiras’, que toca la sensible temática de los feminicidios y viene acompañado de un impactante videoclip. Además de ‘Ciclos-1141’, en el que anuncia la base narrativa de su álbum debut.

“Mi canción combina un ritmo rockero alternativo con melodías suaves de violín y piano, creando un contraste intenso en el coro. Quise que fuera reflexiva para todos, invitando a la conexión con uno mismo y recordando que el poder para superar los días difíciles está dentro de cada persona, siempre desde el respeto y el amor propio”, añadió.

Aliette se prepara para presentar títulos como ‘Ya despierta’, ‘Falsa Victoria’, ‘Cuando acabará el dolor’ y ‘Hablaré con la oscuridad’. Dejando claro en este compilado que el poder reside en la pasión, la disciplina y el respeto hacia uno mismo y hacia los demás.

Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk de Bogotá que nació en el año 1999. Surgió entre amigos que compartían el amor por el punk y la idea de hacer música de forma independiente. Desde el inicio, su propósito fue claro: Decir lo que muchos callan, sin reglas ni adornos, usando la música como una voz directa y honesta.

Este lanzamiento no busca agradar, busca despertar. ‘Rocky Billies’, llega con canciones que no decoran la realidad: La golpean, la exponen y la convierten en música que se siente en el cuerpo y en la conciencia.

Lejos de los sonidos complacientes, este trabajo mezcla rock crudo, energía punk y letras directas que hablan de excesos, poder, manipulación y todos esos temas que normalmente se esconden debajo de la alfombra. La banda lo explica sin rodeos: “No queríamos hacer un disco bonito. Queríamos hacer un disco honesto, que suene a lo que realmente está pasando por dentro y por fuera”. Y esa honestidad es lo que hace que cada canción invite no solo a escuchar, sino a reaccionar.

El álbum recorre emociones intensas: rabia, ironía, hartazgo, pero también una necesidad profunda de despertar. No es música para dejar de fondo. Es música que exige presencia. La agrupación lo describe así: “Este trabajo es como mirarse al espejo sin filtros. A muchos no les va a gustar lo que vean, pero esa es la idea”. Es una invitación a pensar en lo que consumimos, lo que creemos y lo que callamos, todo envuelto en riffs potentes que van directo al pecho.

Lo más interesante es que ‘Rocky Billies’ no se queda en la crítica, también muestra el lado humano que hay detrás de cada canción. Hay temas que hablan del miedo a fracasar, del cansancio emocional y de la búsqueda de identidad. Según la banda, “el exceso no siempre es fiesta, muchas veces es una forma de escapar. Este disco habla de lo que pasa cuando ya no hay a dónde huir”. Ahí radica su fuerza: logra que el oyente se reconozca, aunque no quiera admitirlo.

Musicalmente, el álbum es una mezcla explosiva que combina sonidos clásicos del rock con elementos modernos que le dan frescura y personalidad. Cada pista tiene una identidad propia, pero todas comparten algo en común: dejan sensación de catarsis. Después de escucharlas, es imposible quedarse igual. Como dijo Pepe Bocadillo en plena grabación: “Si una canción no mueve nada adentro, entonces no sirve”.

‘Rocky Billies’ no promete soluciones ni finales felices. Lo que ofrece es algo más poderoso: una experiencia emocional auténtica, una sacudida musical que permite liberar lo que muchas personas sienten y no saben cómo expresar. Es un álbum que se vive, no solo se escucha.

Durante años, el nombre de Juan Campodónico ha sido una presencia constante en la música latinoamericana contemporánea. Músico, compositor y productor uruguayo, Campodónico es el cerebro detrás de proyectos tan diversos como Bajofondo, Peyote Asesino y Campo, además de ser una figura clave en la evolución sonora de artistas como Jorge Drexler, Cuarteto de Nos, Kevin Johansen, Zoe Gotusso y No Te Va Gustar.

Ahora, este creador multifacético da un paso definitivo al frente: Por primera vez lanza un disco bajo su propio nombre, un trabajo que reúne todas sus exploraciones anteriores en una propuesta personal, introspectiva y ambiciosa. El álbum se titula ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, y ya desde su nombre plantea un ejercicio de introspección en torno a la identidad artística.

En este nuevo trabajo, Campodónico no abandona sus raíces ni sus colaboraciones, pero cambia el foco: Esta vez no es el productor detrás de la cámara ni el integrante de un colectivo. Es él quien está al centro de la escena y de esta experiencia habló ante los micrófonos de ‘Amantes Del Círculo Polar’.

“Ha sido una experiencia muy enriquecedora. Es una inquietud que me surgió hace un par de año, ver mi perfil de Spotify como Juan Campodónico y encontré una página en blanco como para poder escribir un nuevo momento y definir un nuevo artista. Ha sido muy revelador, es un punto de vista mucho más cercano, trato temáticas bastante personales y para que se hagan una idea el disco comienza con un tema que se llama ‘Milo’, que es el nombre de mi hijo”, reveló Campodónico. 

En ‘Todo Esto Tampoco Soy Yo’, Campodónico condensa sus múltiples universos en un viaje musical que va del candombe al funk brasileño, del indie latino al folclore electrónico. Temas como ‘Frik’, ‘Milongueado’ o ‘La Duda’ muestran esa diversidad estilística, mientras que canciones como ‘Onda Expansiva’, el focus track del álbum, sintetizan su sello creativo: Un comienzo folclórico que se convierte en una explosión electrónica con capas tangueras y guiños a sus obras anteriores.

“Aparecen todas las músicas que son parte de lo que ya he hecho. Hay cosas que suenan un poco ‘bajofonderas’, otras que suenan a hip hop, como de mi primera banda que fue ‘Peyote Asesino’, o que suenan a Campo, pero todo con una nueva manera de verlo, una nueva forma, inclusive con algunos de los invitados del disco”, agregó.

El trabajo cuenta con una notable lista de colaboraciones entre quienes destacan Jorge Drexler, Sebastián Teysera, Eli Almic, Zeballos, Josean Log y Cami Rodríguez, entre otros. Voces que refuerzan la idea de que Campodónico busca ser un canal para expresar una sensibilidad colectiva, actual y profundamente latinoamericana.

La biografía de Campodónico es también una historia de cruces culturales. Nacido en Montevideo, pero criado en parte en la Ciudad de México, creció entre la música uruguaya que llegaba en cassettes desde el sur y los sonidos globales que inundaban el DF. Esta mezcla dejó una marca imborrable en su manera de hacer música, siempre híbrida, siempre en movimiento.

“Conecta con una parte de mi vida que fue mi infancia en México. Con mi familia estuvimos allá 8 años en la época en la que en el sur estaban las dictaduras y todo esto cuando yo era muy chico. Entonces esto cuenta algo de esa parte mexicana que yo tengo. Me gustaba que el disco reflejara y definiera un poco quién era Juan Campodónico como artista individualmente”, confesó el artista uruguayo.

Este trabajo sonoro, conformado por 11 canciones, ya está disponible en plataformas. Una invitación para descubrir una faceta más personal y más poderosa de uno de los productores más destacados del continente.

Con el fin de cantarle al paisaje paramoso, a la pérdida y a la poesía, el proyecto sonoro A Media Lengua, presentó durante los últimos días su primer trabajo discográfico, siete canciones que conforman el EP ‘Páramo’ acompañados de un estilo que fusiona el rock, el slowcore, el sadcore y el indie. Una propuesta sonora de la que sus integrantes hablaron con ‘Amantes del Círculo Polar’, revelando los momentos que han marcado el proyecto. 

Conformado por Zahara Lasso, Fabio Martínez y Rafael Lasso, el trabajo musical ‘AML’ tiene sus orígenes en el sur del país, en Pasto, que une la trayectoria como DJ de Rafael, el chelo y la voz de Zahara y la pasión poética de Fabio. Una mezcla de la que nació como primera canción ‘Frío’.

“Con ‘Frío’ iniciamos este proyecto, tratando de ganar nuestra propia voz que básicamente es una voz que incluye cuerdas frotadas y todo el sonido del chelo que es un instrumento que evoca la tranquilidad, la soledad, que de alguna manera es muy nostálgico. Decidimos empezar a darle vida desde esa sonoridad y ese paisaje”, reveló Fabio.

Definido como un viaje sonoro que consta de siete estaciones sonoras, con ‘Páramo’ el público recorre canciones como ‘Puerta’, que es la apertura del EP y plantea una pregunta inicial ¿Cómo sonaría un páramo? y ¿Cómo recordar la ausencia de un ser querido? Luego, hay títulos como ‘Tiembla’, ‘Rápido’, ’Tempestad’ y ‘AML’, este último como cierre del disco.

“El sonido de A Media Lengua sería como muy acústico, pero con esta atmósfera de los ritmos electrónicos muy característicos por ejemplo del slowcore. En general si la quieres describir sería una propuesta como muy nostálgica”, agregó por su parte Felipe.

La letra poética también tiene un papel muy determinante. Composiciones sensibles, profundas y reflexivas que giran en torno a la pérdida y la ausencia, inspiradas en gran parte por un episodio en la vida de uno de sus integrantes.

“Esa vivencia personal tiene nombre: se llama Nicolás Martínez. Es mi hermano menor, él se suicidó en el año 2019, tenía 18 años y fue un momento muy fuerte para nuestra familia. Así que de alguna manera la lógica de las letras, incluso el paisaje sonoro, permite resignificar este tema de la pérdida”, agregó Fabio. Esta iniciativa musical ha calado profundo en sus espectadores, dando voz al dolor, la nostalgia y la inestabilidad de la vida. Permitiendo además diversas interpretaciones de las canciones y un recorrido minuciosamente cuidado desde la primera canción.

“A mí me gusta transitar el ‘Páramo’ y creo que tal vez iniciar el recorrido por la primera canción nos da un tránsito de emociones y situaciones”, reveló por su parte Zahara quien invitó a todos los oyentes de LAUD 90.4 FM ESTÉREO a descubrir A Media Lengua y a conocer este EP.

La tierra de las montañas del oriente antioqueño, el buen café y el turismo rural vieron nacer a Camila, quien ha forjado su carrera artística como ‘Mila Days’. Una joven colombiana que lleva la bandera de Copacabana por el mundo. 

Su primer debut en la música inició en julio del 2022, mientras terminaba su carrera en derecho, rendía los exámenes ‘ECAES’ y se recuperaba de un esguince. En medio de la saturación emocional, encontró en la composición y beats creados sobre su computadora la forma de transitar del desamor a la plenitud y de la duda a la calma.

“El proceso de creación de ‘Del principio al fin’ se desarrolló entre jornadas de escritura nocturna y exploraciones sonoras matutinas. Las letras se entrelazan con referencias literarias y musicales que viajan entre géneros, dejando que la voz se mueva libre entre la electrónica, el pop alternativo y el rap”, relató la artista en los micrófonos de ‘Amantes del Círculo Polar’.

Una narrativa visual que amplifica la música

El disco reúne nueve canciones y también se expande en imágenes. La artista ha acompañado varios de sus sencillos con videoclips que trascienden al lenguaje audiovisual, como por ejemplo:

-    Turismo: Fue grabado en Chinatown, Nueva York, junto al realizador Patrick Ames, refleja la crudeza del desamor con humor y empoderamiento.

-    Lunes: Dirigido por el artista colombiano Junior Ward, radicado en Nueva York, transforma la rutina y el desamor en un himno de esperanza.

Track por track: Del principio al fin

1.    Intro: Un inicio íntimo con la voz de Idea Vilariño recitando sobre un fondo sin batería. Prepara al oyente para la travesía emocional que sigue.

2.    Larry J: Un guiño al hip hop clásico con flow directo y honesto. Es una declaración de raíces sonoras que conecta con quienes valoran la esencia del género.

3.    Principio: El punto de partida del relato: todo está por suceder. Ligero, expectante y lleno de promesas.

4.    Mila: Tema autobiográfico y revelador: La artista se nombra y se reconoce. Una canción fresca que reafirma su identidad y autenticidad en la escena independiente.

5.    Visaje: Fotografía sonora de un domingo lluvioso tras una ruptura. Con influencias de salsa y referencias a Rubén Blades, Mila entrega un relato de vulnerabilidad que conmueve desde el primer acorde.

6.    Centro: Canción que simboliza el equilibrio y el foco. Representa un momento de recogimiento y claridad dentro del relato del disco.

7.    Universo: Cierre luminoso y espiritual del álbum. Inspirada en una experiencia con Yagé, se convierte en un himno de resiliencia y amor propio. Su progresión jazzística aporta frescura y optimismo, consolidándola como una de las piezas más poderosas de la carrera de Mila Days.

Actualmente el álbum se encuentra disponible en todas las plataformas.

La canción no solo trae un sonido poderoso; también despierta memoria, identidad y crítica social desde una mezcla explosiva de ska, dub y rock.

Jahsong, vocalista de Lion Family Band, explicó que la idea no era solo sacar un sencillo más, sino “hacer música que hable de lo que somos como país, con todo lo bonito y lo duro que llevamos dentro”. Para él, ‘Punto Red’ es un viaje sonoro que conecta con la historia de la Punto Rojo, una variedad de cannabis nacida en el corazón de Colombia y convertida en símbolo cultural en los años 70.

Este tema reúne a músicos de Skampida, Lion Family Band, The Klaxon y ex Alto Grado, mostrando algo que pocas veces ocurre en la escena: Artistas de diferentes generaciones tocando por una misma causa. Jahsong lo resumió así: “Esto no es un featuring comercial, es una familia musical que se junta porque la música nos une más que cualquier industria”.

El sonido de ‘Punto Red’ está lleno de energía y capas sonoras: Baterías que marcan el pulso del ska, bajos profundos del dub y una base electrónica que lleva a este proyecto a un territorio moderno. Según Jahsong, “queríamos que la canción se pudiera bailar, pero que también dejara pensando… que la gente sienta el bajo en el cuerpo y el mensaje en la cabeza”.

Además de su fuerza musical, el sencillo despierta conversación sobre las raíces colombianas y la percepción cultural de la planta en el país. No desde el estigma, sino desde su lugar en la memoria colectiva. “Aquí no se trata de promover nada, se trata de reconocer que hay historias que hacen parte del territorio, y que la música ayuda a contarlas sin juzgar”, comentó Jahsong durante la entrevista.

El lanzamiento también marca el inicio de una gira donde las bandas interpretarán este tema en vivo en varios escenarios del país. Para Jahsong, lo más importante es la conexión con la gente: “Ojalá el público escuche ‘Punto Red’ no solo como una canción, sino como un sonido que nos recuerda de dónde venimos y lo que todavía podemos transformar”.

En una escena musical fragmentada, ‘Punto Red’ llega como un experimento colectivo que apuesta por la autenticidad, la memoria y el poder del arte.

En Colombia, el reggae ha crecido a contracorriente, construyendo su historia desde la independencia artística, los sonidos de barrio y la conexión con las raíces afrocaribeñas. A lo largo de las últimas décadas, este género ha evolucionado más allá de los clichés tropicales para convertirse en un lenguaje de resistencia, espiritualidad y amor. Dentro de esa historia, pocos nombres resuenan con tanta coherencia y autenticidad como el de Javier Alerta, pionero y voz emblemática del reggae hecho en Colombia.

Desde los días en que fundó Alerta Kamarada, Javier Alerta ha mantenido una búsqueda constante por el equilibrio entre la raíz y la renovación. Su música ha acompañado marchas, festivales y despertares colectivos, pero también ha sabido volverse íntima, reflexiva y humana. Así lo demuestra de nuevo con ‘Brixton in Love’, una exploración que alcanza una nueva dimensión y de la que el artista habló en entrevista con ‘Amantes del Círculo Polar’.

“El año pasado tuvimos la oportunidad de viajar con la banda a Londres y fue una experiencia inolvidable, realmente algo maravilloso. La misión era ir a grabar, grabar un álbum (...) y apareció Dennis Bovell, tuvimos la oportunidad de entrar y producir con este señor, escribir canciones allá, componer algo muy lindo y el pasado 10 de octubre ya quedó en las plataformas. Ya la gente puede encontrar el lado A”, reveló Javier Alerta. 

Grabado en el mítico Map Studios de Londres, el álbum marca un homenaje al espíritu del lovers rock, subgénero nacido en los años setenta en el Reino Unido que transformó el reggae en un vehículo de ternura y afecto. Alerta se une a Dennis Bovell, figura fundamental del reggae británico y arquitecto del sonido lovers, quien se encargó de la producción y mezcla del disco. Todo junto a un equipo técnico de nivel internacional, con Duncan Thornley en la grabación y Manuel Scaramuzzino en la masterización, quien aportó la calidez y profundidad sonora que caracterizan su trabajo.

El proceso creativo fue tan orgánico como fiel a las raíces: La agrupación grabó en vivo, al estilo de las sesiones clásicas de los años dorados del reggae. Esa decisión le dio al disco una textura real, un respiro compartido entre los músicos, que se siente en cada acorde y cada línea vocal. El resultado es un trabajo de madurez artística que celebra el amor, no solo como tema lírico, sino como fuerza que une geografías, culturas y generaciones.

“Queremos coger la energía de lo que estamos viviendo y en la música me parece que es muy necesario. Coincidimos con los de la banda en eso (...) Lo de Londres queríamos hacerlo igual. Londres para nosotros marca un destino súper importante para el reggae porque muchos artistas de reggae han pasado por Londres, han hecho grabaciones en este lugar, entonces hay una energía que quisimos vivir y caminar”, agregó Alerta en entrevista con LAUD 90.4 FM ESTÉREO.

Este lanzamiento incluye además una edición especial en vinilo doble de 10 pulgadas, con un atractivo contraste entre las versiones originales y reinterpretaciones dub que expanden la experiencia sonora. Este formato físico no solo apela a los coleccionistas, sino que reafirma la apuesta de Alerta por mantener vivo el sonido raíz del reggae.